Ida o (La inesperada virtud de una novicia rebelde)

Sólo Dios sabe por qué hace las cosas.

Las premiaciones y el ruido que generan tienen una consecuencia fundamental: permitir que las películas se disfruten en más regiones del orbe. Tal es el caso de Ida, flamante ganadora del premio de la Academia (Óscar) en la categoría a película extranjera. Es sencillo hablar “a toro pasado” pero también lo es detectar los gustos del autoproclamado “norteamericano”, la fórmula se reduce a: Judío más holocausto es igual a estatuilla.

Ida es una novicia enclaustrada prácticamente desde su nacimiento y quien además está por asumir sus votos, previo al ritual decide encontrarse con su tía, mujer madura, jueza exitosa e intransigente comunista judía. Juntas emprenderán un viaje que incluye el cuestionamiento religioso, las relaciones familiares, la vida, la muerte, el amor, la introversión y la extroversión y finalmente la búsqueda de los cuerpos de los padres de Ida, asesinados durante la guerra.

Ése es el mayor defecto del filme, la trama avanza en múltiples direcciones perdiendo el camino, diluyendo absolutamente todos y cada uno de sus andares, manteniendo como base el cuestionamiento religioso. El director busca cual camaleón mirar hacia distintos lugares al mismo tiempo, errando en el intento.

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Condensando; el conflicto de la muchacha es su convicción católica en contra de su judaísmo “innato”, la tía funciona como personaje antitético, recordándole constantemente a la protagonista los vacíos y defectos de la creencia que profesa. Sin embargo Pawlikowski destaca con el manejo simbólico, la mayoría de los planos contienen cuadros y representaciones de ambas doctrinas, enfatizando el dilema, lo externo motiva lo interno.

Las actuaciones cumplen, Agata Trzebuchowska interpreta a una Ida que se parece más a un maniquí que a un ser de carne y hueso, la dirección rememora la postura de Bresson (realizador francés): la actuación se hace en el montaje. El resto de los personajes ejecuta sin esfuerzo, siendo el carácter más destacado el de la jueza.

 Ahora bien, hay un departamento que eleva la obra, la hace memorable pero no por ello disfrutable. La fotografía otorga imágenes que podrían enmarcarse sin problema alguno, planos perfectamente compuestos e iluminados, una armonía en escala de grises prolífica. El diseño de producción es maravilloso, empero en esta ocasión es un “valor agregado” a tan extraordinario trabajo detrás de la cámara. Destaca la toma fija y de larga duración, lo cual no es problema, permite la admiración visual, empero aletarga el nulo avance dramático. Dicho tratamiento provocó en algún momento de la proyección el ronquido de algún espectador, quien hizo reír al resto del público, esa manifestación fue la más escandalosa durante la función.

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En conclusión, Ida intenta crear un dilema religioso sin éxito, busca en las cenizas del holocausto un conflicto que no trasciende y cuando arranca se inician los créditos finales, es interesante contemplarla por el sublime tratamiento visual, la pregunta es ¿vale la pena ese derroche técnico cuando se tiene tan poco qué contar? Al parecer, según la gente que sabe, sí.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

Annick Donkers

 

Fotografías: Annick Donkers

El tiempo que ocupamos en tomar una fotografía es similar al que dedicamos a un suspiro, a un parpadeo. Sin embargo, para que el diafragma de la cámara abra y cierre, no sólo depende de una cuestión técnica: ese instante representa derribar barreras y miedos, así como sumergirse en un mundo que en su totalidad no conocemos.

Annick Donkers, fotógrafa nacida en Amberes, Bélgica y residente en las calles del Distrito Federal, compartió con Zoom f.7 su experiencia con la cámara, esa herramienta que le ha permitido expresarse desde su trinchera y gracias a la cual podemos tener un acercamiento a costumbres como la lucha libre en Bélgica, la cultura huichol, los zapatistas, la devoción a la virgen de Guadalupe, entre muchos otros temas que ha desarrollado.04 Huicholes premio Banamex

Sus inicios en la fotografía se remiten a hace una década, cuando su mirada se dejó cautivar por el folclor de la cultura huichol y aún con las dificultades, mereció el Premio por el Mejor Reportaje Gráfico en el Certamen Nacional de Periodismo Turístico.

“Cuando fui a Real de Catorce escuché platicar de los huicholes y me fascinó su historia, pero no sabía cómo llegar a sus pueblos. Desde entonces decidí que iba a regresar y hacer un reportaje, lo que me llevó a buscar escuelas en México y cursos que me podrían guiar un poco. Así fue como regresé un año después”.

