A 30 años de ‘Goodfellas’, “la mejor película sobre el crimen organizado”

Por: Rubí Sánchez (@rubynyu)

La fantasía del materialismo no puede ocultar la violencia y la decadencia que esconde el mundo del crimen organizado. Goodfellas (1990) conectó estos temas con la profundidad de las relaciones personales y los juegos del poder.

La cinta dirigida por Martin Scorsese cumplió 30 años de su estreno el pasado 12 de septiembre. Con el subtítulo ‘Tres década de mi vida en la mafia’, cuenta la vida de Henry Hill, un mafioso de origen irlandés que trabajó para la mafia italiana en Nueva York, hasta que se convirtió en informante del FBI.

Conocida en Latinoamérica como Buenos muchachos, se basa en el libro Wiseguy del periodista Nicholas Pileggi, quien también coescribió el guion para la película. Pileggi estaba empapado de la cultura de la mafia y había tenido contacto con el verdadero Henry Hill. Fue protagonizada por Ray Liotta, con el soporte de actores como Robert De Niro en el papel de Jimmy Conway y Joe Pesci como Tommy DeVito, además de Paul Sorvino y Frank Sivero. Un excelente reparto que se completó con la partición de Lorraine Bracco, dando vida a Karen Hill, esposa del protagonista. Lorraine temía que su participación fuera eliminada del corte final por tanta presencia masculina.

La cinta es icónica por diversas razones, desde el hecho de sentar la relación de Scorsese con sus retratos de la mafia hasta su edición y ritmo gracias a Thelma Schoonmaker, quien consiguió que la efervescencia del conflicto se sintiera constante. Su permanencia en la mente del público también se debe al guion y a la música. Gran parte de los diálogos fueron improvisados, pues en los ensayos los actores tenían total libertad; entonces, Scorsese y Pileggi retomaron sus ideas y reescribieron el guion.

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En la parte musical, Goodfellas logra con maestría la elección de las canciones indicadas para cada escena. El soundtrack, lleno de éxitos de los años 50 y 60, logra que cada una de las canciones conecte con la puesta en cámara o con los personajes. Sobresalen las escenas en las que aparecen Rags to Riches de Tony Bennett, Then he kissed me de The crystals, Layla de Derek and the Dominos’s o la versión de My Way de The Sex Pistols.

La historia de la producción está llena detalles curiosos, como que ambos padres de Martin Scorsese tienen cameos. El más conocido es de su madre, Catherine, quien interpreta a la madre de Tommy en la cena después del asesinato de Billy Batts. Su padre, Charles, aparece en la prisión junto a Henry, el reo que pone demasiadas cebollas en la salsa.

Los logros de la película no sólo son a nivel cinematográfico; su éxito también fue rotundo en taquilla: obtuvo 46.8 millones de dólares, cuando su presupuesto fue de 25 millones dólares. Sin embargo, en donde sí no logró arrasar fue en los premios Oscar, donde el trabajo de Scorsese continuó siendo ignorando. Fue nominada en seis categorías, incluidas Mejor Película y Mejor Dirección, las cuales perdió frente a Kevin Costner con Dance with a wolves. Sólo fue galardonado Joe Pesci como Mejor Actor de Reparto; cuando recibió el premio mencionó el discurso más corto hasta ese momento en la historia de los Oscar: “Es un privilegio mío. Gracias”.

En cuanto a la crítica, fue recibida favorablemente. Roger Ebert consideró que nunca se había hecho una mejor película sobre el crimen organizado; todo gracias a quien él consideraba el mejor cineasta de Estados Unidos en la cima de su forma. Pocas críticas fueron negativas, como la de Pauline Kael de The New Yorker, quien no creyó que fuera una gran película y sólo alabó su grandeza en ensalzar el periodismo. “Cada cuadro es activo y vívido, y puedes sentir el apasionado deleite del director al hacer que estas imágenes se muevan”, escribió.

