Queer: Guadagnino cede al homoerotismo más placentero y excéntrico

¿Queer es el mejor filme de Luca Guadagnino? Muy poco probable, simplemente si se compara con el bestial triángulo amoroso de Desafiantes (2024). 

El errante y yonqui William Lee (Daniel Craig) queda prendado del esquivo Eugene (Drew Starkey), quien despierta en él su deseo de experimentar una conexión más trascendental que la sexual. Para huir del mundanal ruido de la Ciudad de México, la pareja inicia un viaje por Sudamérica en la búsqueda del yagé y sus efectos telepáticos.

El homoerotismo en el cine de Luca Guadagnino se había mantenido en una línea bastante inofensiva y condescendiente. El grooming de Oliver o la tensión entre Art y Patrick eran versiones naif que se ajustaban al estándar del afecto entre hombres en el imaginario mainstream, por lo que Queer (2024) es su visión más cercana al cine de nicho, utilizando como pretexto el texto homónimo de William S. Burroughs para proyectar en pantalla grande su faceta creativa más desinhibida.

En lo bueno y lo malo, Queer podría considerarse el Querelle (1982) de Guadagnino, por mostrar elementos de la cultura gay en su versión más burda y exuberante, como ilustraciones de George Quaintance en movimiento. Mientras Rainer Werner Fassbinder explotó la belleza camp de los marineros, Jeanne Moreau y el leather en su obra póstuma, el director italiano se arriesga con una decadente fantasía romántica ambientada en la machista sociedad latinoamericana; propuesta tan cursi, exótica, artificiosa e incorrecta que toma por sorpresa a los espectadores ajenos al dionisíaco e “inmoral” arte queer. 

A lo largo del metraje, toda esa sensualidad inicial va transformándose en ternura, con imágenes que subrayan dos conceptos: el amor y la comunión de las almas. De hecho, los diferentes estados psicodélicos también complementan dicha idea, pues hay una diferenciación entre las drogas químicas y la ayahuasca, siendo el primero un gozo efímero y el segundo una reveladora experiencia espiritual “no placentera”. El filme afina tal metáfora con la literal fusión de los cuerpos, mediante escenas evocativas que van desde unas piernas entrelazadas para apaciguar el frío hasta una danza “deformativa” inducida por los efectos del yagé.

Explorando en los rincones experimentales de su sello cinematográfico, Guadagnino utiliza la superposición de imágenes para dar al montaje un toque poético. Al estilo de Jean Vigo en El Atalante (1934), el recurso crea una dualidad entre el deseo y la inhibición de los sentimientos. El ciempiés —signo de la represión en la obra de Burroughs— es un recordatorio de la barrera invisible que separa a los protagonistas, quienes prefieren vivir una etérea experiencia psicotrópica antes de llevar su “romance” en el mundo real hasta las últimas consecuencias, siendo el amor algo aún más inalcanzable que el éxtasis provocado por las drogas y el sexo sin límites.

El guion de Justin Kuritzkes (Challengers) añade al caos literario en los monólogos de Burroughs una atmósfera irreal que simpatiza con el mismo México de Bajo el volcán (Under the Volcano, 1984) y su visión de Latinoamérica como un profundo limbo lleno de tabúes, locura y vicios. Similar al filme de John Huston, el arquetipo del extranjero (blanco) ambulante es rodeado por un escandaloso exotismo y personajes llenos de excentricidades que superan al texto original. Desde el misterioso Doctor Cotter (Lesley Manville) hasta el bonachón Joe Guidry (Jason Schwartzman), Queer nos entrega una colorida fauna de migrantes estadounidenses que rodea a la vehemente actuación de Daniel Craig.

A grandes rasgos, no se busca realismo, sino remarcar la falsedad del espacio físico, como el teatral puerto de Brest en Querelle. Filmada íntegramente en los estudios Cinecittà (Roma), Queer recrea el Distrito Federal reinventado por el Cine de Oro, con brillantes luminarias de salones, vecindades impolutas y sus ventanas pegadas con silicón, del mismo modo cinéfilo que Yo soy el amor (Io sono l’amore, 2009) homenajeaba a los dramas románticos italianos de los 70. 

En un territorio más europeo que latinoamericano, el filme referencia de forma directa al Orfeo (Orphée, 1950) de Jean Cocteau, convirtiendo a Gene (Starkey) en una Eurídice que desaparece tan repentinamente como llegó a la vida de Lee (Craig), dando otra dimensión surrealista a las ideas sobre existencias incorpóreas y conexiones telepáticas. Queer también es una lectura profunda de la oscura vida y obra de Burroughs, con un fantasma merodeando de principio a fin entre escenas: Joan Vollmer. Guadagnino y Kuritzkes convierten al asesinato en un leitmotiv que se manifiesta como pensamiento intrusivo o la huella imborrable de un acto infame, recordándonos constantemente la criminalidad del despreciable escritor. 

Queer también es una lectura profunda de la oscura vida y obra de Burroughs, con un fantasma merodeando de principio a fin entre escenas: Joan Vollmer.

Al tratarse de su título menos convencional, el cineasta se toma la libertad de incluir anacronismos musicales que acompañan la orquestal banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross (The Social Network), la cual incluye la voz del propio Burroughs en el tema principal. Con Nirvana, Sinead O’Connor y New Order, Guadagnino incorpora su personal soundtrack en una pieza de época que desconcierta por lo impredecible naturaleza. ¿El mejor filme del realizador? Muy poco probable, simplemente si se compara con el bestial triángulo amoroso de Desafiantes (Challengers, 2024); no obstante, Queer es el tipo de película barroca que gana prestigio con los años, cuando todos logremos tener mayor claridad sobre las varias capas de irracional arte visual que la componen.