01 Virgen de Guadalupe

Para Annick, lo primordial en el ejercicio de la fotografía es la seguridad y confianza, tanto del fotógrafo como de la personas que están frente a la lente. “Puedes ver en la mirada si a las personas les gusta o no ser fotografiadas”.

Lo anterior, representa un largo proceso y de mucho respeto: “Ellos te observan cómo eres y si realmente quieres estar allá. Me quedé en una fiesta en la que no pude tomar fotos; ves todas las imágenes y dices ¡me lo pierdo! Después me lo permitieron, pero siempre debe ser muy discreto.

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Adentrarse en otras tradiciones es una de las muchas puertas fascinantes que sólo la fotografía te abre. Sin embargo, no es una actividad fácil comprender tales escenarios “sobre todo si se trata de pueblos indígenas, es muy difícil entender. Tienen sus reglas y su ritmo que hay que observar y respetar”.

Annick ha impartido talleres en el FARO del Oriente, El Colegio Británico, Cultura Colectiva en la Ciudad de México y el Gimnasio de Arte Chiapas. Y respecto a la enseñanza de la fotografía, comenta: “Es algo muy dentro de ti, pienso que la enseñanza y la crítica es importante pero finalmente tú tienes que buscar tu camino, utilizar tu intuición”. Enseguida, expresa lo que para ella representó México en su formación como fotógrafa: “En México aprendí mucho de foto, más que en mi país y también mucho de mí a través de la foto”.

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La transición de su lugar de origen a México, también fue el germen de nueva imágenes. En este caso, Annick reconoce que si bien la distancia física te aleja de un entorno, te acerca en otros sentidos. Las fotografías de luchadores de la Escuela de Lucha Libre Belga son una muestra de ello. “Empecé a enfocarme a ellos porque cuando estás fuera de tu país y regresas, ves las cosas de manera diferente”.

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Entre los rostros que podemos apreciar en las tomas de Annick, se hallan los zapatistas. El acercamiento a ellos significó una nueva aventura. “Me fui a la escuelita zapatista a vivir con una familia sin saber si me iban a dejar tomar fotos. Pero tampoco quería llegar con la idea de ‘Yo soy fotógrafa’ también fue un poco de paciencia y de tiempo”.

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De tal forma, las instantáneas que resultan de los disparos que Annick da a su paso cada vez que un gesto particular la aprehende, son testigo de la fugacidad de la vida y muestra que al tiempo hay que dejarlo ir para que nos regale nuevas imágenes.

Para conocer más del trabajo de Annick Donkers, visita http://www.annickdonkers.com/

 

Leticia Arredondo

Cofundadora y editora de ZOOM F7. Escribo sobre cine y fotografía.

Stella Cadente o el fugaz reinado de Amadeo

 

It’s a hard job but someone’s gotta do it…

El cineasta catalán Luis Miñarro nos presenta su más reciente obra, Stella Cadente, en la que retrata uno de los momentos más álgidos de la historia de España: el primer intento de instauración de la Monarquía Parlamentaria a cargo de Amadeo I, quien la mayor parte de su reinado estuvo enclaustrado en su Palacio, lleno de lujos y de sirvientes que vivieron una especie de erotismo debido a las diversiones que tenían y la forma en que satisfacían sus necesidades en diversas situaciones.

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En esta ocasión el director de Barcelona nos hace ver la pérdida de poder, así como el liderazgo que nunca tuvo este llamado “Electo”, quien a pesar de vivir en un mundo de lujos, sus propuestas para modernizar España se volvieron añicos ante la presión del pueblo que no quería una monarquía. Asimismo, los representantes del parlamento obligaban al Rey a ser una simple figura sin poder en el estado.

En la puesta en escena de Stella Cadente no se perdió detalle alguno, tal como lo vemos con Àlex Brendemühl, quien encarna al Rey Amadeo I y destaca por su vestuario similar al del monarca: se trata de escenas dignas para una obra que se remonta a la década de 1870.

En cuestiones técnicas, la fotografía se disfruta, ya que juega con las luces de las velas y con muchos de los colores que se tienen dentro del palacio: es una paleta de colores que se antoja para un filme con muchas tomas exteriores y en zonas boscosas. Otro excelente detalle de la película es su diseño de sonido, contextualizando lo que sucede fuera del palacio y mostrando el pesar del rey.

