Sólo amigos, la vida después de Potter

Por: Orianna Martínez

Sólo amigos no es la película que intenta revolucionar la comedia romántica. Como toda chick flick, o mejor dicho guy flick (ya que es vista desde la óptica masculina) cumple a la perfección su objetivo: entretiene al público mediante una historia amena, sin complicaciones y utilizando siempre al amor como tema central.

Entonces, ¿qué tiene de especial esta película para dedicarle una entrada en Zoom F.7? Fácil, no se deja eclipsar por la gran fama de su protagonista, Daniel Radcliffe, a quien todos identificamos como Harry Potter. Resulta obvio que (para muchos) este factor es el principal atractivo para vender la película: la vida después de Potter. Pero ¿qué tan difícil es separar a Harry de Daniel? ¿Cuántas películas necesita protagonizar un actor para quitarse la imagen del personaje que lo lanzó al estrellato? Y como ejemplo tenemos a Mark Hamill en Star Wars, Linda Blair en El exorcista ,Macauley Culkin en Mi pobre angelito o Michael J. Fox en la trilogía de Volver al futuro.

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No intento cuestionar el talento de los actores que acabo de mencionar, vaya, por algo gozan de fama mundial y no existe un aficionado al cine que desconozca su trabajo. Mi intención sólo es marcar la versatilidad que empieza a mostrar Daniel Radcliffe en la gran pantalla, ha sabido elegir muy bien sus personajes, lo podemos comprobar en cintas como La dama de negro, Los chicos de diciembre, My boy Jack y Amores asesinos, en la que interpreta al genio de la generación beat, Allen Ginsberg.

Bajo la dirección del canadiense Michael Dowse, Solo amigos gira en torno al personaje de Wallace (Daniel Radcliffe), un chico que atraviesa una dolorosa ruptura sentimental y está a un paso de convertirse en un desadaptado social. Pero un día conoce a Chantry (Zoe Kazan) en una fiesta, de inmediato surge entre ellos una química enorme (de esas que sólo suceden una o dos veces en la vida) sin embargo, todo cambia cuando Chantry le dice a Wallace que ella tiene novio, pero que aún así le encantaría tenerlo como amigo.

Con este pase directo a la terrible friend zone (de ahí que el nombre original de la pelcula sea The F Word), Wallace intentará (fallidamente) mantener esa amistad intacta, pero con la ayuda de su mejor amigo Allan (Adam Driver) hará todo lo posible por conquistar a la chica.

Dentro de una inmensa galería de gags, efectos visuales, referencias a la cultura pop (véase la escena donde se recuerda a Elvis Presley y su famoso Fool’s Gold, un sándwich frito de proporciones bíblicas preparado con crema cacahuate, tocino, mermelada y mantequilla) y situaciones típicas de la comedia romántica, sobresale el trabajo de ambos protagonistas: por primera vez vemos a Radcliffe interpretar a un personaje ordinario en la época actual, asimismo Kazan (a quien tal vez recuerden por Ruby Sparks) brilla con una sutil parsimonia que enamorará a más de uno.

En definitiva, Sólo amigos resulta una película muy disfrutable, sin mayores pretensiones que narrar una historia sobre el romance que oscila entre lo posible y lo irrealizable de la vida cotidiana.

La plaga de perros: película obligada para los amantes de la animación

El arte es amigo del azar, y el azar lo es del arte.

-Agatón

La animación tradicional ofrece vastas posibilidades, técnica y dramáticamente hablando. En 1982, Martin Rosen adaptó la obra The plague dogs de Richard Adams; un relato narrado a través de la perspectiva de un par de canes utilizados para experimentación científica, los cuales escapan gracias a un accidente y  entonces deben adaptarse al mundo exterior después de permanecer en cautiverio.  

La calidad artística del filme es tal, que bien podría competir con las grandes glorias de un Pixar hegemónico, o bien, con la mística del genio Miyazaki. La propuesta del realizador es arriesgada. Son múltiples los calificativos que pudieran describir a la película: sórdida, oscura, triste, o quizá se trate de una animación muy “real”.

