En Tlaxcala, todo listo para el festín fotográfico

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Sean Hawke. De su trabajo sobre el algodón en la India.

Por: Nayelli Sánchez

La cuenta regresiva ya comenzó. El aroma de la fotografía comienza a inundar hasta el último rincón de Tlaxcala gracias al anuncio de la segunda edición de Foto 13 Festival Internacional de la imagen.

Por tres días la fotografía es la protagonista en el estado. Las calles se convierten en galerías para albergar exposiciones fotográficas, los auditorios son el punto de reunión para conferencias y talleres, además, no falta la revisión de portafolios y los recorridos fotográficos.

Todo es un encuentro ente fotógrafos experimentados y principiantes, que se llevará a cabo del 21 al 23 de noviembre. Por segundo año consecutivo, Foto13 ofrecerá actividades para personas de todas las edades y nos sumergirás en el mundo de la fotografía y el lenguaje visual.

El festival tiene como objetivo fomentar el intercambio de experiencias que contribuyan a la difusión de proyectos fotográficos, videos e instalaciones de los fotógrafos y artistas visuales destacados, así como el trabajo de nuevos creadores.

Este año la agenda dio lugar a talleres de desnudo, de fotografía de cine documental y ficción, de moda y hasta talleres para aprender a encuadernar tu propio libro. Los invitados, tanto extranjeros como mexicanos, son  David Eisenberg, Sean Hawkey, Eniac Martínez, Zony Maya, Alejandro Ipatzi, Lourdes Grobet, Ludovic Bonleux, Carol Espíndola, Sergio Garibay, entre otros.

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Foto 13 nació de la iniciativa de fotógrafos, periodistas,  diseñadores independientes y un sinnúmero de habitantes de Tlaxcala, ahora te toca vivir tres días en donde la pasión por la fotografía es el denominador común entre los asistentes.

Más  información y todo el programa en: http://www.foto13.com.mx

El apocalípsis de Iglesias

Por: Rodrigo Márquez

Hace unos días, el mundo cinematográfico español perdió a una de sus estrellas: Álex Angulo, de 61 años de edad, quien murió en un accidente vehicular en su natal España. El actor dejó un legado fílmico galardonado, tanto en el viejo continente, como en México. Para recordarlo, repasaremos una de sus películas más entrañables: El Día de la Bestia, dirigida por Álex de la Iglesia.

La historia es la siguiente: un sacerdote ibérico (Álex Angulo) ha estudiado durante varios años el apocalipsis bíblico, llegando a la conclusión que dicho evento ocurrirá en Madrid, con el surgimiento del anticristo, el mismísimo día de Navidad, mientras los católicos celebran el nacimiento de Jesús.

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El cura, decidido a evitar el inicio del fin de los tiempos, comienza a obrar contrariamente a su forma de ser y sigue la filosofía de que el mal atrae al mal. A través de su búsqueda por el lugar exacto, en donde nacerá el hijo de Satán, crea una mancuerna con José María (Santiago Segura), un peculiar metalero quien al parecer no alcanza a comprender la situación a la que se enfrentan.

Asimismo, se relaciona con Cavan (Armando De Razza), un psíquico, estrella de la televisión —al estilo Walter Mercado— quien es consciente de la farsa de su negocio, sin embargo, el viaje que comenzará con el padre y José María, le borrará toda huella de escepticismo.

Una historia de misterio, con toques de terror, que a la vez está impregnada de humor y momentos absurdos, los cuales se conjuntan en película de 103 minutos, funcional y entrañable, en la que permeará el entretenimiento, reiremos en algunas ocasiones, nos preocuparemos en otras, y poco importará la carencia de los efectos especiales, porque entenderemos la sátira dentro de la historia.

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La película fue estrenada el 20 de octubre de 1995 en España y obtuvo 14 nominaciones a los Premios Goya, de los cuales, ganó Álex de la Iglesia como mejor director, Santiago Segura como mejor actor revelación, y los departamentos de sonido, dirección de arte, maquillaje y peluquería, así como efectos especiales, fueron reconocidos con su respectivo busto de bronce.

