Etiqueta: Netflix

Clásicos imperdibles que llegan a Netflix

Por: Angélica Mejía (@lilithchance)

En enero continúan muchas de las historias que los fans de Netflix esperan, como Las escalofriantes aventuras de Sabrina o Sex Education. Ya hicimos la lista de las mejores series que nos sorprenderán en el 2020 y hoy te comparto los títulos que han marcado una época, tanto por las temáticas que abordaron, como por sus innovaciones en diversos departamentos visuales.

La última tentación de Cristo (Martin Scorsese, 1988)

Una de las películas más transgresoras y polémicas llega a Netflix el 1 de enero. La Última tentación de Cristo, basada en la novela del filósofo Nikos Kazantzakis, fue censurada durante un tiempo en México y otros países de Latinoamérica. 

En su momento, Martin Scorsese aclaró que no es una adaptación de los evangelios, sino de una obra de ficción que no pretende retratar la vida de Jesús. 

En esta entrega vemos a Willem Dafoe como Jesús, a quien salva un ángel antes de ser crucificado, lo que le permite tener una vida relativamente normal, lejos de su posición de Mesías. 

Jurassic Park (Steven Spielberg, 1993)

Podrás hacer un viaje en el tiempo justo al arrancar el año, pues a partir del 1 de enero te espera esta clásica película dirigida por Steven Spielberg, la cual recibió los tres premios Oscar a los que estaba nominada (Mejor edición de sonido, Mejor sonido y Mejores efectos visuales).

Jurassic Park expone la historia de un grupo de científicos que busca evaluar un parque de diversiones lleno de dinosaurios, pero quedan atrapados en él. Aunque destacó en el ámbito visual, fue criticada en la profundidad y dirección de sus personajes, algo que Spielberg sí había logrado en títulos anteriores como Tiburón. Sin embargo, eso no impidió que se colocara como una de las películas estadounidenses más populares, que superó en taquilla a E.T el extraterrestre.

Jane Eyre (Cary Fukunaga, 2011)

Si bien la película no es considerada un clásico, sí lo es el libro homónimo en el que está basada, con el cual Charlote Brontë se posicionó como una de las mejores novelistas. En Jane Eyre conocemos la historia de una muchacha que huye de la mansión donde trabajaba como institutriz; a la vez descubrimos los motivos que la orillaron a irse de ahí. 

A partir del 1 de enero, no te pierdas de la oportunidad de ver la adaptación de uno de los clásicos de la literatura en lengua inglesa, en el que Mia Wasikowska encarna a Jane Eyre y Michael Fassbender a Edward Rochester.

Encuentros cercanos del tercer tipo (Steven Spielberg, 1977)

El cuarto largometraje de uno de los pioneros del Nuevo Hollywood se narra la historia de Roy Neary, quien tiene un encuentro con un objeto volador no identificado y empieza a obsesionarse con su existencia, así como con una nueva forma de volverlos a contactar.

En 2007, Encuentros cercanos del tercer tipo fue considerada culturalmente significativa por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry. Asimismo, estuvo nominada a ocho premios de la Academia, de los cuales se llevó el de Mejor fotografía.

Las series de Netflix más esperadas para 2020

Por: Angélica Mejía (@lilithchance)

Iniciar un nuevo año es una excusa perfecta para proponerse ver más películas y series. El futuro de Netflix se ve prometedor, por eso a continuación te comparto algunos de sus estrenos del 2020 más esperados por el público.

Sex Education 

Este año fuimos testigos de una de las series juveniles ficticias más educativas. Sex education tocó temas relacionados con la sexualidad de una forma abierta y sin esconder nada. Su popularidad hizo que la renovaran para una segunda temporada que se estrenará el 17 de enero.

Nuevamente, la historia se centrará en Otis, quien pudo descubrir sus deseos. Ahora queda la incertidumbre de lo que pasará con él, su novia y el amor que lo ronda. Además, todos los personajes secundarios continuarán con obstáculos sexuales y amorosos.

Las escalofriantes aventuras de Sabrina

Esta producción sorprendió a muchos con su éxito. Con cada temporada aumenta la aventura, el misterio y el culto a Satán. Si eres de los que se quedaron con el alma en un hilo, el 24 de enero podrás conocer el destino de Sabrina. 

Además, también se confirmó la cuarta temporada para, tentantivamente, la primavera del 2021, por lo que aún no podemos esperar la conclusión de la trama. 

Locke and Key 

La adaptación de las novelas gráficas de Joe Hill y Gabriel Rodríguez, quien está a cargo de Carlton Cuse, por fin tiene fecha de estreno. 

Después de años de negociaciones con otras productoras, tales como Fox, la historia de los hermanos Locke finalmente conocerá la pantalla chica el 7 de febrero. 

Locke and key narra la historia de los hermanos Locke, quienes se mudan a una casa ancestral que encierra a su vez todo un grupo de llaves mágicas, las cuales pueden estar relacionadas con la muerte de su padre. Sin embargo, el misterio de estas llaves despierta también a un poderoso demonio.

