Nación de inmigración: un golpe a la campaña de reelección de Trump

Tanto el periodismo como la cinematografía han seguido muy de cerca los movimientos migratorios a lo largo de la historia. Particularmente en América del norte, la inmigración suele tener un tono incómodo que no tiene tregua en cualquier espacio que se abra al debate. Pese a las heterogéneas circunstancias por las que se suscita este fenómeno social, las visiones reduccionistas e incendiarias han llevado a políticas restrictivas cuya carente empatía humana resuena en los medios.

Donald Trump no es el padre de las severas políticas antimigrates de los Estados Unidos, pero es innegable que su gestión se ha destacado por la insistencia y celebración mediática de éstas. Y es por la imagen que se forjó en su campaña de 2016 como conservador xenófobo que a Christina Clusiau y ShaulSchwarz (pareja que codirigió Trophy, 2017) se les abrió la puerta a las instalaciones del Servicio de Inmigración y Control de Aduanas (ICE, por sus siglas en inglés) gracias a un oficial de información pública de la institución, pues dicho sujeto sabía que ICE estaría en la mira de los medios durante la administración de Trump; creyó que una serie documental sobre sus oficiales serviría de contrapeso. Quizá esperaba una especie de reality tipo COPS que serviría como limpiador de imagen pública; ingenuo error.

Immigration Nation (Nación de inmigración) parte como un espacio para conocer el trabajo de ICE y las opiniones de sus elementos. Decisión polémica que, no obstante, nos permite presenciar un interesante desfile de frustración, desconcierto y contradicción dentro de sus trabajadores. Puede resultar sorpresivo escuchar la culpa en los oficiales que deportan a aquellos que huyen de las circunstancias mortales de sus países, pero también es imposible no sentir coraje cuando ellos mismos toman su trabajo como un retorcido juego de recolección y utilizan las mentiras o la intimidación para sacar de sus hogares a sus objetivos. Las justificaciones que dan sobre el deber laboral parecen un chiste de mal gusto cuyo remate lo da uno de sus elementos al recordar vagamente que varios acusados durante los juicios de Núrembergdieron como argumento de defensa que sólo seguían órdenes.

Clusiau y Schwarz no se contuvieron en ICE; su trabajo también abarcó entrevistas y seguimiento a aquellos detenidos por la institución y se adentraron en variopintos casos que giran en torno a la estadía indocumentada. En el largometraje After the American Dream (Joel Clark, 2017) o en la serie Living Undocumented (Aaron Saidman, 2019) también se escuchan a quienes viven el miedo a la deportación a diario. Nación de inmigración se jacta por su extenso acceso sin precedentes, el cual usa para contrastar los discursos gubernamentales con las auténticas experiencias humanas. Los testimonios de inmigrantes se convierten entonces en necesarios cheques de realidad que responden contundentemente a cuestionamientos triviales y populares del tipo “por qué sencillamente no pasan por la forma legal”.

El extenuante trabajo de casi tres años no podría ser presentado en otro formato. Como serie se permite manejar y presentar datos duros aterrizados por voces expertas a lo largo de sus múltiples subtramas. Es digno de reconocer el trabajo de montaje que dota de una narrativa satisfactoria al necesario seguimiento en la evolución de los ejercicios de ICE durante la administración Trump. Que el estreno de Nación de inmigrantes se diera en el mes de agosto, durante los estragos de una crisis sanitaria pésimamente manejada por el 45° presidente de Estados Unidos y en medio de candentes protestas raciales, hacen del estreno de la serie en Netflix labúsqueda de un golpe directo a la campaña de reelección de Trump. De esta manera, pareciera que su público objetivo se trata de la base votante millennial que en las elecciones pasadas brilló por su abstinencia.

Pese a centrarse en un periodo particularmente mediático, se trata de una serie documental obligatoria para entender desde nuevas aristas un fenómeno que traspasa periodos presidenciales y sistemas bipartidistas. Los movimientos migratorios y la política alrededor requieren ser perennemente investigados y observados desde el documental, medio ideal para abarcar un tema que en estadísticas suele perder calidez humana.

Se estrenará documental de Win Wenders sobre el papa Francisco

Por: Aylin Colmenero

El próximo 21 de septiembre, Netflix estrenará el documental El papa Francisco: Un hombre de palabra producido y dirigido por Wim Wenders, consagrado director alemán. El documental retrata la intimidad de Jorge Mario Bergoglio, mejor conocido como el papa Francisco, quien se convirtió en el pontífice número 266 de la Iglesia Católica.