Considerada como filme de culto, sin duda, la cinta abrió el camino para que los Del Toro, los Morales y los Plaza, tomaran como punto de partida la obra apocalíptica de Álex de la Iglesia.

La bicentenario | Fotografía de Rashide Frías 

Fotografías: Rashide Frías 

Los mexicanos recordamos la opulencia de los festejos con motivo de la conmemoración del bicentenario de la Independencia de México y centenario de la Revolución Mexicana. El Fideicomiso del Bicentenario fue el responsable de administrar los más de 1 mil 500 millones de pesos. De tal presupuesto, resultaron beneficiados recintos como el Palacio de Bellas Artes con su remodelación y un sinfín de proyectos gubernamentales en todo el país, muchos de ellos, etiquetados de “banalización”.

Paralelamente a tales fiestas, en Culiacán Sinaloa, familias fueron desplazadas a una colonia recién creada, llamada Bicentenario. Pero su nombre no aludía a lo emblemático, sino a todo lo contrario: carencia económica, falta de agua y demás problemáticas de servicios básicos. Las fotografías tomadas en 2010 por el fotoperiodista Rashide Frías reflejan la situación de los habitantes, quienes no perdían el ánimo ante tales condiciones. A cuatro años, aún se observan algunas casas de madera y cartón.

Rashide Frías Fotógrafo mexicano, corresponsal de la Agencia Cuartoscuro

 

Pueblo chico, pistola grande | Crítica

Por: Rodrigo Márquez 

Cada vez que se estrena una película de humor estadounidense en nuestro país, corre el riesgo de no simpatizar con los mexicanos. A nuestro parecer, el humor gringo es simplista, rueda en lo absurdo y por tal es objeto de crítica. Sin embargo, las generaciones de los 70 a la fecha continúan riéndose con el Chavo del 8 y observamos que la comedia mexicana de la pantalla chica no puede superar a Eugenio Derbez y la Hora Pico.

En fin, son diferentes elementos culturales, históricos y sociales los que determinan nuestro humor, y para la reseña de esta semana, tenemos un western cómico:

A million ways to die in the west (no sabemos por qué en México la nombraron Pueblo Chico, Pistola Grande) es la historia de Albert (Seth MacFarlane), un granjero de mediana edad, con el autoestima por los suelos y cobarde, quien vive con sus padres y está enamoradísimo de su novia Louise (Amanda Seyfried), mujer que decide dejarlo por el adinerado y narcisista Foy (Neil Patrick Harris), quien funge como encargado de la tienda de cosméticos para el cuidado de bigotes en Old Stump, pueblo en donde transcurre la película.

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Con el corazón destrozado, cansado de vivir cuidando un rebaño de ovejas y con una constante preocupación de morir en cualquier minuto por los peligros del salvaje oeste, Albert decide dejar su hogar e irse a San Francisco, sin embargo, la llegada de Anna (Charlize Theron), le cambiará poco a poco la manera de ver la vida y el amor.

El reparto lo complementan Liam Neeson, como Clinch, el forajido que va de pueblo en pueblo buscando saquear a los aldeanos; Giovanni Ribisi y Sarah Silverman, interpretan a Edward y Ruth, una pareja en la que él es un caballero devoto y entregado a su novia y también es el mejor amigo de Albert, mientras que Ruth es la prostituta con más clientes del pueblo, pero enamorada de Edward, a quien le jura que no tendrían relaciones sexuales hasta que estén casados.

El filme fue dirigido y escrito por el mismo MacFarlane, parodiando a los westerns de antaño. Podría decirse que es un ¡Marcianos al ataque! moderno, pues hay actuaciones destacadas; sin embargo, la película está en un nivel muy inferior a sus protagonistas: chistes malos, humor escatológico y racista en abundancia, momentos cómicos que funcionarían en caricaturas, pero no en una película con seres humanos y una moraleja que invita a la autovaloración de las personas.