La casa de papel

Desde el estreno de la tercera temporada se anunció la producción de la cuarta, y para este punto se sabe que el actor Álvaro Morte, quien interpreta al Profesor, tiene un contrato para grabar al menos una temporada más.

Por lo pronto, el 3 de abril del 2020 podremos saber cómo se resolverá el caos en el que están envueltos los personajes y tal vez conozcamos uno nuevo. 

13 reasons why

La tercera temporada de esta polémica serie dejó algunos cabos sueltos y esperamos que sean resueltos con la cuarta y última entrega. 

Las grabaciones de la tercera y cuarta temporada fueron simultáneas, por lo que es un hecho que veremos más de Clay, sin embargo, la fecha de estreno aún no se confirma, pero se estima que sea al rededor de agosto del 2020. 

Big Mouth

Sin duda, con sus dos temporadas Big Mouth puso el estandarte alto en cuanto animación en Netflix. Con su estilo irreverente y lleno de chistes sexuales logró atrapar a su público y han sido confirmadas tres temporadas más. 

No hay fecha confirmada ni avances, pero todo parece indicar que en otoño del 2020 podremos seguir el hilo de la pubertad del grupo de amigos protagonista. 

Dark 

La serie que puso a trabajar nuestro cerebro en 2017 llegará a su fin con la tercera temporada. La segunda entrega, más allá de resolver dudas, nos dejó nuevas, y todo apunta que en 2020 obtendremos todas las respuestas. 

El rodaje de Dark 3 -la última que se realizará- comenzó en junio, por lo que podríamos esperar el estreno el próximo verano; su objetivo es cerrar todos los cabos posibles, con toda la complejidad que esto conlleva. 

The Umbrella Academy 

Es una de esas series de las que todos hablan. El éxito de su primera temporada fue arrasador, y nuevamente Netflix deja algunas situaciones inconclusas. El cómic en el que está basada esta producción no ha concluido, por lo que los productores tienen la libertad de elegir el destino de los personajes. 

Respecto a estos nuevos episodios tampoco hay trailer ni fecha de estreno, pero lo que se estima es que pase más de un año desde el estreno de la primera temporada (15 de febrero de 2019) para ver la segunda.

Élite

La dramática serie española, creada por Carlos Montero y Darío Madrona, todavía tiene mucho que ofrecer. Más que dirigirse a una conclusión, los misterios en torno a los personajes del instituto Los Encinas solamente crecieron en las dos primeras entregas. 

La tercera temporada regresará con la participación de Miguel Bernardeau, Álvaro Rico, Danna Paola, Ester Expósito, Mina El Hammani, Omar Ayuso y Georgina Amorós. 

Por el momento se sabe que serán ocho capítulos y que habrá dos nuevos personajes: Yeray y Malick. Después del rodaje no se han presentado avances ni fecha de estreno, así que debemos estar al pendiente de las actualizaciones. 

La Maldición de Bly Manor

En 2018, Mike Flanagan sorprendió con una adaptación libre de la novela La maldición de Hillhouse de Shirley Jackson, serie que concluyó las líneas argumentales de todos sus personajes. Netflix anunció otra colaboración con este director titulada La Maldición de Bly Manor.

La nueva entrega de lo que se convertirá en una antología, estará basada en Otra vuelta de tuerca, libro de Henry James, el cual tiene tintes de terror psicológico. Con La Maldición de Hill House como antecedente, los seguidores esperan una producción igual de aterradora. 

Aparentemente, “La maldición”, anunciada en Netflix para 2020, tendrá una idea similar a American horror story pues algunos de los actores de la primera temporada, tales como Victoria Pedretti y Kate Siegel, aparecerán en la segunda. 

The Crown 

La serie más cara de la historia, cuya primera temporada contó con 130 millones de dólares, llegará a su tercera temporada, situada en la década de 1980.The Crown, la cual se basa en la vida de la la reina Isabel II, ha sido elogiada y reconocida por los Globos de Oro y el American Film Institute.

En su cuarta temporada, de la cual aún no hay fecha de estreno, Olivia Colman continuará como Isabel II; también se presentarán a dos personajes muy esperados: la princesa Diana (Emma Corrin) y Margaret Thatcher (Gillian Anderson).

BoJack Horseman

La segunda parte de la sexta y temporada final de la serie, creada por Raphael Bob-Waksberg en colaboración con la dibujante Lisa Hanawalt, muestra los conflictos personales de BoJack, un caballo antropomorfo que triunfó en los años 90 con la telecomedia Horsin’ Around, pero actualmente es incapaz de reconducir su vida profesional.

Medios internacionales como el diario británico The Guardian la han definido como “un drama a fuego lento sobre la hipocresía y estupidez que rodea a Hollywood”. Se estrena el 31 de enero.

Las series más esperadas para cerrar el 2019

Por: Angélica Mejía (@lilithchance)

Quedan menos de tres meses antes de decirle adiós al 2019, tiempo en el que aún podremos disfrutar de grandes series. Si pensabas que Dark T2  y Stranger things T3 eran las últimas sorpresas de Netflix o que después de Chernobyl HBO se había quedado sin estrenos, sigue leyendo, pues hoy te cuento de las series más esperadas antes de concluir este año. 