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Snitter (John Hurt) y Rowf (Christopher Benjamin) protagonizan la cinta; los perros han sido torturados en nombre de la ciencia. Al compartir aquel dolor han forjado una amistad que prevalecerá hasta el final. El primer acto desarrolla el tema de la vivisección, candente en aquella época, pero pocas veces retratado de manera tan directa. El segundo acto habla de la libertad y del instinto. El último retrata el afán por la supervivencia, el deseo de vivir.

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Una de las herramientas más interesantes en el tratado de la narrativa es el punto de vista, es decir: ¿por medio de quién se cuenta la historia? Es ahí donde se torna interesante. Usualmente miramos a los animales antropomorfizados, en algunos casos inclusive caminando con dos patas, solucionando los problemas cual humanos; en The plague of dogs los ojos de un perro guían, no hay espacio para resolver el conflicto de manera humana. Es su instinto de la mano con lo casual el hilo conductor, quizá por ello en algunos pasajes la película pudiera parecer accidental. Sin embargo, se dice que en un guión cinematográfico, nada es azaroso.

Mención aparte merece la fluidez en los movimientos de los personajes. La naturalidad del movimiento de los animales, el trabajo de diseño en los ambientes y la sombría paleta de colores. Sumado a una labor en el sonido excepcional: desde el terrorífico repiquetear del agua hasta el interesante empleo de la voz en off, cuyos diálogos y entonaciones permiten conocer un peligro latente, el cual crece mediáticamente debido a la intromisión de la prensa y diversos medios; éste flota en los parajes que recorren las bestias intentando encontrar un sitio seguro, un dueño.

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El filme resulta obligado para los amantes de la animación, por sus logros técnicos, narrativos y artísticos. La conclusión de la cinta puede ser lo mismo trágica que esperanzadora; esto dependerá del espectador, lo cual no será tarea sencilla. Martin Rosen decide lanzar la moneda al aire, permitiendo una participación activa del público.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

Walk the line y la devoción de un hombre a su propio sonido

Por: Ernesto Benítez

Rebelde, un forajido, el hombre de negro con voz profunda. Johnny Cash cantaba de manera que las frases quedaran en el aire, con la sensación de que cada canción era un desafío, y Walk the line (2005) ayuda a comprender esta característica.

Walk the line sigue la estructura dramática de muchas otras biopics o historias biográficas relacionadas con la música debido a las similitudes entre ellas; oscuridad, exceso, pérdidas. Algo parecido sucede también en Ray (2004), los acordes que las acompañan son siempre algo característico que marca en ellas la diferencia y nos dota de diversas experiencias.

walkthelineJames Mangold dirige en esta película a Joaquín Phoenix y Reese Whiterspoon, (ambos nominados a premios de la Academia, sólo ella ganadora). Toda la fuerza recae en las actuaciones y en las interpretaciones musicales que ellos mismo realizan y fueron filmadas con audiencia y en vivo. Whiterspoon es la energía, a pesar de no cantar profesionalmente, lo que presenta es de alto nivel y se concreta como actriz completa. Phoenix ha estado siempre ligado a la música, viene de una familia de artistas y varios de ellos son músicos, como su hermano River Phoenix que murió en 1993 por una sobredosis luego de un concierto. Una de las cosas que lo distinguen de otros actores es que lleva los personajes lejos en puntos de tensión; la escena de la entrevista con Phillip S. Hoffman en The Master, tocando I got stripes en Walk the line. Incluso años después con el falso documental I’m still here (2010) vivía en personaje durante su vida diaria. Se trata de experimentar el personaje a fondo para bien o para mal.

El soundtrack incluye además de los temas de Johnny Cash y June Carter, canciones de aquellos que lo acompañaron en los primeros tours; Jerry Lee Lewis, Roy Orbison, Carl Perkins, Elvis. Todas en versiones más dinámicas que las originales, pero manteniendo por completo el estilo del rocanrol de los 50 y 60.

