Cortos animados mexicanos en FilminLatino

Por: Leslie Valle (@sirenamacarena)

Cada uno de estos títulos está disponible gratuitamente en FilminLatino.

Lluvia en los ojos (Rita Basulto, 2001)

La pequeña Sofía, con un brazo enyesado y la mirada triste, recuerda lo feliz que era cuando su abuelo estaba a su lado. Él partió para nunca volver, pero le dejó un regalo que debe permanecer oculto. Con el paso del tiempo ese pequeño secreto se vuelve gigantesco. La niña debe dejar de lado sus sentimientos y tomar la decisión más sensata para poder enfrentar la verdad y, con ello, la desgarradora realidad.

De cómo los niños pueden volar (Leopoldo Aguilar, 2008)

Marco sueña con poder volar, no hay algo que desee más en la vida; pero su situación es demasiado complicada. Un cuervo llegará a la vida del niño para recordarle que no abandone su sueño. Una historia llena de fantasía, empapada de realismo, en la que Marco aprenderá cómo los niños pueden volar.

Jaulas (Juan José Medina, 2009)

Un escenario desértico y solitario en el que un anciano viaja cargando en su espalda una alta pila de jaulas; ¿su contenido? Querubines de sublimes cantos que aligeran el camino y hacen un poco más llevadero el hastío.Cuando uno de ellos, por razones del destino, se pierde entre una nube de polvo se revela el verdadero poder de estos seres angelicales encargados de dar vida pero también muerte.

El regreso del vampiro (Christian Vázquez Carrasco, 2011)

Después de muchos años, un vampiro enterrado en el panteón de Belén despierta para enfrentarse a un presente que ya no es lo que él conocía. Un mundo diferente, hostil y bastante complicado es el detonante de acciones que ya no tienen solución.Una metáfora, en la que la sociedad moderna y un asustado vampiro nos demuestran quién es el verdadero monstruo.

El Don de los espejos (Mara Soler, 2014)

Una historia sobre anhelos y obsesiones en la que un coleccionista de peces crea un sistema único y especializado para estudiar a sus criaturas favoritas. El tiempo pasa y él, sin perder la paciencia, espera.Pero, ¿qué sucede con la cordura cuando lo que más deseas está frente a ti pero a pesar de todos tus esfuerzos parece imposible obtenerlo? Eso es precisamente lo que lleva al protagonista a desafiar todos los límites humanos.

¿Festival de animación en la CDMX? Aquí lo que debes ver

La animación ha ganado un terreno importante en las técnicas favoritas de diversos cineastas. Un caso reciente es el de Wes Anderson, quien ha encontrado en el stop motion (Fantastic mr. Fox, La isla de perros) una manera franca de expresar sus ideas. Y aunque las referencias más conocidas al hablar de este tema se hallan en el cine estadounidense dirigido al público infantil, la animación está disponible para cualquier tipo de historia. Ahí tenemos como ejemplo Akira (Katsuhiro Ôtomo, 1988), Persépolis (Marjane Satrapi, 2007),  Paprika (Satoshi Kon, 2006), que no están dirigidas para niños.

Los títulos mencionados son una muy pequeña muestra de las oportunidades visuales, narrativas y temáticas que permite la animación, una práctica que se encuentra en constante evolución. Y justamente para conocer a los estudios y sus creadores, nacionales e internacionales, que están marcando la tendencia en esta técnica, ANIMASIVO realiza por onceavo año consecutivo su festival, referente en América Latina y cuyo principal objetivo es la formación de una generación de animadores emergentes a través de un programa que contempla proyecciones, charlas con animadores consolidados y actividades interactivas.

ANIMASIVO, Festival de Animación Contemporánea de la Ciudad de México se realizará del 28 de noviembre al 2 de diciembre en las siguientes sedes:  Cineteca Nacional, Centro Cultural de España, IFAL, Goethe-Institut Mexiko y la Universidad de la Comunicación. A continuación te compartimos las actividades que no te puedes perder.  