La casa de las flores

Una de las series mexicanas más exitosas que ha producido Netflix fue confirmada para una segunda temporada, la cual causó polémica al informarse que no contaría con la participación de Verónica Castro, protagonista de la primera entrega en el papel de Virginia de la Mora, la matriarca de la familia. 

En el avance de la Casa de las flores T2 podemos ver algunas de las situaciones a las que la familia deberá enfrentarse para recuperar la florería que perdieron en la temporada uno, además de la presunta muerte del personaje de Verónica Castro. 

Estreno: 18 de octubre en Netflix

Watchmen 

Ocurrirá varias décadas después de los hechos presentados en el cómic; la dirección es de Damon Lindelof (creador de Lost) y se ha anunciado que será completamente fiel al canon de la novela gráfica de Alan Moore.

La secuela combinará conocidos y nuevos personajes que serán interpretados por Jeremy Irons, Regina King, Don Johnson, Jean Smart, Tim Blake Nelson, entre muchos otros actores. En la parte de la banda sonora se encuentra Reznor (Nine Inch Nails) junto a su productor Atticus Ross.

Un grupo de fans tuvo la exclusiva de ver el primero de nueve episodios en la Comic Con en Nueva York y estas son algunas de las reacciones:


Estreno: 20 de octubre en HBO

Bojack horseman

La sexta y temporada final de la serie creada por Raphael Bob-Waksberg en colaboración con la dibujante Lisa Hanawalt, muestra los conflictos personales de BoJack, un caballo antropomorfo que triunfó en los años 90 con la telecomedia Horsin’ Around, pero actualmente es incapaz de reconducir su vida profesional.

Medios internacionales como el diario británico The Guardian la han definido como “un drama a fuego lento sobre la hipocresía y estupidez que rodea a Hollywood”.

Estreno: 25 de octubre y 31 de enero de 2020 en Netflix.

The end of the f***ing world

Hace dos años se estrenó The end of the f***ing world y nos dejó uno de los finales más caóticos, pues no concluyó casi ninguna de las acciones de aquella escena final del último episodio. 

Esta comedia negra se basa en la novela gráfica homónima y presenta la historia de James y de Alyssa, quienes se embarcan en un peligroso viaje tras fugarse de sus respectivas casas; él se define como psicópata y ella como una chica que odia a todo el mundo. La nueva temporada será emitida primero por televisión en Reino Unido, y después a nivel internacional en Netflix, plataforma encargada de su distribución.  

Estreno: 5 de noviembre en Netflix

Rick and Morty 

En un video dado a conocer el pasado 15 de mayo los mismos Rick y Morty anunciaron su regreso. Respecto a las amplias esperas entre las primeras temporadas, Justin Roiland se manifestó en entrevista para la página de Polygon:

“Ya no vamos a hacer estas largas pausas, estos abismos entre temporadas. Vamos a programar nuestras vacaciones y a mantener la máquina en marcha. Esto va a ser realmente genial.”

Recordemos que aún hay Rick and Morty para rato, ya que en esta nueva temporada podremos ver tan sólo cinco de los 70 capítulos confirmados para continuar la serie.

Estreno: 10 de noviembre en TNT

Te puede interesar: Rick and Morty, análisis del guion

The crown 

La serie que narra la vida de la Reina Isabel II desde los años 20 hasta la actualidad ha sido confirmada para una tercera y cuarta temporada, las cuales ya han sido grabadas. De acuerdo con los productores de la serie, la nueva entrega comenzará a finales de los 60 para mostrar el nombramiento de Harold Wilson como Primer Ministro; además se abordarán acontecimientos históricos como la victoria de Inglaterra en el Mundial de Fútbol de 1996.

Esta vez el elenco original fue reemplazado, y el papel de la Reina, que en las temporadas 1 y 2 fue interpretado por Claire Foy, será encarnado por la ganadora del Óscar, Olivia Colman. Además, como reemplazo de Vanessa Kirby, quien interpretaba a la hermana de la Reina, Margarita, tendremos a Helena Bohman Carter. 

Estreno: 17 de noviembre en Netflix

Evangelion: la serie que revolucionó el anime

Con la llegada de Neon Genesis Evangelion a Netflix, el público no familiarizado con la animación japonesa se sintió intrigado por la importancia de esta serie, que en general es receptora de críticas positivas, tanto por el público como de la crítica especializada. Aunque su trama y personajes han provocado la creación de distintas teorías en torno a los significados implícitos, ¿cuáles fueron sus aportes por los que se popularizó? 

La historia de Evangelion se ubica en un mundo futurista en el año 2015, en el que después de una tragedia ocurrida en la Antártida, conocida como “segundo impacto”, la humanidad es protegida por una organización paramilitar llamada NERVE. La amenaza son los ataques de seres colosales de naturaleza desconocida llamados ángeles, y la manera de atacarlos es con mechas piloteados por niños mediante un enlace neuronal,  éstos son presentados como las unidades evangelion. 