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Seth MacFarlane quiso utilizar la misma fórmula cómica que en Padre de Familia, sin obtener resultados positivos. Tampoco alcanza a presentar un trabajo de calidad como lo hizo en Ted, al dotar de irreverencia e ironía a un elemento muy representativo de la etapa infantil del hombre, e inclusive cargarlo de un poderoso simbolismo que representa la incapacidad de madurar de un sujeto. En Pueblo Chico, Pistola Grande, los personajes son muy superficiales.

Cabe mencionar que la película tiene momentos rescatables gracias a las referencias a otras películas, las cuales sacarán una sonrisa. Pero al final uno abandonará la sala con pregunta ¿cómo es que tales actores aceptaron participar en una película de este tipo?

En conclusión, el filme es recomendable para cuando se tenga un momento de simpleza y sesenta pesos para pagar el boleto del cine.

Un payaso de colores llamado “El arenero”

Un artista no sufre al mostrar el sufrimiento. Cuando te enamoras de una idea, por muy turbia que sea, es siempre un proceso placentero, liberador, creativo. Puedes rodar una escena horrorosa, pero eres dentro de ti, feliz. Ésa es la clave.

-David Lynch

Dune (1984) representó el mayor fracaso en la filmografía de su autor. David Lynch se rindió ante las propuestas de Dino De Laurentiis para realizar una película basada en la obra homónima de Frank Herbert, a cambio de la producción de un filme personal. Un trabajo por encargo y que a la postre exorcizaría sus demonios; así nació Blue velvet (1986).

El director se sirve de la curiosidad para desencadenar la trama. Jeffrey Beaumont (Kyle Maclachlan) encuentra una oreja amputada en un baldío. Dicho acontecimiento dispara las acciones del protagonista quien decide resolver el misterio. Su mirada es acompañada por la del espectador voyeurista determinado a observar junto con el personaje crímenes grotescos.

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Las acciones se desarrollan en el pueblo ficticio de Lumberton. Lugar en apariencia perfecto y apacible. Empero, resguarda seres de pesadilla, tales como el antagonista Frank Booth, interpretado por un autobiográfico e inspirado Dennis Hopper cuyo trabajo merece elevarse a la categoría de obra maestra per se.

Lynch apela a su formación pictórica. Compone cada plano haciendo uso de líneas y colores opacos que contrastan. Los planos generales se adornan con rojos desaturados, azules aterciopelados y el café primordial que proviene de la madera. Un tono por carácter. La negrura para adentrarnos en ese mundo cada vez más horroroso. El sueño idílico del primer acto por el delirio del segundo. Finalmente, la angustia.

La estética sugiere la época de los 50, donde el sonido adquiere relevancia. Basta recordar la escena en el departamento de Ben (Un memorable Robert Dean Stockwell). Musicalizada con el tema In dreams a cargo de Roy Orbison. Fantasmagórica y surreal, la interpretación divide a la película. Nos adentra en la decadencia de Lumberton y sus habitantes, abre el portal en donde lo onírico se mezcla con lo real; simplemente, en aquellas fronteras en donde la represión está ausente. El resto del score corre a cargo de Angelo Badalamenti, quien colaborará de manera constante con el director.

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El discurso audiovisual se manifiesta con maestría, David Lynch hace efectiva la escala de planos dotándola de significado emocional. Los planos abiertos corresponden al universo tolerable en el que el público está seguro. Cuando el realizador se cierra, es decir, cuando hay una aproximación al objeto, estremece. Las acciones más perturbadoras ocurren cuando hay un Close up. Se nos acostumbra pues, a temer cuando estamos cerca de los personajes.

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Blue velvet es la obra máxima del último gran genio estadounidense. Alejado del séptimo arte y dedicado a la producción independiente. David Lynch trastornó el surrealismo cinematográfico e inventó regiones en donde la superficie se mira perfecta, sin embargo, en las profundidades se oculta lo más siniestro, de él, de los personajes…de nosotros.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

Picasso y Duncan, dos artistas en convivencia

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Foto: David Douglas Duncan

“Esta es quizá, la casa más feliz de la tierra” escribió el fotógrafo Douglas Duncan acerca del hogar de Pablo Picasso, en el cual convivió por 17 años realizando las imágenes que hoy forman la exposición Picasso Revelado por David Douglas Duncan.