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PROYECCIÓN INAUGURAL ANIMASIVO 2018  

Chris the swiss, un documental de Anja Kofmel

Presenta a un joven periodista suizo que es encontrado muerto en circunstancias misteriosas. La directora decide investigar su historia, tratando de entender cuál fue realmente la participación de Chris en el conflicto. El documental tuvo su estreno mundial en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes. En palabras de la directora “Es la historia de cómo la guerra y la brutalidad destruyen a las personas, las familias y las sociedades, y sobre lo poco que cuesta hacer que una civilización se derrumbe”. La película se proyectará en la Cineteca Nacional el 28 de noviembre a las 20:30 horas.

MASTERCLASS Y MESAS DE DIÁLOGO

Animasivo junta una vez más a personalidades expertas en diversas áreas de la animación. Entre ellas encontramos a Vincent Morisset, cuyo trabajo está centrado en el contenido interactivo; fue el creador del primer videoclip interactivo del mundo.

Aquí la lista de los temas que se abordarán en esta edición: 

Narrativas poéticas aplicadas a la animación por Canek Zapata (Mx)

¿Cómo producir un proyecto de animación independiente? por César Moheno Plá (Mx)

Frames & Beats- Música para Animación por Camilla Uboldi (Mx/Italia)

Guion y personajes animados por Alejandra Moffat (Chile)

Narrativas Interactivas por Vincent Morisset (Canadá)

Developing an Ugly Idea por Nikita Diakur (Alemania)

Hacia la Coproducción por Nidia Santiago (Fr), Chelo Loureiro (Es) y Carlos Gómez Salamanca (Col)

PROYECCIONES

Ciclo Directoras Internacionales: El trabajo de cineastas de países como Israel, Dinamarca, Bélgica y México se juntan en este programa que contempla 10 cortometrajes que profundizan en temas como los cambios corporales, el deseo, la sexualidad y la pérdida. Además del resultado visual, también destacan formas narrativas como el caso de En boca de todas, realizado por 25 animadoras bajo la modalidad de un cadáver exquisito.

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Ciclo Focus Francia: Un total de 13 cortometrajes integran esta selección. Se trata de historias que se desarrollan en oscuros y surrealistas con temas como el inframundo, la naturaleza, el existencialismo y la vida en pareja.

Selección oficial nacional: Consta de 13 títulos en los que se exploran temas como la relación con la tierra, los derechos gays y el sentido de las cosas. También destacan ejercicios como el de Nothing is original, un video-ensayo que intenta rendir tributo al extracto de un manifiesto de Jim Jarmush, donde el cineasta explica cómo la autenticidad es invaluable.

Selección internacional: Son 20 títulos de países como Brasil, Alemania, Japón, Estados Unidos, Uruguay y Polonia. Entre ellos encontramos una variedad de tópicos, desde la historia de un padre que intenta ayudar a su hijo en poeta en O poeta das Coisas Horríveis, hasta Chemicals -Parker Bossley, centrado en un viaje psicodélico y animales exóticos.

ANIMÆNTARY, Documental  Animado: A través de 20 trabajos esta sección manifiesta que el cine animado es también una forma de tratar temas complejos como la migración, el racismo, el arte y la guerra. Cada uno es el resultado de una inquietud política, social e histórica. Algunos de los títulos son Land of the Free, en el que un inmigrante afroamericano de los Estados Unidos reflexiona sobre el racismo; y  Hanenyo, the women of the sea, centrado en la mujeres de buceo de Jeju en Corea del Sur.

CONSULTA AQUÍ LA PROGRAMACIÓN COMPLETA, FECHAS, HORARIOS Y SEDES

Películas animadas que no fueron hechas para niños

Por: Leslie Valle

El cine animado comúnmente está catalogado erróneamente, ya que al ver dibujos o figuras similares a caricaturas, se suele pensar que son películas hechas para niños. Y aunque la mayoría de éstas van dirigidas al público infantil, hay bastantes excepciones como Anomalisa (Charlie Kaufman, 2015) o Coraline (Henry Selick, 2009), que en las que la historia está completamente escrita para adultos.

A continuación cinco películas animadas que por sus temáticas no fueron hechas para niños.

