Enseñanzas de Robert Bresson para realizadores

Por: Erik León (@erictronikRKO)

Robert Bresson, uno de los directores clásicos del cine francés, se caracterizó por ser un autor con una enorme dureza expresiva y, al mismo tiempo, gran humanidad en todos sus proyectos, lo cual lo convirtió en un creador difícil de imitar.

Quizá su película más conocida es Diario de un cura rural (1950). Posterior a la realización de este título se lanzó a realizar libres adaptaciones de novelas de Dostoievski, entre ellas: Pickpocket (1950), adaptación de Crimen y Castigo; Al azar Baltasar (1966), de El idiota; y Una mujer dulce (1969), adaptación de la novela corta La mansa.

Su forma tan peculiar de ver el cine es toda una enseñanza para aquellos que quieran tomar su filosofía como creador. En 1975 se imprimió un libro titulado Notas sobre el cinematógrafo, el cual recoge las mejores reflexiones de Robert Bresson.

A continuación recopilamos una muestra de 10 puntos que te podrán servir si te dedicas, o buscar dedicar, a la realización.

1 Desembarazarme de errores y falsedades acumulados. Conocer mis recursos, estar seguro de ellos. La facultad de aprovechar mis recursos disminuye cuando su número aumenta.

2. Controlar la precisión. Ser yo mismo el instrumento de precisión.

3. Lo que ningún ojo humano es capaz de atrapar, lo que ningún lápiz, pincel o pluma es capaz de fijar, tu cámara lo atrapa sin saber qué es y lo fija con la esculposa indiferencia de una máquina.

4. Las ideas, esconderlas, pero de manera que se las encuentre. La más importante será la más oculta.

5. Un pequeño tema puede servir de pretexto a combinaciones múltiples y profundas. Evita los temas demasiado vastos o demasiado alejados, donde nada te indica cuándo te extravías. O bien toma sólo aquello que podría pertenecer a tu vida y que concierne a tu experiencia.

6. Si el ojo es conquistado por completo, no dar nada o casi nada al oído. No se puede ser a la vez todo, ojo y oído.

7. Para un actor, la cámara es el ojo del público.

8. Las cosas muy en desorden o muy en orden se igualan, no se las distingue más. Producen indiferencia o tedio.

9. Un grito, un ruido. Su resonancia nos permite adivinar una casa, un bosque, una llanura, una montaña. Su rebote nos indica las distancias.

10. Nuestros ojos y oídos no exigen la persona verídica, sino la persona verdadera.

Aquí puedes leer gratuitamente el libro completo. 

Festival de Cine de Tribeca contemplará videojuegos en su programación 2021

La industria de los videojuegos es una de las más poderosas en el mundo en este momento, y poco a poco se comienza a aprovechar su potencial no sólo como entretenimiento, sino como forma narrativa. En 2021, el Festival de Cine de Tribeca permitirá que videojuegos sean inscritos para ser considerados en su programación.

Las producciones que sean seleccionadas podrán competir por el nuevo premio Tribeca Games Award. “Aunque en algún momento había una clara división entre medios, ahora estas líneas están difuminadas. Las historias se han vuelto juegos y los juegos se han vuelto historias. Se le debe un extenso reconocimiento a aquellas voces que encabezan este cambio en el panorama y queremos ser un hogar para esos creadores cuyo increíble trabajo debe ser celebrado”, dijo Jane Rosenthal, cofundadora del Festival y de Tribeca Enterprises, en un comunicado de prensa.

Este evento ya posee una tradición de incluir otros mecanismos expresivos en su alineación y, particularmente, de juegos de video. Fueron el primer festival en la historia en contemplar un juego en su programa: L.A. Noire de Rockstar Games en 2011. En años siguientes se incluyeron otros títulos de este soporte, los cuales se caracterizan por ser más “cinematográficos” como fueron What Remains of Edith Finch (2017), el reboot del bélico God of War (2018) y la producción de Hideo Kojima, Death Stranding (2019).

En épocas recientes, hemos sido testigos de cómo ambas plataformas se han mezclado cada vez más, derivando en videojuegos que incluyen secuencias interactivas con cinemáticas muy avanzadas, así como productos fílmicos que involucran la interacción, como puede ser Carne y Arena (2017) de Alejandro G. Iñárritu o Bandersnatch (2018), cinta interactiva para televisión de la serie Black Mirror, creada por Netflix.

Nia DaCosta, Jon Favreau, Bing Gordon, Geoff Keighley, Sam Lake, Kiki Wolfkill y Kojima Hideo son las personalidades y profesionales del cine y los videojuegos encargados de asesorar e integrar la programación de videojuegos en el próximo Festival de Cine de Tribeca.

Huachicolero: ladrón que roba a ladrón tiene… ¿una lección?