En este documental, estrenado en 2018 en Francia, Wenders recorre el mundo a lado del papa, registrando una mirada humanista de su labor como máxima figura de la iglesia. El papa Francisco es un hito histórico, ya que se trata del primer papa procedente de América del Sur, el primero de todo el hemisferio sur y el primer jesuita en ser nombrado obispo de Roma.

Fascinado por su figura, el documentalista Wim Wenders recolecta los momentos más significativos de su papado, al mismo tiempo que los combina con escenas recreadas del pontífice.

A través de los 96 minutos del documental se presenta cómo Begoglio da respuesta a preguntas globales sobre muerte, justicia social, inmigración, ecología, desigualdad de riqueza, materialismo y el papel de la familia.

El papa Francisco: Un hombre de palabra ya cuenta con sus primeras críticas. Andrew Barker, crítico de Variety, expresó: “Hermosamente grabada y editada (…) se acerca al líder espiritual lo máximo que un equipo de cine podría lograr”. Por su parte, Javier Ocaña de El País comentó: “A pesar de lo infinito del verbo del Papa, en demasiados pasajes lo dicho suena a retórico (…) Wenders sobrevuela los aspectos más contradictorios de la institución católica sin (querer) hincar el diente”. 

“Su forma es idéntica a lo que se hace en todos lados” Jodorowsky sobre trailer de ‘Dune’

Las expectativas están por los aires desde que se publicó el primer trailer de Dune, la nueva adaptación a la obra de Frank Herbert dirigida por el cineasta canadiense Denis Villenueve, película que espera su estreno en las salas en diciembre de este año, si es que no hay algún cambio ante la pandemia.

Muchas han sido las reacciones que este avance ha generado, pero sin duda una de las más significativas es la del escritor chileno, Alejandro Jodorowsky, primer cineasta quien durante la década de los años 70 intentó adaptar la serie de novelas a la pantalla grande, sin nunca llegar a concretar tal proyecto.

Durante una entrevista para la revista francesa Premiere Magazine, el director de El topo (1970) dijo haber visto el trailer, “está muy bien hecho”, aunque también agregó: “podemos ver que es cine industrial, que hay un montón de dinero y que es muy costosa. Ese es el problema: no tiene sorpresas. La forma es idéntica a lo que se hace en todos lados. La iluminación, las actuaciones, todo es predecible”.

El autor afirmó que el cine industrial “es incompatible con el cine de autor”, pues “en el primero, el dinero viene antes. Para el segundo, es lo contrario, sea cual sea la calidad del director, ya sea mi amigo Nicolas Winding Refn o Denis Villeneuve. La industria del cine promueve el entretenimiento, es un espectáculo que no intenta cambiar a la humanidad o la sociedad”.

A lo largo de su carrera, Jodorowsky ha realizado la producción de sus largometrajes lejos del presupuesto de las grandes producciones hollywoodenses, o sus equivalente alrededor del mundo. Ya en ocasiones anteriores, cuando se le ha cuestionado sobre su opinión hacia el cine, el hombre de 91 años ha manifestado su descontento hacia la industria cinematográfica.

Por ejemplo, en 2013 el escritor mencionó durante una entrevista con la periodista Carmen Aristegui: “Es un arte genial que está usado para ganar dinero, todo está por el dólar en el cine y no les importa el ser humano, lo denigran, vemos pistolas, patadas en la cabeza, amores ridículos, es tremendo lo que muestran, una decadencia del ser humano”.

Dune de Denis Villeneuve es el tercer proyecto de adaptación de la obra escrita largometraje; luego del director de La danza de la realidad (2013) le siguió David Lynch con su una entrega no muy bien recibida por parte de la crítica y el público. ¿Será que Villenueve podrá lograr lo que sus antecesores tanto quisieron?

Paul Schrader ha realizado una película con Oscar Issac y Willem Dafoe

Con ayuda de Martin Scorsese, y a pesar de detenerse en marzo por la pandemia, Paul Schrader, guionista de Taxi Driver (1976), acaba de terminar su más reciente proyecto: The Card Counter.

Según la información disponible, el largometraje tiene como actor protagónico a Oscar Issac, quien hace de un apostador y antiguo soldado que busca venganza de un viejo enemigo. La producción paró en marzo con sólo cinco días para terminarse, pero pudo finalizarse a mediados de julio.