Para Scorsese, Goodfellas significó no sólo el éxito, si no la consolidación de un estilo, así como su temática. La película se convirtió en el inicio de una trilogía simbólica, en la cual el ascenso y la caída en el mundo criminal son el punto de unión. La saga se completó con Casino (1995) y The Wolf of  Wall Street (2013).

Con este trabajo, Martin Scorsese no sólo configuró el estilo de algunos de sus siguientes trabajos, sino que abrió un panorama que ampliaron series y películas, siendo la gran deudora The sopranos, interesada en estudiar la psique de su protagonista, Tony Soprano.

En el 2000, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos seleccionó a la película para el Registro Nacional de Cine por ser “cultural, histórica y estéticamente significativa”. Goodfellas capturó la estética de una época junto a las idas y vueltas de un poder deseado por muchos, pero que la misma cinta se encarga de desdibujar y romper.

Publican libro para conmemorar el 30 aniversario de ‘Goodfellas’

Este mes son días de celebración para quienes admiran la obra de Martin Scorsese, pues no sólo se cumplen 30 años desde el estreno en salas comerciales de Buenos muchachos (Goodfellas, 1990), además, se ha publicado Made Men: the story of Goodfellas, libro escrito por el crítico de cine Glenn Kenny, quien nos acerca a los detalles detrás de la cinta protagonizada por Ray Liotta.

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El texto contiene diversas entrevistas hechas tanto al director sobre el proceso de creación de la cinta, y a varios miembros de la producción, como Robert De Niro o el propio Nicholas Pileggi, autor de la novela en la que se basa la película. Dichas conversaciones se compaginan con la investigación hecha por Kenny para arrojar nueva información sobre Buenos muchachos.

Algunas de las anécdotas expuestas en el libro son rescatas en el sitio Collider; por ejemplo, aquella en la cual Edward McDonald, el fiscal que le ofrece protección a la familia de Henry a cambio de información, decidió interpretarse a sí mismo, ya que aún nadie había sido seleccionado para su papel. O detalles más sorprendentes sobre las presiones que existían dentro de la producción como el intento del ejecutivo de Warner Bros., Terry Semel, por incluir a Tom Cruise en el rol protagónico junto a Madonna en el papel de Karen, ¿se imaginan?

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Kenny, además de revelar la receta para preparar la salsa de Henry, realiza un análisis de las escenas; sus ritmos, movimientos de cámara, diálogos, y de cada canción que se escucha a lo largo de la trama. El portal Slant Magazine cita uno de los párrafos cuando se refiere a este tema:

“Cuando en Buenos muchachos comienza a sonar My way de Sid Vicious, es uno de los momentos que más deseas experimentar por vez primera una y otra vez. Es un sobresalto, porque Scorsese, claramente un aficionado del Rock and Roll, él no es (excepto por The Clash) un admirador del punk, así que resulta sorpresivo su elección. Pero es una de las cosas que se sienten bien implementadas (…)”

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El ejemplar se lanzó el pasado 15 de septiembre en inglés. Aún no sabe cuándo podría estar una versión en español, sin embargo, estamos ansiosos por saber qué nuevas historias se podrán contar sobre una de las mejores películas de Scorsese.

Fuente: Collider

“El cine se está marginando y devaluando”: Martin Scorsese  

El estadounidense Martin Scorsese, creador de películas como Taxi Driver (1976) y Buenos muchachos (1990), vuelve al ojo público con sus recientes declaraciones para un evento del reciente Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF por sus siglas en inglés).

De acuerdo con lo reportado por Yahoo! Movies UK, en el marco del evento en donde fungió como embajador de la gala virtual, Scorsese comentó: “El hecho de que los festivales de cine sigan sucediendo, mejorando, adaptándose y funcionando es algo conmovedor para mí”.

