Extraños en el tren y el cine no tan mudo

Más sobre “Extraños en el tren” 

If… O Alex DeLarge antes de Kubrick

Hablaba con Lindsay una vez a la semana,
De hecho, él me dio la clave para mi papel en Naranja Mecánica,
Fue muy simple y me brindó una gran ayuda: ¿Recuerdas el close-up donde sonríes desafiando a la cámara? Así es como debes interpretar a Alex.
Nunca se lo mencioné a Kubrick.
-Malcolm McDowell.

If… (1968) es la unión de dos sendas que van del genio de un cineasta francés al movimiento que fue la antesala de la nouvelle vague: el free cinema de la Gran Bretaña, cuyos cánones se hicieron para romper un lenguaje cinematográfico rígido. El primer camino lo recorrió el eterno Jean Vigo, icónico autor de la obra maestra Cero en conducta (1933), la cual se insertó en la historia del séptimo arte de manera instantánea y legó la trama al presente filme. If… narra la rebelión de un grupo de estudiantes en contra del sistema conservador que les oprime, ejecutado lo mismo por profesores que por alumnos quienes están a punto de egresar.

Cero en conducta, Jean Vigo:

La segunda vía corresponde a jóvenes airados que se iniciaron en la crítica cinematográfica publicando en la revista Sight and sound. Muchachos inconformes cuyo desencanto les condujo a crear un manifiesto a mediados de la década de los cincuenta comandado por Karel Reisz, Tony Richardson y Lindsay Anderson. Postulado que generó un movimiento fundamental en la historia del cine: el denominado free cinema.

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Los principios del cine libre van en contra del burgués, se defiende al marginado, al ser humano común. Se le aplaude al obrero, a la filosofía de las izquierdas, ese socialismo que hoy miramos trasnochado, esa rebelión que a comienzos de la década de los sesenta prometía. Se alaba la protesta. Se filma en exteriores con la cámara en la mano, alejados del estudio. Con un presupuesto mínimo pero con una pasión incalculable.

La cinta de Anderson homenajeó y heredó. Su trama se desarrolla en siete actos que se dividen por el texto y el color. Se destaca la fotografía del checo Miroslav Ondricek, quien transita del blanco y negro con múltiples escalas de gris a un cromatismo similar al tecnicolor. El filme es de ritmo pausado empero no por ello aburre. La rebelión se cuece lento. Se debe llevar al antihéroe al punto de no retorno.

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Mick Travis es el protagonista, interpretado por el debutante Malcolm McDowell en quien Lindsay miró una capacidad que iba de lo real a lo fársico y que además sirvió como referencia principal a Martin Scorsese y Paul Schrader para la creación de Travis Bickle, el atormentado chofer de Taxi Driver (1976). Malcolm se encargó de inmortalizar al joven líder de la revuelta, atrajo con su papel la atención de Stanley Kubrick.

La naranja mecánica (1971) fue un reto para el actor, se sabe que el realizador neoyorkino tenía problemas para comunicarse con sus histriones. McDowell acudió a Lindsay Anderson para solucionar los cuestionamientos que tenía con el personaje de Alex DeLarge, el director le guió; es innegable que el adolescente ultraviolento no es resultado de la dirección de Kubrick, fue Anderson quien engendró al monstruo a través de un trazo escénico más similar al teatral que al fílmico.

If… Es una cinta necesaria para todo amante del cine. Representa un movimiento no sólo cinematográfico, también antecede una revolución social. Sin esta película, estandarte del free cinema, posiblemente no tendríamos un dogma 95′ y quizás la nouvelle vague hubiese sido distinta.  

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

Edén: una reflexión nostálgica del french touch

La Ciudad Luz en los noventa fue la cuna de uno de los movimientos de música electrónica más importantes: el french touch. De ahí se desprendieron bandas como Cassius, Modjo, The Supermen Lovers, Justice y quizás el dúo de música electrónica más conocido del mundo: Daft Punk.

En Edén (2014) la directora Mia Hansen-Løve nos transporta a los inicios de la década de los noventa, cuando los raves en la capital francesa se popularizan, que hasta se organizan en viejos barcos. Es ahí donde Paul (Félix de Givry) comienza a hacer sus pininos para formar un dúo junto con uno de sus amigos. Así nace Cheers, una agrupación de garage house.

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Es el cuarto largometraje en la filmografía de la realizadora francesa, y en esta ocasión toca un tema tan significativo para los fanáticos de la música electrónica que hasta ahora continúa influenciándose por bandas tan importantes como Daft Punk, a quienes observamos al inicio de la película desde una visión juvenil y un tanto inocente antes de convertirse en los músicos que ahora son.