En una entrevista con Los Angeles Times, el director reveló que una gran ayuda para concluir el filme fue Martin Scorsese, su colega de hace muchos años. “Estaba editando. Mi editor está en Nueva Jersey y mi asistente de edición en Tennessee, así que todo lo hacemos virtualmente. Tenía cuatro escenas importantes entre mis personajes principales que no había filmado”, declaró. “Después, pude mostrarle la película a algunas personas que respeto, como Scorsese, quien es el productor ejecutivo, Kent Jones y otros. Todo lo que les pregunté fue: ‘Tengo cuatro escenas más que filmar. Puedo reescribirlas. ¿Qué me falta? ¿Qué necesito agregar? ¿Cómo debería agregar estas cuatro escenas?’”, añadió.

Schrader dijo que sus sugerencias fue lo que le ayudó a dar los toques finales a la película, que también cuenta con la participación de Tye Sheridan, Tiffany Haddish y Willem Dafoe.

Aunque no se ha acordado una fecha de estreno, la producción fue tomada por la distribuidora Focus Features y, según su realizador, se encuentra en proceso de posproducción. “Básicamente, ya terminé y la ajusté a 1:49 horas, que es donde creo debe estar. Obviamente, tengo que hacer el score, la posproducción y los efectos especiales, pero el punto es que actualmente ya no hay presión para terminarla”.

Entre otras declaraciones, añadió que Focus Features fue muy comprensivo para las fechas de entrega. “Les dije que podía entregarles la película en un mes. Ellos no la quieren en un mes porque dijeron que no sabrían qué hacer con ella en solo un mes. Me dijeron que me tomara el tiempo que necesitara, lo que es lo opuesto de cómo los estudios te suelen hablar”, remarcó.

Seis películas de Werner Herzog que puedes ver gratuitamente

Werner Herzog, director alemán de 78 años, ha sabido revitalizar su obra a lo largo de su sólida y muy extensa filmografía. Un hombre con espíritu guerrillero en todos los aspectos, pero más en el cine. Aunque siempre ha ido contra las corrientes artísticas y las convenciones cinematográficas de la industria, de ninguna manera ha estado peleado con las diferentes formas de hacer, distribuir y ver el cine. Más que nadie, Herzog reconoce las posibilidades de las nuevas tecnologías que han impactado en la sociedad, y en las realización de diversas expresiones cinemáticas.

Su visión personal y filosófica siempre ha estado presente en la trayectoria fílmica del prolífico cineasta, la cual se conforma de más 70 títulos, entre los que se encuentran el cortometraje, documental para cine y televisión, así como el largometraje de ficción.

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Herzog es uno de los cineastas más conocidos y cuyo trabajo es admirado alrededor de todo el mundo, por lo tanto, siempre es buena oportunidad para revisitar su trabajo o descubrir la audacia de quien fuera parte del movimiento cinematográfico surgido en los años 60, conocido como ‘El nuevo cine Alemán’.

Aquí una selección que está disponible gratuitamente.

1. Aguirre, la ira de Dios (1972)

Largometraje inspirado en la expedición liderada por el conquistador español Lope de Aguirre en el siglo XVI hacia la búsqueda incesante de la ciudad El dorado, lugar supuestamente hecho de oro y ubicado en lo más recóndito de la selva amazónica.

Muchas son las anécdotas que resaltan a la luz cuando se menciona el proceso de producción de esta cinta, pero más allá de todo, es portentosa tanto en su historia como en sus paisajes tan vivos y peligrosos. Una historia que refleja la locura como punto máximo de la ambición y egocentrismo.

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2. Nosferatu, el vampiro (1979)

En esta era en la cual los remakes son simples calcas de las obras originales, es importante recordar a un- de las readaptaciones mejor logradas de las que se puede hablar en toda la historia del cine. Esta nueva versión del Drácula de Bram Stoker (1897) toma su estructura narrativa del Nosferatu silente de W.F. Murnau (1922), pero, lo viste de otra alma fílmica expresada a través de la frívola y saturada fotografía. El amor que el director profesa por el cine se proyecta en este sobrio homenaje, por supuesto, protagonizado por un excelente Klaus Kinski.

