Evangelion: la serie que revolucionó el anime

Con la llegada de Neon Genesis Evangelion a Netflix, el público no familiarizado con la animación japonesa se sintió intrigado por la importancia de esta serie, que en general es receptora de críticas positivas, tanto por el público como de la crítica especializada. Aunque su trama y personajes han provocado la creación de distintas teorías en torno a los significados implícitos, ¿cuáles fueron sus aportes por los que se popularizó? 

La historia de Evangelion se ubica en un mundo futurista en el año 2015, en el que después de una tragedia ocurrida en la Antártida, conocida como “segundo impacto”, la humanidad es protegida por una organización paramilitar llamada NERVE. La amenaza son los ataques de seres colosales de naturaleza desconocida llamados ángeles, y la manera de atacarlos es con mechas piloteados por niños mediante un enlace neuronal,  éstos son presentados como las unidades evangelion. 

La intención de los creadores fue revitalizar el anime. El primer episodio fue transmitido el 4 de octubre de 1995 y su final el 27 de marzo de 1996. Con 26 episodios, la serie creada por Hideaki Anno y perteneciente al mecha, se caracteriza por girar en torno a las batallas entre robots de gran tamaño piloteados por humanos. Otros títulos exponentes de este género son Mazinger Z, Voltron, Code Geass, Full Metal Panic, entre muchos más. Sin embargo, lo que distingue a Evangelion es una aguda trama a partir de personajes que en un inicio parecerían no contar con diversas capas emocionales. 

“Es extremadamente compleja, profunda y densa. Se esfuerza mucho por ser algo más que una propuesta de acción con robots gigantes”

Jeffrey Harris: IGN

El primer claro ejemplo es el protagonista principal: Shinji Ikari, un niño de 14 años con conflictos paternales que es alejado de su vida cotidiana para cargar con el enorme peso de proteger a la humanidad de los ángeles. Vemos la evolución de Shinji como piloto y como persona, quien inicia como un niño inseguro, temeroso y perturbado por su relación con su padre; el director de NERVE.

En él radica una de las partes más significativas de la trama. A diferencia de las demás obras pertenecientes al género, Evangelion no coloca a un personaje plano y heroico, dispuesto a sacrificarse por el bien común: en su lugar introduce a un protagonista redondo, con dudas, inseguridades y una necesidad de aprobación paterna, quien se ve afectado y se desarrolla en la dimensión física, psicológica y social.  

Determinado por su complicada situación familiar, que deriva en una personalidad inestable, Shinji se encuentra en constante choque consigo mismo y con los demás. Se caracteriza por una continua introspección, la cual lo orilla a cuestionarse su entorno. Esta perspectiva de poner a dialogar la seguridad que la humanidad espera de una unidad evangelion, con las incertidumbres anímicas de quien paradójicamente se desarrolla como el mejor piloto, es uno de los grandes aciertos de la serie. 

Otro personaje es Misato Katsuragi, general a cargo de las operaciones de las unidades evangelion y la primera en entablar una relación con el protagonista, ya que actúa como su tutora. Ella es presentada como una joven adulta que, en apariencia, tiene una actitud despreocupada, pero conforme avanza la historia se hace evidente el conflicto en el que se encuentra, su padecimiento de alcoholismo y distintos problemas emocionales. Misato Katsuragi es la encarnación del miedo a la soledad, temor que emana de sucesos traumáticos de su pasado. 

Ambos personajes, entre otros icónicos como Rei Ayanami, la Doctora Ritsuko Akagi, Asuka Langley, proporcionan a esta animación de gran profundidad narrativa: la historia orilla a todos a una evolución radical y a converger en un ambiente de tensión. Es partir de las interacciones entre personalidades diametralmente distintas, que Evangelion llegó a lugares entonces poco comunes del anime. 

