Por: Rubí Sánchez (@rubynyu)

El cine de terror es uno de los géneros más consumidos en todo el mundo. Las sensaciones que provoca son buscadas por los espectadores ávidos de vivir, desde la seguridad de la butaca, situaciones escalofriantes que los lleven al límite. 

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En la última década hemos observado un aumento en las producciones de este corte dirigidas por mujeres, quienes están aportando nuevas directrices al género.

A continuación cinco directoras de diferentes países, quienes en los últimos años han trabajo el terror aportando nuevas historias desde diferentes lugares del mundo.

Mari Asato

Directora y escritora japonesa que comenzó su carrera como fotógrafa. Otorga a sus películas el misterio característico del cine actual japones.  Se ha valido de elementos clásico del terror como el doppelgänger o el regreso de un familiar fallecido. En sus primeros trabajos empleaba características del body horror, que en sus entregas recientes se han vuelto más delicados, apostando más por la tensión que por lo gráfico.  

Fatal Frame (2014), una de sus cintas más conocidas, está basada en una saga de videojuegos y narra las distintas maldiciones que rondan una escuela femenina, desencadenas por una fotografía maldita. La trama se vale del referente de Ofelia, personaje de Hamlet (William Shakespeare), para hablar de los secretos de las alumnas. 

El terror está presente con las apariciones etéreas que, sin necesidad de grandes efectos sonoros o visuales, causan escalofríos. Otros buenos ejemplos para adentrarte a su obra son: Ju-on: Black Ghost (2009) Bilocation (2013) y Under Your Bed (2019).

Karyn Kusama

Directora estadounidense que ha experimentado con otros géneros como la ciencia ficción en Æon Flux (2005), y el thriller con Destroyer (2018).  Su trabajo en el terror se caracteriza por transfigurar elementos clásicos, como la femme fatale o el home invasion.  Participó en la antología XX (2017) junto a Jovanka Vuckovic, Roxanne Benjamin y ST Vincent. Su segmento Her only living son apela a una maternidad proteccionista extrema.  

Su película Jennifer’s Body (2009) aborda la amistad femenina y las tensiones clásicas de la adolescencia desde una mirada cómica y terrorífica. Juega con el tropo clásico de la chica sensual contra la chica nerd, pero logra darles una profundidad característica.  

Otro de sus trabajos cercanos al género es The Invitation (2015), en donde maneja la sensación de encierro y  la paranoia en una cena entre amigos que se cruza con cultos suicidas. 

Actualmente trabaja en una nueva versión de Drácula para Blumhouse y Universal.

Hélène Cattet

Directora y escritora francesa quien de la mano de su esposo Bruno Forzani ha conseguido afianzar una carrera por lo estilizado de sus películas, cercanas al terror gótico y, en ocasiones, con elementos demasiado gráficos. Ambos participaron en la antología The ABCs of Death (2012) -que reúne a 26 directores de todo el mundo- con el cortometraje O is for Orgasm. 

Su propuesta cinematográfica parte del uso de referencias estilísticas del giallo y el western. En su cine es importante la sensación que dejan las texturas y el uso de close ups. Amer (2009), su título más elogiado, sigue a Ana durante varias etapas de su vida, retratando desde experiencias sobrenaturales hasta el temor ante el acoso, terror que se siente por la cercanía del asesino más que por sus actos. 

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Otros de sus filmes son: L’étrange couleur des larmes de ton corps (2013), el cual combina la violencia con colores neón, y Laissez bronzer les cadavres (2017), más cercano al homenaje al western con las apariciones ocasionales de un fantasma dorado.  

Jennifer Kent

Directora y escritora australiana. Comenzó su carrera en el cine como ayudante de director de Lars von Trier en su cinta Dogville (2003). Su primer largometraje fue la adaptación de su corto Monster (2005), que se convirtió en The Babadook (2014).

The Babadook sorprendió por su manejo de la maternidad a través de los miedos que nadie quiere tocar. Su tratamiento del terror parte de la psicología de sus personajes, quienes extrapolan sus traumas a lo sobrenatural. Importante es el uso de visuales que materializan los miedos. 

Su segundo largometraje, The Nightingale (2018), se acerca al subgénero de la venganza por violación, en este caso ubicada en una Tasmania colonizada, permitiendo que dos venganzas se consigan. Alice + Freda Forever, película esperada para 2021,  se encamina más hacia el suspenso a partir de la historia de un asesinato entre dos adolescentes. 

Veronika Franz

Directora y escritora austriaca. Inició su carrera escribiendo crítica de cine, después como guionista para su esposo, el director Ulrich Seidl, conocido por Safari (2016). Su acercamiento a la dirección empezó con Severin Fiala (sobrino de la pareja), con quien dirigió el documental Kern (2012) sobre el actor Peter Kern, favorito de Rainer Werner Fassbinder.

Su siguiente colaboración, que los puso en el mapa del terror, fue Goodnight Mommy (2014), destacada por su perspectiva de la maternidad y de la perdida. En esta película el manejo de la hiperviolencia permite elevar el terror, contrastando con la pulcritud de las tomas y espacios.

