Siete películas para ver antes y después de ‘La Odisea’
El viaje como estructura narrativa precede al cine. Homero, probablemente en el siglo VIII a. C., fijó en La Odisea un esquema que ha sido ocupado una y otra vez por la literatura, el teatro y, más tarde, por la cámara: salida, pruebas, descenso y retorno. Ese esqueleto, lejos de agotarse, se ha mostrado maleable. Cada época lo ha vestido con sus propios trajes, desde la armadura del héroe griego hasta el uniforme del navegante napoleónico; desde la túnica del conquistador perdido hasta el overol de una esponja amarilla.
El cine encontró en esa estructura uno de sus lenguajes más versátiles. Puede sostener una epopeya histórica, una expedición marítima, una odisea espacial, una película bélica, una comedia de carretera o una sátira animada. Bajo formas muy distintas, todas comparten la misma pregunta: ¿qué ocurre con quien regresa después de haber visto un mundo que ya no cabe en el recuerdo del hogar?
Durante el siglo XX, Joseph Campbell identificó ese patrón como uno de los grandes relatos de la humanidad. Más tarde, la teoría del guion lo convirtió en un modelo recurrente para explicar el funcionamiento de incontables películas. Sin embargo, las obras más memorables rara vez se limitan a reproducir la fórmula. La ponen a prueba, la desvían o la reinventan hasta demostrar que cada viaje encuentra su propia manera de llegar a puerto.
El estreno de La Odisea (2026), de Christopher Nolan, devuelve ese linaje al primer plano. El director británico adapta por primera vez el poema homérico en una producción filmada para IMAX y protagonizada por Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Charlize Theron y Zendaya. Desde el primer material promocional, Nolan señaló su interés por trabajar el mar, el tiempo y la memoria como ejes de la experiencia sensorial.
Con ese estreno como punto de partida, reunimos siete películas que dialogan con el legado de Homero desde registros muy distintos. Todas demuestran que el regreso sigue siendo una de las historias favoritas del cine.
Siete películas para ver antes y después de La Odisea
1. Jason y los argonautas (Don Chaffey, 1963)
Mucho antes de que las computadoras hicieran posible cualquier criatura imaginable, los monstruos del cine dependían de la paciencia de un hombre. Fotograma a fotograma, Ray Harryhausen movía apenas unos milímetros esqueletos, hidras, arpías y gigantes para dar la ilusión de vida. Su trabajo convirtió a la mitología griega en uno de los territorios más fértiles del cine fantástico y encontró una de sus expresiones más memorables en Jason and the Argonauts, una película que, más de seis décadas después de su estreno, sigue siendo referencia obligada para cualquiera que quiera entender cómo el séptimo arte aprendió a representar las grandes epopeyas clásicas.
Basada libremente en el mito de Jasón y la búsqueda del Vellocino de Oro, la cinta sigue una estructura que hoy resulta familiar porque nace del mismo imaginario que alimentó La Odisea: un héroe llamado a reclamar un reino, una tripulación heterogénea, dioses que intervienen en el destino de los mortales y una sucesión de pruebas que convierten el viaje en una colección de desafíos. A diferencia de Ulises, cuyo recorrido está marcado por la nostalgia del regreso, Jasón avanza impulsado por la conquista. La aventura importa más que el retorno.
Sin embargo, la verdadera hazaña de la película ocurre detrás de cámaras. Harryhausen dedicó meses a animar la ya legendaria batalla contra los esqueletos, una secuencia de apenas cuatro minutos que exigió sincronizar los movimientos de actores reales con figuras animadas mediante stop-motion. El resultado transformó para siempre la manera en que Hollywood imaginó a las criaturas mitológicas e inspiró a generaciones enteras de cineastas, desde Steven Spielberg y George Lucas hasta Peter Jackson.
2. Furia de Titanes (Desmond Davis, 1981)
Si existe un héroe capaz de disputar con Ulises el lugar de mayor celebridad dentro de la mitología griega, probablemente sea Perseo. Su enfrentamiento con Medusa, el rescate de Andrómeda y la derrota del Kraken han trascendido los poemas clásicos para instalarse en el imaginario popular, convirtiéndose en una de las historias más adaptadas por el cine, la televisión y los videojuegos.
Esa familiaridad encuentra una de sus versiones más emblemáticas en Clash of the Titans, la última gran producción en la que Ray Harryhausen desplegó su maestría con el stop-motion antes de retirarse. Lejos de limitarse a ilustrar un mito, la película organiza el recorrido de Perseo como una cadena de pruebas donde cada victoria conduce inevitablemente al siguiente desafío. El héroe avanza porque el destino así lo exige, mientras dioses y mortales disputan desde las alturas el control de su camino.