“Su alcance y su influencia resuenan hasta el día de hoy, ya que Evangelion revolucionó el género y cambió la forma de entender la relación entre los humanos y las máquinas” 

Maya Phillips (The New Yorker)

Así como los personajes, el contexto se caracteriza por un trasfondo repleto de significados. Se puede hablar acerca de aquellos que guarda el conflicto entre los ángeles y los humanos, que, a grandes rasgos representa lo obvio: la lucha de Dios contra el hombre

Desde la organización NERVE y el sistema computacional que se encarga de las operaciones del mismo llamado MAGI, hasta el origen de los EVAs y el segundo impacto, Neon Genesis Evangelion es material de amplio análisis. Todo se nutre de distintas referencias hacia la biología, la religión, la filosofía, conceptos militares y psicológicos, haciendo alusión a diferentes autores, obras, teorías, etc; un ejemplo claro son las referencias a la obra de Sigmun Freud. Debido a esto, la serie se presta para verla en más de una ocasión. 

El diseño corrió de la mano del mismo Hideaki Anno junto con Yoshiyuka Sadamoto y Ikuto Yamashita, mientras que de la animación fueron responsables los estudios Production I.G, Tokio TV, Tatsunoko y del reconocido Studio Ghibli. Jugando con colores, encuadres, planos y perspectivas, la ejecución visual resulta todo un logro. 

La obra es considerada como una representación profundamente personal del conflicto interno de Hideoki Anno. Esto se hace comprensible a lo largo de la serie, en especial en los últimos dos episodios. El realizador lleva de la mano a sus personajes y a la audiencia a un viaje de reflexión sobre sí mismos, mediante las secuencias y los diálogos inspirados en su propia lucha. 

Anno hizo de Evangelion uno de los elementos más significativos del anime, un título que logró redefinir el género por su estilo sofisticado, enfocado a la psicología y a la religión que posteriormente adoptarían otros animes. Inclusive por su diseño, esta serie fue un parteaguas para el mecha, pues influyó en la forma en la que comúnmente eran dibujados los enormes robots que habían impuesto producciones como Mazinger Z

Sin duda, Neon Genesis Evangelion es una de los grandes representantes de la animación japonesa que marcó un antes y un después, es un autoanálisis del creador que invita al espectador a la introspección. 

Ghost in the Shell

 

Por: Isaac Ávila

 “I’m not a robot without emotions, I’m not what you see

I’ve come to help you with your problems, so we can be free

I’m not a hero, I’m not a savior, forget what you know

I’m just a man whose circumstances went beyond his control

Beyond my control, we all need control

I need control, we all need control”

 

Mr. Roboto. Styx

Parece que todos los remakes que Hollywood se aventura a realizar sobre anime/manga/films japoneses tienen un solo destino: la simplificación. Y no es que consideren al espectador tonto, pero este negocio se trata de llegar al mayor número de personas para conectar.

Ghost in the Shell es una enorme compilación de fan service. Todo aquel gustoso de la cultura nipona se sentirá agradecido al encontrar referencias no sólo al material en que está basado, sino a muchas otras entregas como Metal Gear Solid.

Sin embargo, la historia es plana. La Odisea derivada de una avanzada tecnología que aumenta las capacidades de nuestra protagonista…un momento, ¿estamos viendo (Lucy Besson, 2014) No, creo que no, aunque la premisa es básicamente la misma. Nuestra protagonista tiene vacíos existenciales y va aprovechándose de sus capacidades superiores para resolver el caso. Mayor tiene que buscar en el pasado para significar su vida, no sólo en su vida humana, sino en el proceso que llevo el proyecto 2501 para alcanzar la cúspide con su creación. No tiene motivaciones, porque se considera un arma, un artificio cuya única misión es mantener la justicia.

La acción mantiene un ritmo en toda la película… es bastante predecible. Visualmente es maravillosa, en pocos momentos sientes que el CGI está presente. Muy bien cuidada y con una fotografía que evoca anime, manga, videojuegos y por supuesto, otras películas. El desarrollo de los personajes es un poco flojo en consecuencia de este ritmo.

