Películas mexicanas en MUBI: diez recomendaciones

Como es costumbre, realizamos una excavación en la plataforma de “cine seleccionado a mano”, MUBI, con la finalidad de rescatar algunos vestigios de nuestro cine mexicano. Se trata de un desfile de largometrajes que se mueven entre lo legendario, lo fraternal y lo trágico, y cuyos personajes continúan esbozando los rasgos de los personajes del gran mural del cine nacional. 

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Películas mexicanas en MUBI: diez imperdibles 

1. La mansión de la locura (1973)

El intrépido Le Blanc, periodista y curioso profesional, decide adentrarse en el hogar de extravagantes maníacos a cargo del doctor Maillard, falso científico de avanzada que tiene entre sus manos un proyecto descabellado de “recuperación y reinserción” a la sociedad para los enfermos mentales de este atípico y simbólico manicomio. La mansión de la locura es un trabajo surrealista, adaptación directa del relato El método del Dr. Tarr y el profesor Fether, de Edgar Allan Poe, con la intervención de Leonora Carrigton en el apartado de vestuario y la actuación estrambótica de Claudio Brook.

La película dirigida por Juan López Moctezuma representa todo un espectáculo de zooms, música lúdica y performances fuera de serie, que parecen plantear que lo que sucede dentro de este sitio es la realidad cruda de la naturaleza humana. Es la depravación total de una secta de hiperactividad que “reduce todo al absurdo” y deforma hasta límites irreverentes y peligrosos el concepto del libre albedrío, combinado con la aparición esporádica de algún corderito, patos o gallinas que enmarcan situaciones tan graves, como la aparición de aquel crucificado con las palabras de la entrada al infierno de Dante o la hipersexualización de la figura de Eugenie.

Una película que causa conflictos internos entre “lo imposible y lo irremediable”, con Le Blanc como héroe impoluto frente a una pléyade de alegorías de bestias y coreografías de aves humanoides entre la razón y las sombras de la memoria misma.

2. Mariana, Mariana (Alberto Isaac, 1987)

Todos han muerto. El pasado ha desaparecido y ahora vive en los recuerdos teñidos de sepia. Nada queda de las peleas en el recreo, de la colonia Roma y sus parques y plazas; mucho menos de Mariana, de Jim. El icónico largometraje que adapta la aclamada novela de José Emilio Pacheco, Las Batallas en el Desierto, es un deleite para los nostálgicos, que explora el despertar sexoamoroso y las exploraciones sobre la vida y el crecimiento del niño Carlos, quien cae rendido ante la elegancia de la madre de su mejor amigo.

Con Pedro Armendáriz Jr. haciendo una versión adulta del protagonista, la historia corre a través de las arterias de una ciudad caótica, irreconocible para un personaje pensativo y melancólico que abraza a su versión infantil, recogiendo los pedazos de una vida que ha caducado y evolucionado. Impresionantes las secuencias en las que Carlos tiene que enfrentarse a cosas que no entiende, pero que sabe que los “adultos” hacen, dejando ver actuaciones infantiles precisas que muestran cómo  hubo afinidad por parte del director con las desventuras de Carlos.

Los escenarios citadinos de época son un deleite, mientras que el lenguaje cinematográfico aplicado a los descubrimientos de Carlos —como aquella escena del baño— es, además de acertado, sincero. Una de las películas imperdibles de la historia del cine mexicano.

3. Tempestad (Tatiana Huezo, 2016)

La directora mexicana es especialista en crear atmósferas documentales impactantes, que no necesitan dramatizaciones revictimizantes para contar una historia que sobrepasa cualquier terror de pesadilla. Los testimonios de Miriam y Adela son muestra de la impunidad a carne viva, de un país-escenario de una guerra interminable que salda sus cuentas desapareciendo y encarcelando injustamente a sus ciudadanos, haciendo de la violencia el plato fuerte de todos los días de un régimen sin tregua.

Las voces en off acompañan los trayectos en autobús; los periplos de las protagonistas antígonas nos llevan a conocer que la vida jamás se detiene, y que la solidaridad se encuentra en unos pocos. Huezo crea espacios seguros, donde los temas se tocan siempre con respeto, dejando que la gente involucrada hable, sin exponerlos a un lente blanco que juzgue o dictamine… todo lo contrario; Huezo se interesa más en denunciar la podredumbre del sistema.

Uno de los mejores documentales mexicanos que triunfó en su paso por Berlín, La Habana y los Goya, recalcando el papel de su directora como referente del rostro testimonial de la cinematografía internacional. Acierto rotundo.

