Steve Jobs, una revolución a toda costa

En Steve Jobs, Danny Boyle y Aaron Sorkin presentan a un personaje para el cual la imagen es primordial. Los anuncios publicitarios, la apariencia de una computadora, la portada de una revista, la puntualidad; pero también lo es el control. El control sobre los anhelos tecnológicos de la sociedad, sobre el trabajo de sus compañeros y sobre la madre de su hija. Sin embargo, las decisiones de un consejo directivo, la economía del mercado de las computadoras y la tenacidad de una niña de apenas cinco años, se imponen a los cometidos de Steve Jobs.

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La cinta se enfoca en lo anterior y así resalta una de sus virtudes: es concreta. No se trata de una película que abarca la vida del personaje, sino de cómo su ámbito laboral estuvo estrechamente relacionado con el familiar y personal, tomando momentos puntuales y personajes específicos que revelan sus facetas de padre y creativo. Así, la historia no se dispersa en otros aspectos, en lo cual sería fácil caer al hablar de alguien emblemático y lleno de matices como Jobs, el encargado de crear el puente entre la vida cotidiana y los sistemas computacionales.

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En la película el auditorio siempre está listo para presentar aquel producto que las personas “no saben que necesitan hasta que lo ven”. La primera Macintosh en 1984, el Cube de NeXT en 1988, y la iMac en 1998. Pero a Jobs (Michael Fassbender) no lo vemos en el escenario, sino detrás de éste, acompañado de Steve Wozniak (Seth Rogen), cofundador de Apple y John Sculley (Jeff Daniels), el director ejecutivo. También observamos a Chrisann Brennan (Katherine Waterston), madre de Lisa Brennan-Jobs. El mayor lazo se desarrolla con esta última y con Joanna Hoffman (Kate Winslet), la ejecutiva de marketing y quien permaneció con Steve incluso cuando éste salió de Apple.

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Con cada uno de los personajes Steve Jobs desarrolla un conflicto, y el más punzante es con Lisa, a quien inicialmente niega como su hija. Sin embargo, la misión de ésta es muy clara sin importar su edad: quiere estar cerca del hombre que tal vez nombró a una computadora con su mismo nombre, o no. Lisa se aferra sin importar las palabras que el magnate ha lanzado y las cuales la marcarán.

A excepción de un par de golpes de efecto que se tornan forzados en el primer acto, el trabajo del director (Trainspotting) y el guionista (The social network)  es impecable. Asimismo, el desarrollo es lineal, pero el hecho de estar filmada en tres formatos diferentes la dotan de dinamismo. Es un viaje a tres distintas épocas tanto en la historia como en la pantalla, en el que la transformación va de 16 mm a 35 mm y finalmente a HD Digital.

El guión se basó en una biografía publicada por Walter Isaacson en 2011, año en que falleció Jobs. En pantalla, el relato resulta una carga de adrenalina gracias a las actuaciones, a diálogos veloces y a una dirección frenética.

Steve Jobs, que fue presentada en el Festival de Cine Telluride y también cerró el Festival de Cine de Londres, es una cinta que muestra las consecuencias de allanar el camino para que todo resulte como uno lo desea.

Leticia Arredondo

Cofundadora y editora de ZOOM F7. Escribo sobre cine y fotografía.

Mustang: un sutil grito feminista

“Todo cambió con un abrir y cerrar de ojos, en un instante todo estaba bien, después todo se convirtió una mierda…”

 

Mustang: belleza salvaje (Deniz Gamze Ergüven y Alice Winocour, 2015)una historia que habla de libertades, de cambios, tradiciones y choques espacio-temporales.

Cruda y esperanzadora, bella e intensamente, así Deniz Gamze Ergüven retrata la vida de cinco hermanas con personalidades tan similares y tan distintas al mismo tiempo. La camaradería es algo que traen en las venas; se acompañan en la odisea de lo que pareciera ser una eterna transición a una adolescencia fluorescente, cada una con historias y edades diferentes, no sólo buscan la libertad, sino la sienten. Todo en un lugar donde al parecer existe todo menos la liberación femenina.

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El grupo de mujeres ha quedado a la suerte del cuidado de sus familiares arraigados a sus tradiciones, a la sociedad, y a la presión, tanto de su abuela como de su tío, quienes buscan de manera incesante y extrema mantener en ellas un estado de castidad y pureza.