La película conserva buena parte del encanto artesanal que definió al cine fantástico previo a la revolución digital. La Medusa diseñada por Harryhausen continúa siendo una de las criaturas más inquietantes jamás creadas mediante efectos prácticos. Esa combinación entre fantasía, terror y aventura explica por qué el filme ha conservado un lugar privilegiado dentro del género, incluso después de que su remake de 2010 apostara por un despliegue tecnológico muy superior.
3. Capitán de mar y guerra: La costa más lejana del mundo (Peter Weir, 2003)
Durante las guerras napoleónicas, un barco podía pasar meses sin ver tierra firme. El horizonte era siempre el mismo, las provisiones escaseaban y cualquier vela que apareciera en la distancia podía anunciar tanto una victoria como una sentencia de muerte. En ese universo aislado, donde el océano imponía sus propias reglas, Peter Weir encontró el escenario perfecto para construir una de las películas marítimas más extraordinarias de las últimas décadas.
Inspirada en las novelas de Patrick O’Brian, Capitán de mar y guerra: La costa más lejana del mundo acompaña al capitán Jack Aubrey y al médico Stephen Maturin a bordo del HMS Surprise durante la persecución de un buque francés. Sobre el papel, la premisa parece sencilla; en pantalla, el viaje se convierte en una exploración minuciosa de la vida en altamar. La rutina de los marineros, las jerarquías militares, la navegación astronómica y el desgaste físico de una tripulación confinada durante meses adquieren tanto protagonismo como los enfrentamientos navales.
Más allá de sus espectaculares secuencias de combate, la película encuentra su fuerza en los momentos de calma. Las conversaciones entre Aubrey y Maturin, unidas por interpretaciones contenidas de Russell Crowe y Paul Bettany, revelan que el verdadero conflicto no consiste únicamente en alcanzar al enemigo, sino en conservar el liderazgo, la disciplina y la humanidad mientras el viaje consume lentamente a todos los que van a bordo.
4. Bob Esponja: La Película (Stephen Hillenburg, 2004)
Homero difícilmente habría imaginado que uno de los herederos más improbables de La Odisea terminaría viviendo bajo el mar, vistiendo pantalones cuadrados y trabajando en un restaurante de comida rápida. Sin embargo, pocas películas contemporáneas reproducen con tanta claridad la arquitectura del poema homérico como Bob Esponja: La Película. Bajo la apariencia de una comedia infantil, la cinta esconde un relato clásico sobre la aventura, la madurez y el regreso.
Todo comienza con una misión aparentemente sencilla: recuperar la corona robada del rey Neptuno para evitar la ejecución de Don Cangrejo. Esa tarea obliga a Bob Esponja y Patricio a abandonar la seguridad de Fondo de Bikini y adentrarse en un territorio desconocido donde cada parada representa una nueva prueba. El recorrido los enfrenta a monstruos marinos, trampas, enemigos y personajes extravagantes que funcionan como versiones humorísticas de los obstáculos que Ulises encontraba durante su regreso a Ítaca.
Stephen Hillenburg nunca pretendió realizar una adaptación de Homero, pero la estructura resulta sorprendentemente cercana al poema. Hay una llamada a la aventura, un descenso al «mundo exterior», una serie de pruebas iniciáticas y un retorno que transforma por completo al protagonista. Bob deja de ser visto como un empleado ingenuo incapaz de asumir responsabilidades para convertirse en el héroe que salva a toda una comunidad. La recompensa no es únicamente recuperar la corona; es demostrar que crecer no significa abandonar la inocencia, sino aprender a ponerla al servicio de los demás.
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5. Aguirre, la ira de Dios (Werner Herzog, 1972)
Durante el siglo XVI, el rumor de una ciudad construida enteramente de oro llevó a decenas de expediciones españolas a internarse en regiones desconocidas de Sudamérica. El Dorado nunca apareció, pero la obsesión por encontrarlo dejó tras de sí un largo registro de hombres consumidos por la ambición, el hambre y la selva. Werner Herzog tomó ese episodio histórico para construir una de las películas más hipnóticas del cine moderno, una obra que dialoga con La Odisea desde el reverso de la epopeya.
Aguirre, la ira De Dios sigue a un grupo de conquistadores que desciende por el río Amazonas en busca del mítico reino. Al frente emerge Lope de Aguirre, interpretado por un Klaus Kinski tan magnético como aterrador, cuya ambición termina por devorar cualquier posibilidad de regreso. A diferencia de Ulises, cuya mayor virtud consiste en no perder nunca de vista el hogar, Aguirre rompe deliberadamente con toda idea de retorno. Su viaje avanza únicamente hacia el delirio.