No obstante, añadió otros pensamientos sobre lo que cree que pasa con el cine en la actualidad: “Porque en la prensa y en la cultura popular, lo que pasa es tristemente que el cine está siendo marginado y devaluado en toda esta situación, rebajándolo como si fuera una comida corrida”. Al tener en cuenta las controversias en las que se vio envuelto recientemente, como la del año pasado tras decir que las películas de Marvel eran “un parque de diversiones”, luce que el realizador se refiere al peso que está tomando la exhibición virtual por la pandemia.

“Así que celebrar su sola existencia es lo más importante y necesario. Porque no podemos recordarle lo suficiente a la gente que esta notable forma de arte ha sido y será siempre más que una diversión. El cine, las películas, en su punto más alto, son una fuente de inspiración y maravilla”, dijo para terminar.

Defensor del cine como manera de expresión artística y personal, así como de la tradición cinematográfica que incluye al documental y la restauración de los clásicos, Martin Scorsese es uno de los directores estadounidenses (¡aún!) en activo más destacados que hay.

Martin Scorsese adaptará Doomsday Clock de DC

Después de aburrir a una pléyade de millennials que no aguantaron The Irishman (2019) y de estar envuelto en una serie de polémicas respecto a su opinión sobre el controvertido cine de superhéroes, Martin Scorsese ha anunciado que Warner Bros. le encargó la adaptación del exitoso cómic Doomsday Clock, el cual a grandes rasgos es el puente entre el universo Watchmen y DC Comics.

En entrevista, el ahora retirado Alan Moore ve con buenos ojos el proyecto. “Sin dudas es un gran director y para una obra de tal magnitud nada como Scorsese para callarle la boca a todos los marvelitas” expresó el mítico guionista de novelas gráficas.

Se espera que la película se estrene para el verano del 2020.

*Feliz día de los inocentes

Prepárate para ‘The Irishman’ con este ciclo de Martin Scorsese

Será el 27 de noviembre cuando se estrene The Irishman, la nueva película de Martin Scorsese. Y para no sufrir la espera, Cinemanía Loreto ha programado 14 largometrajes del cineasta estadounidense, los cuales van desde sus primeros trabajos como Calles peligrosas (1973) hasta sus títulos más recientes como El lobo de Wall Street (2013).

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La retrospectiva Martin Scorsese comenzará el 14 de octubre con Después de las horas (1985)escrita por Joseph Minion y con la cual Scorsese ganó el premio a Mejor director en el Festival de Cannes. A la lista se suman: El calor del dinero, Toro Salvaje, El rey de la comedia, Casino, Buenos muchachos, Infiltrados, Taxi Driver, Pandillas de Nueva York y El Aviador.

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Las funciones se realizarán los días lunes, martes y miércoles a las 19:00 horas. Consulta más información aquí.

Martin Scorsese en cinco cortometrajes

Por: Rubí Sánchez (@rubynyu)

Martin Scorsese es uno de los directores que se forjó estudiando cine, de ahí que sus primeros acercamientos cinematográficos hayan sido tareas escolares, mismas que nos presentan las obsesiones en ciernes de uno de los mejores cineastas nacidos el siglo pasado.

Dichos trabajos en su mayoría son cortometrajes en los que Scorsese experimenta con distintas técnicas , las cuales lo ayudaron a encontrar su estilo. 

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What’s a Nice Girl Like You Doing in a Place Like This? (1963)

La primera dirección del cineasta originario de Queens, Nueva York, fue Vesuvius VI (1959), una mini épica de la erupción en la Antigua Roma; la cinta, grabada en super 8, no está disponible, no así su siguiente trabajo: What’s a Nice Girl Like You Doing in a Place Like This? (1963), el cual dirigió siendo estudiante del Máster en Bellas Artes en  la Tisch School of the Arts.