The house of small cubes (Kunio Katō, 2008)

Un hombre construye cuarto sobre cuarto en su casa —que cada vez está más inundada—. Así se le va la vida: pegando un tabique tras otro; su única compañía es su pipa. El detonante de éste melancólico y conmovedor cortometraje es cuando la pipa cae hasta el fondo de la casa, entonces el hombre, con traje de buzo y cargando un montón de recuerdos sobre la espalda, nada hasta encontrarla; aunque en su búsqueda hallará muchas otras cosas que creía ahogadas.

Un homenaje a la animación cinematográfica

Golden time (Takuya Inaba, 2013)

Años ochenta, la modernidad llegó; ¿qué le espera a un televisor de veinte años de antigüedad? Sencillo: ser desechado y olvidado en un basurero. Pero no se dará por vencido y, junto a sus amigos, intentará escapar. Esta corta historia está llena de nostalgia y, definitivamente, es algo que aquéllos que hemos vivido el cambio a la era tecnológica podríamos comprender.

Nueve (Shane Acker, 2009)

El ser humano se ha extinguido, pero poco antes fueron creados nueve muñecos de trapo para preservar un poco de la humanidad perdida. En medio de toda la destrucción, existen máquinas que quieren exterminarlos para tener el poder absoluto. Definitivamente una película animada que, por su realización visual, es muy atractiva para los niños pero está hecha con una historia que hasta a los adultos nos cuesta aceptar por lo triste y real que puede ser.

Mejores películas animadas que han ganado un Oscar

Jack y su corazón de cucú (Mathias Malzieu, Stéphane Berla, 2013)

Basada en la novela de Mathias Malzieu, La mecánica del corazón, se trata de una historia sobre el amor y lo que estás dispuesto a hacer por él, así que sin duda está hecho para aquellos que ya se han enamorado: Jack posee un corazón mecánico y debe ser cuidadoso para no estropearlo, pero, ¿qué pasará cuando descubra el amor y lo letal que puede llegar a ser para él?

Your name (Makoto Shinkai, 2016)

Mitsuha, vive en el campo y lleva una vida de lo más rutinaria; pero todo cambia cuando, de repente, ella no reconoce su cuerpo. En otra parte de la ciudad a Taki le sucede lo mismo. Ambos idean un método para comunicarse sin pensar en las consecuencias que el cambio podría traer consigo.

Un homenaje a la animación cinematográfica

Juguetes e inventos científicos propiciaron el surgimiento del cine y de la animación. Dada su estrecha relación, fuimos hacia atrás y hacia adelante comparando y complementando los aportes de ambas artes. Hurgamos en la trayectoria del cine animado y desglosamos algunas de las técnicas más recurrentes dentro de la animación, ya que se ramifica en múltiples especialidades que propician diferentes resultados.

 

Dory, un personaje inolvidable

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Por: Edgar Campos 

Cuando se sabe que Pixar y Disney, dos de los más grandes estudios de animación, colaborarán para realizar una película, se puede entender que es sinónimo de garantía. y Buscando a Dory no es la excepción.

La historia inicia cuando la pequeña Dory bebé, que sufre de pérdida de memoria a corto plazo, se separa de sus padres por un pequeño incidente y descuido al jugar a las escondidillas. Es entonces cuando Dory emprende una búsqueda incesante por encontrar a su familia y su hogar que poco a poco irá olvidando.

La conexión entre la cinta estrenada en 2003, Buscando a Nemo y la película de la que hoy hablamos, se da cuando la pequeña pez cirujano choca con Marlin, quién, junto con Dory, comienza la desesperada búsqueda de su hijo Nemo.

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La premisa de Buscando a Dory se desenvuelve un año después de aquella travesía por el océano, vista en Buscando a Nemo. Tras escuchar y regresar a lugares que en su infancia fueron importantes, Dory empieza a experimentar flashbacks y a recordar información que hacen que desee encontrar a sus padres.

Bajo el lema de “Nadaremos, nadaremos”, esta nueva entrega nos sumerge en las profundidades del océano con los ya conocidos Marlin, Nemo y Dory, además de nuevos personajes como Destiny, Hank y Bailey que imprimen un toque maravilloso de comicidad y empatía que al instante los vuelve memorables.