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3. Corazón de cristal (1976)

La historia se desarrolla en el pueblo de Baviera, en Múnich, luego de que los habitantes se quedan sin el único maestro cristalero, cuya fabricación era la principal fuente económica de esta tierra. Herzog, a través de metáforas en la voz de un pastor a quien todos creen fuera de sí, prevé la decadencia de aquel pueblito, pues el profeta no deja de mencionar la llegada del Gigante, que bien se podría asociar a la era industrial y, posteriormente, a las guerras, desastres económicos y ecológicos.

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4. Fitzcarraldo (1982)

Una de las películas más conocidas de toda la filmografía del cineasta, quizá, al igual que Aguirre, la ira de Dios. El cineasta explora de nueva cuenta los arrebatos del hombre dominado por la locura de su propia ambición; en este caso, la trama se inspira en Carlos Fitzcarrald, quien sueña con construir un recinto operístico en un pueblo ubicado en la selva peruana. Una obra arriesgada que incluso el cineasta considera uno de sus mejores trabajos jamás hechos.

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5. Lecciones de oscuridad (1992)

Las imágenes del documental se encuentran entre la belleza y el horror provocado por el hombre luego de la devastación de los pozos petroleros en el país árabe de Kuwait. Herzog decidió adentrarse en el fuego que ilumina el desierto para explorar el panorama dancístico de las llamas que causan tal desastre. El cineasta busca acercarse más a los cuadros que recuerdan al Bosco que a un cine meramente expositivo, practica realizada por los noticieros.

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6. Cobra verde (1987)

La que fue la última colaboración entre el director y el actor debido a sus continuos desacuerdos, toma lugar entre diversas localidades de Colombia, Brasil, y Ghana. La historia explora la maldad del bandido Francisco Manoel da Silva, conocido como Cobra verde, personaje originario de la novela El virrey Ovidach, escrita por el británico Bruce Chatwin alrededor del siglo XVII. El cobra verde tiene mucho de los rasgos predilectos por el cineasta: locura, egoísmo y maldad. Por supuesto, la actuación impecable de Kinski sólo hace más realista esta figura.

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Preparan versión 4K de ‘In the Mood for Love’

Existen dos motivos que dieron lugar a la restauración en 4K del clásico del siglo XXI del director hongkonés In the Mood for Love (2003). El principal, este año el filme de época cumple dos décadas desde su estreno; el segundo motivo es que formará parte de la retrospectiva ‘El mundo de Wong Kar Wai’, en el que también se exhibirán la restauración de los títulos As Tears Go By (1988), Days of Being Wild (1990), Chungking Express (1994), Fallen Angels (1995) y Happy Together (1997), asimismo, se dará a conocer The Hand (2004) en su corte del director.

Dicha retrospectiva se presentará a partir del 4 de diciembre en el Lincon Center de la ciudad de Nueva York. Aún se desconoce si estos títulos restaurados llegarán a las salas de otros países, sin embargo, es un hecho que serán posibles de adquirirse en formato casero como Blu-ray.

El 16 de septiembre, el canal de YouTube Film at Lincon Center dio a conocer el trailer de la nueva restauración de una del emblemático melodrama romántico. En su descripción, se explica que fue hecha a partir del negativo original de 35 mm, y fue realizada por Criterion Collection, empresa estadounidense dedicada a la distribución de películas en formato casero, en colaboración con la sede en Hong Kong del laboratorio de restauración L’Immagine Ritrovata. El proceso de etalonaje digital fue realizado por la productora tailandesa One Cool y el sonidista Robert Mackenzie fue el encargado en la restauración sonora.

In the Mood for Love trata sobre el romance platónico entre un redactor llamado Chow (interpretado por Tony Leung Chiu-Wai) y una secretaria llamada Su (interpretado por Maggie Cheung Man-yuk), su relación se hace cada vez más íntima mientras que sus respectivas parejas viven una aventuraextramarital. Este título es la segunda parte de la teatrología informal de Wong Kar Wai, precede a Days of Being Wild y antecede a 2046.

Por mencionar algunos de los reconocimientos de la película, se encuentran el premio del jurado en el festival de Cannes del año 2000, que también le otorgó a Tony Leung el reconocimiento a mejor actor.Al año siguiente, los premios de la sociedad de críticos de cine de Hong Kong otorgaron a Wong Kar Wai el galardón al mejor director y el filme obtuvo el reconocimiento como película de mérito. En 2002, los premios del círculo de críticos de cine de Nueva York le otorgaron el galardón a mejor película extranjera y sus cinematógrafos Christopher Doyle y Pin Bing Lee recibieron el premio a Mejor Fotografía.