El propio rodaje terminó adquiriendo dimensiones legendarias. Herzog filmó en plena selva peruana con recursos mínimos, enfrentando inundaciones, enfermedades, accidentes y una convivencia explosiva con Kinski, cuya personalidad impredecible ha quedado documentada en múltiples entrevistas y en el documental My Best Fiend. Esa tensión se filtra constantemente en la pantalla: la naturaleza parece imponerse sobre los personajes, mientras la cámara observa con una mezcla de fascinación y distancia cómo la expedición se desmorona lentamente.
6. Johnny tomó su fusil (Dalton Trumbo, 1971)
No todas las odiseas atraviesan mares o continentes. Algunas ocurren dentro de una conciencia atrapada en un cuerpo incapaz de moverse. Dalton Trumbo comprendió esa paradoja mejor que pocos cineastas al adaptar su propia novela Johnny Got His Gun, una de las denuncias antibélicas más devastadoras del siglo XX y, al mismo tiempo, una de las reinterpretaciones más radicales de la idea del viaje.
Joe Bonham, un joven soldado estadounidense herido durante la Primera Guerra Mundial, despierta en un hospital militar convertido en un prisionero de su propio organismo. Ha perdido brazos, piernas, rostro y la posibilidad de hablar o ver; únicamente conserva la conciencia. A partir de ese punto, el movimiento deja de ser físico y se convierte en un recorrido por la memoria. Los recuerdos de su infancia, su familia y su vida antes del conflicto aparecen fragmentados, mezclándose con sueños y alucinaciones que reconstruyen lentamente la magnitud de su tragedia.
Estrenada en 1971, en plena Guerra de Vietnam, la película adquirió una resonancia política inmediata. Trumbo, uno de los guionistas más influyentes de Hollywood y antiguo integrante de los llamados Hollywood Ten, rechazó cualquier forma de heroísmo militar. Su cámara permanece junto al cuerpo inmóvil de Joe para obligar al espectador a experimentar el tiempo, el aislamiento y la desesperación de alguien reducido a una existencia puramente mental.
7. ¿Dónde estás, hermano? (Joel y Ethan Coen, 2000)
Trasladar La Odisea al sur de Estados Unidos durante la Gran Depresión parecía, sobre el papel, una ocurrencia imposible. Cambiar el mar Egeo por los caminos polvorientos de Mississippi, las sirenas por un trío de cantantes de folk, al cíclope por un vendedor de biblias tuerto y a Poseidón por un sheriff implacable suponía desarmar uno de los relatos fundacionales de Occidente. Los hermanos Coen demostraron que el mito de Ulises podía sobrevivir a todos esos cambios sin perder su identidad.
O Brother, Where Art Thou? sigue a Ulysses Everett McGill (George Clooney), un preso que escapa de una cuadrilla de trabajos forzados junto a dos compañeros con la promesa de recuperar un supuesto tesoro antes de que el valle donde está enterrado quede inundado. Muy pronto queda claro que el dinero es apenas un pretexto. Como el héroe homérico, Everett sólo persigue una cosa: regresar a casa antes de perder definitivamente a su esposa y a su familia.
Los Coen nunca buscaron realizar una adaptación literal. De hecho, Joel Coen llegó a bromear en entrevistas diciendo que ninguno de los dos había terminado de leer La Odisea. La ironía resulta apropiada, porque la película funciona precisamente como una apropiación libre del poema. Sus referencias aparecen dispersas por todo el camino y recompensan tanto al espectador que las identifica como a quien simplemente disfruta la aventura: las sirenas que seducen a los protagonistas, el vendedor de un solo ojo que traiciona al grupo, el profeta ciego que anticipa el destino del viaje o el regreso de Everett ante una Penélope moderna que pone a prueba su ingenio antes de aceptarlo nuevamente.
Sin embargo, reducir la película a un juego de referencias sería injusto. Buena parte de su riqueza proviene del retrato de una Estados Unidos golpeada por la pobreza, el racismo y la incertidumbre económica de los años treinta. La música folk y bluegrass —producida por T-Bone Burnett en una banda sonora que terminaría convirtiéndose en un fenómeno cultural por derecho propio— funciona como el hilo conductor de un país que intenta reconstruirse mientras sus protagonistas atraviesan un paisaje tan absurdo como profundamente humano.
Disponible en renta en YouTube
Referencias en la realización de este artículo:
Atkinson, M. (2019). Werner’s World. The Criterion Collection
Ebert, R. (2003). Master and Commander: The Far Side of the World
CBS News. (2001). The Coen Brothers’ Wacky Odyssey.
British Film Institute (BFI). (2026). 10 Great Greek Myth Adaptations
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