El encuentro entre Duncan y Picasso sucedió de 1956 a 1973, años en los que la cámara del fotoperiodista estadounidense capturó el proceso creativo del pintor y sus diversas facetas. De esta forma, hallamos desde el Picasso esposo, hasta el admirador de las corridas de toros.

La muestra se compone no sólo por tales fotografías, el público también apreciará óleos y diversos medios de expresión en los que se desarrolló el pintor, como la cerámica. Pablo Picasso, nacido en Málaga, España pertenece al movimiento cubista junto con Georges Braque y Juan Gris.

Duncan tomó cerca de 25,000 fotografías de Picasso, realizando un testimonio único en la historia del arte. Por lo tanto, se trata de un recorrido que demuestra la importancia de la imagen que se revela en el cuarto oscuro, y de aquella que nace de las pinceladas.

Esta exposición forma parte de las celebraciones del LXXX aniversario del Palacio de Bellas Artes. Estará abierta al público hasta el 20 de julio en el Recinto del Centro Histórico. Más información y costos :

http://museopalaciodebellasartes.gob.mx/micrositios/picasso/

Alistan el XVII Festival de Cine de Guanajuato

El Festival Internacional de Cine de Guanajuato, mejor conocido como GIFF (por sus siglas en inglés) se ha convertido en un referente imprescindible de la industria cinematográfica en México, no sólo por presentar material nacional, sino por dar oportunidad a jóvenes que recién comienzan en el séptimo arte a desarrollar sus habilidades.

La directora del GIFF, Sarah Hoch, presentó las actividades que se realizarán durante el encuentro fílmico que tendrá lugar en Guanajuato capital y en San Miguel de Allende del 25 de julio al 3 de agosto, y que tendrá como tópico central Los desplazados, por lo que Amnistía Internacional (AI) participará con una conferencia magistral acerca de lo que implica tal tema.

Asimismo, se anunció como país invitado a Polonia, por lo que Pavel Wosny, de la embajada del país europeo en México, agradeció fervientemente la oportunidad de participar en el GIFF y destacó que dicha colaboración entre ambos países es un desafío para Polonia ya que “es el proyecto más grande en el que la Embajada y el Instituto Cinematográfico Polaco han trabajado”.

Wosny señaló que serán 80 las películas, entre cortos y largometrajes de diferentes géneros y épocas, las que se presentarán durante el festival, y subrayó que una de las principales será Papusza, filme mudo de Joanna Kos-Krauze y Krzystof Krauze que se exhibirá con música en vivo a cargo de Zbigniew Paleta.

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La directora del evento enfatizó en la Industria GIFF, proyecto que reúne a cineastas emergentes, además de un concurso de guión y una propuesta llamada Mexicannes, la cual recibe cada año en París a una docena de jóvenes directores de diversas partes del mundo para ofrecerles una plataforma diseñada con el objetivo de impulsar sus carreras, y que se realiza en cooperación con el Festival Internacional de Cannes.

También se reveló que el invitado especial de la Geek Week será el director francés Michel Gondry (Eterno Resplandor de una Mente Sin Recuerdos), quien dará a través de mencionados dispositivos virtuales una conferencia magistral.

Como cada año, el GIFF llevó a cabo el Rally Universitario en su sexta edición, el cual tiene como propósito que jóvenes de educación superior realicen, previa preparación por parte del festival, un cortometraje en 48 horas. Este año fueron seleccionados para la muestra 8 equipos mexicanos y uno polaco.

También se realizará un homenaje a la primera actriz Angélica María, por su trayectoria en el cine nacional. En la distinción internacional, se hará un homenaje a los directores Anton Corbijn y Roger Corman, este último mejor conocido como el “rey del cine independiente”. Igualmente, el Instituto de Mujeres en el Cine y la Televisión, homenajeará a Lucrecia González Muñoz y Adriana Roel.