El costo de esta versión restaurada es de 31.96 dólares. CONSULTA MÁS INFORMACIÓN AQUÍ.

’76 días’: el documental sobre los días más críticos de la pandemia en Wuhan

La pandemia por el coronavirus es uno de los sucesos que definirá este siglo por sus implicaciones en diferentes frentes de la vida humana. Será un asunto del que se harán diferentes productos audiovisuales en el futuro. En el marco del Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) se estrenó 76 días, documental que sigue el nacimiento de este hecho.

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Dirigido por Wei Xi Chen y Hao Wu, la producción elabora alrededor de la cotidianidad en un hospital de Wuhan, lugar donde se originó el virus, hasta llegar a su punto más álgido. Se captura al personal médico agotado, la desesperación de los familiares, así como la abrumadora situación de la cuarentena ejercida por el gobierno sobre la localidad china.

En entrevista con The Hollywood Reporter, Wu también aclaró que su película “no es para desmentir las teorías de conspiración que hay alrededor del virus”. “La gente seguirá creyendo lo que sea que lean. Mi intención es que la audiencia vea cómo alrededor del mundo estamos lidiando más similarmente que de forma distinta con el COVID-19. Mi filme pretende enfocar nuestra energía en cómo podemos resistir y sobrevivir la pandemia para regresar más fuertes”, declaró.

Hasta ahora, 76 días ha recibido enormes elogios por parte de la crítica internacional, como es el caso de la crítica de cine mexicana Fernanda Solórzano, quien apuntó que se trata del largometraje del festival que “más la ha sacudido hasta ahora”.

Lanza Criterion Collection edición especial de ‘Amores Perros’

Criterion Collection celebra los 20 años del estreno de Amores Perros con una versión restaurada en 4K, cuya ejecución estuvo supervisada por el director Alejandro González Iñárritu y el director de fotografía Rodrigo Prieto.

La película, estrenada en el año 2000, presenta tres historias cuyos personajes no se conocen, sin embargo, etapas determinantes en sus vidas se conectan a partir de una conexión en un accidente automovilístico.

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El Blu-ray de la nueva versión, que se lanzará en diciembre, cuenta con audio restaurado, así como con nuevas entrevistas a Iñarritu y al encargado de la música, Gustavo Santaolalla. También se incluyen charlas entre el director y los actores Adriana Barraza, Vanessa Bauche y Gael García Bernal.

El material adicional contiene también entrevistas especiales, una de ellas es al cineasta polaco Paweł Pawlikowski; material detrás de cámaras y un videoensayo del especialista Paul Julian Smith. Entre las nuevas reflexiones que se agregan en esta versión de colección, se encuentran un ensayo de la crítica Fernanda Solórzano y el escritor Juan Villoro.

Amores Perros fue escrita por el escrito mexicano Guillermo Arriaga. Fue reconocida en el Festival de Cine de Cannes del 2000, donde ganó el Premio de la Semana de la Crítica. También estuvo nominada al Oscar y al Globo de Oro; ambos en la categoría de Mejor Película en Lengua Extranjera.

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Console Wars: el documental sobre la pelea entre Nintendo y Sega

Por: Erik León

Cualquiera que sea tu edad, si te consideras amante de los videojuegos hay una lectura obligada: Console Wars: Sega, Nintendo and the Battle that Defined a Generation de Blake J. Harris; y es precisamente en este libro en el que está basado el próximo documental enfocado en narrar la épica batalla entre Nintendo y Sega, el cual se emitirá a través del servicio Video On Demand CBS All Access el 23 de septiembre. Por el momento, ya vio la luz el primer trailer.

Para quienes son gamers desde los años 90, recordarán perfectamente la rivalidad entre consolas de ese tiempo. Por un lado estaba Nintendo, el monstruo de la industria de los videojuegos y el cual representaba un monopolio en esa época; por el otro estaba Sega, la única consola con el éxito suficiente para poner a temblar a ese gigante.

El documental es dirigido por Jonah Tulis y el propio Blake J. Harris, y forma parte de la selección oficial del SXSW Film Festival de este año. La película aborda el tema con testimonios y perspectivas de sus principales protagonistas, haciendo un repaso por las diferentes consolas que lanzaron al mercado ambas empresas.