La película recae en diversos momentos en el género de la farsa, ya que muchas de las secuencias parecen no tener coherencia con la trama, o con lo que le sucede al protagonista, además de ciertos detalles que se salen del mundo que se propone al inicio del filme.

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Este filme de origen español, hablado en catalán y español, resulta interesante tomando en cuenta un momento histórico en el país ibérico. Sin embargo no satisface a cualquiera que desee pasar un buen rato viendo una película (muchas personas abandonaron la sala pasada la primera hora).

La estrella fugaz, o Stella cadente en italiano, nos muestra una imagen diferente de lo que se tiene sobre la monarquía, pero a veces también se percibe muy regional a pesar de las referencias sobre el fusilamiento de Maximiliano de Habsburgo.

Sebastián Ortiz 

Comunicólogo que habala mucho y escribe (mal) sobre cine, música y ciencia ficción.

Veneno para las hadas: la fantasía como refugio

Las brujas lo pueden todo […]Las brujas tienen que ser malas. Yo quiero ser la más mala de todas.

-Verónica

Al cine de terror se le ningunea, es ignorado en festivales internacionales a no ser éstos especializados, sin embargo es por mucho el más constante y sin lugar a dudas atrae la atención de un gran número de aficionados que abarrotan las salas con el único afán de asustarse ante lo extraño. El espectador es adicto al miedo, le apasiona y al mismo tiempo le libera.

México no es la excepción, ha heredado algunos filmes a la cinematografía mundial que mejoran con el tiempo, incluso tuvo una época dorada comandada por uno de los cineastas más brillantes del género: Carlos Enrique Taboada, genio de la imagen sencilla y pulcra pero no por ello carente de complejidad.

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Durante varias décadas legó una tetralogía con un sello de autoría innegable: Hasta el viento tiene miedo (1968), El libro de piedra (1968), Más negro que la noche (1975) y Veneno para las Hadas (1984), pilares de una filmografía vasta, caracterizada por la limpieza de la imagen, el artífice del cuento y un amor profundo por el suspenso.

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La última de sus obras inquieta por los personajes protagónicos, Veneno para las Hadas narra la historia de Flavia y Verónica, compañeras de primaria con formaciones muy distintas, la primera rígida, conservadora y dócil; la segunda es una mística juguetona e imaginativa. Éste es, el primer dilema planteado por el director. ¿Hay villanos en la película o se trata sólo de un juego llevado a lo más extremo? Verónica, huérfana solitaria, es educada por su nana, mujer que le inculca una obsesión por las brujas al grado de que la niña les considera heroínas. Flavia les teme, es incapaz de comprender y fantasear, hecho que traerá hacia la conclusión del filme acontecimientos brutales.

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¿Las niñas son enteramente responsables de sus actos, o sólo son un resultado del contexto que les rodea? El punto de vista a través del cual se narra la historia es quizá uno de los elementos dramáticos más importantes y Taboada lo comprende a la perfección, las pequeñas son el ojo del espectador y por lo tanto, los adultos son pretexto: se les mira en fragmentos o detrás de los muebles. El rostro sólo es perceptible cuando ocurre la tragedia, cuando el evento se vuelve traumático y no hay marcha atrás, en un mundo así, la fantasía es refugio, realidad.

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Otro elemento destacable es el manejo del sonido, los diálogos están doblados en su totalidad lo cual le da a la cinta una sensación de artificialidad, esto contribuye a sumergirnos en la lógica del cuento, aunado a una paleta de colores que bien podría pertenecer a un viejo libro ilustrado. Las actuaciones sufren por planas o porque se asemejan a las interpretaciones televisivas, empero destaca el trabajo de Ana Patricia Rojo quien desarrolla a la perfección a una Verónica obsesionada (personaje que le valió una nominación al Ariel).

El mayor atributo de la obra es su capacidad para involucrar al espectador como parte de la trama, es decir, que sea consciente y al mismo tiempo pueda crear todo lo que se halla incompleto. ¿Cómo son los adultos a quienes no miramos? ¿Qué sucedió con Verónica mientras Flavia le contemplaba? ¿Cuáles serán las consecuencias de aquel trágico final? ¿Cómo evolucionará el personaje de Flavia? Todo ello queda a la imaginación del público quien debe cerrar el círculo.