Sentí que venía Blade Runner meets Robocop. Esto es una joya para los que apreciamos el género. La delgada línea de la humanidad frente a las inteligencias artificiales, el conflicto de ser un androide controlado por un código binario que implanta memorias, valores, costumbres, creencias y respuestas (como cualquier sistema cultural en el que estemos inmersos)  y que no es tan bueno como se pensó. Por lo menos no en todos los niveles.

Los personajes intentan trascender lo que fueron. Luchando contra sí mismos, borrando la posibilidad de cometer los mismos errores y buscar el bien por medio del sacrificio. No, no es spoiler.

El diseño del audio es de gran calidad. Acompaña adecuadamente la acción en pantalla. Usa muy bien los recursos y vi saltar muchas veces a las personas en las butacas con los pequeños cambios de ritmo a modo de saltos de gato y screamers.

En conclusión, es un buen blockbuster. Una película dominguera que se suma a las filas de la intrascendencia (por más que ese sea su tema) pero que deja un buen sabor de boca en los espectadores ñoños como su servilleta.

 

 

 

Cinco de tripa: las imperdibles del cine gore*

Por: Isaac Ávila (@elpinshidiablo 

*1. adj. Dicho de una película o de un género cinematográficos: De terror con recreación en las escenas sangrientas. Apl. al género, u. t. c. s. m.

Siento que la RAE no ayuda mucho con la definición de este género. Considero de suma importancia las reacciones que podrían tener en sus espectadores, desde las más básicas: temor, asco, nauseas, miedo, hasta risa y muy probables ganas de vomitar. Estas sensaciones son las que han mantenido tales películas -en muchos casos- de serie B como obras de culto, readaptaciones y comunidad entre los cinéfilos. Así que comencemos con este desfile de tripas.

1.Holocausto canibal (Ruggero Deodato, 1980)

Clásico, uno de tripa con jardín y salsa roja.

Realizada a partir del guión del señor Clerici, este falso documental nos lleva a lo profundo de la selva amazónica para buscar a un grupo de seres primitivos cuya actividad de interés para los documentalistas es, claro, la ingesta de carne humana.

Tendrán ante ustedes un trabajo que refleja -en ficción- la “crueldad” del simbolismo humano y de las escaramuzas entre diferentes culturas al enfrentarse de esta manera. La ignorancia, incertidumbre e incomprensión de las construcciones simbólicas de los nativos hacen de esta, una excelente película para iniciarse en los caminos del cine sangriento y mutilante.

Con una labor excepcional, hicieron de su trabajo un tótem del género. Muchos creyeron que esto traería problemas a los encargados de dicha producción, y así fue; además de que la película fue prohibida en distintos países, muchas de las escenas se creyeron reales.

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 2.Saw (James Wan, 2004)

De los que te echas toda la orden.

Si bien podemos dudar del director y las secuelas de este título, la trama y desenlace de la primera entrega son muy buenos. Estamos en una habitación, atrapados con dos sujetos que no tienen ni idea del predicamento al que están a punto de enfrentarse.

Es un juego en el que la única oportunidad de redención está en el sacrificio, la comprensión del papel que juegan nuestras decisiones en un sistema complejo en el cual todos estamos involucrados. Descubrimos un poco del enorme problema de la convivencia y las profundas pulsiones de los individuos. La expiación de los errores no sólo involucra desmembramientos auto infligidos, sino un significativo cambio para merecer más tiempo de vida.

Honestamente recomiendo al lector deleitarse con el intenso derramamiento de sangre de la saga completa. No porque tenga el mejor argumento del género, sino por el simple placer de admirar el trabajo de producción al hacer una ejecución. Esta orden completa de tripas es bastante entretenida.

3.The evil dead (Sam Raimi, 1981 y Fede Álvarez, 2013)

De esos a los que siempre regresas aunque sea por uno.

Podríamos llamar a los ochenta una época dorada para el cine gore. Gran parte de los memorables títulos del género provienen de esta década o cercanías. En esta ocasión, hablaré al mismo tiempo de estas dos películas, ya que comparten argumento y abundantes detalles que las hacen figurar en esta lista.