La intención de los creadores fue revitalizar el anime. El primer episodio fue transmitido el 4 de octubre de 1995 y su final el 27 de marzo de 1996. Con 26 episodios, la serie creada por Hideaki Anno y perteneciente al mecha, se caracteriza por girar en torno a las batallas entre robots de gran tamaño piloteados por humanos. Otros títulos exponentes de este género son Mazinger Z, Voltron, Code Geass, Full Metal Panic, entre muchos más. Sin embargo, lo que distingue a Evangelion es una aguda trama a partir de personajes que en un inicio parecerían no contar con diversas capas emocionales. 

“Es extremadamente compleja, profunda y densa. Se esfuerza mucho por ser algo más que una propuesta de acción con robots gigantes”

Jeffrey Harris: IGN

El primer claro ejemplo es el protagonista principal: Shinji Ikari, un niño de 14 años con conflictos paternales que es alejado de su vida cotidiana para cargar con el enorme peso de proteger a la humanidad de los ángeles. Vemos la evolución de Shinji como piloto y como persona, quien inicia como un niño inseguro, temeroso y perturbado por su relación con su padre; el director de NERVE.

En él radica una de las partes más significativas de la trama. A diferencia de las demás obras pertenecientes al género, Evangelion no coloca a un personaje plano y heroico, dispuesto a sacrificarse por el bien común: en su lugar introduce a un protagonista redondo, con dudas, inseguridades y una necesidad de aprobación paterna, quien se ve afectado y se desarrolla en la dimensión física, psicológica y social.  

Determinado por su complicada situación familiar, que deriva en una personalidad inestable, Shinji se encuentra en constante choque consigo mismo y con los demás. Se caracteriza por una continua introspección, la cual lo orilla a cuestionarse su entorno. Esta perspectiva de poner a dialogar la seguridad que la humanidad espera de una unidad evangelion, con las incertidumbres anímicas de quien paradójicamente se desarrolla como el mejor piloto, es uno de los grandes aciertos de la serie. 

Otro personaje es Misato Katsuragi, general a cargo de las operaciones de las unidades evangelion y la primera en entablar una relación con el protagonista, ya que actúa como su tutora. Ella es presentada como una joven adulta que, en apariencia, tiene una actitud despreocupada, pero conforme avanza la historia se hace evidente el conflicto en el que se encuentra, su padecimiento de alcoholismo y distintos problemas emocionales. Misato Katsuragi es la encarnación del miedo a la soledad, temor que emana de sucesos traumáticos de su pasado. 

Ambos personajes, entre otros icónicos como Rei Ayanami, la Doctora Ritsuko Akagi, Asuka Langley, proporcionan a esta animación de gran profundidad narrativa: la historia orilla a todos a una evolución radical y a converger en un ambiente de tensión. Es partir de las interacciones entre personalidades diametralmente distintas, que Evangelion llegó a lugares entonces poco comunes del anime. 

“Su alcance y su influencia resuenan hasta el día de hoy, ya que Evangelion revolucionó el género y cambió la forma de entender la relación entre los humanos y las máquinas” 

Maya Phillips (The New Yorker)

Así como los personajes, el contexto se caracteriza por un trasfondo repleto de significados. Se puede hablar acerca de aquellos que guarda el conflicto entre los ángeles y los humanos, que, a grandes rasgos representa lo obvio: la lucha de Dios contra el hombre. 

Desde la organización NERVE y el sistema computacional que se encarga de las operaciones del mismo llamado MAGI, hasta el origen de los EVAs y el segundo impacto, Neon Genesis Evangelion es material de amplio análisis. Todo se nutre de distintas referencias hacia la biología, la religión, la filosofía, conceptos militares y psicológicos, haciendo alusión a diferentes autores, obras, teorías, etc; un ejemplo claro son las referencias a la obra de Sigmun Freud. Debido a esto, la serie se presta para verla en más de una ocasión. 

El diseño corrió de la mano del mismo Hideaki Anno junto con Yoshiyuka Sadamoto y Ikuto Yamashita, mientras que de la animación fueron responsables los estudios Production I.G, Tokio TV, Tatsunoko y del reconocido Studio Ghibli. Jugando con colores, encuadres, planos y perspectivas, la ejecución visual resulta todo un logro. 

La obra es considerada como una representación profundamente personal del conflicto interno de Hideoki Anno. Esto se hace comprensible a lo largo de la serie, en especial en los últimos dos episodios. El realizador lleva de la mano a sus personajes y a la audiencia a un viaje de reflexión sobre sí mismos, mediante las secuencias y los diálogos inspirados en su propia lucha. 

Anno hizo de Evangelion uno de los elementos más significativos del anime, un título que logró redefinir el género por su estilo sofisticado, enfocado a la psicología y a la religión que posteriormente adoptarían otros animes. Inclusive por su diseño, esta serie fue un parteaguas para el mecha, pues influyó en la forma en la que comúnmente eran dibujados los enormes robots que habían impuesto producciones como Mazinger Z. 

Sin duda, Neon Genesis Evangelion es una de los grandes representantes de la animación japonesa que marcó un antes y un después, es un autoanálisis del creador que invita al espectador a la introspección. 

El cómic The Sandman se convertirá en serie de Netflix

The Sandman, el cómic escrito por el inglés Neil Gaiman y publicado por DC Comics, combinó el terror y la fantasía a partir de una historia particularmente original, lo cual la llevó a convertirse en un icono popular a principios de los 90.