A pesar de que es un negocio que ha sido llevado por generaciones, el término “huachicol” entró al ojo público en el año 2019 cuando se reportó una escasez en el abasto de gasolina en México. Cuando se le preguntó al presidente por qué estaba sucediendo esto, respondió que se debía al combate contra esta práctica, que era una respuesta de los huachicoleros porque les quitaron su negocio. “Huachicol” se refiere al robo de gasolina desde los ductos que la transportan. Es un delito federal que mantuvo familias y ahora, supuestamente, se terminó en cuestión de meses.

En una coyuntura afortunada para los involucrados, el escándalo —que fue más breve de lo que se recuerda—, dio visibilidad a Huachicolero (Edgar Nito, 2019), largometraje que abordaría dicho “empleo” desde la ficción. Esta película elabora la transformación de Lalo (debutante Eduardo Banda), chico timorato y menso de secundaria, en un aprendiz de huachicolero para obtener lana y ganarse la atención de Ana (Regina Reynoso), su crush.

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Ubicada en un pueblo del norte del país donde se vislumbra la escasez provocada por la pobreza y el narcotráfico, notamos desde el principio el contraste entre el ambiente y la personalidad del protagonista: un entorno hostil que encierra a un niño muy noble, quizá demasiado para su propio bien. En este matiz se concentra el hilo principal de la trama y uno de los mayores clichés en las producciones nacionales que tocan problemáticas sociales: el recto que, por equis o ye, obra mal y termina con una enseñanza divina.

A pesar de que actualmente pueda lucir burda una historia de un hombre entrando a la delinquir por las miradas de una mujer, en este caso de un chavito puberto enamorado de la niña popular de la escuela, es una motivación verosímil cuando la edad no te deja ver más allá de tus hormonas y más en tu contexto donde es posible acceder al dinero fácil pero peligroso (o ilegal). La inocencia ciega al chico que entró a una cadena alimenticia; sin saberlo o ignorándolo, es el último eslabón.

Este naturalismo queda efectivamente sostenido por Eduardo Banda, quien luce cómodo en lo que parece una interpretación de él mismo. Las virtudes de un primerizo como la franqueza en los gestos y la entonación de sus líneas en determinadas situaciones, lucen, así como se distinguen los defectos como son la falta de expresión emocional en momentos culminantes. Se delata terriblemente en las dos escenas climáticas, donde más se requería de, como tal, actuación.

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El trabajo de fotografía de Juan Pablo Ramírez tiene planos de notable sofisticación e incluso atrevimiento en el seguimiento de los personajes. Destaco su labor de iluminación en uno de los picos donde, irónicamente, interviene en menor medida para dar una de sus peores jugadas. En la secuencia de pelea entre Lalo y Rulo (Pedro Joaquín), el otro pretendiente de Ana y quien lo mete al negocio, la iluminación aprovecha la llamarada que se crea para rellenar a las figuras, lo que es una exhibición de astucia en producción; no obstante, también se entorpecen las acciones tanto por la sacudida de la cámara como por el terrible montaje. Vaya, hasta les toman los pies para dar una sensación ¿vertiginosa? Lo que pudo ser un excelente momento igualmente por los efectos especiales, se arruina por completo debido a su estructura.

Otros desperfectos quedan expuestos en la secuencia final. No adelantaré cómo, pero Lalo tiene una lección importante por su actuar. Desde el solo hecho de que se le deba dar “una enseñanza” a un personaje que se comporte “mal” como si se tratara de un destino ineludible, es un recurso muy básico. Insisto, este es uno de los vicios más añejos del cine nacional, producto entre otras cosas de la moral religiosa. En la mayoría de los casos se trata de una curva dramática que puede gustar o no —subjetividades—, pero tiene sentido. Ahora, en la adjetivación cinematográfica que coloca música estridente al instante de que se detona el escarmiento para el estelarista y en la elección de los planos, se confirma que este filme, a pesar de tener cimientos argumentales simples pero congruentes, se agrieta profundamente en la ejecución.

No podría decir que Huachicolero es una obra totalmente fallida, pues posee aspectos interesantes para ser una ópera prima. Sin embargo, es innegable que la realización no alcanza a topar la pertinencia alrededor de su relato. Eso sí, el aro de fuego (espero que cachen la referencia) les salió fabuloso.

Feels Good Man: la historia detrás del meme

Hace 10 años, nadie hubiera imaginado que los memes tendrían la relevancia que tienen hoy. En ese entonces, las figuras primarias que compartíamos eran unos dibujitos de bolitas y palitos que tenían expresiones graciosas y servían para situaciones específicas —recordemos el “:challengeaccepted:” o el “:trollface:”—. Ahora, el diseño y su polisemia han explotado a tal nivel que no imaginamos la comunicación ni el acontecer posmoderno diario sin ellos.