Planteamiento clásico, un grupo de jóvenes en una cabaña, encuentran un libro al parecer hecho de piel de algún animal y lo abren para conocer su contenido. Contra toda advertencia inscrita en él, comienzan a leerlo y desatan una serie de acontecimientos bastante intensos -y risibles en lo personal- que culminan en el advenimiento de un ser diabólico cuyo único propósito es la destrucción y el caos.

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Las cosas se salen de control y los protagonistas deben recurrir a medidas poco ortodoxas para detener al invasor. La primera más pintoresca y acorde a su tiempo, y la segunda con una serie de desmembramientos que realmente aplaudo. Lluvia carmesí y una frase final para recordar, además, el infaltable cameo de Bruce Campbell. Hay dos secuelas de la original -bastante divertidas- y una serie. Compártenos tus comentarios si te vuelves fan.

Original

Remake

4.Slaughtered Vomit Dolls ( Lucifer Valentine, 2006)

Los de mala muerte.

Podríamos reconocer esta producción por tomarse demasiado en serio la serie B y el cine experimental, pero no. Hay que tener estómago y oído duros para poder ver esta película de principio a fin y sin interrupciones. Se le considera pionera en el vomit gore, sub género que como reza, ves y te quiere hacer vomitar.

Tenemos en escena una stripper que sufre de constantes alucinaciones y problemas mentales. En las que se ilustran desmembramientos y parafilias que se van intensificando, y como el vómito, hacen una masa heterogénea en la trama. No tiene el mejor argumento pero es un obligado de los interesados en el tema por su alto contenido gráfico y alucinante.

 

No contentos, Slaughtered Vomit Dollses es parte de una tetralogía. Reto a tu estómago para que puedas verlas todas en una sola sesión sin sentir un poco de repulsión y lástima por los personajes que se nos presentan.

5.Hellsing Ultimate (Tomokazu Tokoro, 2006)

Los de la otra colonia que también están buenos.

Vámonos a la tierra del sol naciente pero en un mood completamente distinto. Viajemos por las tierras de la animación japonesa que se ha ganado el corazón de muchos por la variedad de temas y lo intenso que puede ser el desarrollo de sus tramas.

En esta ocasión, Hellsing Ultimate se basa en el manga de Köta Hirano para traernos las desventuras de distintas asociaciones religiosas cuya misión es finalizar con las amenazas sobrenaturales que pudieran terminar con la humanidad. Durante la serie de ovas -sí, aquí también recomiendo que vean todas- tendremos un desfile de seres mitológicos que serán abatidos por Alucard.

Promete una brutalidad que sólo la animación puede regalarnos con peleas épicas entre los personajes y un desenlace contra las fuerzas vampíricas de los peores enemigos de la humanidad moderna, sí, los nazis. Altamente recomendada.

Hacer recomendaciones para un género tan basto es difícil porque se siguen creando excelentes exponentes en todas las latitudes del orbe. Este texto es un homenaje a la belleza que encontramos en lo más profundo de la hostilidad, depravación y autodestrucción de la humanidad, que afortunadamente hallamos en estos filmes ficticios.

Espero que disfruten de sus cinco de tripa con todo.

Paprika, el onirismo y su relación con el lenguaje cinematográfico

Es una estancia oscura, la luz tenue ilumina el centro del escenario circense, un cochecito entra en escena, proviene de la negrura y se sitúa exactamente debajo del halo lumínico. Dentro del vehículo hay un payaso cuya proporción es muy superior a la del carro, sale con dificultad para ponerse de pie y pregonar: ¡qué comience la función!

Una secuencia onírica da origen al mundo y reglas de Paprika, filme basado en la obra homónima de Yasutaka Tsutsui y dirigido por Satoshi Kon en cuya trama se ha inventado un dispositivo capaz de permitir la visualización de los sueños a través de un monitor, el cual es robado para lograr que estos se fusionen con la realidad.

