¿El cine antes de los Lumière?

Por: Andrea Rodea

Antes de la invención del cinematógrafo de los hermanos Lumière, existió una búsqueda por hacer de la imagen algo con movimiento. Algunos podrían remontar el inicio de esta cronología a la pintura, pero retomando a Andre Bazin, me parece que lo más adecuado es empezar este recorrido con la fotografía.

“For the first time an image of the world is formed automatically, without the creative intervention of man. The personality of the photographer enters into the proceedings only in his selection of the object to be photographed and by way of the purpose he has in mind”.

Andre Bazin (What is cinema?)

Cuando surge la fotografía se crea no sólo una nueva forma de imagen, sino de apreciación del arte. Como lo menciona Bazin, la fotografía es el momento en el que la interpretación del mundo es plasmada por una maquina. Se iniciaba una nueva expresión, con la cual se interactuaba con el mundo a través de una aparato. La importancia radicaría en la intención/mirada/esencia que el operador impusiera en el objeto de su captura.

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Auguste (izquierda) y Louis Lumière (derecha).

Por otra parte, definir el momento exacto en que el hombre se pregunta/preocupa por captar y recrear el movimiento de la imagen sería una gran mentira, pues este deseo se puede percibir desde el inicio de las artes plásticas. Sin embargo, retomemos en tecnología a aquellos casos que se acercan más a la reproductibilidad del flujo de una imagen. En esta ocasión aquellas impulsadas por la búsqueda científica para tratar de explicar la visión, el movimiento o simplemente una ilusión óptica: el taumatropo, el zootropo o el estroboscopio.

taumatropo
Taumatropo

Estos juguetes ópticos, diseñados en el transcurso de 1820 a 1870, lo que hacían era recrear el desplazamiento de una figura a través de la fragmentación de un movimiento, que a su vez fuese repetido con una velocidad en especifico. Al ejecutar este proceso lo que sucedía era una ilusión de una imagen recreando un movimiento. La cuestión es que la figura era un dibujo; aunque así fuera, se trataba de un progreso debido a lo que se buscaba desde hace años: duplicar en materia lo que nuestros ojos admiraban. El transcurrir.

Posteriormente, el kinetoscopio, diseñado por W. Kennedy-Laurie Dikson, colaborador de Thomas Alva Edison, es de los primeros aparatos en trabajar con la unión de la fotografía y el transcurrir de la misma. Esta herramienta reproducía una película de unos 15 metros al depositarle una moneda. Sí, se observaba ya una reproducción en imagen de lo real pero esta maquina sólo podía reproducir, no capturaba, por lo tanto aún no existía el concepto de lo cinematográfico como tal, pues ellos seguían pensando en este proceso como algo fotográfico.

Kinetoscopio
Kinetoscopio

En 1895, con los hermanos Auguste y Louis Lumiere y la invención del cinematógrafo (la primera maquina calificada para capturar/filmar y proyectar imágenes en movimiento) se crea la posibilidad de duplicar el aquí y ahora. La posibilidad de una imagen fiel que retrataba el transcurrir, el ir y venir de un todo. Y justo dentro de estas primeras filmaciones se comienza (aún no se construía como tal) la posibilidad de un nuevo e infinito lenguaje. Ellos, de manera accidentada comienzan a escribir al ABC de un alfabeto que hasta ahora no se le ha encontrado un fin (y espero nunca suceda).

“Los señores Lumière encontraron, en 1895, la solución requerida. Utilizando uno de los principios de Edison, la perforación de las películas, descubrieron un procedimiento aún más original para filmar y proyectar las imágenes de la película…Este admirable invento casi ha realizado la perfección desde el primer momento. Obtiene […] bajo el nombre de cinematógrafo, un éxito considerable, y este nombre, que no es el de algún aparato específico, permanecerá por mucho tiempo asociado en la memoria a todas las síntesis de los movimientos”

Étienne-Jules Marey.

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Cinematógrafo Lumière

El cine antes de los hermanos Lumière no se concebía. Antes de ellos era el preámbulo para uno de los inventos más grandiosos de los últimos tiempos, y después de ellos el redescubrimiento con cada obra de lo que aún no se puede definir con exactitud … ¿Qué es el cine?