La historia nos cuenta el despegue y declive de Paul, quien a pesar de no contar con el apoyo de su madre debido a su abuso en el consumo de cocaína y ropa cara, está empeñado en cumplir el sueño de ser DJ.

Así, Cheers viaja por diversas ciudades de Estados Unidos, dando a conocer su trabajo. Sin embargo, la música que Paul tanto adora y aquella que lo ha inspirado, ya no tiene el mismo gusto ante el público. Paralelamente se observan los éxitos de Daft Punk, lo que hace ver que Cheers vive bajo la sombra de esta banda.

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Uno de los problemas del protagonista es que carece de un conflicto sólido que guíe la trama: cada situación se resuelve rápidamente, por lo cual el filme de 131 minutos en muchas ocasiones se siente lento y débil.

En algunas situaciones, Paul recapacita y se cuestiona sobre lo que realmente está haciendo; su novia está celosa y no lo quiere acompañar de gira; se reencuentra en Nueva York con la chica que es el amor de su vida, quien está embarazada; y muere uno de sus mejores amigos, un ilustrador que vivía en constante depresión.

El principal gancho para atraer gente hacía la sala fue usar el apelativo: La película de Daft Punk, o al menos así se dio a conocer en México. Lo cuál no se considera deshonesto, pero se tendría que decir que no sabrán mucho sobre el dúo responsable de One More Time.

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En general es un filme que puede aburrir mucho, sin embargo tiene como herramienta el uso inteligente de la música, la cual resulta atractiva para quienes acostumbran el género electrónico. Pero si pretenden sumergirse en una experiencia como 24 hour party people (2002) de Michael Winterbottom, no la hallarán en esta propuesta que se enfoca más en ser una reflexión nostálgica de lo que fueron las épocas del french touch y lo que ocurrió en la década siguiente, tanto en Francia como en la escena internacional.

Sebastián Ortiz 

Comunicólogo que habala mucho y escribe (mal) sobre cine, música y ciencia ficción.

 

 

Unfriended, o lo real en la realidad virtual

Virtual: Que tiene existencia aparente o real.

La cinta de Levan Gabriadze tiene una virtud fundamental: se atreve a utilizar una pantalla de laptop, cuya dependencia de las herramientas que usamos día con día resulta ser el principal acierto para desarrollar la narrativa. Skype, Facebook y Youtube ingresan al terreno de lo terrorífico cuando un ente decide vengarse de quienes fueron sus compañeros y amigos en la escuela. Esa es la premisa esencial de Unfriended.

La película es una pequeña obra maestra, me explico. Mientras algunos buscan innovar a través de la repetición y la pseudoconstrucción dramática, el realizador ruso emplea la simpleza del medio más usado: La computadora. Ochenta y dos minutos miramos el movimiento del cursor, titubeante, dubitativo. También vemos el escribir y re-escribir de mensajes en la red social más famosa del orbe, así es señoras y señores: la anulación del actor, quien es a partir de la pantalla una posibilidad, nada más. Bresson (el realizador francés) quien teorizó sobre actores-modelo (quizá maniquí es una mejor expresión) jamás imaginó una des-integración tal del intérprete.

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El actor es sustituido por su perfil, ¿no hacemos eso día con día? Dejar-nos de lado priorizando la red, la realidad virtual. Un mundo de posibilidades donde un ciber-ente está completamente justificado. El terror de lo que en algún momento inició como un creepypasta y devino en largometraje que está destinado a ser único por el simple hecho de eliminar cualquier índice cinematográfico (montaje, diseño de arte, fotografía, etc.) Unfriended es quizá la primera película que bien pudo estar destinada única y exclusivamente para estrenarse en una computadora, el efecto es distinto al verle a través de la pantalla del ordenador, la experiencia es íntima y sobrecogedora. Su desarrollo en “tiempo real” nos mantiene cautivos, en una inquietud abrumadora.

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Destaca su producción austera, de apenas un millón de dólares, y sorprende todavía más la recaudación en taquilla, de casi setenta. ¿Qué atrajo a miles de espectadores a la sala? Su arrojo sin duda. El director asumió el riesgo de pisar por primera vez la isla virgen del ciber-found footage, género que dudo supere a esta primera gran obra maestra. Honor a quien honor merece.

El guión de Nelson Greaves captura esa esencia de inmediatez que caracteriza a la generación Z; no la respaldan sus números, pero sí la frescura, sin artíficio ni reciclaje. El único error de la cinta está en sus personajes, típico estereotipo del gringo de highscool. No está exenta de clichés, pero tiene el acierto de ubicarlo en un contexto arquetípico. ¿O ustedes esperaron en algún momento que un cursor les provocara tanto miedo?

Estamos ante un ejercicio imperfecto pero sólido. Una historia con clichés, pero la primera en su tipo. Terror a la altura de súper producciones como El conjuro. Es un filme económico, inteligente, innovador y único.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

 

 

¿Qué tan “real” es el cine?

Por: Andrea Rodea

El concepto de realidad se sostiene gracias a la valorización que se le da al estado físico. Todo aquello que tenga volumen existe. De ser así ¿si en el proceso de recordar no puedo sentir de la misma manera aquel estado físico, significa que el recuerdo no existe?

 En el momento que nace el cine, la pregunta sobre lo real renace (si es que en algún momento murió). Si hubo algún periodo de la historia en el que la imagen en movimiento no pudo ser diferenciada entre lo ilusorio y lo real fue justo en el instante en que nació. Se relata que en la proyección de Llegada de un tren a la estación de la Ciotat (Hermanos Lumière) gente salió corriendo al mirar la llegada del tren, pues creyeron que serían aplastados por aquel gigante. Poco a poco se nos tuvo que educar para poder entender que aquel acontecimiento tan sólo era una imagen.

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Llegada de un tren a la estación de la Ciotat (Hermanos Lumière)

“This is a true story” es la leyenda que aparece al inicio de la película Kumiko, the treasure hunter (David Zellner, 2014) remarcando ésta como si fuese de suma relevancia. ¿Qué importancia puede tener que sea real/verdadero este relato? Minutos más tarde se observa a una mujer entrando a una cueva cerca del mar y así como en una película de piratas, debajo de unas rocas encuentra el mapa de un tesoro, perdón, el VHS de Fargo, secuestro voluntario (1996).

Kumiko (Rinko Kikuchi) es una mujer japonesa alejada de todo el glamour que existe en Japón. Vive en un pequeño departamento junto con su conejo Bunzo. Odia su trabajo y su mamá la desprecia por ser soltera. En las noches ve incontables veces Fargo, pues pretende descifrar el punto exacto del dinero escondido. Un día decide abandonar todo e ir en busca del tesoro. Fin.

Kumiko, the Treasure Hunter (2014)
Kumiko, the Treasure Hunter (2014)

Esa es a grandes rasgos la película. Mi reacción cuando terminé de verla fue similar: seca, fría, sin chiste. Al momento de comprar mi boleto pensé que estaba apunto de ver algo extraordinario y lamentablemente no fue así. En cuestiones técnicas, la fotografía y el arte destacan, pero se veía muy linda para ser tan insípida. Por otro lado, no podía dejar de repasar una y otra vez en mi cabeza las palabras “This is a true story”. Sabía que algo en Kumiko, the treasure hunter se debía descifrar pero ¿qué podría ser si todo se percibía tan lineal y sencillo?

La trama está basada en la historia de una mujer llamada Takako Konishi. Por lo tanto, se podría afirmar que la película no es “real”, ya que no se construye tal cual sucedió. Entonces ¿cuál es el sentido de decir que es verdad? Ahí fue cuando entendí todo y decidí volver a ver el filme.

Kumiko, the Treasure Hunter (2014)
Kumiko, the Treasure Hunter (2014)

Todo comenzó otra vez: Kumiko encuentra el VHS, ve Fargo un millón de veces, planea el viaje, abandona a Bunzo, le roba la tarjeta a su jefe, llega a Fargo, le habla a su mamá y la regaña porque es una solterona, Kumiko llora y se siente más sola en el mundo, un policía la ayuda, lo besa, la rechaza, huye, camina toda la noche y a la mañana siguiente … Ahí, al inicio del final confirmé lo que había comprendido.

El hecho de que se remarque la veracidad de la historia no es fortuito. El sentido de esto es comprender que todo suceso plasmado en la imagen en movimiento será sinónimo de verdad/realidad, dándole así a Kumiko o Takako Konishi la posibilidad de una vida diferente. Y ¿cómo es posible que la imagen en movimiento sea sinónimo de realidad? Porque en el momento que la pienso y la siento, obtiene su validez: “Pienso, luego existo” diría Descartes.


Cuando la imagen en movimiento logra que dejemos el espacio-tiempo que habitamos , haciéndonos cómplices de la situación que vemos en pantalla grande, adquiere la capacidad de ser verdadera o real, pues hacemos de aquel momento un instante propio, en el que nuestras experiencias y vivencias se verán reflejadas en la interpretación que depositaremos en la película.