Uno de los primeros memes reconocibles y a color fue Pepe The Frog, el cual era utilizado para publicaciones de humor triste o melancólico. Feels Good Man (2020), documental dirigido por Arthur Jones, cuenta la historia de “vida” de la famosa imagen; desde su nacimiento en la cabeza del artista Matt Furie hasta su conversión a símbolo de la alt-right (grupo de conservadores caracterizado por tener ideas reaccionarias y usar los medios digitales para diseminar sus mensajes). ¿Cómo demonios una inocente rana de párpados caídos terminó sirviendo como figura indisociable de la derecha?

A través de una estructura compuesta por entrevistas a diferentes figuras —cabezas parlantes— y material de archivo, casi todo comentado por el creador, se describe este extraño descenso a la oscuridad de un personaje originalmente creado para un cómic adolescente que relataba las aventurillas de cuatro amigos con personalidades diferentes. De hecho, Pepe era el más relajado de todos…

La película hace su mejor esfuerzo en tratar de explicar y comprender cómo es que una dibujo sin malas intenciones o dobles fondos fue sacado de contexto para, inicialmente, inundar los primeros foros web con chistes sobre la desgracia y la mala suerte, así como transformarse en insignia de los NEETs (Not in Employment, Education or Training por sus siglas en inglés, “nini” sería su traducción al mexicano). Diversos usuarios de aquellas plataformas recuerdan haber visto un meme con Pepe que contaba un mal día, un plan que no salía bien o la simple soledad en un día sin mucho que hacer, tal como si proveyera de un sentido de identificación. Ese tipo de publicaciones fueron aumentando hasta convertirse en tendencia de los bajos estratos de internet, hasta entonces… El contraste entre las perspectivas de “navegantes” con las de expertos en interacciones digitales es sumamente interesante, pues cada motivo suena tan plausible como el anterior, incluso aquel que cita simple desahogo del ocio por parte de los internautas.

Después, ocurre el rompimiento con la entrada de Pepe al mainstream tras ser usado por cantantes famosas en sus redes. En este punto, comienza la examinación de una parte importante de la nociva cultura del internet: el ataque a los “normies” (término despectivo usado para describir a personas con gustos, intereses y creencias comunes). Es decir, que “su ícono” ahora sea popular les molestó tanto que comenzaron a transformar su utilización para que fuera lo más ofensiva posible. Internet es un entorno fascinante, pero indiscutiblemente agresivo, irracional y un tanto incomprensible.

Feels Good Man explora caminos similares a su prima espiritual TFW NO GF (Alex Lee Moyer, 2020) al internarse en la psicología de las publicaciones discriminatorias (racistas, xenófobas, sexistas y demás) al mismo tiempo que les busca un propósito y un trasfondo. Es decir, ¿son todas las personas que hacen este tipo de “bromas”, seres genuinamente peligrosos o con intenciones de dañar? Probablemente no, pero ¿cómo saber quiénes sí y quiénes no? ¿Cuáles son los límites del humor? Asimismo y como pasa en el otro documental, se vale del recurso de una animación preciosa y muy dank para representar el momento, por muy turbio que éste sea.

Sin embargo, este filme va todavía más allá al esta rana desafortunada verse involucrada en la política, específicamente en la contienda electoral de Donald Trump. De este modo, el argumento extiende sus ramas para reflexionar conceptos como la posverdad, noción especialmente relevante para comprender el fenómeno de su elección como mandamás del planeta y buena parte del contacto humano en la actualidad. ¿Qué tanto de verdad tiene una mentira o un hecho/material sin bases estrictamente factuales?

Es 2020 el año en el que se empiezan a hacer películas sobre memes y ambas aquí citados son fascinantes. Feels Good Man es un excelente trabajo investigativo y de adjetivación en pantalla de un tema aparentemente banal. Sus dos núcleos de trama, la metamorfosis discursiva de Pepe y el viaje emocional de su creador al ver su obra viciada, son muy potentes al no dejar de lado su contexto sociocultural y se desarrollan con grandes virtudes para alcanzar lo más importante en materia documental: la pertinencia. Este es un tema actual y ejercicios fílmicos como éste serán referentes en el futuro. Qué mejor que alcancen notas tan altas, tanto argumental como cinematográficamente.

Cinco destacadas actuaciones de Will Smith

Por: Erik León

Siempre que se mencionan actores a quienes es imposible que el público odie, el nombre de Will Smith está presente. Un intérprete que inició su carrera como comediante de la popular serie El príncipe del Rap, la cual le dio el cariño de la audiencia, pero no así la seriedad para que ser considerado un buen actor.

Muy al inicio en su carrera en Hollywood le daban papeles relacionados a la acción/comedia, por lo que todavía hay quien dudaba de sus capacidades histriónicas. Sin embargo, Will Smith demostró en varias ocasiones que con un guion de calidad y con la ayuda de un buen director que sacaran lo mejore de él, podía entregar actuaciones para recordar.