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La película permite su abordaje desde múltiples enfoques. En primera instancia está la decisión de utilizar la técnica de animación, lo cual sumerge al espectador en un código referente a la realidad-virtual entendida como realidad-posible.

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En la escena inicial se presenta el sueño de un policía aficionado al séptimo arte, presenciamos un recorrido a través de muchos filmes de variados géneros, en aparente desorden las imágenes estructuran una historia que culmina con un asesinato; siguiendo la tesis freudiana descubriremos a la postre el por qué de cada imagen.

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Es sin duda de mayor interés la propuesta del realizador al reflejar el sueño por medio de una pantalla, en una clara analogía con los elementos del lenguaje cinematográfico,  principalmente aquellos que conforman la estructura del montaje, los cuales pueden ser tres:

El corte: En cuestiones psicoanalíticas, y acercándonos a La interpretación de los sueños de S. Freud, se conoce que un sueño jamás llega en su estado esencial. Toda representación onírica tiene una explicación de carácter consciente; la fase de ensoñación da cabida a lo reprimido durante el periodo vigil, y al recordarlo se estructura ordenadamente dejando el supuesto caos que predomina  en ese estado.

Pero, ¿no es acaso que recordamos los sueños como si fuesen escenas de película? Es decir  ¿no hay escala de planos, cortes, travellings y demás componentes en su haber? ¿No es en primera instancia la imagen y después la palabra para tratar de comunicarles? Para representar el sueño ¿no es más fiel la imagen que lo dicho? Es por ello que en Paprika resulta fundamental para la comprensión en lo referente a los alcances del arte cinematográfico.

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El corte per se no forma parte de nuestra percepción de la realidad, este elemento esencial del montaje proviene sin duda de la percepción onírica. Es decir, el corte nos sumerge en esa ensoñación llamada cine.

El fundido: Es sublime el recurso porque es justo cuando el dispositivo supera sus potencialidades y comienza a mezclarse con el mundo vigil. Un científico de la corporación que creó el aparato comienza a decir incoherencias, sonríe y termina arrojándose por una ventana. Mientras está suspendido en el aire, en cámara lenta, se comienza un fundido, pantalla en negros, súbitamente el mundo onírico irrumpe, criaturas extrañas y elementos de la vida cotidiana cobran vida avanzando rápidamente hacia un abismo. El científico está atrapado.

Como nosotros, cuando cerramos los ojos, cuando nos fundimos dejándole la puerta abierta a la (según Freud) instancia inconsciente, a lo reprimido, permitiendo la irrupción de toda clase de criaturas, seres y situaciones que emergen, de la oscuridad.

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El fundido se emplea comúnmente para empezar y concluir un filme. En Paprika concluye con el primer acto, da paso al conflicto y nos introduce de lleno en la complejidad de la barrera con lo real. Un sueño (la película) dentro de otro sueño (el presenciado, la trama) dentro de uno más (el sueño en conjunto planteado por Satoshi Kon). Somos soñadores del mismo sueño, el de su creador.

Una vez superada dentro del contexto del filme la limítrofe realidad-sueño, el director nos permite saber cuándo el espectador forma parte de la fantasía y cuando no, a través de la tercera herramienta más común del montaje cinematográfico:

La disolvencia: Cuando el personaje principal (Atsuko), es presa de una ensoñación durante su periodo vigil, Kon utiliza este recurso para pasar de un plano a otro, quizá no es consciente en un primer momento, pero mediante el uso maestro de ésta nos introduce al infierno de lo reprimido; cuando se da la ruptura y Atsuko despierta se comprende perfectamente, sin recursos efectistas. Paprika es cinematografía pura.

No es la idea del presente ensayo revelar la trama completa del filme, se trata pues, de una película maestra por el empleo de recursos tan simples para la manipulación espacio-temporal (el corte, el fundido y la disolvencia), ello sin dejar de lado elementos como la animación, la música,  el uso del color y la complejidad de los temas abordados, Paprika es, sin temor a equivocarme una de las grandes joyas de la animación contemporánea.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7