Johnny Cash ya había formado parte de una banda sonora en 1970, cuando se usaron 10 canciones de su autoría para la película I walk the line con Gregory Peck como protagonista, en la cual se cuenta la historia del sheriff Henry Tawes.

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El guión muestra situaciones que en ocasiones no ayudan mucho a representar el personaje de manera convincente, algunas escenas comprimidas o trastocadas rayando en lo exagerado cuando se trata de un argumento en el que la pasión debería carecer de lógica. Sin embargo, lo que sí refleja en esencia es la premisa; la devoción de un hombre a su propio sonido, a la música y a su rayo de sol: el amor de su vida.

Cujo: el mata-hombres de los 80

Por: Rodrigo Márquez

En agosto de 1983, las vacaciones de verano terminaban y los cines se paralizaban con la llegada de un San Bernardo, y no precisamente amoroso y entrañable como Beethoven, sino sanguinario y mata-hombres llamado Cujo.

La novela escrita por Stephen King llegó a la pantalla grande gracias a la dirección de Lewis Teague y el guion adaptado por Don Carlos Dunaway y Lauren Currier. Cujo se desarrolla en un pueblo de Estados Unidos, donde viven el publicista Vic Trenton (Daniel Hugh Kelly), su esposa Donna Trenton (Dee Wallace) y su hijo Tad (Danny Pintauro).

Un día, uno de sus automóviles se avería y lo llevan al taller de la familia Camber, quienes tienen a Cujo, un perro San Bernardo (del cual en un principio Donna desconfía) pero Brett Camber (Billy Jayne), hijo del mecánico, asegura que es manso. Conforme pasa el tiempo, el mismo Brett nota un cambio en el comportamiento de Cujo, pues éste ha sido mordido por murciélagos.

Por otro lado, los problemas en la casa Trenton se hacen presentes. Se trata de asuntos laborales y personales entre la pareja, los cuales modifican la cotidianidad de la familia y exhiben que están lejos de ser una familia ideal.

El trabajo cinematográfico logra mantenernos en suspenso la hora y media que dura la película, asimismo, provoca una “claustrofobia mental” gracias a dos personajes indefensos, como lo son una mujer con su hijo pequeño, ante una situación en la que el calor y la desesperación juegan a favor de Cujo. Vale la pena hacer una mención especial a Dee Wallace, quien con su actuación genera un nudo en el estómago y demuestra lo que cualquier madre haría por su hijo frente a cualquier adversidad.

Si bien es cierto que no se trata del mejor largometraje basado en algún libro de Stephen King, recordemos que es los pocos relatos del autor norteamericano que no utiliza elementos sobrenaturales, característica que genera un mayor impacto en la audiencia, pues el conflicto del climax es una situación que puede suceder en la vida real.

La crítica del momento estuvo dividida; una gran cantidad apuntaba poco éxito al filme, al tildarlo de predecible y considerarlo una adaptación de baja calidad en comparación con El Resplandor y Carrie; mientras que para muchos seguidores, el trabajo de Teague pasó a la historia como una película de horror de culto.

Tres décadas después, replanteamos la pregunta, ¿qué les parece esta película, de, tal vez, el alumno más adelantado de Lovecraft?

El diario íntimo de Bernard Plossu

Por: Heiji Morimoto 

“¡México me descubrió a mí!” Es la manera en que Bernard Plossu cuenta a través de su lente los diferentes viajes que realizó a tierras mexicanas, visitas que le hicieron descubrir su pasión por la fotografía y que ahora serán presentadas en El Museo de Arte Moderno con la exposición ¡Vámonos! Bernanrd Plossu en México.