Pese a que no supera lo hecho en Buscando a Nemo en términos de originalidad,  Dory es un personaje que, sin lugar a dudas, merecía su propia película. Sobre todo para explicar y entender el por qué de su tan singular forma de ser que encantó a chicos y grandes.

Es de las mejores opciones que hay en cartelera actualmente. Se trata de una montaña rusa de emociones capaz de provocar en el espectador: risas, lágrimas, angustia, felicidad, sorpresa y mucho más. Además, transmite agradablemente mensajes como la amistad, el enfrentar de los miedos, la familia y la importancia de los momentos espontáneos que se resume en la frase: ¿qué haría Dory?

"Finding Dory" introduces new characters to the big screen, including a whale shark named Destiny who's nearsighted, and a beluga whale named Bailey who thinks his biological sonar skills are on the fritz. Featuring Kaitlin Olson as the voice of Destiny and Ty Burrell as the voice of Bailey, "Finding Dory" opens on June 17, 2016. ©2016 Disney•Pixar. All Rights Reserved.

Buscando a Dory es capaz de unir a generaciones que recién se involucran con Dory, Nemo y Marlin con aquellos que crecieron junto a ellos y después de 13 años vuelven a ver en acción a sus peces favoritos.

Recomiendo quedarse en la sala hasta que pasen todos los créditos. La espera valdrá la pena pues contiene una escena post-créditos bastante graciosa que te hará recordar a unos viejos conocidos que aparecieron en Buscando a Nemo.

Para quienes no han visto este spin-off, les espera una entrega muy bien realizada y familiar.

Trailer 

Ficha técnica

Título original: Finding Dory

Director: Andrew Stanton

Guión: Andrew Stanton

Reparto: (voces en español) Patricia Palestino, Herman López, Darhey Fernández, Gabriel Pingarrón

Fotografía: Jeremy Lasky

Productora: Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures

País: Estados Unidos

Calificación: A

Duración: 105 minutos

Género: Infantil

Año: 2016

Esperando a Carrera: 5 animaciones ejemplares de este mero país

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Por: Rodrigo Garay Ysita

En septiembre de 2011, Lo Coloco Films publicó en su cuenta de YouTube el primer avance de Ana y Bruno: una nueva y prometedora película de Carlos Carrera, el prolífico director mexiqueño que desde los doce años ya experimentaba con el cine de animación. Ahora, en mayo de 2016, todavía no sabemos cuándo se va a estrenar.

animacion_ana_y_bruno_de_carlos_carrera_1Lejos como estamos del proceso de producción, sólo se puede incursionar en el chisme y la suposición disque informada, o en la plegaria o en la visión premonitoria. Antes de achacarle el retraso al dificultoso estado financiero de nuestros compatriotas cineastas (la última vez que se supo algo del filme, ya llevaba 10 millones de pesos en su presupuesto) o a la deplorable promoción y exhibición del cine mexicano (porque este texto no fue escrito con un afán de protesta, aunque sí con ganas de difundir), entremos en el feliz contexto de la industria que, lenta y esporádicamente, está lanzando obras interesantes que se ubican al nivel de cualquier estudio de animación famosón del mundo, como lo que al parecer será Ana y Bruno.

Así que, en la víspera de su estreno (porque todo indica que este año es el bueno y que el Festival Internacional de Cine de Morelia nos podría dar la sorpresa), una pequeña selección de cinco películas animadas mexicanas (cuatro cortos y un largo) en orden cronológico, que, con las facilidades del maravilloso mundo del internet, el lector seguramente hallará fácilmente.

El héroe, de Carlos Carrera (1994)

El metro de la Ciudad de México y sus tortuosas estaciones del infierno (malditas sean), así en los noventa como hoy, son un inframundo sudoroso de pesadilla.

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Mucho antes de la fama que le trajo su exitoso largometraje El crimen del padre Amaro (2002), Carlos Carrera ya era reconocido por su trabajo en el cortometraje de animación y en El héroe es fácil ver por qué. El ganador de la Palme d’Or al mejor cortometraje en el Festival de Cannes del 94 es crudo, cadavérico (por el color de sus humanoides desalmados, como clones infinitos de El grito [1893], de Edvard Munch), de un dinamismo medio nervioso muy semejante al estilo del fabuloso Bill Plympton y, sobre todo, asfixiante. Un reflejo perfecto de lo que sentimos los usuarios del Sistema de Transporte Colectivo subterráneo anaranjado todos los días, con todo y sus dramáticos suicidios, sus acosos sexuales involuntarios y sus actos de microheroísmo martirizante.