La novela gráfica, que consta de 75 números publicados entre 1989 y 1996, destaca por su apego a la mitología clásica y será llevada al formato de serie de televisión gracias a un acuerdo de producción entre Warner Bros y Netflix, según informó The Hollywood Reporter.

Aunque el anuncio todavía no es oficial por parte de ambas compañías, el diario estadounidense también reporta que se trataría de la serie de televisión más cara que DC Entertainment haya realizado, y que estará dirigida por Allan Heinberg, quien fue encargado del guion de Wonder Woman (Patty Jenkins, 2017). Neil Gaiman participará como productor ejecutivo junto a David Goyer.

Después del éxito de series como American Gods y Good Omens, basadas en obras de Neil Gaiman, tal vez sea el momento de adaptar la historia de Morfeo, quien personifica a los sueños y había sido encarcelado por ocultistas para finalmente escapar décadas más tarde y vengarse de sus captores, al mismo tiempo que se adapta al nuevo mundo en el que se encuentra.

1922: gran adaptación de una obra menor de Stephen King

1922 (Zak Hilditch, 2017), la excelente adaptación de la obra de Stephen King, nos relata la historia de un granjero, trabajador pero no muy exitoso personaje, Wilfred James, interpretado por Thomas Jane, quien también participó en The Mist (Frank Darabont, 2007), otra adaptación de una obra de King. Wilfred vive en el estado de Nebraska con su esposa Arlette James (Molly Parker) e hijo Henry James (Dylan Schmid); con este último planea el asesinato de su esposa, ya que una mezcla de sugestión, ignorancia y miedo lo lleva a creer que ella desea apropiarse de sus tierras.

El director australiano se merece el crédito por generar y mantener el suspenso en un drama tormentoso muy de Allan Poe, con el ritmo de su narrativa que ofusca y obsesiona al protagonista en una corrosión constante del alma. Sobre las actuaciones, Jane sin duda es lo más destacable y ofrece quizás el mejor desempeño de su carrera como Wilfred, finalmente cambiando su apariencia física para sumergirse en el deterioro del personaje.

Te puede interesar: Películas basadas en obras de Stephen King

La fotografía es un apartado que no sobresale tanto como los efectos de sonido y los sobrios efectos por computadora, ya que es una propuesta convencional; no obstante crea el ambiente rudimentario que la película necesita con escenas que expresan claridad en los rostros de los personajes a la Ressendi, muy fuertes, en tonos pasteles y un tanto desaturados, expresando la sensación de sedentarismo y deterioro.

El detalle de la época es impresionante en esta producción de Netflix, que utiliza las ubicaciones de Vancouver como sustitutos razonables de Nebraska urbano y rural. La producción de Campfire Productions es excelsa en este apartado y todos los detalles de escenografía y vestuario son lo suficientemente fieles como para trasladar a un ambiente solitario y anticuado.

El montaje es lineal y lleva un ritmo semi lento, pero que va cocinando el clímax, sobre todo en el segundo acto, sosteniendo la tensión del protagonista que lo sumerge en una atmósfera de culpabilidad y ansiedad para seguir ocultando la verdad. Jane le da al esfuerzo una sensación sofocante de sumisión a las fuerzas oscuras, mientras que el director conserva la implacabilidad de King con sus personajes, manteniendo el castigo de forma espeluznante y sostenida hasta el final.

Una satisfactoria adaptación de una novela de Stephen King, completamente apta para la pantalla, acerca de una culpa inapelable, provocada por el pecado mortal del asesinato. Una propuesta bastante digna en un relato convencional de una historia de roles, codicia, proteccionismo, vergüenza. Un suspenso y un horror psicológico que te deja cuestionándote el porqué de muchas cosas.

Luis Zenil Castro 

Productor audiovisual y dibujante.

 

Historia de un crimen, Colosio: la bondad incuestionable


Entre el estruendo de un par de balazos, gritos y lágrimas se desvanece la promesa de la política moderna. Observamos a dos personajes cuya presencia detona las primeras dudas, lo que resulta un eficaz gancho. Ante esta tragedia, que por sí sola se mantiene en la opacidad, en las pugnas políticas y el misterio, las posibilidades de exploración que la ficción ofrece son abundantes, sin embargo La historia de un crimen: Colosio propone un argumento que se limita a suministrar hechos.  

La trama parte del asesinato de Luis Donaldo Colosio, perpetrado en 1994 y que despertó un cúmulo de reacciones en la esfera pública y al interior del Partido Revolucionario Institucional (PRI); justo en este círculo privado es donde se desenvuelve la producción dirigida por Hiromi Kamata y Natalia Beristáin, centrándose en el proceso de la investigación de un crimen más que la vida del candidato prometedor.

La serie se enfoca en los vicios de las autoridades encargadas del caso, en cómo interactúan los niveles de poder, especialmente la policía federal contra la local; expone a un sistema ocupado en las versiones oficiales y que encubre sus propias responsabilidades. Para lograrlo cuenta con una variedad de personajes, lo cual resulta una decisión mal lograda. Ante la intención de colocar a casi todos los implicados en los hechos reales, se cae en el descuido y la mayoría de los personajes no alcanzan su consolidación como piezas en el principal hilo conductor ni como subtramas.