Películas animadas que no ganaron el Oscar

 Por: Citlalli Vargas Contreras (@rimbaudienne_)

¿Qué es lo que se valora de una película animada? Existen cintas que, a pesar de no haber ganado el Premio Óscar, sea cual sea la razón, se han convertido en grandes referentes de la animación, no sólo por las técnicas que han utilizado los directores o por los estudios de los que provienen, sino por sus temáticas, las cuales revelan que las películas animadas no son sólo para niños.

1)     Persépolis (Vincent Paronnaud, 2007)

La cinta está basada en la novela gráfica homónima de Marjane Satrapi, quien cuenta su infancia y adolescencia al crecer en una familia occidentalizada en Irán durante los años 70, justo cuando el régimen del Sah comenzaba.

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La joven, al darse cuenta de los maltratos por parte del gobierno, comienza a desarrollar una ideología de izquierda. Poco después llega la caída del Sah y la Revolución Islámica, movimiento que no sólo impacta fuertemente a Marjane sino a todo el país, ya que el carácter extremista obliga a todas las mujeres a portar el velo y busca erradicar ideas y conceptos culturales de occidente como la música, elemento que es muy importante en la vida de la chica, quien se convertirá cada día más en un bicho raro con tal de no encajar en el sistema que la sofoca.

2)     Fantastic Mr. Fox  (Wes Anderson, 2009)

La primera incursión de Wes Anderson en la animación (esperemos no sea la única), fue una adaptación de la novela del ya conocido escritor infantil Roald Dahl (Charlie y la fábrica de chocolate, Matilda, Las brujas, etc), que presenta la historia del Sr. Zorro, quien vive con su esposa, su hijo Ash y su sobrino Kristofferson.

La vida de hogar no lo hace infeliz. Sin embargo, añora esos días en los que robaba gallinas de las granjas y la adrenalina que le provocaba, por lo cual decide regresar a las andadas, a pesar de poner en riesgo a su familia. Cabe mencionar que la técnica de stop motion utilizada por Anderson es brillante, por su especial atención a las texturas del pelaje de los animales y en otras características de la naturaleza. Además, la versión original cuenta con las voces de grandes actores como George Clooney, Meryl Streep y Bill Murray.

3)     Howl no Ugoku Shiro (Hayao Miyazaki, 2004)

Gracias a la extraordinaria imaginación de Hayao Miyazaki y a cargo de los Studios Ghibli, por supuesto, la adaptación animada de la novela homónima de Diana Wynne Jones pudo ver la luz. Esta historia, ambientada en tiempos de guerra, muestra a Sophie, una joven de 18 años de baja autoestima que trabaja en una sombrerería. Mientras tanto, en diferentes lugares, las chicas del pueblo hablan de Howl, un mago que supuestamente se come los corazones de las mujeres guapas pero que en realidad nadie ha visto… hasta que Sophie se topa con él.

Poco después ella es víctima de un hechizo conjurado por la temida Bruja Calamidad, lo que la obligará a salir de casa y buscar otros rumbos para mantenerse alejada de su familia. Su aventura la hace encontrarse de nuevo con Howl y con su castillo vagabundo, donde habitan Markl, su pequeño aprendiz, y Calcifer, un demonio en forma de fuego que alimenta todo el castillo. Juntos viven una serie de aventuras poco comunes que logran, principalmente a Sophie y a Howl, enseñarles el gran valor del amor.

4)     La planéte sauvage (René Laloux, 1973)

Basada en una novela de Stefan Wul y con un soundtrack a cargo de Alain Goraguer, que recuerda un poco a Pink Floyd, esta película se ha convertido en un clásico de ciencia ficción y animación francesa. El narrador de la historia, Terr, relata su vida en un mundo futurista donde los humanos, llamados oms, conviven con los draags, unos seres azules gigantes que mantienen cautivos a los primeros como mascotas, aunque algunos rebeldes viven en comunidades en los parques. Tiva, una niña draag, adopta a Terr luego de que otros niños matan por accidente a la madre de este último.

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El pequeño humano crece siendo la mascota de Tiva, obedeciéndola y manteniéndose siempre cerca de ella, hasta que descubre unos audífonos a través de los cuales la niña es educada y que finalmente Terr decide robar para luego escapar a las comunidades salvajes y educarlos a través de este artefacto. Sin embargo, las consecuencias de dicho acto de rebeldía impactarán fuertemente a ambas sociedades.