Por último, el secretario de Turismo de Guanajuato, Fernando Olivera Rocha, informó la aprobación de una ley que fomenta el apoyo al cine, “con el fin de seguir fortaleciendo la creatividad de los jóvenes y para permitir a los nuevos cineastas presentar las tradiciones y costumbres de la entidad guanajuatense”.

Toda la información del festival la encuentras en: http://www.guanajuatofilmfestival.com/ 

‘Drive’ y la simbiosis entre imagen y música

Vladimir Propp, analista del cuento ruso, enlistó una serie de características predominantes en aquellos relatos. La jornada del héroe se cumplía al efectuar una serie de pasos infalibles. Sin embargo, a la postre y con la evolución de la dramaturgia llegó otro tipo de protagonista: el antihéroe, cuyo proceder dista mucho de ser moralmente aceptable. Tal es el caso del conductor, personaje principal de Drive (2011).

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En esta ocasión nos centraremos en la destacable simbiosis entre la imagen y la música; la letra funge como una extensión del diálogo, Nicolas Winding Refn director del filme, elabora una secuencia rítmica siguiendo el beat de Nightcall, tema elaborado por Kavinsky. Dicho fragmento bien podría sintetizar la película completa, lo visual está en perfecta consonancia con lo auditivo, se trata pues, de una voz en off melódica que describe a la perfección la emoción del personaje.

La película se rige bajo la premisa fundamental del sacrificio propio por el bien de los demás. En concreto, de aquel que proviene de un amor irrealizable, no verbalizado pero que se expresa a través silencios, las acciones y finalmente por la música. Refn y Cliff Martínez (supervisor musical) eligieron quisquillosamente cada uno de los tema, los cuales definen tonos en secuencias de gran importancia, como lo es la canción de Desire.

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Ésta acompaña un montaje paralelo entre Irene y el conductor, secuencia representativa del amor platónico entre ambos representado una vez más por medio de la letra, no hay diálogo per se; en este caso… una estrofa dice más que mil imágenes.

Drive posee una estructura clásica y personajes simples. Explora la causa-efecto del amor llevado hasta las últimas consecuencias. Es el tratamiento y uso de herramientas cinematográficas las que elevan el filme a la categoría de una obra maestra, quizás, la más representativa de su director, quien prestó la atención debida a la elección del score, un referente obligado cuya función es extender el universo emocional no sólo de los personajes, también del espectador.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

Watchmen

Por: Rodrigo Márquez 

La mayoría de los colaboradores de Zoom F.7, somos de la generación nacida a finales de los ochenta o principios de los noventa y con la euforia que lleva consigo el tercer domingo de cada junio, las siguientes líneas están dedicadas a las canciones que bailaron y disfrutaron nuestros padres en una selecta antología recopilada por Zack Snyder para su versión alterna de la realidad de los Estados Unidos del año 1985, en donde las tensiones de la Guerra Fría hacen que un cataclismo bélico sea inminente. Dentro de tanto caos, se lleva a cabo un crimen que poco a poco hará que héroes retirados aten cabos que relacionan el siniestro con una conspiración mayor. La historia también es contada por sus canciones:

Unforgettable. Tonight a comedian died in New York

Imaginemos por un momento estar sentados en la tranquilidad de nuestro hogar, relajados, contemplando la noche, con la mayor serenidad posible, esperando por nuestro asesino… así es, expectantes por el hombre que nos arrebatará la vida. Una escena tan violenta e “inolvidable” sólo puede ser aderezada por la voz jazzista y legendaria de Nat King Cole, quien desata la duda en el héroe fugitivo Rorschach (Jackie Earle Haley), quien sospecha de una conspiración que va más allá de una simple venganza en contra del Comediante (Jeffrey Dean Morgan).