También existe un rumor sobre una posible miniserie que abordará el mismo tema desde otra perspectiva. Tales  proyectos se unen a lo que ya había hecho la serie High Score, entrega documental de reciente estreno en Netflix, la cual también menciona el conflicto entre ambas compañías, aunque no profundiza como lo hace el documental Console Wars.

El libro en el que está basado este documental se enfoca en uno de sus grandes protagonistas: Tom Kalinske, CEO de Sega of America de 1990 hasta 1996, y quien puso a la compañía en el mapa en Estados Unidos hasta el punto de hacer de Mega Drive un verdadero éxito. Ahora que se tendrá todo de manera audiovisual es una perfecta oportunidad para conocer una parte importante del mundo de los videojuegos.

AQUÍ EL TRAILER

https://youtu.be/YSwMzLNmpCc

Cinco películas imperdibles de ‘Tin Tan’, el mayor de la dinastía Valdés

Por: Erik León 

Pantalones holgados, saco largo, bigote, sombrero y un inigualable carisma. De esa manera, Germán Genaro Cipriano Valdés Castillo, mejor conocido como Tin Tan inmortalizaría la imagen del “pachuco” en nuestro país y se convertiría en uno de los cómicos más recordados y queridos. 

“En el barrio, las muchachas me dicen ‘El Griego’, por el perfil. Pero los muchachos a mí me dicen Tin Tan porque en mí todo es música”

Tin Tan en Músico, Poeta y Loco (1948)

Nada en esta vida es casualidad, y en la vida de Germán Valdés quedó demostrado. Antes de ser uno de los actores más recordados de la Época de Oro del Cine Mexicano, fue descubierto por accidente cuando trabajaba de limpieza en una estación de radio en Ciudad Juárez. El joven originario de la Ciudad de México tuvo que entrar a ayudar de emergencia a realizar las pruebas de audio en la cabina. El dueño de la estación quedó tan maravillado con su capacidad para improvisar e imitar a otros famosos, que le ofreció tener un programa, el cual sería su primer trabajo dentro de los medios de comunicación. 

“Wuachar”, “Guatjapen”, “Estrict”, entre muchas otras palabras en espanglish, se volverían muy características de su personaje de pachuco, que el mismo Tin Tan tomó de los chicanos, movimiento social originado en las comunidades mexico-americanas en Estados Unidos,. Germán Valdés tendría su primera aparición en el cine gracias a su gran amistad con el actor Marcelo Chávez en la película Hotel de verano (René Cardona, 1944), en la cual hizo una pequeña aparición musical. 

Sería un año después, en 1945, cuando tendría su primer papel protagónico en la película El hijo desobediente. Revolucionó la manera de hacer reír en el cine con técnicas que nunca se habían visto en nuestro país, como por ejemplo romper la cuarta pared, es decir, hablar mirando hacia la cámara para comentarle algo al público. La versatilidad de Tin Tan lo llevó a ser la leyenda que es hoy en día: cantaba, actuaba y hasta doblaba películas. Y en cualquier medio que estuviera Germán Valdés, ya sea televisión o radio, destacaba por su excelencia. 

La música siempre fue parte importante de sus películas, una de sus características principales (y más elogiadas) fue su capacidad para fusionar géneros musicales, así como su habilidad para hacer improvisación, estilo que sacó del jazz estadounidense y que usó con su particular modo para interpretar piezas de swing y boogie boogie en varias de sus primeras películas.

Todo esto hizo que sus éxitos en taquilla llamaran la atención, convirtiéndolo en uno de los comediantes más cotizados del país junto a Cantinflas. Existen algunas películas imperdibles de Tin Tan que debes ver para poder entender su legado, este es un listado ordenadas por año de sus mejores éxitos.

No es de extrañarse que las cinco películas aquí mencionadas son dirigidas por Gilberto Martínez Solares, pues la mayoría de críticos coinciden que fue él quien sacó lo mejor de Germán Valdés, artísticamente hablando, sin embargo, hay otras películas que merecen ser mencionadas como Las aventuras de Pito Pérez (Juan Bustillo Oro, 1957) o También de dolor se canta (René Cardona, 1950) con quien participo a lado de Pedro Infante.

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Calabacitas tiernas, ¡ay que bonitas piernas! (Gilberto Martínez Solares, 1949)

Esta película sería la primera en una larga lista de colaboraciones entre Tin Tan y director Martínez Solares. En ella se le ve usar todo su potencial como humorista musical, en gran medida debido a la libertad de improvisación que le permitió el director, dando como resultado una comedia muy entretenida. Un trabajo que marcó el debut de su hermano Ramón Valdés, y en la cual también participó su otro hermano Manuel ‘El Loco’ Valdés. 