4. Calle López (Gerardo Barroso y Lisa Tillinger, 2013)

Calle López, con la completitud de una jornada de sol a sol, ni siquiera necesita anécdotas alucinantes para ser un documental distinto dentro del cine mexicano. Nos regala la oportunidad de sentirnos caminantes curiosos en una de las calles más estruendosas del Centro de la Ciudad de México, de husmear en la vida de los demás. Barroso y Tillinger consiguieron realizar una experiencia audiovisual vivencial que no te permite despegarte del asiento, aun cuando parece que nada fuera de lo “común” está sucediendo frente a nosotros. Muchas cosas suceden al mismo tiempo, es el vaivén de una comunidad y en el aire se respira el sentido de orgullo, de pertenencia a una fracción de la gran urbe, que parece querer olvidar estas historias, uniformándolas al anonimato.

Los compases de estos rituales son fácilmente identificables y también son la muestra de que cada vida y personaje que se cruza en nuestro camino tiene algo qué comunicarle al mundo, aún cuando esto se esconda en los pases que dan para recoger su materia prima o en las sonrisas pequeñas que le ofrecen a sus compradores y compinches de oficio. Ver para entender. Ver en silencio, para aprender del entorno que nos rodea.

5. El Vigilante (Diego Ros, 2016)

Salvador (Leonardo Alonso), guardia de seguridad de un edificio en obra, está esperando un bebé lejos de su esposa, en un turno que terminó hace varias horas pero que se ha extendido ante el atraso de la llegada de su compañero, Hugo (Ari Gallegos) y las peripecias que suceden en un extrañísimo quince de septiembre. Durante los minutos de este metraje se dibuja un aura de misterio que produce un thriller con pocos personajes, pero los suficientes elementos narrativos que al aparecer giran un poco más la tuerca del suspenso.

Además de la actuación de Alonso, el guion es uno de los puntos fuertes de esta historia que no solo desmantela una red de corrupción dentro de la institución policial, sino que descubre personalidades de una moral liviana que están dispuestas a tapar cualquier irregularidad antes que perder el empleo. La película de Ros no deja títere con cabeza, a pesar de que protagonista pareciera ser un faro ético en realidad es un sujeto de pruebas para la malicia que acecha las causas de las eventualidades mostradas en los rondines de estos vigilantes.

Es la noche, aparentemente, la sustancia que revela la naturaleza verdadera de la mexicanidad y también el detonante de la salida de la razón de toda esta narrativa. Somos, en cierta medida, como Salvador, que observa la maqueta atentamente, queriendo cambiar en la mente el plástico de los modelos por la carne de los seres humanos para intentar, así, darle orden o sentido a este caos autoinfligido.

6. Esa era Dania (Dariela Ludlow, 2016)

Docuficción de una madre adolescente que comienza con retazos de algunas partes de su vida y de algunos videos de un celular que ha recogido, el cual funciona como un espejismo de la vida que le gustaría llevar. Descuida a su hija, se ve atacada por todos lados pero, al mismo tiempo, sabe que debe tomar responsabilidad y las riendas de su vida; está hasta el cuello de conflictos con sus vínculos cercanos, no sabe cuál es el siguiente paso a dar y quiere seguir viviendo las cosas “naturales” de su edad, pero su bebé la orilla a poner los pies en la tierra.

La reconocida cinefotógrafa enfrenta a su protagonista a sus propias grabaciones de épocas anteriores en una cruda demostración de las cosas que se piensan, pero que jamás deben decirse ante el foro público; el choque entre las versiones de Dania es tan sincero como sus ansias por quitarse de encima la montaña de problemas que aparecen repentinamente ante sus ojos y que parecen imposibles. Este es un documental de esos que parecen algo aleatorio en un principio, que terminan dando un cierre perfecto a un relato que tiene la capacidad de transmitir desesperación y animadversión en tan solo unos minutos.

Es tan necesario hablar de estos temas dentro de la idiosincrasia mexicana, tanto como poner la lente sobre los comentarios cotidianos de Dania, esos que parecen no tener relevancia pero que llevan sentimientos que están atorados por la presión de los sistemas que rodean la vida de las personas más jóvenes que, si se “salen del huacal”, son enviados al saco de los que intentaron pero no lograron “ser alguien de bien”.

7. Atrás de las sombras (Ozcar Ramírez González, 2005)

Para hablar de producción cinematográfica, hay que poner los puntos sobre las íes del equipo que se encuentra detrás de la cámara, que pocas veces son reconocidos ampliamente. Atrás de las sombras es un documental del que emanan las voces de tramoyistas, técnicos, carpinteros, sonidistas, fotógrafos y demás integrantes de los crews de filmación de la industria cinematográfica mexicana.

 Como comunidad rescatan anécdotas, dificultades, realidades y visiones de la industria del séptimo arte en un repaso por la historia de la producción nacional con sus altibajos, controversias y sindicatos, sin dejar de lado la difícil vida que llevan sosteniendo a la vez que resuelven las escenas más ambiciosas de las películas que llegan a las pantallas del país. Aunque ellos no tengan el reflector puesto sobre los hombros, su trabajo debe ser impecable para que quede impreso en la memoria de los cinéfilos.