En nueve minutos conocemos a un escritor obsesionado con la imagen de un cuadro donde el agua es muy importante; esto lo lleva a filosofar sobre su falta de inspiración. Se distingue por un montaje vertiginoso y una fotografía descuidada en blanco y negro. También se percibe la influencia de la nueva ola francesa y nos deja ver a un Scorsese en busca de balancear lo sublime y lo fallido. En general es un juego de movimientos y de obsesiones que se verán más adelante en la filmografía del director. 

 It’s Not Just You, Murray! (1964)

La cinta, con un final homenaje a Fellini, es un trabajo más cercano a los temas que Scorsese ha tocado a lo largo de su carrera; alejado de los juegos experimentales tenemos a su primer gánster, Murray, quien nos cuenta cómo hizo crecer su fortuna. En el inter descubre que la ayuda de su amigo Joe fue más allá de los negocios. 

El protagonista presume sus lujos y nos lleva a manera de flashback a sus inicios como apostador, a su matrimonio, sus idas a la cárcel, y sobre todo la constate compañía de Joe. Scorsese se adentra en el uso del montaje frenético y se divide entre el uso de colores vibrantes y oscuros. 

 

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The Big Shave o Viet ’67 (1967)

Después  de sus primeros largometrajes, Who’s That at my door? (1967) y del documental New York City.. Melting Point (1966),  y aun sin encontrar productor para Mean Streets, Scorsese decide mandar el guion del cortometraje The big Shave al Festival internacional de Cine Experimental de Knokke-le-Zoute Bélgica, donde resulta ganador. 

Durante seis minutos seguimos la rutina de un hombre al afeitase, hasta que sin mutarse, comienza a lastimar su rostro y gotas de sangre van apareciendo, mismas que poco a poco se convierten en borbotones. Es entendido como una crítica visceral hacia la guerra de Vietnam y a la participación autodestructiva de los Estados Unidos. 

La melodía que lo acompaña es I can’t get started (Bunny Berigan) grabada en 1937, la cual nos lleva a un tono atemporal y decadente. 

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Bad (1987)

Después del éxito de cintas como Taxi driver (1976) y Raging Bull (1980), Martin Scorsese ya era reconocido como uno de los directores más afianzados en la industria de Hollywood, lo que llevó a Michael Jackson a buscarlo para dirigir el video de su canción Bad, tratando de emular el éxito conseguido con Thriller, dirigido por John Landis. 

El corto fotografiado en blanco y negro sigue a Daryl, un joven que ha terminado sus estudios en un colegio privado y quien vuelve a su lugar origen, un barrio bajo de Nueva York. Conserva elementos del cine de Scorsese, como el retrato del protagonista como un ser solitario o atrapado en un mundo en el que no es feliz, así como el guion de Richard Price, responsable por ejemplo de The color of Money (1986). La atmósfera de Nueva York es tan decadente, que llevó a Michael Jackson a preguntar si en ese sitio vivía gente. 

The Key to Reserva (2007)

Los últimos cortos de Scorsese se alejaron por completo de sus orígenes experimentales, así como de sus temas tradicionales. Junto a The Audition (2015)The key to Reserva juega con lo meta ficcional al presentarnos al Scorsese director interpretándose a sí mismo, en este caso en un comercial para la empresa española Freixenet Cava, la cual sigue su tradición, desde 1977, de crear publicidad de la mano de actores y directores reconocidos. 

La historia se inventa el hallazgo de un guion de Hitchcock que estaba perdido, y el director protagonista tiene toda la intención de rodarlo para homenajear al maestro del suspenso. El supuesto guion es la  intriga que lleva a un hombre a buscar entre los asientos de un palco en la ópera, mientras en el fondo la orquesta armoniza con gran tensión. Dejando de lado su carácter publicitario, en este trabajo ronda la idea que tiene Scorsese de la importancia de preservar cintas olvidadas. 

Cinco trabajos muy diferentes entre sí, desde el corto experimental, el video clip, el homenaje y la publicidad, Scorsese demuestra que en poco tiempo es posible narrar historias apoteósicas, divertidas y vertiginosas. 