5)     Mulán (Tony Bancroft y Barry Cook, 1998)

Mulan fue la primera película de Disney en la que la protagonista no necesitó de la llegada de un príncipe azul para rescatarla, sino fue ella quien salvó no sólo a su padre y el honor de su familia, sino a China entera (con ayuda, claro).

Al saberse que los hunos se encuentran cerca del imperio, el gobierno chino manda a llamar a todos los soldados que puedan servir en la guerra, entre ellos a Fa Zhou, quien ya es muy viejo para pelear pero debe cumplir con su llamado. Es por esto que su única hija, Mulán, decide disfrazarse de hombre y tomar su lugar en el ejército. En esta misión la acompañarán Mushu, un dragón torpe y arrogante que quiere ganarse el respeto de los ancestros, y Crickee, un grillo de la buena suerte (o algo así), además de Shang, Yao, Lin y Chien Po.

 

 

La muerte de Mozart, el artista

Una frase, y la estructura caería, era claro para mí.

El sonido que escuchaba era excelente, estaba…

ante la misma voz de dios.

Antonio Salieri

El director Miloš Forman presenta la historia ficticia de un genio que falleció ignorante de su legado. Wolfgang Amadeus Mozart, un hombre que lidió toda su vida con problemas financieros y pocas remuneraciones a su trabajo. A veces odiado y repudiado, empero cuyas misas y operas repercuten en toda la música como lo más grande de lo clásico. La introducción de los solistas en las obras y las marchas, alcanzando la cumbre de la expresión sinfónica hasta nuestros tiempos.

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En Amadeus (1984) apreciamos al gran compositor austriaco (interpretado por Tom Hulce) en plena época de las revoluciones. Retoma los roces que tuvo con otros compositores, así como la oscura motivación que inspiró sus últimas obras. Todo esto como recurso narrativo, para dar un final legendario, que funciona y estremece.

La película comienza con la Sinfonía n°25 KV 183 de Mozart y las trágicas confesiones de aquel que lo envidiaba en todas sus facetas: Antonio Salieri (F.Murray Abraham), mientras éste es llevado a un manicomio por un intento de suicidio y grita: “Yo acabé con la criatura del señor, si yo lo hice, estaba celoso… lo reconozco”, y refiriéndose a sus anhelos, expresa “Yo le pedí a dios que me permitiera ser el mejor compositor de la historia, pero me indultó el deseo como una lujuria en el cuerpo, y después me lo quitó”.

En el contexto de la vida del personaje, vemos las dificultades que Mozart tuvo para simpatizar con sus colegas y con el mismo Emperador José II (Jeffrey Jones), así como el poder escribir óperas sobre burdeles o las bodas de Fígaro, las cuales estaban prohibidas en ese entonces por meras cuestiones religiosas y políticas. No obstante, Wolfgang luchó en este sentido contra la Iglesia. Todas las nulidades “odian” a los genios; los mediocres aprovechan cualquier oportunidad para rebajar al prodigio a su nivel: pequeño y mezquino.

Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión. Igualmente creó una conexión armoniosa entre un ejecutante-compositor impaciente y una audiencia encantada.  La muerte de su padre le causó tal impacto y conmoción que escribió -según Salieri en la cinta- la opera de Don Giovani; “así se levantó el espantoso fantasma de su siguiente y más negra opera. Wolfgang había llamado a su propio padre, para que acusara a su hijo ante todo el mundo.  Era aterrorizante y maravilloso de ver y escuchar”.  Una obra que inspira a Salieri a realizar su maquiavélico plan, y así acabar con Mozart.

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La cinta ganadora de ocho premios de la Academia, entre ellos mejor dirección, exhibe la muerte del artista envuelta en un misterio, cuando terminó de componer su obra más fúnebre, Lacrimosa Dies lla, que como su antagonista Salieri confiesa: “es una armonía de tal belleza y melancolía. El sonido que escuchaba era majestuoso, y estaba aquí otra vez, presente, ante la voz de Dios. Aquella que me hizo mudo, y me obligo… a matarle”.