Respecto al debate sobre una trama apegada o no a la realidad, es importante recordar que se trata de una ficción que responde a una línea y propuesta narrativa a cargo de un equipo de realizadores; en este terreno, no es una obligación que la veracidad sea una apuesta fundamental. Pero más allá de eso, el principal punto débil es que La historia de un crimen: Colosio cae en la superficialidad y el maniqueísmo, cuando la realidad política es más que simples contrastes.

Esta deficiencia se debe a una falta de profundidad en las motivaciones de los personajes, la cual viene desde los guiones escritos por Andrés Burgos, Alejandro Gerber Bicecci, Itzel Lara y Rodrigo Santos, quienes plantean líneas alejadas de las dimensiones que permite la ficción. Se parte de una benevolencia indeleble en varios personajes, principalmente en el de Colosio (Jorge A. Jiménez). Sus intenciones se ubican siempre del lado del bienestar y no están en duda. Las únicas que se ponen entre signos de interrogación son las de los demás. 

Además de esto, el desarrollo tampoco presenta la oportunidad de conocer las raíces de dicha bondad. ¿Qué fue lo que orilló a Colosio a inclinarse a una ideología progresista alejada del consenso priísta? ¿Qué lo motivó por un discurso que daba visibilidad a los indígenas, mujeres, jóvenes y profesionistas? Ante esta y otras preguntas no se ofrecen los más mínimos elementos para ser respondidas. 

El comandante Federico Benítez (Alberto Guerra) desata los puntos más álgidos en toda la serie y es de resaltar cómo se transforma su perfil hasta fijarse su misión; contundentemente detona la trama y los claroscuros de la investigación. Es interesante la mancuerna que a la distancia se construye entre su perfil iracundo y la sensatez de Diana Laura, en quien atinadamente los puntos de quiebre se demuestran más a nivel psicológico que físicos. Hacia el clímax ambos personajes clave ofrecen el momento más rescatable de los ocho capítulos: la tensión de un posible encuentro que podría resolver las dudas sobre la opacidad de la investigación. 

En el terreno de la realización mexicana, Colosio, la historia de un crimen nos recuerda la importancia de Netflix como productora de contenidos populares, apegados a un formato televisivo de entretenimiento (muy refinado), más que a propuestas narrativas abiertas a diversas lecturas.

Leticia Arredondo

Cofundadora y editora de ZOOM F7. Escribo sobre cine y fotografía.

 

Series y películas disponibles en Netflix | Top 5

De la variedad del catálogo de Netflix, la plataforma de streaming más popular, cinco integrantes del equipo de Zoom F7 seleccionaron series y películas de diversos géneros, que destacan por su temática y por su propuesta narrativa o visual.

¡Excelentes para un maratón!

Las cintas de Ted Bundy (2019)

El feminicida Ted Bundy es uno de los asesinos seriales más conocidos en la historia de los Estados Unidos. Los crímenes que cometió se remiten a la década de los 70 y asesinó a por lo menos 30 mujeres hasta su arresto. Ha sido uno de los casos con mayor atención mediática ocurridos en dicho país y su perfil psicológico fue tanto estudiado como categorizado por el FBI para futuros casos, aunque su atractiva personalidad hacía dudar a las masas de tales atrocidades.

  • Te puede interesar: Asesinos en serie para recordar

    • Esta serie documental muestra las cintas que dos investigadores lograron juntar de sus conversaciones con el temido asesino. En ellas que se escucha a un Ted Bundy siempre vacilante, narcisista, muchas veces impulsivo y aparentemente seguro de poder escapar de la prisión. A través de este material la audiencia es testigo del comportamiento de un monstruo, la ineficiencia del departamento de policías y de una sociedad enardecida.

    El peligroso mundo de la comedia (2019)

    Cada país podría contar infinidad de historias que han surgido a lo largo de los años sobre la represión del gobierno hacia cualquier tipo de manifestación satírica o cómica. Y aunque es una profesión que se sigue considerando una práctica de riesgo, muchas personas trabajan en ello sin importar las consecuencias.

    Larry Charles, uno de los guionistas detrás de la comedia Seinfield (1991-94), viaja alrededor del mundo para encontrar y entrevistar a esos valientes comediantes, que motivados por las condiciones desfavorables de su país, ocupan la risa de forma terapéutica para liberarse del dolor que la guerra, la pobreza, la desigualdad y un amplio etcétera, les causan tanto física como psicológicamente.

    Almacenados (Jack Zagha, 2015) 

    Una película que se caracteriza por sencillos recursos visuales y un gran argumento. Lino (José Carlos Ruiz) es un hombre mayor que vive sus últimos días como trabajador de un almacén de mástiles de barco. Este personaje, que está a un menos de un paso de su jubilación, debe preparar a quien lo reemplazará: un joven llamado Nin (Hoze Meléndez).