Bernard Plossu nació en Dalat, Vietnam, en 1945. Sus padres lo llevaron a Francia a  los nueve meses de nacido,  sin embargo fue en México donde desarrolló gran parte de su labor como fotógrafo, por lo que en sus imágenes observamos los suburbios, paisajes y rostros mexicanos, obras que el público apreciará del 28 de agosto hasta el 4 de enero en el Museo de Arte Moderno.

Dicha exposición presenta las cuatro visitas realizadas por Plossu a México en los años 60, 70 y 80, con un acervo de 150 fotografías. La primera vez que Bernard arribó a México fue en 1965, época que le reveló el deseo de ser un “fotógrafo al aire libre”.

Bernard Plossu
Bernard Plossu

Por tal, su trabajo rompe con toda la solemnidad técnica. Durante los años 60, en su estadía en la Zona Rosa, capturó momentos que representaron un “Diario íntimo a través de fotografías” en el que plasmó las fiestas y la rebeldía juvenil.

La segunda temporada del francés en tierras nacionales sucedió en los años 70, cuando retrató los escenarios dramáticos del país que se conjuntan con las amables sonrisas de niños.

A partir de tal visita, tomó la decisión de nunca nombrar sus fotografías. El objetivo fue dar la oportunidad para que el espectador añada su propia perspectiva de la imagen.

Bernard Plossu
Bernard Plossu

La tercera etapa de la exposición fotográfica se centra en la frontera entre México y Estados Unidos en el año 1974 en la cual plasma el recorrido hecho entre Tijuana y Carmel, ciudades que revelan las diferencias entre una nación domínate y otra en progreso.

Los asistentes también conocerán el acervo de Color Fresson. Aunque Bernard Plossu es conocido por sus fotografías en blanco y negro, en esta parte ofrece una serie colorida que busca darle otra atmósfera a sus imágenes, puesto que consideraba que un color puede detallar y decir aún más.

Las amorosas más bravas: mujeres seductoras de la vida

La cámara de Bénédicte ha sido cómplice de miradas que reflejan los contrastes de la vida. Aquellas de los retratos son mujeres divertidas, seductoras, que saben dar consejos porque en el sendero que han recorrido, arduas barreras les han impedido caminar y sin embargo están aquí.

En el libro Las amorosas más bravas se conjunta el trabajo escrito de Celia Gómez Ramos y la labor fotográfica de Bénédicte Desrus, quienes recopilan los rostros y las historias de las mujeres sexoservidoras retiradas que hoy habitan la Casa Xochiquetzal, ubicada en el Centro Histórico de la Ciudad de México.

La historia de cada imagen y palabra que hoy conforman el ejemplar, empieza aquí:

Bénédicte Desrus llegó con su cámara dos años después de que Casa Xochiquetzal abrió sus puertas para brindar un hogar a mujeres de la tercera edad que se dedicaron al trabajo sexual, y que al llegar a la vejez, su vida se tornó de abandono y situación de calle.

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Asistió al lugar gracias a la invitación de un periodista canadiense, quien le pidió un retrato del lugar. Pero atrapada por aquella cuerda que la ata siempre a los temas sociales, se dedicó a encuadrar los gestos delineados por arrugas, los labios rojos y las manos delicadas de las mujeres que viven en el refugio.

Cuatro años después, Celia arribó al sitio entonces desconocido para ella, “Para mí fue muy fuerte porque vino ella (Bénédicte) francesa, a decirme que había un lugar así en mi país, en mi ciudad, ¿cómo es posible que yo mexicana no lo sabía?  Un lugar así en México es un homenaje a la vejez y a la dignidad humana: y la dignidad humana la merecemos todos”.

Ahora, el reto en la casa es vivir bajo un mismo techo y aceptar que deben estar juntas. “Tienen que superar las diferencias y no hacerse maldades unas a otras como se las hacían antes cuando estaban en la plaza pública compitiendo por los clientes” expresa Gómez Ramos.