En este listado de recomendaciones no encontrarás sus películas más taquilleras como El día de la Independencia o Soy Leyenda, ni tampoco sus cintas más conocidas como Hombres de Negro o Bad Boys;  se trata de cinco de sus actuaciones más interesantes.

Seis grados de separación ( Fred Schepisi, 1993)

Una de las películas más desconocidas del actor, dado que ocurrió dos años antes de que se diera a conocer como un héroe de acción con la primera película de Bad Boys. Si bien Seis grados de separación está lejos de ser una cinta perfecta, cuenta con un guion original y los primeros destellos de una buena interpretación de Will Smith,  quien se mete en la piel de un joven homosexual que busca introducirse hábilmente en el mundo de los marchantes de arte neoyorquinos, haciéndose pasar por el hijo de uno de ellos.

Lo que más vale la pena en este título son las actuaciones de los tres protagonistas: Donald Sutherland, Will Smith y Stockard Channing, interpretación que le valió una nominación al Oscar como Mejor Actriz. También tenemos a Ian Mckellen en un rol secundario, y a la banda sonora realizada por Jerry Goldsmith vale la pena ponerle atención.

La verdad oculta (Peter Landesman, 2015)

En esta historia basada en hechos reales, Will Smith interpreta al doctor Bennet Omalu, un neuropatólogo forense quien descubrió el síndrome postconmoción cerebral que tanto daño causó a numerosos jugadores de fútbol americano, provocando incluso el suicidio de muchas estrellas de la liga NFL afectadas por el síndrome.

¿Merecía Smith una nominación por esta interpretación?, está abierto a debate. Lo que sí es que la cinta logró entrar en polémica con la misma NFL, a la cual no le hizo nada de gracia que se estrenara esta película. El actor se ve cómodo interpretando a este personaje de nacionalidad nigeriana que le generó un reto igualar el acento.

En búsqueda de la felicidad (Gabriele Muccino, 2006)

Película dirigida por Gabriele Muccino que le valió una nominación al Oscar como Mejor Actor. La película sólo recibió cuatro candidaturas, tres de ellas para Smith; Oscar, Globo de Oro y Premio del Sindicato de Actores. Con el paso de los años se ha reconocido que el largometraje fue poco valorado cuando se estrenó, y que Will era merecedor de al menos de un premio.

Esta fue la primera película del director italiano fuera de su país, y pasó la prueba con creces: desarrolla con fluidez los conflictos dramáticos, y equilibra el optimismo de la historia con un tono un poco hiperrealista. La historia es el clásico sueño americano que hemos visto en otras cintas, pero la manera en la que es contada, y las actuaciones de Will Smith y su hijo, desbordan naturalidad y simpatía.

Will Smith interpreta a Chris Gardner, un vendedor con talento, pero su empleo no le permite cubrir sus necesidades más básicas. Tanto es así que acaban echándolo, junto a su hijo, de su casa. Ambos tendrán que afrontar muchas adversidades para hacer realidad su sueño de una vida mejor.

Siete Almas (2008)

La mancuerna de trabajo entre Will Smith y el director Gabriele Muccino había sido todo un éxito en En búsqueda de la felicidad, por lo que quisieron repetir la misma fórmula, pero ahora con menos suerte. Siete almas es de esas películas llenas de drama pero que no terminan por atrapar al espectador. Si se encuentra en esta lista es básicamente por que ayudó a demostrar que Will puede ser un buen actor dramático siempre que se lo proponga.

En esta historia interpreta a Ben Thomas, un inspector de Hacienda de Los Ángeles que se pone en contacto con algunas personas para ayudarlas, pero las razones que lo mueven a actuar así son un misterio.

Ali (Michael Mann, 2001)

Fue la primera vez que Will Smith fue candidato al Oscar como Mejor Actor en la que muchos consideran como su mejor interpretación hasta la fecha. Si eres amante de las historias de boxeo, ya debiste haber visto Ali. Smith interpreta al legendario boxeador Muhammad Ali, captando el carisma de un hombre que abrió camino en la conciencia estadounidense.

El director Michael Mann logra llevar a la pantalla una cinta sobresaliente de la vida del famoso boxeador. Will Smith cuenta con una impecable caracterización y un notable esfuerzo físico que abarca kilos de más, peleas reales y un nuevo registro interpretativo con el que Smith consigue casi calcar la arrogancia de Alí y su forma de moverse en el cuadrilátero.

Estos son los títulos que llegarán a Netflix en octubre

 

La plataforma de streaming más popular en el mundo ha revelado la lista de títulos que agregará a su catálogo en octubre, los cuales van desde producciones originales hasta viejos conocidos que son dignos de mencionar, tal es el caso del universo Rocky. En febrero de este año, se hizo mucho ruido por el desarrollo en curso de la tercera parte de Creed. Sin embargo, el golpe pandémico ha sepultado en la incertidumbre esta entrega. Será el 23 de octubre que las siete películas de Rocky, protagonizadas por Silvester Stallone, serán liberadas en Netflix al mismo tiempo que las dos partes de Creed, protagonizadas por Michael B. Jordan.