    Vemos un choque generacional que combina muy bien el humor con la reflexión sobre lo que representa una jornada laboral, y cómo esta moldea nuestras costumbres y hasta qué punto, o para quién, es importante lo que hacemos en esas horas. Además exhibir lo absurdo de la rutina diaria, muestra una historia de amistad lejos de romanticismos.

    Hilda (2018)

    La serie creada por Luke Pearson rememora por instantes a Gravity Falls, pero su identidad es innegable. La paleta de colores, el uso de la música y el carisma de la protagonista son una razón suficiente para explorar sus trece episodios.

    Te puede interesar: Películas animadas que no fueron hechas para niños

    Cada uno integra nuevos personajes y aunque podría parecer un producto destinado para niños, su complejidad narrativa y temática es interesante para cualquiera. Hilda es de las mejores producciones originales de la plataforma.

    1922 (Zak Hilditch, 2017)

    La excelente adaptación de la novela de Stephen King nos relata la historia de un granjero, trabajador pero no muy exitoso personaje, Wilfred James (Thomas Jane) quien vive en el estado de Nebraska con su esposa Arlette James (Molly Parker) e hijo Henry James (Dylan Schmid). Con este último planea el asesinato de su esposa, ya que una mezcla de sugestión, ignorancia y miedo lo lleva a creer que ella desea apropiarse de sus tierras.

    Te puede interesar: Otras películas basadas en obras de Stephen King

    Hilditch se merece el crédito por generar y mantener el suspenso en un drama tormentoso muy de Allan Poe, con el ritmo de su narrativa que ofusca y obsesiona al protagonista en una corrosión constante del alma. Una propuesta bastante digna en un relato convencional de una historia de roles, codicia, proteccionismo, vergüenza, suspenso y un horror psicológico que te deja cuestionándote el porqué de muchas cosas, quizá en suma de todo lo que acabas de ver.

    The Haunting of Hill House |Crítica

    Toqué su cuerpo sin vida y no había nada, no sentí nada, y se esparció sobre mi hasta que yo también dejé de sentir, sólo estaba este negro vacío en el que floté en un océano de nada y me pregunté, ¿acaso esto es lo que sucede al morir?

    -Theo

    El trabajo de Mike Flanagan para Netflix es sin duda uno de los más destacados del género. Su impecable realización y la complejidad narrativa de la trama son los elementos que más llaman la atención. Sin caer en la típica serie de terror de apariciones y espíritus abordados desde el miedo a lo desconocido, la adaptación de la obra literaria de Shirley Jackson establece ciertos dilemas existenciales y morales que persiguen a los personajes, quienes dilucidan las visiones reales de su propia sugestión.

    La propuesta de montaje es una de las más sugerentes, no solamente porque lleva la historia con una especie de insights por medio de flashback y flashforwards, sino porque le da un sentido a la forma en que los personajes construyen sus emociones en un complejo vaivén de escenarios que funcionan como sus recuerdos. Los planting y pay off afirman pendientes, obsesiones y culpas en una narrativa ideal para el terror de fantasmas.

    Te puede interesar: La posesión de Verónica y el regreso de Paco Plaza

    Visualmente The Haunting of Hill House también se salva en cierta medida del cliché del terror; no exagera los contrastes y las sombras, sino que lleva una imagen sin exceso de negros con una paleta de color orientada a los azules y con un cuidado muy estético de la escenografía. La fotografía los dota de claridad para aprovechar el plano en su totalidad y cargarlo con más información sobre el contexto de las emociones de sus personajes o de alguna misteriosa entidad.

    Aunque la mayoría de las escenas de apariciones están hechas con CGI y efectos por computadora, estas no molestan debido a que están llevadas a cabo con inteligencia en diferentes situaciones de la serie: momentos muy específicos que crean tensión o para amarrar el conflicto existente entre los personajes; cada uno de éstos juega un rol que provocará una diferencia en el camino de los demás; ninguno queda al aire, lo cual es otro gran acierto.

    La nueva propuesta de Netflix juega con las creencias y las manías de los protagonistas, se aprovecha de sus débiles relaciones y sus dilemas emocionales, haciéndolos más susceptibles a los entornos en los que se encuentran sometidos: el poder de lo sobrenatural. Esta producción no pasará desapercibida, no sólo por la fehca y por ser el producto de moda de Halloween; es sin duda lo más sobresaliente de los últimos años en Netflix en esta temporada, superando a otras series que se han estrenado en el mismo periodo, como Stranger Things 2.

    Te puede interesar: Stranger things 2: ¿peor que la primera?

    El ente que trasciende su propia existencia y se escabulle en los pensamientos, recuerdos y visiones de sus allegados no son más que asuntos inconclusos en muchos casos, The Haunting of Hill House nos muestra que los fantasmas son culpas, sentimientos y arrepentimientos, pero también a veces son deseos, deseos de resolver los conflictos, o de querer despertar.

    Luis Zenil Castro 

    Productor audiovisual y dibujante.