Posteriormente trabajaron en Die Trud, segmento para la antología The Field Guide to Evil (2018) en la que la temática unificadora son los mitos. Su segundo largometraje, The Lodge (2019), se enfocó más en crear una atmósfera asfixiante.

Gigi Saúl Guerrero

Como bonus, tenemos a una directora mexicano-canadiense que ha llamado la atención por sus cortometrajes de terror. Su cine no le teme al gore y a lo explicito; elementos como las quinceañeras, la religión y  los luchadores han sido parte esencial de su cine. Ha participado en las entregas antológicas: México bárbaro (2014), ABCs of Death 2 1/2 (2016) y The Source of Shadows (2020).

Su primer largometraje, Culture Shock, forma parte de la serie Into the Dark para la plataforma Hulu. Protagonizada por Marta Higareda, es una fantasía distópica sobre la migración, en la cual contrasta lo árido del desierto con una ciudad color pastel. Se encuentra realizando su película 10-31, producida por Eli Roth.

Por: Cuauhtémoc Juárez Pillado (@cuaupillado) 

El cine latinoamericano se ha posicionado en los últimos años como un semillero importante de propuestas fílmicas y un espacio para las voces creativas. Desde comedias románticas hasta películas más experimentales, la aportación de Latinoamérica a la historia del cine se nota por el interés del cinéfilo mundial, quien voltea a ver con más frecuencia lo que se produce en la región.

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En años recientes, las producciones de países como México, Brasil y Argentina han pisado fuerte en los festivales más prestigiosos del mundo. Ante ello, otros países latinoamericanos han aprovechado este interés por las narrativas locales para fomentar e impulsar la creación de un cine propositivo y autoral que comparte espacios de exhibición con el cada vez más aplastante cine hollywoodense.

Chile es, junto a Colombia, uno de los países hispanohablantes con más proyección internacional en los últimos años. Sus premios y nominaciones en festivales importantes delatan un cine de la más alta calidad, bien escrito y producido, con una capacidad para abordar distintos temas sin ningún tipo de restricciones, aunque ahondando en el tema político debido al contexto histórico y social del país.

La primera película que podríamos clasificar dentro de este “boom chileno” es La nana (Sebastián Silva, 2009). En ésta se presenta la vida monótona de la introvertida Raquel, quien lleva trabajando 23 años en la casa de la familia Valdés como nana. Debido a algunos conflictos internos, la familia contrata a una nueva empleada para ayudarle a Raquel con repartirse las tareas del hogar, pero ella, que ve peligrar su papel en la casa, se dedica a hacerle la vida imposible a las nuevas ayudantes. 

Producida con muy bajo presupuesto (430 000 dólares) y rodada casi enteramente en una misma locación, esta película fue bien recibida por su historia sin intenciones de hacer crítica social (aunque aparentemente la hay) y también por su planteamiento visual. Grabada con cámaras de video, las imágenes  sobreexpuestas, el grano y los movimientos cámara en mano son fundamentales para involucrarnos de una manera más íntima en la vida de Raquel.

La nana debutó en Sundance, donde recibió el Gran Premio del Jurado y un premio especial para la actriz Catalina Saavedra. Consiguió más de 20 premios internacionales, entre los que destaca el Colón de Oro a Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Actriz en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva y los premios de la Crítica y Mejor Actriz en el Festival de Cartagena de Indias. También resaltan sus nominaciones a los Premios Ariel como Mejor Película Iberoamericana y su nominación a los Globos de Oro en la categoría de Mejor Película en Lengua No Inglesa, siendo la primera cinta chilena en lograrlo.

Dos años después se estrenó Violeta se fue a los cielos (Andrés Wood, 2011), una producción entre Chile, Francia y Argentina que narra en una estructura no lineal la vida de la cantautora Violeta Parra y se enfoca en los puntos más importantes que definieron su vida y su carrera musical.

Abordar las vidas de los cantantes suele ser una tarea complicada debido al halo místico que sus fans les adjudican, por lo que una adaptación cinematográfica siempre generará comentarios y opiniones encontradas. En el caso de Violeta se fue a los cielos, se retrató a una de las cantantes latinoamericanas más importantes de forma bastante cercana a los sucesos reales y esto es gracias a la dirección de Andrés Wood, que no sólo no teme contarnos la vida de Violeta Parra en una estructura no lineal, también aprovecha otros recursos como la música y el sonido para hacer la experiencia más poética y no tanto cinematográfica.

La biopic de Violeta Parra obtuvo múltiples premios internacionales: el Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance, los de Mejor Dirección y Mejor Actriz en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, así como sus nominaciones a los Premios Ariel y a los Premios Goya como Mejor Película Iberoamericana.

Casi al mismo tiempo llegó No (Pablo Larraín, 2012). Protagonizada por el mexicano Gael García Bernal y dirigida por uno de los cineastas chilenos más activos de la actualidad, la película cuenta cómo se desarrolló el plebiscito chileno de 1988 que puso fin a la dictadura del general Augusto Pinochet, en donde sólo habían dos opciones: votar SÍ para extender por ocho años el gobierno del general o votar NO para convocar a elecciones. La cinta enfatiza en cómo se desarrolló la campaña por la opción NO con estrategias propias de la publicidad, y de esa forma se le mostró a los chilenos que existía una posibilidad de cambiar los años de gobierno autoritario por un futuro más alegre. Grabada con cámaras de video de la época, la película se distingue por una atmósfera casi documental; hay momentos en donde se vuelve muy difusa la línea entre lo que es imagen de archivo y lo que es puesta en escena.