Lo que debes saber de ‘The irishman’, lo nuevo de Martin Scorsese

Una de las películas más esperadas este 2019 es The Irishman, dirigida por Martin Scorsese en la que veremos la historia de Frank “The Irishman” Sheeran y sus asociaciones delictivas con la mafia estadounidense tras la Segunda Guerra Mundial. Ya conocemos varios detalles sobre esta nueva entrega, entre ellos el gran elenco: Robert De Niro, Joe Pesci, Harvey Keitel y Al Pacino.

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La película, que en septiembre abrió el Festival de Cine de Nueva York 2019, se suma a la lista de títulos abandonados por Paramount Pictures (como Aniquilación) y adoptados por Netflix. Después de que en 2011 dichos estudios dejaran el proyecto, el gigante del streaming le apostó su mayor presupuesto: 175 millones de dólares, cifra que también representa la película más costosa en la filmografía de Scorsese. 

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El estreno del que será el largometraje número 25 en la carrera del cineasta nacido en Nueva York, está confirmado para el 27 de noviembre en dicha plataforma de streaming, y previamente se estrenará en salas limitadas. En México la primera proyección será en el Festival Internacional de Los Cabos el 13 de noviembre, y contará con la presencia de Rober De Niro.

The irishman, fotografiada por el mexicano Rodrigo Prieto, está escrita por Steven Zaillian, quien se basó en el libro I Heard You Paint Houses de Charles Brandt. Zaillian ya es sinónimo de calidad…y no es para menos; a él le debemos grandes adaptaciones como La lista de Schindler (Steven Spielberg, 1993).

Aquí el tráiler final de la película:

Cortometrajes de grandes cineastas

Al cortometraje comúnmente se le relaciona con los primeros pasos de la realización, y también se suele reducir su importancia a un experimento que a la distancia resulta curioso observar por la figura que el autor representa en la actualidad. Sin embargo, no siempre resulta una convención en los inicios de los cineastas ni responde a un mero ejercicio de prueba de las habilidades cinematográficas, tal como lo demuestran los siguientes títulos, los cuales abordan una variedad de temáticas y representan diversas formas de realización:

Réponse de femmes: Notre corps, notre sexe (Agnès Varda, 1975)

La cineasta francesa dirige la cámara a una variedad de rostros de mujeres, de diferentes edades y físico, pero con algo en común: una voz que exige a la sociedad abandonar la visión que reduce al cuerpo femenino a un objeto de consumo. Son mujeres que nos orillan a reflexionar sobre cuestiones como la maternidad y las contradicciones en las que se basa la idea del cuerpo perfecto. Es un grito feminista que todavía cuatro décadas después, desafortunadamente, resulta necesario.

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El año de su realización fue designado como el Año Internacional de la Mujer, por lo que el canal francés Antenne 2 convocó a cineastas a la realización de un cortometraje, en este caso un agit-prop, que partiera de la pregunta ¿Qué es ser mujer?.

Hotel Chevalier (Wes Anderson, 2007)

En la convención visual que distingue su trabajo, una paleta de colores casi monocromática, uso de planos estáticos, paneos y ocasionalmente una óptica anamórfica, el director nos introduce en una atmósfera impregnada por el deseo del reencuentro de dos amantes. En un cuarto de un hotel parisino, Anderson logra exaltar la intimidad de dos personas, de quienes poco sabemos pero mucho es lo que sentimos.

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El misterio es el gancho en este cortometraje, en el que la música de Peter Sarstedt explota la fugacidad e intensidad de esta cita, en la que la aparente resistencia del personaje que interpreta Jason Schwartzman y la seguridad de ella (Natalie Portman), crean una mancuerna que mantiene la atención hasta el final. El relato gira en torno al lazo, quizá, inquebrantable que hay entre dos personas. Con un final abierto, Anderson afirma una vez más una pulcra estética, la imposibilidad y la potencia del amor.