The times they are a-changing, el ocaso de los vigilantes

Inmediatamente después, Bob Dylan, nos narra en su canción de 1965, cómo es que una primera generación de vigilantes, los Minutemen, mantenían el orden en la nación de las barras y las estrellas hasta que las tensiones provocadas por un tercer mandato de Richard Nixon, la inminente llegada de una tercera guerra mundial y la paranoia pública, vuelven obsoletos a los héroes, haciendo que sus cualidades y vida personal, queden excluidas del imaginario colectivo norteamericano. Bien lo dice Dylan en la primera estrofa:

“Admitan que las aguas a su alrededor han crecido y acéptenlo pronto. Estarán empapados hasta los huesos. Si vale la pena salvar su tiempo, entonces deberían empezar a nadar o se hundirán como una piedra porque los tiempos están cambiando”

Pruit Igoe & Prophecies, canción tenebrosa para accidente tenebroso

Cuando se habla de una tragedia, esta melodía minimalista, tétrica y oscura, compuesta por Phillip Grass, es una magnífica acompañante. Una secuencia imperdible y de las mejores del filme la que logra Zack Snyder al contar  la historia del génesis de Dr. Manhattan.

You’re my thrill, la deshumanización por la tecnología

Para muchas parejas la materialización del amor se efectúa en el acto sexual. Aquí se da la gestión en la que tras el intercambio de intimidad, dos personas comparten su pasión, caricias y demás muestras de afecto, hasta llegar al éxtasis, aquel pináculo emocional que unifica las dos entidades corpóreas en un solo ser.

Billie Holiday fondea una de estas escenas, sin embargo, la imagen y el sonido es incongruente (a propósito), pues el Dr. Manhattan, intenta intimar con su pareja, Silk Spectre II (Malin Akerman), pero su trabajo por el progreso tecnológico y su accidente, han hecho que su sentido común trabaje más como una calculadora, nublando sus sentimientos.

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Bob Dylan está muy presente en la banda sonora del filme, es por ello que los créditos están musicalizados por “Desolation Row”, con una versión de My Chemical Romance y posteriormente Leonard Cohen reaparece con “First we Take Manhattan”, para cerrar con broche de oro la película.

Una película entretenida, con buena música, haciendo desde un universo alterno, una crítica al distanciamiento sensible ocasionado por intereses monetarios  y tecnológicos. Además, muestra un planteamiento moral interesante, por una pugna de principios, que al final nos hará cuestionarnos si lo correcto es actuar en favor de la mayoría o hay que seguir el consejo de Maquiavelo y proceder de manera amoral.

La muerte lenta de Atom Egoyan

Por: Irving Javier Martínez (@IrvingJavierMtz)

Pocos directores tienen un inicio tan revelador como Atom Egoyan. Su ópera prima The Next Skin (1984) aborda los principales temas en la obra del director canadiense: la familia, la mentira y los mass media. Su origen armenio definió su gusto por lo “exótico” en un contexto occidental. En el primer filme plantea la idea sobre las personas como actores en constante simulación y la mentira se vuelve necesaria para encontrar la felicidad. También, Egoyan se pregunta si es posible que cualquiera pueda ser “terapeuta” y solucionar la vida de los “otros”. Una especie de arbitraría bondad.

En Family Viewing (1987, su obra experimental) la crítica social de Egoyan es más agresiva. Compara a sus personajes con animales y crea crisis de identidad al puro estilo de Bergman en Persona (sólo que ahora en vez de celuloide es cinta de video). Para crear un ambiente hostil, recalca la diferencia entre el lenguaje televisivo y el fílmico. Las locaciones acartonadas representan a la clásica familias nucleares: vacías y monótonas como la programación de T.V. Con Speaking Parts (1989) comienza a explorar de forma melancólica la sexualidad y perversiones como el voyerismo.

SOBRE LOS ACTORES

Aunque no es considerada trilogía, The Adjuster (1991), Exótica (1994) y The Sweet Hereafter (1997) forman un tríptico sobre los secretos y mentiras en la “casa modelo”. A diferencia de sus trabajos anteriores, los protagonistas se sienten incómodos por ser “actores” y los secretos los atormentan por no tener el rol deseado en la vida real (como la censora de películas en The Adjuster). Todos fingen ser otras personas por no enorgullecerse del verdadero “yo” (como la bailarina de Exótica y sus diferentes roles). Los niveles de realidad en los filmes son más complejos y en sus tramas se percibe un aire de rareza. Una tensión que jamás se solucionará.