No ganó varios premios internacionales como los Premios Fénix y los Premios Platino en la categoría de Mejor Guion. También resalta su nominación a los Premios Ariel como Mejor Película Iberoamericana y además se convirtió en la primera producción chilena candidata al Oscar como Mejor Película en Lengua Extranjera.

Los perros (Marcela Said, 2017) también aborda el régimen autoritario de Pinochet, pero desde la perspectiva femenina y muchos años después: Mariana es una mujer que vive cómodamente y experimenta los hobbies y los placeres de la adinerada clase alta chilena. Acostumbrada y a la vez aburrida del ambiente machista en el que se encuentra, advierte un particular interés por su maestro de equitación, lo que desata una ola de sucesos que revelan el rol que jugó su entorno social en la dictadura chilena y la ambigüedad moral de los que se beneficiaron del antiguo régimen.

Se trata de una película que juega mucho con la moral y los roles de poder. Por un lado tenemos personajes bastante ambiguos: ellos se saben beneficiados por la dictadura que hace décadas acabó, pero no lo quieren reconocer abiertamente en su presente acomodado. Por el otro lado hay una denuncia a ese machismo que somete a las mujeres dentro de sus círculos sociales y que en cierto modo esa presión las obliga a querer tomar el control de su vida y buscar rebelarse… o seguir disfrutando de los beneficios de ese sistema que las oprime.

El paso de Los perros por festivales internacionales fue bastante exitoso: a partir de su estreno en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes, la película tuvo presencia en festivales de cine como el de San Sebastián, de Munich, de Chicago, de Calcuta o de El Cairo.

Ese mismo año llegó a las pantallas Una mujer fantástica (Sebastián Lelio, 2017), que narra la historia de Marina, una joven transgénero que trabaja como cantante y mesera en un bar de Santiago de Chile. Su novio Orlando, con quien tiene planes de una vida juntos, sufre un aneurisma durante la noche y muere. Su fallecimiento desencadenará un cúmulo de situaciones de discriminación por parte de la familia de Orlando, quienes tienen serios conflictos con su transexualidad y la relación que sostenían ambos.

En la película protagonizada por la actriz Daniela Vega vemos a una mujer que defiende su identidad sin caer en lo panfletario. A pesar de su carácter pacífico, Marina no es una persona débil porque en todo momento se cuida del conflicto. Ella es un ser transgresor que con su presencia incomoda a la conservadora familia de Orlando, pero también reclama su derecho como ser humano de despedirse de su ser amado. Marina es tan estoica como para aguantar el rechazo de la sociedad, pero también es tan fantástica como para permitirse soñar despierta.

La entrega de Sebastián Lelio es probablemente la película chilena más exitosa de la historia tanto en premios como en nominaciones: debutó en el Festival Internacional de Cine de Berlín, donde ganó el Oso de Plata al Mejor Guion y el Teddy Award por Mejor Largometraje; recibió el Independent Spirit por Mejor Película Extranjera los Premios Goya y Ariel en la categoría de Mejor película Iberoamericana; así como Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Actriz y Mejor Guion en los Premios Platino. Para culminar, Una mujer fantástica fue nominada a los Premios Óscar por Mejor Película Extranjera y se convertiría en el primer filme chileno en ganarlo.

Una de las últimas sorpresas del cine chileno es Tarde para morir joven (Dominga Sotomayor, 2019). Ubicada en el año de 1990, los protagonistas Sofía y Lucas (de 16 años) y Clara, de 10, son integrantes de una comunidad aislada que vive por la cordillera de los Andes, en aparente libertad después del final de la dictadura. Los tres niños deben sobrellevar esta vida idílica al mismo tiempo que aprender a lidiar con sus emociones, con sus miedos y con el primer amor. Todo esto mientras la comuna se prepara para una gran fiesta de Año Nuevo.

La dirección de Dominga Sotomayor es clave para representar ese choque entre las preocupaciones de los niños con las que tienen los adultos y cómo éstas influyen en el desarrollo de su comunidad. Al ser una película que evoca un momento preciso en el tiempo, la directora aprovecha varios recursos narrativos para representar lo real y lo onírico: la cámara lenta, las exposiciones múltiples y los fuera de foco, elementos que en complicidad con el trabajo fotográfico de Inti Briones refuerzan un sentimiento de nostalgia en las imágenes.

Esta película también fue un hito en la historia del cine chileno ya que le mereció a Dominga Sotomayor el Leopardo de Oro a Mejor Dirección en el Festival de Cine de Locarno, siendo la primera vez que se le otorgaba a una mujer. Tarde para morir joven también pasó por festivales como los de Toronto, Róterdam, Londres, Viena o el FICUNAM en la Ciudad de México.