Lo que es un hecho es que Mozart fue un genio incomprendido, aquel  que a los 10 años ya había escrito su primera ópera y dado varios conciertos, cuyo legado se extiende a más de 600 creaciones. Su trabajo ha perdurado 200 años después; él decía de sí mismo: “Soy un hombre vulgar, pero le aseguro que mi música no lo es”. Del que se dice no fue solo el más grande compositor, si no el más grande artista de todos los artistas.

Luis Zenil Castro 

Productor audiovisual y dibujante.

De espaldas al centro | Fotografías de Tonatiuh Cabello

Por: Tonatiuh Cabello Morán

Año: 2012-2015

Técnica: Fotografía digital

En la periferia de la ciudad de México se puede observar la presencia de territorios en constante transformación, que aluden a nuevas dinámicas en torno a los asentamientos humanos.

Lo anterior surge en gran medida por la necesidad de expansión y crecimiento que tienen las ciudades y que obliga a los habitantes a reapropiarse de áreas cuyo valor productivo es muy bajo o simplemente nulo. Podemos ver así lienzos charros sobre camellones, gimnasios de box debajo de puentes o plantaciones en terrenos baldíos como ejemplos del uso de suelo que edifica un paisaje casi siempre de manera clandestina.

En este proyecto se lleva a cabo una exploración de ese espacio que ha sido susceptible a nuevas intervenciones y se logra extender rompiendo franjas territoriales entre lo rural y lo urbano o logra transgredir la propiedad pública que muchas veces el gobierno restringe o privatiza.

Quentin Tarantino y la música de Ennio Morricone

 Por: Rodrigo Garay Ysita (@Rodrigo_Garay

Era de esperarse que cuando Tarantino conoció en el Festival de Cannes de 2009 a Ennio Morricone, compositor icónico del spaghetti western, le pidiera una colaboración completa (porque ya había tomado varias de sus melodías prestadas). Seis años más tarde, y por primera vez en cuatro décadas, el italiano compuso de nuevo el score de un western: The Hateful Eight (2015). Hagamos un repaso de algunas piezas musicales de Morricone que el director tennesiano reutilizó en sus famosísimos soundtracks:

Da uomo a uomo, tema de la película Death Rides a Horse (Giulio Petroni, 1967)

La primera vez que el cineasta le pidió prestada una canción a su ídolo fue para el Volumen 1 de su cuarta película: Kill Bill (2003). Aunque no fue lanzado como parte del soundtrack oficial de Warner Bros. Records, el tema principal de la cinta de Giulio Petroni reapareció en la escena en la que Beatrix Kiddo (mejor conocida como La Novia), con su katana en la espalda de Sofie Fatale, reta a su segunda víctima a un duelo.

Con el grito: “¡O-Ren Ishii! ¡Tú y yo tenemos un asunto pendiente!”, entra el rasgueo típico de una guitarra del Viejo Oeste, acompañado de una flauta frenética y los coros que cantan la frase “He’ll be comin’ down the mountains”. Porque así como Bill y Ryan en Death Rides a Horse, Uma Thurman ha vuelto del exilio para cobrar venganza.

 

Fine Di Barbara, E Il Ritornio Di Joe, de la película Navajo Joe (Sergio Corbucci, 1966)

Tampoco lanzada en el álbum oficial del Volumen 2 de Kill Bill, la pieza que marcaba la muerte de Barbara y el regreso de Joe en la cinta de Sergio Corbucci es utilizada por Tarantino para resaltar la grandeza del momento culminante en el viaje de Beatrix Kiddo. El mismo título de la película es spoiler del gran final, pero los detalles estarán mejor dichos por la cinematografía de Robert Richardson y el ojo de Quentin.

Para el soundtrack de esta película también se utilizaron otras cinco composiciones de Morricone, desde el tema de Per un pugno di dollari (Sergio Leone, 1964) hasta el de Il mercenario (Sergio Corbucci, 1968).

 

 

Paranoia Prima, de la película Il gatto a nove code (Dario Argento, 1971)

El cine slasher, ése que nos dejó The Texas Chainsaw Massacre (Tobe Hooper, 1974), Halloween (John Carpenter, 1978) y A Nightmare on Elm Street (Wes Craven, 1984), entre sus muchos elementos contaba con: a) Un asesino psicópata que mata adolescentes, y b) un soundtrack excelente para incomodar al público.