También, la complicada relación de Christopher Nolan con la pantalla chica continuará. Mientras que en estos momentos Tenet batalla contra la crisis pandémica en taquilla, The Dark Knight (2008) llega a la plataforma el primer día del mes para completar así la trilogía de Batman, de la cual sólo se podía ver su inicio y final. Y el 12 de octubre llegará la recreación de una de las batallas más famosas de la segunda guerra mundial con Dunkerque.

Y claro, como ya es costumbre, el mes de octubre trae consigo películas acorde al mes del terror. Las primeras en aterrizar el 1 de octubre serán adaptaciones de novelas de horror: la versión de Ecos mortales (1999) del director David Koepp, así como las dos partes de Cementario de mascotas, la adaptación de la directora Mary Lambert de la novela de Stephen King. EL 16 de octubre llegará otra adaptación del mismo escritor estadounidense: It (2017), dirigida por Andrés Muschietti.

Mientras aún se espera la llegada a salas mexicanas de su segunda parte, Un lugar en silencio (John Krasinski, 2018) debutará en Netflix el 2 de octubre. 12 horas para sobrevivir (James DeMonaco, 2014), la iniciadora de la saga de La purga, estará en la plataforma el día 23. Y en lo que Dune, la nueva película de Denis Villeneuve, llega a las salas de cine, en Netflix se podrá ver a partir del 1 de octubre Blade Runner 2049 (2017), título dirigido por el cineasta canadiense. 

Respecto a los estrenos originales del gigante de la N, éstos se distinguen por una variedad entre adaptaciones de clásicos, series mexicanas y largometrajes estadounideses.

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Ahí te encargo: Del director de Guadalupe Reyes y del productor de Nosotros los nobles, la película muestra las desventuras de un publicista interpretado por Mauricio Ochmann. Su deseo de tener un hijo con su pareja se hace realidad a medias cuando le dejan encargado un bebé cuya madre parece eludir la responsabilidad de cuidarlo. La producción de Netflix, con todo el aroma a Videocine, llega el 2 de octubre.

Vampiros contra el Bronx: Osmany Rodríguez escribió y dirigió una comedia sobre un grupo de adolescentes del Bronx, quienes se ven en la necesidad de enfrentarse a vampiros para salvar a su vecindario de este peligro sobrenatural, y de paso acabar con la horrible gentrificación. También se estrena el 2.

El Halloween de Hubie: Adam Sandler regresa al prototipo de personajes adultos con sindrome de Peter Pan, a quienes es experto en interpretar. La historia del hazme reír del pueblo de Salem que tiene que enfrentar sus miedos para salvar el Halloween se estrenará el 7 de octubre. La película cuenta con el director ganador del Razzie, Steven Brill, quien anteriormente ha trabajado con Sandler en comedias como Los doble-vida (2016) y Sandy Wexler (2017).

Rapera a los 40: Escrita, dirigida, producida y protagonizada por Radha Blank, quien ganó en el festival de Sundance el Premio a Dirección en Drama de Estados Unidos. Radha se interpreta a sí misma en una comedia que parte de la crisis de una dramaturga por conseguir éxito antes de cumplir 40 años, reinventándose como la rapera RadhaMUSPrime. Se estrena el 9 de octubre.

Guía de una niñera para cazar monstruos: La adaptación de la serie de libros de Joe Ballarini se estrena el 15 de octubre. La cineasta Rachel Talalay dirigió la que quizá es la primera parte de una saga de aventuras fantásticas aptas para todo público sobre la niñera Kelly Ferguson, quien se une a una sociedad secreta de niñeras para salvar al chico que cuidaba del Boogeyman.

El juicio de los 7 de Chicago: Aaron Sorkin es reconocido por su pluma, la cual lo ha llevado a ganar el Oscar a Mejor Guion por La red social (2010) y Steve Jobs (2015). El 16 de octubre se estrenará el segundo largometraje en el que Sorkin figura también como director y el cual recrea los últimos y agitados años de la década de los 70 en Estados Unidos, durante el juicio de casi un año de siete activistas (en principio ocho) acusados de conspiración e incitación de la violencia durante las protestas antibélicas de la Convención Nacional Demócrata de 1968.

Rebbeca: La nueva adaptación de la novela inglesa de misterio gótico de Daphne du Maurier promete ser más fiel al material original que el clásico de Hitchcock de 1940. Ahora con Ben Wheatley de director, veremos a partir del 21 de octubre a Lily James en el papel de joven recién casada que se muda a la mansión de su nuevo marido, donde tendrá que lidiar con la sombra de la difunta esposa de este.