Aun con sus atributos, Carlos Enrique Taboada es el crítico más férreo, “es una película para mi gusto frustrada por economía”, quizá la carencia de recursos es lo que mantiene a la obra con esa vitalidad, las resoluciones que tuvo su creador para salir avante son las preguntas que nos hacemos hoy en día, a veces no tener aquello que deseamos nos lo da todo.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

Leviathan: el pueblo ruso atrapado en la reinvención

 Andrey Zyvagintsev mantiene una esencia común del cine ruso, aunque muchos se han atrevido a compararlo con Tarkovksy, empero pueden sus influencias ser notorias, no obstante el semblante de Sukúrov se impone todavía por sobre los demás. Sus planos están llenos de vida, tercios, y aunque ocupan la pantalla con un montaje más rápido por el ritmo de la cinta, la estética del cuadro es perpetua. Aquella dónde parece que Zyvagintsev no se preocupa tanto por alargar lo contemplativo y repara más en desarrollar la narrativa.

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Zyvagintsev debutó con series de televisión y después incursionó en el cine. Desde su opera prima, El regreso (2003), que obtuvo gran éxito, ya mostraba cierta resistencia hacia lo existencial y lo representaba con preguntas. Zyvagintsey mantiene una sencillez narrativa en sus planos generales, que por antonomasia se vuelven breves o parecen serlo por la fluidez de los diálogos. Una convención normal del cine ruso, y jugando al borde de los ejes, (sin pasar al close up como lo haría el tradicional montaje americano) sino a otra acción en igual escala, pero más veloz.

La cinta del mejor guión en Cannes es ágil y las metáforas se sustituyen con las preguntas ingenuas que son las preguntas básicas de la filosofía, aquellas que desnudan el verdadero entramado de la realidad. Dado esto, la narrativa se vuelve ríspida con los personajes y está llena de matices. Koyla (Interpretado por Aleksey Serebryakov) funge como el padre autoritario del hogar, en reflejo del poco control que tiene en realidad sobre su propia vida. Aquel personaje que lucha por no perder su patrimonio, empero es impulsivo, aquel que nunca admite sus equivocaciones ni sus debilidades.

Leviathan

Este es el punto exacto de la trama, la metáfora, el hombre ruso que representa a la clase trabajadora, aquel que se intenta sobreponer pero que a la postre se vuelca a la inevitable perdida de sí mismo ante el eje de los poderes. Leviathan no se vuelve, se mantiene y en todo momento se conserva en desenmarañamientos de emociones para cada personaje. La película nos sumerge un poco en el matiz de la arbitrariedad de la justicia en un país como Rusia, y del poder que el clero está ejerciendo. Los errores del hombre y su inevitable caída son sólo una sátira del exagerado poder arbitrario del delegado, que se convierte en el mejor pretexto constante.

Un conjunto de desenlaces crueles que tiene como fuente el primero; el personaje, aquel ansioso que por su apego al alcohol y su pobre entendimiento de la realidad, llega al clímax caótico. Lo más cruel es la esperanza de superar los obstáculos, pero la relativa brillantez se esfuma al primer golpe de efecto con el tacto del objeto preciado: La Mujer. Manteniendo esa especie de autocrítica del pueblo ruso, atrapados en una reinvención de sí mismos, de una nueva condición quizá. Una especie de limbo atado entre su autoridad, su pasado, incapacidad, brutalidad, y sus propios errores humanos.

Luis Zenil Castro 

Productor audiovisual y dibujante.

 

Jesucristo superestrella

 Por: Rodrigo Márquez

Dedicamos este zoomtrack a la película de Norman Jewison, Jesucristo Superestrella (Jesus Christ Superstar, 1973) ópera rock basada en la obra homónima de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice, la cual narra musicalmente los últimos años de vida de Jesús en la tierra.

Heaven On Their Minds – Carl Anderson

Después de que los actores se han preparado para iniciar la historia en sí, Judas Iscariote comienza un monólogo de preocupación ante la relevancia que ha tomado Jesús en Israel, sabiendo que podría molestar a las altas esferas judías y romanas, por lo que comienza a tener un resentimiento hacía su maestro, intentando de cierta manera, ponerlo a salvo de lo que pudiera suceder. Además Carl Anderson deleita las audiencias con su voz desgarradora y una magnífica interpretación de la canción.

Then We Are Decided – Bob Bingham y Kurt Yaghjian

Las noticias del nuevo mesías y rey de los judíos han llegado a los oídos de los altos mandos del sacerdocio israelí. Lo anterior preocupa a Caifás debido a que puede perder su poder, sin embargo, Anás (sumo sacerdote y mano derecha de Caifás) no ve alguna razón para temer: Jesús es una simple moda que pasará. Caifás no lo ve así.