Como parte del proyecto Grindhouse (2007) que Tarantino realizó con Robert Rodríguez, Death Proof es una reinvención del slasher tradicional empapada del estilo del director de Pulp Fiction (1994), que ya era entonces muy identificable. Y como una de las convenciones de este tipo de película de horror es la música tétrica que aparece en momentos claves para crear un sello de alarma en los que están sentados en las butacas, Paranoia Prima de Ennio Morricone fue la elegida, por sus vientos, tambores y cuerdas macabras, para acentuar los momentos en que la protagonista Arlene ve el Chevy Nova del asesino.

 

L’incontro Con La Figlia, de la película Il ritorno di Ringo (Duccio Tessari, 1965)

El nombre de la canción, quizás aún más que en las tres entradas anteriores, encaja a la perfección con el momento terrorífico que musicaliza en Inglourious Basterds (2009). El encuentro con la hija, en el contexto de esta cinta de guerra y venganza, se refiere a la hija de los Dreyfus: una familia de judíos prófugos que, acompañados de esta música, no corren con muy buena fortuna.

Los coros estridentes hacen un ambiente casi operístico y, por lo tanto, con una fuerte carga dramática referente a las grandes tragedias míticas de la Antigüedad. L’incontro Con La Figlia no sólo nos introduce a la verdadera protagonista de Basterds, sino que culmina lo que probablemente es la mejor secuencia de toda la película: la introducción del coronel Hans Landa, nazi tan carismático como brutal que despide la canción con un “Au revoir, Shosanna!”.

Ancora qui, de la película Django Unchained (2012)

Por primera vez en la historia de su fanatismo por el western, Quentin Tarantino logró que su héroe compusiera una canción completamente original para una de sus películas, precedente de lo que sería su colaboración entera en The Hateful Eight. La voz y las letras son de la autoría de Elisa Toffoli, cantautora italiana, que se inspiró en la muerte de una amiga de la infancia.

En el filme, Ancora qui suena cuando las sirvientas de Calvin Candie preparan la mesa para la cena, cabizbajas, en movimientos que parecen coreografiados. La idea de la miseria que vivieron los esclavos negros en los años previos a la Guerra Civil estadounidense es bastante evidente, con la voz de Elisa cantando estrofas tristes y la música de Morricone tomando un papel menos grandilocuente.

 

***

The Hateful Eight es la primera película de Quentin Tarantino en tener un score “original” (aunque también incluye canciones de The White Stripes y de Roy Orbison para no romper con la tradición).

Aquí una probadita:

Star Wars: el despertar de la fuerza

 

 

It’s a dirty job but someone’s gotta do it. 

-Faith No More

 

La espera concluyó, y después de diez años, cuando George Lucas presentó la que sería la última película de la saga Star Wars, llega El despertar de la fuerza, séptimo episodio del universo creado por el director de THX 1138, ahora bajo la batuta de Disney y del director J.J. Abrams (Star Trek).

El filme nos traslada a nuevos tiempos en los que el Imperio Galáctico quedó sólo en el recuerdo y el único Jedi, Luke Skywalker, está desaparecido. Aquí es cuando nuevos personajes se encaran con los viejos, ya consabidos del público. “El despertar de la fuerza” se refiere justo a un nuevo ser sensible a la fuerza.

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La película tiene un ritmo ágil, que es complaciente con todo público, incluso con el más conocedor. En ella se nota el trabajo pulcro de Abrams, que aunque ha dirigido Star Trek, imprime su estilo justo en este séptimo episodio. Aun con esto, hay detalles que pasaron por alto y los cuales rompen con la unidad que ya tenía muy marcada Star Wars. Uno de ellos es que el director de Super 8 olvida las batallas espaciales y las transporta a lugares (o planetas) y climas helados y tropicales, olvidando uno de los puntos importantes de la saga: las batallas en el espacio, las cuales tienen mayor impacto dentro de los planetas.

Destaca que J.J. Abrams, como se vio en un video promocional de cinta en la pasada Comic-On, rescata el uso de efectos especiales físicos que en combinación con los CGI; esto da un toque diferente a lo que se ha visto en el resto de las entregas. En cuanto a la historia, cabe mencionar que llega a tener momentos flojos que se tratan de rescatar con el uso de chistes gratuitos y abuso en los diálogos, provocando risas en algunas ocasiones. Sin embargo, tanto los chistes como los cuantiosos diálogos, son recursos de los que se pudo prescindir. El punto más débil recae en el villano, quien resulta ser hijo de uno de los personajes más entrañables de la saga, y es un junior mimado y arrogante.