Sexo, adolescencia, inquietudes, experiencias, transformaciones, cambios físicos y biológicos inevitables, tan sólo son unas adolescentes con ganas de sentir en sus largos cabellos el golpe de aire de libertad, sentirse vivas; son enérgicas, rebeldes.

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Lale, la más joven, sabe lo que quiere y distingue muy bien lo que no quiere. Es una chica dulce y decide que la vida le guarda algo emocionante. Su corazón rebelde se arriesga. La libertad es demasiado bella como para no luchar por obtenerla, y su serenidad hace pensar que la vida no es tan agobiante como aparenta, aun con sus cadenas sociales y contextuales que nos atan a ciertos medios y fines. Ella lleva en todo lo alto la liberación femenina en un lugar en donde reina el machismo.

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La abuela se encuentra en un dilema, incluso parece que a veces las entiende, sin embargo no permitirá que la actitud de las hermanas rompa con sus ya tan perpetuadas tradiciones. Así lleva paulatina y sigilosamente el encierro de las hermanas.

La fotografía nos llena de colores cálidos y pastel, lo cual resulta acorde con las personalidades de las adolescentes. El paisaje contrasta tajantemente al encierro de las jóvenes: planos abiertos muestran la inmensidad del mar, del bosque. Desde las ventanas se puede respirar un poco del aire que regala el mundo, aquel mundo que se les ha negado.

La puesta en escena llena de dinamismo a la película, en donde la directora plasma un grito feminista de manera exitosamente sutil a través de Lale, quien dotada de una fortaleza, serenidad y decisión excepcional tratará de huir a como dé lugar del destino que le fue dictado, en donde al parecer la única manera de librarse de su cárcel y entrar a otra es el matrimonio. Una libertad efímera, condicionada.

Fan Valdés

Pedagoga de formación pero cineasta por convicción, artista plástica en el tiempo libre.

Eisenstein en Guanajuato: un extravagante relato de Greenaway

Tiempo es la medida del movimiento entre dos instantes.

-Aristóteles

Cinco minutos le bastan a Peter Greenaway para mostrar su excepcional obra, el principio de Eisenstein en Guanajuato rinde justo homenaje a quien es quizá el realizador más influyente en la historia del cine ruso. El resto del filme mantiene la calidad y se consolida como un extravagante relato.

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Peter Greenaway

Se nota a leguas el legado de Serguéi en la película del inglés, ya que su principal herramienta es el montaje, básicamente Greenaway utiliza los postulados que hicieron del soviético una leyenda. Ritmo, métrica, encadenamiento, contención y choque de planos para generar un contenido que lo mismo incita a la emoción que al intelecto. Es la obviedad del enunciado visual un acierto para referenciar al teórico autor de El acorazado Potemkin.

Hay una palabra clave para describir la cinta: Frenesí. El espectador debe atender con atención, ya que de lo contrario podría perderse no solamente el hilo narrativo, sino también los brillantes diálogos que funcionan como detonante de la acción a la usanza literaria.

Es innegable la raíz teatral del director británico, el trazo escénico aunado a las interpretaciones del reparto son un reflejo de dicho bagaje; la influencia se mira en la perfecta entonación de cada línea, el diálogo es el sustento principal, empero los actores se destacan por el dominio corporal. Resulta un placer observar la actuación de Elmer Bäck, finlandés talentoso encargado de representar a Eisenstein y que además domina completamente al personaje. Los histriones coquetean con el género fársico pero funciona a la perfección con el tono del filme.

El argumento se ocupa de la relación homosexual que tuvo el cineasta ruso con su guía, Palomino Cañedo y de paso el texto se desocupa de la labor fílmica del director en territorio nacional. La película no es una recreación detrás de la cámara que capturó ¡Que viva México! (1979), se involucra en la intimidad del hombre, lo desnuda literal y metafóricamente. Apegada a la realidad o no, la cinta ya es icónica.

La fotografía privilegia y contribuye al artífice, incluso algunas escenas que transcurren en exterior se hacen con luz controlada, es decir que hasta en el apartado fotográfico permea el origen teatral. El diseño de producción es acertado, principalmente al recrear aquella época dorada para el cine mudo, que antecede además a la estandarización del sonido.

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Al filme se le ha clasificado como cine gay, más allá de la etiqueta , éste busca retratar al amor y sus delirios. Muestra una obsesión suplantada por otra, el arte motivado por la pasión y viceversa. Ficción o realidad, Eisenstein en Guanajuato es la última joya que entrega Greenaway (a la fecha), basada en ese tesoro jamás desenterrado que no pudo editar Eisenstein.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7