El cadáver: El primer largometraje del joven director noruego Jarand Herdal verá la luz el 22 de octubre. El trailer tiene imágenes que parecen homenajear a Ojos bien cerrados (Stanley Kubrick, 1999) con una atmósfera que recuerda un poco al estilo de Nicolas Winding Refn. Película de terror sobre una familia que, en la desesperación por conseguir comida tras un desastre nuclear, aceptan formar parte de una representación teatral en un hotel donde la situación se torna cada vez más siniestra.

Más allá de la luna: El más reciente proyecto que dirige Glen Keane, leyenda viviente de la animación, se estrenará el 23 de octubre. Coproducción de Pearl Studio y Sony Pictures, trata sobre la odisea fantástica de Fei Fei, niña superdotada que construye un cohete para conocer a Chang’e, diosa de la luna recurrente en la mitología china.

Amor de calendario: Comedia romántica protagonizada por Emma Roberts y Luke Bracey, cuyos personajes llegan a un acuerdo para ser sus respetivas parejas en las vacaciones familiares, esto con el objetivo de silenciar las críticas entrometidas de sus respectivas familias ante su soltería. Llega el 28 de octubre con un gran potencial de ser olvidada al día siguiente de su estreno.

La maldición de Bly Manor: La secuela de la exitosa serie La maldición de Hill House llegará el 9 de octubre. Creada por Mike Flanagan, esta segunda entrega viene de la mano del escritor Henry James, cuya novela Otra Vuelta de tuerca (1898) será la inspiración. 

Ai Weiwei realizó un documental sobre la crisis del COVID-19 en Wuhan

Cuando apenas se comenzaba a expandir la crisis pandémica a nivel mundial, autoridades sanitarias, como el epidemiólogo Bruce Aylward, dijeron admirar las “agresivas” medidas que China aplicaba para controlar el virus. Aunque las estrategias surtieron un efecto satisfactorio, la rigurosa eficacia por parte del gobierno ha resultado en la reflexión del artista y activista Ai Weiwei, quien en el documental Coronation muestra los días que vivió Wuhan durante el confinamiento.

El artista exiliado en Europa desde 2005 contactó a la red de artista y voluntarios de China para dirigirlos desde la lejanía; 12 de sus ayudantes comenzaron las grabaciones de entrevistas, recolección de imágenes en hospitales y calles, así como la rutina de los ciudadanos ante el confinamiento. Con tales escenas busca evidenciar el rigor militar, la brutalidad y la deshumanización que vivieron dentro del país.

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Las más de 500 horas de material grabado sirvieron al artista visual para crear preguntas alrededor de la situación y señalar el nivel de control como una muestra del dominio gubernamental ha distinguido al país asiático.

“China es una sociedad opaca, autoritaria, de estilo militar, bajo el control militar de una sola persona. No hay democracia, todas las acciones carecen de oposición. No tenemos información de cómo se produjo la pandemia, el número real de víctimas o de personas encarceladas por haber efectuado denuncias” declaró para la agencia AFP.

A lo largo de su trayectoria, el hombre de 63 años se ha convertido en una voz opositora de la política autoritaria China. Mucho de su trabajo como artista y cineasta (no sólo de su país) se ha enfocado en señalar las prácticas negligentes que el gobierno aplica con sus ciudadanos.

Después que los festivales de Venecia, Toronto y Nueva York (incluyendo a Netflix y Amazon) rechazaran la posibilidad de exhibir la película dentro de su programación, Weiwie decidió utilizar la plataforma Vimeo para darle visibilidad a su obra.

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Volverá Steve McQueen a la pantalla con la antología ‘Small Axe’

Por: Miguel Sandoval

Steve McQueen, director británico de la ganadora al Oscar 12 años de esclavitud (2012), ha trabajado, conjuntamente con la BBC en una antología de producciones para Amazon Prime Video. Según Collider, se trata de “cinco historias personales” ambientadas en la comunidad de las Indias Occidentales de Londres, desarrolladas entre 1960 y 1980. El título del proyecto, Small Axe, fue tomado del proverbio africano “If you are the big tree, we are the small axe” (“Si tú eres el gran árbol, nosotros somos el hacha pequeña”).

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Tal como apunta IndieWire, estos relatos toman inspiración de sucesos de la vida real, en los que “gente ordinaria muestra coraje, fe y resiliencia” para sobrepasar las injusticias y alcanzar la transformación de sus ciudades. John Boyega (Star Wars), Letitia Wright (Black Panther) y Jack Lowden (Dunkirk), son algunos de los talentos que participan en las producciones, cuyas breves sinopsis te presentamos a continuación.

Mangrove

La película sigue a Frank Crichlow, dueño del restaurante caribeño de Notting Hill, además de líder de las Panteras Negras en la ciudad de Mangrove, donde gobierna un “régimen racista de terror”. Cuando Frank y ocho activistas son arrestados injustamente por provocar disturbios, comienza una batalla legal contra la discriminación, a la par que un juicio enormemente publicitado.

¿Cuándo se podrá ver? El 20 de noviembre.