Se trata de una de las duplas magníficas del filme, ya que la combinación entre la voz tenor de Bob Bingham y contrantenor de Kurt Yaghjian, reflejan con exactitud las posturas de ambos sacerdotes frente a la situación que enfrentan.

Pilate’s Dream – Barry Dennen

¿Les ha pasado que sueñan con algo tan impactante que incluso después de despertar, sienten una ardua extrañeza a pesar de haber sido sólo un sueño? Pues previo a su nombramiento como procurador del pueblo de Judea, Poncio Pilato soñó con un hombre peculiar que lo marcó, ya que sin saberlo, tuvo una premonición.

I Don’t Know How To Love Him– Yvonne Elliman

María Magdalena, prostituta rescatada por Jesús, por fin, conoce a un hombre que la valoraba. Pero pongámonos en su lugar: te enamoras del Mesías sabiendo que nunca podrás tenerlo por ser un hombre santo… o por lo menos así nos lo enseñaron en el catecismo. En fin, María no se quedó con las ganas de hacernos saber lo que sentía por Jesús y nos lo canta en una de las pistas más emblemáticas de la película. Deléitense con Yvonne Elliman:

Gethsemane (I Only Want To Say)– Ted Neeley

Después de la última cena y de darse cuenta que Judas lo ha traicionado y que Pedro lo negará tres veces, Jesús decide irse al monte a platicar con su padre, mostrando su lado humano de aferrarse a la vida y cuestionando por qué siendo el hijo de Dios debe morir. Toda su vida se ha preparado para la muerte, pero ahora tan cerca de ella, ya no está tan seguro. Tal vez la mejor canción e interpretación de la cinta con Jesús como todo buen rockstar alcanzando notas altísimas:

 King’s Herod Song– Joshua Mostel

Después de que Caifás y Anás lo mandaran con Pilatos, Jesús llega ante el colorido y peculiar rey Herodes, quien lo recibe emocionado y ansioso por ser testigo de alguno de sus milagros. Sin embargo, Jesús decidido a morir, se dedica a ignorar al rey, desesperándolo y haciéndole creer que no es más que un fraude. Gran número musical encabezado por Joshua Mostel como el rey Herodes.

Trial Before Pilate– Barry Dennen y Ted Neeley

De regreso con el procurador romano, Jesús deberá enfrentar su juicio por autoproclamarse rey de los judíos. El pueblo lo quiere muerto y sólo Pilatos lo puede sentenciar a ello, sin embargo el político romano no ve crímenes en Jesús para condenarlo. La presión del pueblo y las pocas ganas de vivir de Jesús, orillan a Pilato a azotarlo a latigazos y posteriormente mandarlo a la cruz. Disfruten el juicio:

Superstar-Carl Anderson

Tras haber sido condenado, Judas (ya muerto), se le aparece a Jesús para intentar conseguir explicaciones acerca de lo que acaba de hacer. “¿Por qué escogiste un país extraño en tiempos tan extraños?” sin medios de comunicación, y si lo que hizo lo pone a la par de sus colegas Mahoma y Buda. Gran número de Carl Anderson, con bailarinas celestiales que sirven de preludio al momento de la crucifixión de Jesucristo.

 

Lotería fotográfica de la colonia Guerrero

Fotografías de: Andrea Morales, Guillermo Calderón, Samara Cuevas, Josue Lembrino,

Yizel Hernández y  Mauricio P. Vertti

Los oficios de la colonia Guerrero fueron retratados por los fotógrafos del colectivo Diafragma 82, el cual surge a partir del taller de fotografía digital impartido por Exilio Colectivo en Campamentos Unidos. La serie de imágenes rompe con la idea sobre un género establecido para los oficios: mujeres y hombres coexisten en la colonia del Distrito Federal para darle vida a aquellas labores que distinguen a este rincón de la Ciudad de México.

“La fotografía se ha convertido para nosotros en una manera de aprender a ver el mundo en el que vivimos y a partir de ellos, desarrollar una mirada crítica que nos permita transformar nuestras ideas y con ello incidir en nuestros contextos. Construir un sujeto colectivo no es fácil, requiere de un gran trabajo de entendimiento, de diálogo y habilitar un espacio en donde la diversidad sea convocada. Nos empeñamos en lograrlo” Colectivo Diafragma 82

Platicamos con Manuel Cerón y Mauricio P. Vertti, profesor y alumno del taller respectivamente, quienes nos contaron su experiencia con la fotografía: