La cumbre escarlata | Crítica

 

¿Qué es un fantasma? Un evento terrible condenado a repetirse una y otra vez, un instante de dolor quizás, algo muerto que parece por momentos vivo aún, un sentimiento suspendido en el tiempo.

Un fantasma, eso soy yo.

-El espinazo del diablo

Guillermo Del Toro se halla más próximo a Bruno Bettelheim que a Hitchcock, conoce la estructura del cuento mejor que cualquier parte de su cuerpo. Ésta ocasión extrae de la novela gótica el entramado de su filme más reciente y además lo dota de un trasfondo psicológico perturbador.

Edith Cushing, una mujer independiente y culta, se dedica a la escritura de cuentos de terror, constantemente rechazada por ser una dama, encuentra en los brazos de Sir Thomas Sharpe un escaparate para abandonar el mundo que le oprime, sin embargo, pronto descubrirá que el apuesto caballero esconde un sin fin de secretos en la temible mansión que habita. Esa es en breve, la sinopsis de La cumbre escarlata.

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Destaca en primera instancia el trabajo en el departamento de diseño de producción, difícilmente realizadores pasados y futuros lograrán emular la genial labor mostrada en la cinta, la mansión es fundamental para comprender el pasado de los personajes, para encarcelarlos y al mismo tiempo unirlos en una mímesis eterna, una vez más Del Toro demuestra con sobrada brillantez que somos ahí donde se vive, que el ambiente es un simple reflejo de lo oculto, el hogar de los hermanos Sharpe, es el ser más sobresaliente del filme y quizá también se volverá un icono de la cultura cinematográfica por venir.

La fotografía no hace más que destacar la labor de diseño, el alto contraste y la penumbra son los principales elementos; artífices utilizados lo mismo para el espanto que para el romance. El color se emplea con maestría, principalmente el rojo escarlata, tonalidad usada para bautizar la película, también es el principal acompañante de las apariciones que tanto fascinan al director, resolución novedosa a un recurso encasillado en el cliché, seres y estructura tomados de la mano.

Sería impensable un filme del cineasta Jalisciense sin la precisión milimétrica de los movimientos de cámara, una vez más el montaje se destaca por ser minucioso, la planeación del trazo, la iluminación y el bloqueo dramático se nota a leguas, la cámara se mueve con delicadeza, el cine de Guillermo es una actualización de los preceptos Hitchcockianos y sigue siendo una clase maestra de cómo suavizar un corte.

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La música no otorga un tema memorable, como en el caso de su filme anterior: Pacific Rim; es una solución para elevar el conflicto a niveles insospechados, cumple y provoca que el espectador salte cuando menos lo espera, el diseño de sonido propicia el efecto, no el recuerdo.

Es innegable el talento del cast, sin embargo los actores están atados al punto flojo de La cumbre… el guión. El texto subsiste gracias en primera instancia a una serie de pistas que conducirán al irremediable punto de no retorno, pero es tan marcada la inocencia de la protagonista que roza en imbecilidad, de ser ligeramente más sabia el conflicto se culmina en mitad del segundo acto. Es por ello que los personajes se traicionan con frecuencia, las motivaciones no siempre son necesarias, en eso estamos de acuerdo, sin embargo al plantearlas escuetamente el desarrollo se siente así, incompleto. O todo o nada. El cast luce en la medida de lo posible, brilla con luz propia la antagonista interpretada maravillosamente por Jessica Chastain, sin duda, el único elemento destacable del reparto.

La cumbre escarlata es una obra maestra del diseño de producción, referencia necesaria para futuros realizadores, empero es una mala película de Guillermo Del Toro en el sentido de que abandonó uno de sus puntos más fuertes, el desarrollo narrativo a tal grado que mi acompañante aseveró con sobrado disgusto: “Pasó de ser una película de fantasmas a lo que callamos las mujeres.”

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

Carneros, una historia de odio y supervivencia

La estética visual de Carneros (2015) es un excelente trabajo del director Gimúr Hákonarson y el fotógrafo Sturla Brandth Grovlen. Después de Summerland (2010), Hákonarson nos muestra con simpleza a través de planos largos la vida rural del hombre en el terreno islandés. Una tierra repleta de valles templados ubicados entre montañas, escarpados en roca y nieve.

Ahí también se advierte el daño, cuando problemas más grandes se aproximan y sólo queda un camino. “La aniquilación es sólo el más grande incentivo del hombre para escabullirse entre sus más reñidos adversarios”. Muchas veces estos adversarios se vuelven de forma impredecible, consanguíneos.

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La película está narrada desde la perspectiva de Gummi (Sigurður Sigurjónsson), un granjero que vive en un amplio valle islandés dividido en dos, donde trabaja su hermano Kiddi (Theodór Júlíusson); ambos viven enemistados desde hace 40 años por razones que escapan a la memoria.

Sproti es el nombre del carnero al que le han diagnosticado la tembladera, una enfermedad proveniente del interior de Europa, traída por los ingleses en el siglo XIX. La epidemia se da a conocer cuando Gummi se escabulle en la granja de su hermano, celoso por haber perdido ante él una competencia de carneros y es cuando descubre en Sproti la enfermedad. Gummi acude a las autoridades, y aunque al principio no parece ser tomado enserio, las unidades toman un control sanitario y advierten a todos los granjeros de la meseta, pidiéndoles que sacrifiquen todos sus rebaños.

La reacción entre los granjeros es tanto emocional como económica, y de aquí se desarrolla la crisis. Gummi opta por acabar con su propio ganado antes de que las unidades sanitarias lleguen a la granja. Es un hombre taciturno, vive sobriamente y su felicidad es la labor de todos los días, los carneros y su granja. Sin embargo, aquella paz se ve constantemente desafiada por la enemistad de su hermano.

Kiddy es un hombre diametralmente opuesto, adepto a beber y sumido en la neurosis. El invierno se advierte terrible, y cuando Kiddy pierde todos sus animales, va a reclamarle ebrio a su hermano. Gummi no tiene una respuesta en sí, solamente no presta atención y se va a dormir en su sótano. Esta tolerancia de Gummi es la pista narrativa de los lazos que todavía existen como si fueran una obligación, y que en este personaje se conservan con suma sobriedad. De algún modo es como si las personalidades de ambos fueran armonizables.

Los planos largos sin movimiento, pero en los que siempre está sucediendo algo, son una característica de la cinta. Gummi evita terminar con sus corderos más preciados y los esconde en el sótano de su propia casa. La delicadeza con la que el personaje trata a sus corderos, por momentos es el reflejo de la vida solitaria que lleva. Otro elemento indispensable es el lugar: el paisaje tan bello juega como otro protagonista, que por el clima termina convirtiéndose en el adversario.

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Carneros es una cinta fácil de asimilar gracias a un poco de humor y un drama exacto, de un director que sin duda habla de lo que conoce. Y es sólo el sutil epilogo, donde  la supervivencia lleva consigo el carácter para afrontar los problemas, que a veces regenera los lazos y termina en una grandiosa humanidad.

Luis Zenil Castro 

Productor audiovisual y dibujante.

 

 

Mustang: un sutil grito feminista

“Todo cambió con un abrir y cerrar de ojos, en un instante todo estaba bien, después todo se convirtió una mierda…”

 

Mustang: belleza salvaje (Deniz Gamze Ergüven y Alice Winocour, 2015)una historia que habla de libertades, de cambios, tradiciones y choques espacio-temporales.

Cruda y esperanzadora, bella e intensamente, así Deniz Gamze Ergüven retrata la vida de cinco hermanas con personalidades tan similares y tan distintas al mismo tiempo. La camaradería es algo que traen en las venas; se acompañan en la odisea de lo que pareciera ser una eterna transición a una adolescencia fluorescente, cada una con historias y edades diferentes, no sólo buscan la libertad, sino la sienten. Todo en un lugar donde al parecer existe todo menos la liberación femenina.

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El grupo de mujeres ha quedado a la suerte del cuidado de sus familiares arraigados a sus tradiciones, a la sociedad, y a la presión, tanto de su abuela como de su tío, quienes buscan de manera incesante y extrema mantener en ellas un estado de castidad y pureza.

Sexo, adolescencia, inquietudes, experiencias, transformaciones, cambios físicos y biológicos inevitables, tan sólo son unas adolescentes con ganas de sentir en sus largos cabellos el golpe de aire de libertad, sentirse vivas; son enérgicas, rebeldes.

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Lale, la más joven, sabe lo que quiere y distingue muy bien lo que no quiere. Es una chica dulce y decide que la vida le guarda algo emocionante. Su corazón rebelde se arriesga. La libertad es demasiado bella como para no luchar por obtenerla, y su serenidad hace pensar que la vida no es tan agobiante como aparenta, aun con sus cadenas sociales y contextuales que nos atan a ciertos medios y fines. Ella lleva en todo lo alto la liberación femenina en un lugar en donde reina el machismo.

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La abuela se encuentra en un dilema, incluso parece que a veces las entiende, sin embargo no permitirá que la actitud de las hermanas rompa con sus ya tan perpetuadas tradiciones. Así lleva paulatina y sigilosamente el encierro de las hermanas.

La fotografía nos llena de colores cálidos y pastel, lo cual resulta acorde con las personalidades de las adolescentes. El paisaje contrasta tajantemente al encierro de las jóvenes: planos abiertos muestran la inmensidad del mar, del bosque. Desde las ventanas se puede respirar un poco del aire que regala el mundo, aquel mundo que se les ha negado.

La puesta en escena llena de dinamismo a la película, en donde la directora plasma un grito feminista de manera exitosamente sutil a través de Lale, quien dotada de una fortaleza, serenidad y decisión excepcional tratará de huir a como dé lugar del destino que le fue dictado, en donde al parecer la única manera de librarse de su cárcel y entrar a otra es el matrimonio. Una libertad efímera, condicionada.

Fan Valdés

Pedagoga de formación pero cineasta por convicción, artista plástica en el tiempo libre.

Eisenstein en Guanajuato: un extravagante relato de Greenaway

Tiempo es la medida del movimiento entre dos instantes.

-Aristóteles

Cinco minutos le bastan a Peter Greenaway para mostrar su excepcional obra, el principio de Eisenstein en Guanajuato rinde justo homenaje a quien es quizá el realizador más influyente en la historia del cine ruso. El resto del filme mantiene la calidad y se consolida como un extravagante relato.

Peter Greenaway
Peter Greenaway

Se nota a leguas el legado de Serguéi en la película del inglés, ya que su principal herramienta es el montaje, básicamente Greenaway utiliza los postulados que hicieron del soviético una leyenda. Ritmo, métrica, encadenamiento, contención y choque de planos para generar un contenido que lo mismo incita a la emoción que al intelecto. Es la obviedad del enunciado visual un acierto para referenciar al teórico autor de El acorazado Potemkin.

Hay una palabra clave para describir la cinta: Frenesí. El espectador debe atender con atención, ya que de lo contrario podría perderse no solamente el hilo narrativo, sino también los brillantes diálogos que funcionan como detonante de la acción a la usanza literaria.

Es innegable la raíz teatral del director británico, el trazo escénico aunado a las interpretaciones del reparto son un reflejo de dicho bagaje; la influencia se mira en la perfecta entonación de cada línea, el diálogo es el sustento principal, empero los actores se destacan por el dominio corporal. Resulta un placer observar la actuación de Elmer Bäck, finlandés talentoso encargado de representar a Eisenstein y que además domina completamente al personaje. Los histriones coquetean con el género fársico pero funciona a la perfección con el tono del filme.

El argumento se ocupa de la relación homosexual que tuvo el cineasta ruso con su guía, Palomino Cañedo y de paso el texto se desocupa de la labor fílmica del director en territorio nacional. La película no es una recreación detrás de la cámara que capturó ¡Que viva México! (1979), se involucra en la intimidad del hombre, lo desnuda literal y metafóricamente. Apegada a la realidad o no, la cinta ya es icónica.

La fotografía privilegia y contribuye al artífice, incluso algunas escenas que transcurren en exterior se hacen con luz controlada, es decir que hasta en el apartado fotográfico permea el origen teatral. El diseño de producción es acertado, principalmente al recrear aquella época dorada para el cine mudo, que antecede además a la estandarización del sonido.

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Al filme se le ha clasificado como cine gay, más allá de la etiqueta , éste busca retratar al amor y sus delirios. Muestra una obsesión suplantada por otra, el arte motivado por la pasión y viceversa. Ficción o realidad, Eisenstein en Guanajuato es la última joya que entrega Greenaway (a la fecha), basada en ese tesoro jamás desenterrado que no pudo editar Eisenstein.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

South by Southwest, el festival que reúne cine música y tecnología

Jim Kolmar es originario de Wales, ha trabajado para Cine Las Américas International Film Festival, Austin Film Society y en otras áreas de la producción fílmica. Actualmente es programador del Festival Internacional South by Southwest SXSW, un encuentro imprescindible desde 1987 por representar una experiencia única en la que el cine, la música y lo más fresco en tecnología son los protagonistas.

El festival tiene lugar cada primavera en Austin Texas y anualmente se proyectan entre 130 y 140 largometrajes, así como 100 cortometrajes. Se trata de una mezcla de ficciones y documentales. En esta edición, uno de los objetivos del festival es poner énfasis en nuevos directores, “creemos en el talento emergente porque hay muchas ideas muy originales. La opera prima es una oportunidad, es libre, es tu oportunidad para expresar la voz pura”, comenta en entrevista con Zoom f.7 Jim Kolmar.

“Queremos gente que sea honesta, que tengan visión y digan lo que quieren decir, es necesario tomar el riesgo. No necesitas tener muchos recursos, si tienes algo grande que contar, cuéntalo, la mejor manera de hacerlo es siendo original”.

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SXSW es un evento donde se conjugan las artes y la formación. Recibe cine de todo el mundo con el fin de identificar el talento; incluso hay películas de hollywoodenses.

“Mi especialidad es programar los documentales y los trabajos internacionales, me gusta el cine de América Latina y el de México. DOCSDF es buen lugar para descubrir nuevos directores, a veces son directores bien establecidos con una reputación pero que tienen un nuevo filme y quieren experimentar una nueva audiencia”, expresa Kolmar, quien considera que para los nuevos talentos es difícil acomodarse en el medio debido a que no hay un mercado formal.

“Raúl González es aquí un director con reputación, con raíces mexicanas y es interesante para descubrir conexiones entre audiencias locales y directores locales, nosotros también tenemos películas texanas y nuestra audiencia es una mezcla de la industria y audiencias locales, es una mezcla muy interesante, ¡es eléctrico!”

Laura Mac Darby, left, and Emer Ryam, both from Dublin, Ireland, attend the free concert at Auditorium Shores headlined by Spoon at SXSW on Thursday, March 19, 2015. (AP Photo/Austin American-Statesman, Jay Janner)

El evento se distingue por charlas y conferencias magistrales para inspirar y para descubrir nuevas colaboraciones entre diferentes disciplinas. El año pasado se recibieron 7 mil quinientas películas, lo cual demuestra que existe una gran competencia. Otra de las intenciones de este festival es destacar el cine realizado por mujeres. ” estamos buscando películas de mujeres, es una industria en donde hay muchos hombres, y es importante porque las voces son diferentes”, subraya Kolmar, quien finalmente expresa que hay muchas historias que se necesitan descubrir.

La convocatoria estará abierta hasta el 3 de noviembre del 2015 a través de www.sxsw.com

Fan Valdés

Pedagoga de formación pero cineasta por convicción, artista plástica en el tiempo libre.

Mexican Gangster: La leyenda del charro misterioso

 

El fuero para el gran ladrón, la cárcel para el que roba un pan.

-Pablo Neruda

Lemon Films ha impreso su marca de tal forma que borra a la figura del director, como ese viejo Hollywood reinventado recientemente. La productora continúa con el sello habitual: películas espectaculares pero flojas en el guión. Mexican gangster no escapa a esta costumbre.

El filme de J.M Cravioto narra los andares de Alfredo Ríos Galeana, popular y carismático asaltabancos; a modo de biopic la cinta retoma elementos reales y reconstruye al personaje. La premisa es interesante al tomar como punto de partida a un Robin Hood mexicano, empero sufre desde la primer secuencia en el que quizá es su punto más flojo: el montaje.

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Para estructurar la trama el director emplea el montaje paralelo y el flashback. El problema yace en el tiempo dedicado al plano y el desarrollo de la acción, ya que miramos situaciones que avanzan a distinta velocidad, y al estar unidas la una con la otra en diferentes instantes dramáticos pierden fuerza. Me explico: hay una secuencia del robo a un banco unida al nacimiento del primogénito del antihéroe, una se cuenta en cámara lenta y a ritmo semilento mientras que la otra tiene una velocidad superior, al estar unidas se contraponen esterilizando el clímax; esto ocurre en todas las secuencias, sin excepción.

El diseño de producción se destaca, la recreación es perfecta e inmediatamente el espectador se sumerge en el México de los ochenta, la fotografía es el acompañamiento ideal del maravilloso trabajo del departamento de arte, en ambos casos, el trabajo es pulcro y digno de cualquier superproducción.

El guión sufre principalmente en los diálogos, esto va de la mano con las interpretaciones que carecen de solidez, el personaje principal actuado por Tenoch Huerta se aprecia soso y taciturno, lo cual contrasta con la figura real. Sin embargo, del elenco acartonado se destaca Noé Hernández, quien logra trascender a la figura del patiño habitual para en algunos casos, superar el trabajo del protagonista.

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Las secuencias de acción rivalizan con cualquier filme estadunidense en manufactura y verosimilitud, baste recordar una en la que Ríos Galeana se enfrenta a un escuadrón completo en una distancia menor a diez metros y ninguna bala logra conectar con el ladrón.

Mexican Gangster atravesó un largo proceso para la exhibición, incluso cambió de nombre, luce por sus valores de producción pero se debilita escena a escena por dos de los elementos fundamentales del séptimo arte: guión y montaje.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

Carmín tropical | Crítica

Teñido de los elementos del cine negro, un guion de calidad se despliega en pantalla con planos largos y rostros delineados por el misterio y la nostalgia. Eso es Carmín Tropical (2014), el segundo largometraje de ficción de Rigoberto Perezcano, en el que la inicial impresión de documental funciona como gancho de la historia que nos encara con el tema de la muerte.

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Después de recibir la noticia del asesinato de su amiga Daniela, Mabel (José Pecina) regresa a su tierra natal, Juchitan. Ambas cantantes de cabaret pertenecen al tercer género o muxes y es en dicho poblado de Oaxaca donde se desarrolla la misión de la protagonista, que es develar el móvil del asesinato de Daniela, a quien conocemos gracias a flashbacks.

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Al tocar un tema como el travestismo en una comunidad rural, el autor podría caer en premisas predecibles, estereotipar y llevar a sus personajes a extremos, caracterizados por la maldad o una marcada apacibilidad. No es el caso, el director de Norteado (2009), construye perfiles con gran naturalidad. Una de las razones fue su acercamiento durante diez años al entorno del que se sirve, Juchitan, donde existe una integración de los muxes a la sociedad. Así, el realizador no subraya el tercer sexo con la intención de trasladar a Mabel y a Daniela a un terreno donde se les compadezca por ser diferentes. No impone un tema social, lo muestra sutilmente a través de personajes entrañables, quienes se caracterizan por la intriga de principio a fin.

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Además de los ya mencionados, emerge un personaje que se amolda a esta historia: Modesto (Luis Alberti) y junto a Daniela y Mabel forman un elenco impecable. Su unión crea un circuito bien conectado, en el que el desarrollo de cada uno de ellos no se lograría sin la fuerza del otro. Aquí es donde destaca la habilidad de Perezcano al momento de escribir la historia, en la que no descuida las subtramas, y al contrario, se sirve de ellas para reforzar al personaje principal.

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Otro logro es que como espectadores vamos de la mano de Mabel, envueltos en la búsqueda del asesino mediante una travesía interesante por los escenarios tanto sombríos, como amenos. Transitamos hacia un final en el que se deja la puerta abierta para que el espectador creé sus propias conclusiones en torno al crimen, el cual puede responder a una cuestión social, pero también psicológica.

Finalmente, Carmín tropical es como un aire fresco en el cine mexicano actual y una muestra de que hay muchas veredas para contar una historia. El propio director ha revelado la intención de ir por caminos alternos a los que se suele encasillar el cine mexicano. “Creo que uno tiene la misión y, hasta cierto punto, la obligación de sugerir cómo se puede contar una película.” (Cine Toma). Próximamente el cineasta originario de Oaxaca prepara su cuarta película, La vereda del chivo. 

Leticia Arredondo

Cofundadora y editora de ZOOM F7. Escribo sobre cine y fotografía.