Hasta los huesos, de René Castillo (2002)

Asesorada por el mismo Carrera tres años antes del estreno de El cadáver de la novia (The Corpse Bride, Tim Burton, 2005) y doce antes de El libro de la vida (The Book of Life, Jorge Gutiérrez, 2014), Hasta los huesos ya ilustraba el afterlife pachanguero que le espera a los mexicanos cuando se mueren. El purgatorio arrabalero está más vivo que el mundo de arriba, lleno de esqueléticos catrines alcoholizados que se deleitan graciosamente con la voz de la huesuda Eugenia León y el score original de Café Tacvba.

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Y después de un buen rato de cantos de congal, el cortometraje se deja de rodeos y enfrenta al hombre contra el que siempre ha sido su peor enemigo: el gusano, el némesis de San Jorge, que sin las alas y sin escupir fuego ya llegó a traernos la única certeza que se puede tener en esta vida.

Fuera de control, de Sofía Carrillo (2008)

Una delicia para fanáticos de Guillermo del Toro, de Tim Burton, de las mentes retorcidas cual resorte chillante, rechinante, de la clásica intermitencia en la lámpara del carnicero que nos resulta siempre tan tétrica, de la oscuridad que gruñe como barriga, de la palidez porcelánica de los rostros muertos en esas muñecas pseudo-geishas con un sólo gesto (el que parece eternamente sorprendido ante quién-sabe-qué), de la inquietud del hormiguero, de la pluralidad de emociones que ofrece la textura en lo textil y en el arte plástico de brochazos frenéticos.

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En fin, apta para góticos, emos, neo-emos, consumidores del creepypasta, deprimidos, neuróticos o para aquellos a los que la minuciosa perseverancia del stop-motion nos sigue provocando más placer que cualquier animación digitalizada.

El Santos vs. la Tetona Mendoza, de Alejandro Lozano (2012)

Desde el título ya se imagina uno en lo que se está metiendo. El asunto no es qué tanto es el apego a las tiras cómicas originales de Jis y Trino, sino qué tanto se está dispuesto a disfrutar la transgresión de lo políticamente incorrecto. Delirante, ofensiva, muy ofensiva, violenta, machista, feminista, clasista, homofóbica y, al mismo tiempo, nada de lo anterior. El guion de Augusto Mendoza se mofa constantemente de sí mismo, de sus espectadores y hasta de la enorme lista de Nombres con mayúscula que llenan los créditos de esta película.

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Aunque está impulsada por un bombardeo de chistes escatológicos y una vestidura inagotable de referencias que llaman tanto a los amantes de la cultura pop (con sus guiños a ese grandísimo clásico de culto de Stanley Kubrick o su burla al cliché musical de Rocky Balboa) como a los que habitamos este país surrealista (desde la parodia al jingle de Solidaridad hasta los imanes en forma de pan dulce que venían en los paquetes de Tía Rosa), El Santos vs. la Tetona Mendoza es mucho más que una suma de sus partes, pues, a diferencia de las proto-comedias de los hermanos Wayans, no fundamenta su narración en ninguno de estos rasgos, sino en la aventura cómica de un grupo de personajes que han trascendido su origen en las historietas para echar desmadre y joder al prójimo en la pantalla grande.

Además, escuchar la voz del ya citado Guillermo del Toro diciendo: “¡Ah, cómo eres pendejo!” (en su papel del Gamborimbo Ponx) es un placer que pocas veces se tiene en la vida.

Los ases del corral, de Irving Sevilla y Manuel Báez (2015)

El cortometraje nominado al Ariel de plata de este año es la propuesta familiar de este brevísimo compendio. Con mínimos diálogos y una vibrante animación que recuerda a las series televisivas que le dieron fama a Genndy Tartakovsky (especialmente a la bellísima fluidez visual de Samurai Jack [2001-2004], a su vez inspirada por el Ukiyo-e japonés) o al controvertido cel-shading de aquel The Legend of Zelda: The Wind Waker (2002), la búsqueda musical de la fonda “Don Goyo” es entretenida sin exagerar; gags musicales chistosones, una simple (pero efectiva) reincorporación de símbolos y una encantadora personalidad caprichosa en su pequeña protagonista, todos sencillamente mezclados en nueve minutos para compartir un mensaje igual de simple: a nadie le sirve clavarse en necedades egoístas, juntos trabajamos mejor.

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Kung Fu panda 3, el maestro del Chi

“¿Quién soy?” así se resume la premisa de la tercera entrega del panda más ambivalente que nos han dado las películas de animación. La trilogía ha estado permeada por la búsqueda de respuestas a diversas preguntas. La franquicia funciona porque la audiencia encuentra la identificación en la historia, ¿quién no se ha cuestionado? “¿A dónde voy?” (Kung fu panda), “¿De dónde vengo?” (Kung fu panda 2) Y “¿Quién soy?” (Kung fu panda 3).

Es esta última, una vez más el panda Po se halla en un dilema que pone en juego sus aptitudes, sus habilidades y la fe (como en las dos anteriores). La historia es entretenida y divertida, pero no sorprende. Al parecer, Jonathan Aibel y Glenn Berger tan sólo desempolvaron los guiones anteriores para algunos detalles de los antagonistas. En el primer filme, Tai Long es el enemigo atemorizante y poderoso que pretende acabar con todo lo que esté a su paso; en esta ocasión, el personaje con las mismas características se llama Kai.

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Cabe recordar el desenlace de la segunda película, el cual reveló que el padre sigue vivo. Esto funciona eficientemente como un gancho para querer descubrir el reencuentro, sin embargo, no se logra explotar emocionalmente la ocasión y se queda en lo superficial. También hay giros de tuerca que parecen sacados bajo la manga.

Respecto al protagonista, su falta de confianza; el deber de proteger a los habitantes de la aldea, y el sacrificio del héroe por el bien de los demás, son elementos ya resaltados en las cintas previas: en Kung Fu Panda 1 se descubre al guerrero dragón y su imposibilidad de aceptarse, posteriormente en Kung Fu Panda 2, Lord Shen, con el descubrimiento de la pólvora a su favor, quiere destruir a Po y a todo a su alrededor para evitar que se cumpla la profecía en la que perecerá.

Se combina una vez más la magnífica animación 3D y 2D, en esta ocasión evidentemente superada. Las pantallas divididas funcionan en la narrativa al conjugar varias acciones. Atrae, fija la atención en una acción general conjugando el fondo y la forma, en flashbacks utilizan el recuso del 2D para darle matiz, con pinturas como acuarelas y tintas chinas Po vuelve con nuevas aventuras.

Plagada de batallas épicas, gags involuntarios, aprendizajes que involucran a la familia, el valor, el amor, la fortaleza y la confianza, son elementos que se disfrutan desde el primer minuto. Los nuevos personajes mantienen la historia en un camino ascendente, por lo que tendrás una hora y media de acción y risa.

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En Kung Fu Panda 3, la película más taquillera en su primer fin de semana en la cartelera nacional, se han olvidado un poco a los cinco furiosos y la trama se centra en fortalecer la confianza de Po, además de las riñas entre los dos padres: el biológico y el que lo crió. Ahora el elenco contó con la participación del respetado actor Bryan Cranston como Li Shan, papá biológico de Po, y con J.K. Simmons como el malvado Kai.

Con la maravillosa música de Hans Zimmer, que nos transporta hasta China con las alegres melodías en las que se conjuga acción y ternura, Kung fu panda 3 es un cálido filme para disfrutar con amigos, familia o tu pareja; pero la expectativa era que superar las cintas anteriores, sin embargo se queda en el mismo nivel. Sólo esperamos que las realizaciones que están por venir no desgasten al personaje.

Fan Valdés

Pedagoga de formación pero cineasta por convicción, artista plástica en el tiempo libre.