    Roma: el México claroscuro

    Guillermo Del Toro dijo alguna vez: “hay películas que son como una caja de cereal. Te comes todo el cereal y al fondo hay un juguetito”. Retomando esa analogía en una conferencia de prensa sobre Roma, Alfonso Cuarón mencionó que “Gravity fue esa caja de cereal y me saqué ese juguetito. Ese juguetito generalmente se traduce en algo más grande con más producción, más estrellas… Yo tomé la decisión de utilizarla para regresar a México y hacer la película que he soñado…”

    Así, entendemos a Roma como obra soñada, la cual aborda la historia de una familia clasemediera -ubicada más arriba que abajo- que habita en la colonia homónima. El hilo conductor se enfoca en Cleo (magnífica Yalitza Aparicio), la empleada doméstica de aquella casa.

    El relato personal de Cleo es el principal agente narrativo; vemos la interacción con sus cohabitantes -mayormente en su condición de trabajadora-, su relación con su círculo cercano y con un entorno fundamentalmente ajeno por cuestiones de clase. Ahí estaría la primera línea discursiva de la cinta, así como uno de los motivos primordiales del diseño fotográfico en blanco y negro: exponer el contraste en la sociedad tan diversa de la Ciudad de México y del país entero.

    Esto es visible desde el seno de aquella familia. Cleo y su compañera Adela (Nancy García) tienen raíces indígenas mixtecas puras, y trabajan, como ya dijimos, de servidumbre para un clan de cómoda posición socioeconómica que puede darse lujos como ir a vacacionar en una casa en el bosque y practicar la salvaje caza deportiva, de piel clara y con gran desinterés por el acontecer social en su país. En varios momentos podemos notar cierta indiferencia de los patrones hacia la nana, quien es ignorada y apartada de conversaciones grupales o que simplemente es incapaz de compartir la alegría por el automóvil nuevo que llegó a la casa. Sin embargo, este tratamiento de contraposiciones constantes no es elaborado desde la condescendencia, sino desde una perspectiva humanista de reconocimiento y respeto hacia aquellos que suelen permanecer oscurecidos, un vistazo hacia los que suelen ser olvidados. Es la memoria otro elemento fundamental.

    Te puede interesar: Alfonso Cuarón, las claves para entender su estilo 

    La utilización del blanco y negro suele ser un recurso para marcar un cambio temporal. Este filme está creado enteramente desde la evocación; es el propio Cuarón quien, en el personaje del pequeño Pepe (Marco Graf) -delata su identidad con algunos diálogos un poco irreales por su sapiencia para un niño de esa edad-, está inserto como un personaje más de su remembranza. Esta elección de color potencía las expresiones y, deliberadamente, los tonos de la piel de quienes comparten el espacio. Así notamos con mayor detalle las emociones asentadas en las vivencias de esta familia: las descontroladas risas de los hermanos, el desasosiego de la madre (espléndida Mariana de Tavira) al ver su matrimonio desmoronarse, el terror de la abuela al ser amenazada con un arma… Toda esta mezcla de revoluciones sensitivas conforma este intenso melodrama trágico (trágico por determinados sucesos que no adelantaré, pero son sumamente impactantes) con matices autobiográficos.

    Además, la cinta presenta una sólida crítica a la sociedad e instituciones de ese tiempo, sustentada principalmente en revivir uno de los peores abusos de poder que se recuerden en la historia de México: El Halconazo. La represión de una manifestación estudiantil vista desde una tienda departamental fifí refuerza el discurso de confrontaciones constantes: los pudientes contra los desposeídos, las estructuras gubernamentales contra el propio pueblo, los jóvenes de ese tiempo contra el arcaico sistema; y de fondo, el ruido del “Goya” y los cánticos furiosos de la marcha. De nuevo, la memoria y la historia juntas en una potentísima secuencia de gran virtud técnica y narrativa.

    Cuarón cineasta igualmente aparece. Por ejemplo: recuerda cuando mira impresionado la imagen de unos astronautas en pantalla grande, y ahora entendemos eso como inspiración para la posterior Gravedad (2013). Asimismo, utiliza el entorno para reforzar una posible declaración política, así como hiciere en Y tu mamá también (2001). Aquí, notorio en el abarrotado hospital del seguro social que no se da abasto para la atención y cuyo personal utiliza un lenguaje que evidencia desprecio por los pacientes; en los desgastados afiches del candidato del partido oficial ahora presidente, o en la pared pintada con publicidad de una cementera que contextualiza sobre el momento del país, donde oficialmente imperaba la diatriba en favor de la “ transformación a la modernidad”.

    Separada de las convenciones de su etapa en el cine hollywoodense -fase que, de no haber formado parte de su carrera, no habría podido crear este ambicioso anhelo-,el largometraje se entiende como el punto culminante de su trayectoria, autorrefiriéndose constantemente y presumiendo la potencia a nivel de realización que pudo exhibir en su cuestionada película “oscareada”. Las recompensas de comer todo el cereal.

    Roma no sólo funciona como una amplia exploración al México de los 70 (aunque eternamente claroscuro), también significa la consolidación autoral de Alfonso Cuarón al ejecutar como hombre orquesta (pues hace de director, guionista y codirector de fotografía) su pieza magna, indiscutiblemente opulenta, con tal profundidad y sinceridad. Una obra espeluznantemente actual y un bello tributo para Libo -la verdadera Cleo-.

    Mauricio Hernández

    (R) egresado de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM. Colaborador en la Revista Encuadres.