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Los tres patriarcas protagonistas son patéticos y con vidas a punto de derrumbarse (personajes sin nada que perder), algo retomado por Sam Mendes en American Beauty (2000) La crisis masculina sirve para reflexionar sobre la fragilidad o inexistencia de los afectos, que pueden ser creados de la nada y destruidos por el fuego, una pérdida o un accidente. Largometrajes sobre la muerte y los daños colaterales. En los tres filmes jóvenes personajes intentan salvar ingenuamente a los adultos condenados: la recamarera en The Adjuster, la bailarina en Exótica y la hija invalida en The Sweet Hereafter.

La estética es más clara y personal. Los colores determinan el tono de cada película: la iluminación cálida enThe Adjuster,  los verdes y azules en Exotica y el blanco intenso en The Sweet Hereafter. Egoyan continúa empleando la naturaleza muerta y salvaje como principal decorado, elemento que persiste hasta Captives.

ALGO SUCEDIÓ Y COMENZÓ EL DECLIVE

Felicia’s Journey (1999) –adaptación de la novela de William Trevor- es el inicio de Egoyan en un cine más comercial. Su noveno largometraje tiene una manufactura académica, pero con muchos elementos característicos de su estilo. En 2002 estrena Ararat, un film sobre el genocidio de armenios por parte del ejército turco durante la Primera Guerrra Mundial. Lo más destacado es la maestría para manejar tres tiempos de forma simultánea. Nada nuevo en su obra.

Más tarde, se aventura a filmar un guión basado en la novela del músico Rupert Holmes. En Where the Truth Lies (2005) el erotismo sutil e incómodo de Exótica se vuelve explícito y pornográfico; por ejemplo, una escena lésbica entre una reportera y una actriz disfrazada de la versión Disney de Alicia en el País de las Maravillas. Los pequeños guiños de trabajos anteriores se convierten en sínica provocación. Aún sigue presente la crítica a los medios masivos, pero con reservas o con argumentos débiles y caducos como la falsedad del altruismo en la televisión.

Con Chloe (2009) Atom Egoyan recurre por primera vez al “homenaje”. Dirige un remake (casi fiel) de la película Natalie… (2003) de Anne Fontaine, con detalles visuales que recuerdan a Exótica. La joven protagonista intenta sustituir el vacio sentimental en un adulto en decadencia (como el personaje de Mia Kirshner); amores con “bondad” obsesiva. Su estética es metida a calzador, como las escenas en el invernadero o el uso recargado de azul y rojo. Chloe logra algo que sus trabajos previos no: entretiene. Las reflexiones profundas sobre la verdad y la mentira son sustituidas por un thriller muy elegante y sin complicaciones.

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Con la pretensión de retornar a su cruda crítica social dirige Devil’s Knot (2013) sobre el caso West Memphis Three. El argumento recuerda aThe Sweet Hereafter –detective en búsqueda de la verdad, desconfianza a las autoridades y la violencia intrafamiliar-. En el guión (del cual no es autor) se incluyen torpes diálogos para dar el “toque Egoyan”, como el grito “no somos actores” de Witherspoon. Atom se vuelve repetitivo hasta el cansancio. Y después… pues llegó Captives (2014), el largometraje que más abucheos obtuvo en Cannes. Otra película sobre niños desaparecidos y “Esposos desesperados”.

La triste caída de Egoyan se debe a su incapacidad para adaptarse a los tiempos dónde las series y el cine comercial ya han explotado todos los recursos para sorprender, un terreno en el que algún día fue pionero. El director canadiense ya demostró el máximo de su talento y se agotaron sus armas para provocar al espectador; solo queda su elegancia y buen  gusto. Las películas de Egoyan taladraban el cerebro por las múltiples formas de retratar la personalidad… ahora es otro más contador de historias burdas bien empaquetadas… esperemos que Remember (2015) nos regrese al armenio de The Next Skin.