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El despertar de la fuerza tiene todo lo necesario para ser una gran película, pero no lo explota completamente. Sucede lo mismo que en Jurassic World (Colin Trevorrow), el guiño o easter egg hacia la primera trilogía: las naves del imperio hechas una chatarra y la aparición casi patética del célebre Halcón Milenario, lo cual se nota, va dirigido al espectador que ya conoce el universo Star Wars. Sin embargo, se detiene mucho más en lograr generar empatía con Rey (Daisy Ridley) que en adentrarnos en esa galaxia muy, muy lejana.

 J.J. Abrams da en este primer corolario más preguntas que respuestas. El cómo se resolverán en las siguientes dos entregas será lo interesante, además de cómo será el camino que lleven los Jedi después de lo sucedido en este episodio que tiene cambios muy significativos pero que no terminan de cuajar del todo. Después de ver la película uno puede sentirse un tanto confundido, ya que a pesar de ser una continuación de El retorno del Jedi hay situaciones y personajes de los que nada se conoce, por eso es muy importante poner gran atención a los detalles.

May The Force Be With You…

Sebastián Ortiz 

Comunicólogo que habala mucho y escribe (mal) sobre cine, música y ciencia ficción.

 

Tiburón: el nacimiento del Blockbuster

 

                        Qué fea gorra Harry.

-Jefe Brody

 

Durante 1974 un joven director batallaba contra viento y marea; un armatoste que emulaba un tiburón pecaba de disfuncional. La filmación era una crisis, el calor agobió al equipo técnico, la apuesta se había echado, quienes presenciaron aquel instante fueron testigos del nacimiento del monstruo, el marino y el comercial. La industria estadounidense encontraría una mina de oro, que le ha redituado hasta nuestros días. El rodaje de Tiburón marchaba con dificultad y al mismo tiempo, Steven Spielberg plantó la semilla del blockbuster.

Contrario al pensamiento del propio realizador, el estreno fue un evento sin parangón. Al espectador le trastornó mirar mucho océano y poco pez. La solución de ocultar al animal por mucho tiempo resultó ser el arma eficaz a la que apeló el genio del cineasta. Resolver el asunto se convirtió en una propuesta cuya estética y manejo del suspenso se asimilan al trabajo del académico Hitchcock. La gente aplaudió, recomendó y llenó las salas, incluso hubo quien del filme adquirió la fobia al mar, el efecto de boca en boca quintuplicó los costos de producción, revitalizando Hollywood y de paso consolidó el cine que provenía de las primeras universidades especializadas en Estados Unidos.

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 El guión co-escrito por Peter Benchley -autor de la obra homónima- y Carl Gottlieb goza de inteligencia, principalmente al enfrentar al protagonista (Jefe Brody) no sólo contra la bestia, sino contra sí mismo. El temor del héroe proviene de un trauma inefable: el miedo al agua. Esto, potencia irremediablemente los alcances del antagonista o ¿será acaso que el contexto de ser un guardacosta es el verdadero enemigo? La familia conduce a Brody a concluir su misión, a derrotarse y de paso aniquilar al escualo.

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Spielberg se destaca por la planificación de prácticamente cada elemento de manera sumamente quisquillosa, otorga planos secuencia invisibles debido a la cantidad de movimientos al interior de cada imagen, técnica y audacia al servicio de la historia. Para ejemplificar su destreza basta recordar la escena del asesinato del niño sobre el salvavidas amarillo: presentación de las víctimas, empleo de barridos para suavizar y al mismo tiempo tensar el corte, un plano con vértigo para representar la angustia del jefe Brody y al final la muerte del personaje. Cine puro, casi perfecto.

 Además, introdujo a uno de los compositores más representativos de la industria, John Williams, quien dotó al punto de vista del tiburón de un tema memorable, que de sólo escucharlo provocaba cierta incomodidad, presagiando la tragedia.

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Tiburón sentó el precedente del cine que predomina en Hollywood hasta nuestros días, fertilizó la tierra para la semilla denominada Star wars y encumbró al llamado Rey Midas del séptimo arte: Steven Spielberg.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7