Lovers Rock

Oda al sonido del reggae romántico, mejor conocido como ‘Lovers Rock’, esta entrega trata sobre un amor que tiene lugar en una fiesta de blues en 1980. Se trata del momento en el que la juventud negra londinense organiza sus propias reuniones ante el rechazo de los clubes nocturnos exclusivos para gente blanca. E título fue estrenado durante el New York Film Festival (NYFF) del presente año con buena recepción.

¿Cuándo se podrá ver? El 27 de noviembre.

Education

Kingsley, un niño al que fascinan los cohetes y astronautas, es enviado por su director a una escuela para chicos con necesidades especiales debido a sus interrupciones en clase. Sus padres, rebasados por el trabajo, ignoran la política que impide a los niños de raza negra recibir la educación que merecen; bajo este contexto, un grupo de mujeres toma el asunto en sus propias manos.

¿Cuándo se podrá ver? El 7 de diciembre.

Alex Wheatle

El cuarto capítulo de la antología cuenta la historia del aclamado escritor Alex Wheatle, quien, criado en una casa de cuidados, encuentra posteriormente un sentido de comunidad en Brixtol, donde también crece su pasión por la música y los actos de DJ. No obstante, al ser encarcelado a causa de un levantamiento en su ciudad durante las revueltas de 1981, el joven artista debe también confrontar su pasado.

¿Cuándo se podrá ver? El 11 de diciembre.

Red, White and Blue

El último episodio de Small Axe es un momento en la vida de Leroy Logan, joven científico forense, quien después de presenciar un abuso de autoridad contra su padre, decide volver a su sueño de la infancia de convertirse en policía para cambiar las cosas desde adentro. En su nueva vida, Leroy debe afrontar la desaprobación de su padre, al mismo tiempo que lidiar con el racismo en su nuevo rol como un agente policíaco ejemplar.

¿Cuándo se podrá ver? El 18 de diciembre.

Aquí el trailer de Small Axe

Tom Cruise participará en la primera película grabada en el espacio

Tom Cruise hará realidad el que es quizá el sueño de muchos: en octubre del 2021 viajará a bordo de la nave Crew Dragon junto al director Doug Liman con el objetivo de grabar la primera película de ficción hecha desde el espacio exterior.

El 18 de septiembre se confirmó tal viaje a través del itinerario aeroespacial para los próximos tres años de la Estación Espacial Internacional, según información publicada por la cuenta Space Shuttle Almanac en sus redes sociales. La nave, perteneciente a la compañía Space X y creada por el empresario Elon Musk, será piloteada por el astronauta de la NASA, Michael López-Alegría.

Se especula una posible trama sobre un grupo de trabajadores que se lanzan al espacio para robar una especie de fuente de energía, pero aún no hay nada concreto, ya que por el momento el viaje turístico que se planea sólo dispone de un asiento más para un tercer viajante. Lo que es seguro, según informes de Deadline, es el apoyo de la productora Universal Pictures a la película (que se estima tendrá un presupuesto de 200 millones de dólares).

De concretarse exitosamente el proyecto, significaría no sólo una puerta de entrada a megaproducciones hollywoodenses que intentarían desarrollar proyectos más ambiciosos, también sería un buen camino para el fundador de Tesla y sus planes de crear un sistema de turismo espacial donde se transporte a quien lo desee al planeta Marte. El futuro nos ha alcanzado.

En cualquier caso, Tom Cruise ha terminado el rodaje de Top Gun: Maverick, película que se estrenará el 2 de julio del 2021 y en la cual el actor realizó el vuelo de un avión de caza militar real, para no faltar a su ya conocida forma de trabajar.

 

 

Cinco series documentales para incentivar tu creatividad

Por: Karla León (@klls_luu)

“Para mí, el apetito de imágenes tiene que ser enorme y debe ser llevado por una curiosidad muy amplia. Si consumes imágenes que vienen de la arquitectura, de la fotografía, de la pintura clásica, o de la museografía, tu fluidez de solución narrativa será mejor y muy amplia”, señaló Guillermo del Toro en el 2017, durante una entrevista para la Universidad Oberta de Catalunya.

Estas palabras, y muchos más consejos relacionados, son una constante para las personas que desean incursionar en el cine o en la fotografía, sin embargo, no es ningún secreto para quienes se dedican al arte o a las industrias creativas, que es sumamente necesario estar actualizados con respecto a lo que nos rodea; de esta forma, podemos mantener múltiples referencias e incrementar nuestro rango creativo.

En los últimos años, las plataformas de streaming le han apostado a contenidos que muestran los entornos creativos a partir de la vida y obra de grandes virtuosos de las artes; nuevas tendencias arquitectónicas, e incluso, una nueva cara de la moda y su influencia en las industrias del entretenimiento.

A continuación te dejamos cinco series documentales que te ayudarán a incentivar tu creatividad.