En la historia, Tin Tan se relaciona con un empresario arruinado que lo hace pasar por sí mismo para evitar dar la cara ante sus acreedores. En su nueva personalidad, Tin Tan monta un espectáculo musical con varias mujeres que terminan peleándose por su amor y por el crédito principal del espectáculo. 

 El rey del barrio (Gilberto Martínez Solares, 1950)

Considerada como la mejor película dentro de la filmografía de Germán Valdés, y no sólo eso, sino que forma parte importante del acervo fílmico nacional. Además de contar con un elenco de primera formado por Marcelo Chávez, René Ruíz ‘Tun Tún’, Ramón Valdés ‘Vitola’ y las bellezas Tongolele y Silvia Pinal. 

El rey del barrio cuenta con infinidad de escenas memorables: Valdés rompiendo la mencionada cuarta pared, cantándole  Contigo a Silvia Pinal, así como el baile con Tongolele. Un dato curioso es que la indicación del director era que la Silvia Pinal se mantuviera seria, sin embargo, no podía aguantar la risa ante los gestos de Tin Tan, y la escena quedó como la conocemos.

La trama tiene de protagonista al joven ferrocarrilero Tin Tan, quien se empeña en proteger a su joven vecina, a pesar de que ésta rechaza su ayuda. En realidad, Tin Tan es jefe de una banda de ladrones que se dedica a estafar a millonarias. Todo se complica cuando una de las millonarias conquistas quiere casarse con él.

La máscara del Zorrillo (Gilberto Martínez Solares, 1950)

Fue la primera de varias películas que hizo Tin Tan de manera paródica, inspiradas en obras clásicas de la literatura. Obviamente, el director se toma toda clases de libertades en cuanto a la historia original para ofrecer algo divertido y disparatado; tan disparatado como que Tin Tan usa una pomada que lo hace ser bueno con la espada y lo cambia de apariencia sin que nadie supuestamente lo reconozca. Todo lo absurdo y la comedia de “pastelazo” que puede llegar a tener esta película funciona de maravilla para pasar un buen rato y ver la capacidad del comediante mexicano que canta, baila y gesticula como pocos.   

En esta cinta, Tin regresa de Italia, donde estuvo estudiando esgrima. El joven resulta ser un cobarde que huye tras negarse a batirse en duelo con el capitán Gaspar. En su huida, Tin rescata a una bruja que estaba atada a un árbol. Agradecida, la bruja le regala un ungüento que lo hará invencible por una hora.

El revoltoso (Gilberto Martínez Solares, 1951)

Título que tenía que estar en la lista por una sencilla razón: es una cinta que iba en contra corriente con todo lo que se había estrenado en los años 40 sobre la pobreza. El éxito de Pedro Infante en esos momentos tenía al pueblo mexicano acostumbrado a dramas sensibles como Nosotros Los Pobres. El revoltoso fue una respuesta cómica a todo eso; el pobre ya no tenía por qué dar lastima ni era motivo para no poder disfrutar la vida.  Y como en la mayoría de sus películas, la música no podía faltar: la escena más memorable es cuando baila Dónde estabas tú de Beny More. 

Conocido entre sus vecinos como ‘El revoltoso’, por su tendencia a enredarlo todo, Tin Tan se mete en problemas a cada rato por tratar de ayudar a los demás. Una estafa lo lleva a la cárcel y su afición por meterse en lo que no le importa termina provocando que su novia sea acusada de traficante. 

El ceniciento (Gilberto Martínez Solares, 1952)

En su momento fue un éxito en taquilla que terminó por consagrar a Tin Tan como uno de los comediantes más queridos por el público; lamentablemente, la crítica más exigente no recibió del todo bien esta película. Con todo eso sigue siendo uno de sus trabajos más representativos gracias a las canciones de Gabilondo Soler y Juan Bruno Terraza, movidos números musicales interpretados por los Hermanos Zavala, como aquel que abre la secuencia de créditos. 

El chamula Valentín llega a la Ciudad de México a hospedarse con sus paisanos. Sus amigos se dan cuenta de que es pobre y lo echan de la casa. Uno de ellos decide emplear a Valentín como sirviente y lo explota sin piedad. Pero en algún momento la suerte de Valentín cobra un giro inesperado.