Un metraje sumamente entretenido y ameno que da luz y homenajea la labor de quienes han dedicado su vida a la producción de películas. Bella en su discurso y natural en su forma de contar las cosas, hilando historias, completando recuerdos, recuperando pequeñas partes de un todo inabarcable; el monstruo del cine sigue en movimiento y siempre es bueno regresar a escuchar a las voces de la experiencia que comparten y opinan al margen de la evolución agigantada del fenómeno fílmico.

8. Tamara y la catarina (Lucía Carreras, 2016)

Simplemente bella y potente. Tamara y la catarina no permite que te vayas sin sentir algo, aunque sea una sacudida pequeña en el pecho, porque las actuaciones y química de la dupla conformada por Ángeles Cruz y Angelina Peláez son explosivas y certeras: ellas no se andan con rodeos para contar la historia de una mujer con discapacidad intelectual (Cruz), dejada a la suerte por su hermano y enfrentada a las consecuencias de la inocencia, sin tregua. Tamara, en uno de estos días de soledad y recorridos mecánicos al trabajo, toma a una bebé de un puesto en el Centro Histórico y cambia su papel a cuidadora para alegrar a la pequeña.

No hay mejor crítica, en este filme, que la direccionada hacia la invisibilización sistemática, que se mezcla con la corrupción y se desentiende de la población, permitiendo que los niños robados se conviertan en fotografías engrapadas a un libro repleto de nombres y características físicas. La falta de cuidado crea un bache para que Tamara experimente una relación inversa de cuidado y tenga un diminuto oasis dentro de la rutina que le apresa y le exilia a determinadas tareas. No hay desperdicio en ninguno de los eslabones de la historia, y mucho menos en la atmósfera de descubrimiento y aventura que le imprimen a esta confusión que cuaja con sentimientos de abandono.

Tamara es un personaje redondo, sólido, que comparte la batuta con su vecina para desentrañar las raíces del desamparo y la necesidad de arraigarse a algo o alguien para darle sentido a la vida.

9. El sueño de Lu (Hari Sama, 2012)

Desgarrador relato que dota a Úrsula Pineda de una historia maravillosa sobre el desapego y la lucha por entender en dónde comenzar de nuevo la rutina tras la pérdida de un hijo. La protagonista, Lucía, atraviesa por tres actos para liberar una etapa complicadísima de su historial como madre, encontrando aliados en el camino e intentando combatir la desesperación de no saber cómo explicarle a la gente que le rodea el gigantesco vacío que siente en las entrañas.

Una película rodeada por un halo de soledad; el periplo de Lucía tras perder a su único retoño es conmovedor y altamente esperanzador. El personaje navega en las aguas de la nostalgia para revivir cada recuerdo coleccionado y comenzar a descubrir el misterio del procesamiento de la muerte de un ser tan cercano. Su cotidianidad se convierte en objeto de nuestro interés; le acompañamos en el proceso no como testigos, sino como gente de confianza que se adentra en sus aposentos para verle resquebrajarse en sueños y reflexiones.

Es un largometraje que representa la misión de llegar a un nuevo puerto, sin importar cuál sea este o qué tenga que hacerse para completar la tarea principal. El punto es moverse para seguir con vida. Aquí nos damos cuenta, fácilmente, que las recuperaciones y procesos generales de la existencia humana jamás son lineales y siempre traen consigo sorpresas que reacomodan el tablero tantas veces como sea necesario; todo para conjugar una amalgama de elementos que llevarán la voluntad al siguiente escalón.

10. Mosca (Bulmaro Osornio, 2011)

Taxista nocturno y padre viudo de dos hijas, “El Mosca” nos permite entrar en su casa para experimentar la ausencia de Teresa, su esposa fallecida, así como a las peripecias a las que se enfrenta en su novel experiencia como padre soltero. Entre ensoñaciones y trasnochadas, Óscar afronta la paternidad intentando salir a flote ante la pérdida de su compañera de vida y sin saber cuáles son los pasos correctos para llevar a sus hijas por “el buen camino”.

Fatigado, derrotado en muchas de sus batallas frente al volante, también es oído activo de las conversaciones y problemáticas de sus pasajeros, quienes usan sus asientos como consultorio terapéutico y dejan ver más facetas de la soledad. Bulmaro, cercano y fraternal, logra entrar a la juventud de Óscar, a sus procesos de interiorización y reflexión con una cerveza en la mano, para lograr bocetar a un hombre que no entiende cómo sucedieron tan rápido las cosas y por qué la vida cambia radicalmente; que tiene que ser “resiliente” y que los bailes de juventud ahora saben a otras cosas difíciles de comprender.

De Mosca rescato, sin duda, la franqueza de sus testimonios y el delirio en el que vive Óscar, subsistiendo ante las crisis “naturales” de la vida y las cosas que van agregándole en el camino. No hay nada que no tenga detrás las huellas de un pasado en cámara rápida, con bailes en los que los huesos parecían irrompibles y las caras solo sonreían ampliamente. También es, entonces, la vivencia de la adultez con todas sus letras, mientras se rompe el estatus de las cosas y se reordena el horizonte.

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