Abstract: The Art of Design (2017-)

Dos temporadas engloban una de las series documentales más populares de Netflix, cuya narrativa versa en torno a la vida de 14 artistas y la forma en la que desarrollan su potencial creativo para darle vida a obras con una esencia y un estilo muy particular. Las mentes maestras que protagonizan cada uno de los capítulos, más allá de realizar una explicación meramente superficial, brindan un panorama muy amplio sobre todas sus actividades, a tal punto que podrás sentirte dentro de una clase íntima y muy personalizada.

Desde fotografía, bioarquitectura, ilustración, diseño de vestuarios y escenografías, e incluso, diseño tipográfico y digital, podrás explorar a fondo la fuente de inspiración, técnicas, manías, así como los secretos que guardan figuras tan reconocidas como Christoph Niemann, ilustrador de The New York Times; Tinker Hatfield, diseñador de calzado para Nike; Platon Antoniou, fotógrafo de líderes mundiales; o Ruth E. Carter, ganadora al Oscar por Mejor Vestuario por la cinta Black Panther (2018).

Disponible en Netflix.

Glow Up (2019-)

Una competencia de maquillaje puede sonar un tanto superficial, sin embargo, la serie británica dirigida por Rob Fisher va más allá de una muestra sobre tendencias de moda. En su lugar, a través de una serie de desafíos, logra mostrar todo un concepto que resalta las cualidades técnicas del uso del color, los materiales ideales para la caracterización de personajes, lo importante que resulta el contar una historia con un mensaje relevante, así como el valor que le imprime el diseño de maquillaje a cualquier tipo de producción, por ejemplo, el cine, la fotografía, una pasarela, el teatro, la publicidad o un show en vivo.

Con una propuesta audiovisual llamativa, Glow Up logra adentrarnos, a lo largo de dos temporadas, al backstage de diversos escenarios y grandes espectáculos para visualizar la importancia de todos los departamentos y roles dentro de la industria. La constante de esta serie son las nuevas propuestas artísticas y el buen uso de la creatividad e imaginación para darle vida a rostros, personajes e historias inigualables.

Disponible en Netflix.

Gameplay: The Story of the Videogame Revolution (2015)

Para los amantes de los videojuegos —y los no tan fanáticos— Gameplay resultará una propuesta visual sumamente grata, no obstante, el atractivo de esta serie llega con una narración simple y nostálgica, la cual logra adentrarte en la historia y evolución de los juegos de arcade, la innovación tecnológica, las nuevas propuestas y su éxito alrededor del mundo.

De Pong a Pac Man, y de Mario Bros a Lara Croft, Doom y Grand Theft Auto, este documental expone las estrategias creativas y el porqué de estos míticos juegos desde la voz de sus pioneros, entre ellos, Nolan Bushnell, David Crane, Noah Falstein y John Romero, figuras que hoy en día son un referente absoluto para la nueva generación de desarrolladores, diseñadores y guionistas contemporáneos.

Disponible en Amazon Prime Video.

El interior es lo que cuenta (2018)

La arquitectura y el diseño de interiores no sólo es un arte destinado al buen uso de los espacios y a la modificación del hábitat humano. Con el tiempo, grandes edificaciones y recintos han sido fuente de inspiración o escenario de grandes películas; seguramente recordarás el Palacio de Versalles, monumentos histórico que abrió sus puertas para la filmación de María Antonieta (2006), o el magnífico paisaje de Alemania que le dio vida a El gran hotel Budapest (2014), película en la que Wes Anderson tomó como inspiración la arquitectura de Viena, Praga y Budapest para crear la ciudad de Lutz.

A través de doce capítulos, El interior es lo que cuenta nos brinda un asombroso recorrido por casas, departamentos, mansiones y navíos, cuyas habitaciones y áreas principales son transformadas y rediseñadas a partir de conceptos inigualables y muy únicos. Si la imaginación no es una limitante, mucho menos lo puede ser la construcción de un espacio personalizado, y esto es lo que hace que la premisa de este documental, producido por Netflix, sea aún más agradable.

Disponible en Netflix.

The Toys That Made Us (2017-)

Con un toque de humor y nostalgia, esta gran serie documental nos regala un vasto recorrido por la historia de aquellos personajes y juguetes que marcaron nuestra infancia. Desde Star Wars, Barbie, Lego, hasta Las Tortugas Ninja y My Little Pony, sus respectivos creadores repasan su camino evolutivo, pero también, los obstáculos, éxitos y la creatividad con la que impulsaron y posicionaron sus etapas más importantes.

Bajo la narración de Donald Ian Black, esta serie resulta ágil y entretenida, incluso, sentirás una interacción directa con los entrevistados, quienes no escatiman ni un sólo segundo en contar su sentir respecto a los juguetes que reflejan el antes y el después de las generaciones del pasado y, seguramente, del futuro.

Disponible en Netflix.