Victoria para Chino (Cary Fukunaga, 2005)

En su segundo cortometraje, galardonado en el Festival de Cine de Sundance, Fukunaga logra condensar la desesperación y claustrofobia a partir de la travesía de un grupo de migrantes que parte de la frontera de México con destino a Estados Unidos. El cineasta explora las más incómodas sensaciones físicas que experimenta el grupo al permanecer encerrados en la parte trasera de un trailer. Mediante una tragedia, Fukunaga revela una problemática social y económica que sigue afectando a la población mexicana.

The big shave (Martin Scorsese, 1967)

En las paredes de un baño y con sólo un personaje que no emite palabra alguna, Scorsese logra sumergir al espectador en un vaivén de sensaciones que deriva en una profunda inquietud, y reflexión, respecto al dolor.

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La pulcritud de los planos iniciales se verá transformada por la ansiedad del personaje que lo orilla a un acto de violencia. Se trata de un cortometraje que Martin Scorsese realizó como proyecto final de la clase de cine en la Universidad de Nueva York, con el cual demuestra lo punzante que con pocos elementos una historia puede llegar a ser.

Leticia Arredondo

Cofundadora y editora de ZOOM F7. Escribo sobre cine y fotografía

 

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Los trastornos mentales de Netflix

 Por: Leslie Valle

Las enfermedades mentales —sin importar el tipo— siempre asustan e interesan al mismo tiempo, lo cual las ha convertido en un tema que el séptimo arte no podría desaprovechar. Y Netflix, que se caracteriza por ampliar su catálogo para satisfacer los gustos de todo público, tampoco ha dejado pasar de largo esta oportunidad.

Atrapado sin salida (Miloš Forman, 1975)

La historia gira alrededor de McMurphy (Jack Nicholson), quien es enviado a un hospital psiquiátrico tras alegar que su comportamiento delictivo es causado por trastornos mentales. Más que mostrar lo que significa estar “loco”, la película retrata la lucha contra el sistema, contra la sociedad y contra sí mismo. Sin lugar a dudas una obra que sensibiliza y, sobretodo, estremece.

La isla siniestra (Martin Scorsese, 2010)

Dos policías se trasladan a un hospital psiquiátrico de máxima seguridad porque se ha escapado una peligrosa asesina. La historia es misteriosa, inquietante y desgarradora en ciertos momentos. Con una narrativa envolvente en la que Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) nos guía entre la realidad y la fantasía para descubrir el verdadero misterio que envuelve la isla.

La ventana indiscreta (Alfred Hitchcock, 1954)

B. Jefferies (James Stewart) es un fotógrafo que, debido a un accidente, tiene una pierna enyesada que le obliga a mantenerse en reposo; por ello se dedica a observar a sus vecinos por la ventana. Ese voyeurismo se convierte en obsesión y de la mano de su novia tratará de descubrir qué fue lo que realmente pasó con una mujer desaparecida, la cual sospecha fue asesinada por su marido.

La piel que habito (Pedro Almodóvar, 2011)

Una historia sobre amores y obsesiones, en la que un cirujano se enfrasca en sus experimentos para desarrollar una piel suave pero sumamente resistente que hubiera podido salvar a su esposa del incendio que, tiempo después, provocaría su muerte. Para ello someterá a Marilia, su conejillo de indias, a un kafkiano proceso del que no podrá regresar.

Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960)

La trama se desarrolla en el motel Bates cuando Marion Crane (Janet Leigh) llega a refugiarse tras haber robado dinero de la empresa en la que trabajaba. En dicho motel viven Norman (Anthony Perkins) y su madre, quienes llevan una extraña relación… Excelente montaje, diseños sonoro y fotografía excepcional, además de las actuaciones, son sólo algunos de los regalos que Hitchcock legó al mundo con una de las mejores películas de toda la historia.