Si la meta de David Zellner era realizar una película en la cual finalmente el personaje encontrara algo distinto a la muerte, me parece una propuesta muy interesante ya que se tiene la oportunidad de abordar temas sobre lo que significa verdad/realidad. Sin embargo, también existe la posibilidad de que no se cree ninguna conexión con el espectador, justo como me sucedió la primera vez. Por lo tanto, la decisión de ver o no ver esta película podría basarse en que tan dispuestos están por adentrarse en el discurso sobre lo real o una cazadora de tesoros.

Príncipe y sus escasos giros dramáticos

Príncipe (Prince2014) del holandés Sam de Jong, se centra en un ambiente de clase media donde un grupo de personajes en plena pubertad, entre sus fantasías y juegos, comienzan a tener la necesidad de sentirse hombres. Ellos juegan y sueñan con estereotipos que aún no conciben, y al mismo tiempo son agobiados por los chicos mayores del barrio. La historia se centra en Ayoub (Ayoub Elasri), un chico perteneciente a una familia disfuncional, a la cual el padre ha abandonado y ahora es un vagabundo adicto a la heroína.

En esta ocasión, el director de Magnesium (2013) establece un tema de ficción in crescendo, que es catapultado por el encuentro de Ayoub con el Lamborghini. Aquél “Prop” le ayuda a estallar todos sus deseos, convirtiéndose en lo que no es con el fin de ganarse a la chica de su sueños, Laura (Sigrid Ten Napel), quien mantiene una relación con uno de los chicos del barrio.

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Ayoub se encuentra dividido en dos: mientras su madre vive una depresión por soledad y se mantiene buscando un pretendiente, su padre habita en la calle sumergido en las drogas. De Jong desarrolla un giro en el protagonista al momento que éste comienza a desenvolverse en el rol del padre, siendo receloso con su hermana y corrigiendo a su madre. Empero, el joven sufre de bullying en la colonia, donde lo llaman Junkie por el estigma de su padre.

La escenografía tiene lugar en una unidad de departamentos, casi en su totalidad en luz de día con muchos planos frontales y tonos magenta (que atrevidamente, traen recuerdos de Trainspotting). El filme se caracteriza por una atmosfera matinal que le ayuda a recrear más ese ambiente del triller, y con la esencia de una música experimental, entre el electro minimal y el Synth-pop de los ochentas, el protagonista y su grupo de amigos intentan concebirse como adultos.

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El dilema principal del guión de Sam De Jong surge cuando Ayoub muestra que sigue necesitando a su padre y lo visita a pesar de su precaria situación, ya que parece ser con la única persona que se siente un poco más cómodo, o a salvo. Así que lo hallamos huyendo de sus problemas en la noche con la calle vacía, o en un muelle solitario, con aquel padre que en realidad nunca le presta atención, pero a quien aun así le confiesa todo, como si fuera su maestro perdido.

El conflicto comienza cuando Kalpa, el hombre del Lamborghini (quien pareciera una emulación del vehículo de la serie ochentera Knight Rider) le ofrece trabajos a Ayoub, quien entonces empieza a ganar algo de dinero traficando narcóticos en una especie de base secreta. Ante esto, el filme no presenta muchos matices y las actuaciones tampoco son memorables. Para ser comedia tampoco entretiene lo suficiente y se mantiene en el ámbito de lo predecible.

La situación estalla cuando Ayoub se entera que Demi tiene una relación con uno de sus amigos, y la golpea en casa frente a su madre. Esta reacción le provoca una golpiza por los chicos mayores del barrio, dado que uno de ellos era hermano mayor del novio de Demi. El protagonista entonces, después de una escena sangrando debajo de la lluvia, se levanta y cargado de ira, va al encuentro de Kalpa en su base, y prepara su venganza mientras maneja el Lamborghini de sus sueños.

Narrativamente, el único giro dramático importante sucede cuando el protagonista piensa su venganza mientras maneja, al momento que su madre le marca al celular para notificarle que su padre ha fallecido. Entonces se presenta su liberación, y en esa circunstancia el príncipe decide no heredar el estigma del Padre. Para terminar, Ayoub se convierte en el príncipe y comienza a fraternizar con todos sus coadyuvantes y los que parecían ser sus antagonistas.

La recompensa al final se vuelve el conjunto de sus decisiones, que lo llevan a la chica de sus sueños, a quien por fin obtiene (y que en el tinte de fantasía melosa experimental de toda la película), para coronarla como su princesa.

Luis Zenil Castro 

Productor audiovisual y dibujante.