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¿Por qué la prostitución? Es la pregunta que la fotógrafa tuvo siempre presente. La respuesta se construye con ladrillos muy diversos que tienen algo en común: ninguna lo decidió. “No escuché una historia de que ellas eligieron dedicarse a esto” comparte Bénédicte, quien ejemplifica la frase de Steve McCurry: “Si sabes esperar la gente se olvidará de tu cámara y entonces su alma saldrá a la luz.” Hoy, el alma de aquellas mujeres se observa en cada pieza, “te ven haciendo la foto pero ni te voltean a ver. Por 6 meses no hice foto. Había días que sí y días que no”, subraya la ganadora del II Premio Internacional de Fotografía a los Titulares de los Derechos Sociales.

Las amorosas más bravas se publicó gracias al apoyo del Programa de Coinversiones Culturales del FONCA, la Fundación Mexicana de Cine y Artes, el Fideicomiso Centro Histórico de la Ciudad de México y la sociedad civil. Cuenta también con una edición bilingüe (español e inglés).

Texto y fotografía: lenguajes comunicantes

-¿Cuál es la importancia de hacer convivir el trabajo escrito y la labor fotográfica?

Celia: Se trata de un trabajo conjunto, “cuando yo estaba en entrevista ella escuchaba y cuando ella tomaba fotos ahí estaba Celia de metiche”.

Bénédicte: La idea es darle una voz a la imagen y una imagen a la voz y hacerlas visibles (a las mujeres) porque mucha gente dice, ¿apoco existen?

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¿Cómo ha sido la respuesta del público ante el tema de la prostitución y la vejez?

Celia: La gente está muy receptiva y muy abierta a un tema de esta naturaleza y le interesa saber porque finalmente a todos nos gusta descubrir a los seres humanos.  A la gente le interesa conocer, descubrir y el mejor pago es ese.

-¿Cómo ha influido en sus vidas esta experiencia?

Celia: En lo personal siento que soy una persona más sensible, creo que ahora escucho más y me intereso más por la gente. Sí soy más sensible pero también más fuerte incluso en mis convicciones. Les admiro mucho el cariño que tienen por México, algo que cada vez se nos olvida más.

Para adquirir el libro: proyecto.xochiquetzal@gmail.com

Facebook: https://www.facebook.com/vocesde.casaxochiquetzal

Leticia Arredondo

Cofundadora y editora de ZOOM F7. Escribo sobre cine y fotografía.

 

Síndrome biopic (El caso Grace)

Por: Irving Javier Martínez (@IrvingJavierMtz)

Cuando se pensaba que lo más bajo era ver a Naomi Watts como una frívola Diana (2013), entonces llegó Nicole Kidman con una desastrosa Grace of Monaco (2014). En la actualidad cinematográfica, el biopic o película biográfica se encuentra en apogeo. Los triunfos de La dama de hierro y Lincoln en 2012 son la muestra del éxito en público y crítica de las caracterizaciones históricas. Sin embargo, la fascinación por contar vidas famosas puede caer en ridículos, absurdos o contradicciones argumentales. Cuando imdb marca una filmación como “Untitled Grace Kelly Project” es que algo va por mal camino y existen varios errores (frecuentes) en la producción.

Aun con el doble Oscar (Actriz y Maquillaje) para La vida en Rosa (2007), el largometraje de Olivier Dahan (realizador responsable de las carcajadas en la inauguración de Cannes 2014) fue criticado por los brincos anecdóticos para contar la vida de Edith Piaf. El machacado temporal evita el entendimiento de los eventos y su orden cronológico. Caso contrario es Marie Antoinette (Sofía Coppola 2006) de estricta linealidad pero con demasiados brincos históricos y omisión de datos. Una vida al servicio de la estética decadente y hipster de la niña consentida de Hollywood. Compactar en dos horas una vida causa problemas.

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La construcción de personajes también crea dilemas en los discursos morales que el filme propone. En la actualidad, la propaganda del enemigo extranjero se ha suavizado (sin desaparecer), pero aun existen “celebridades” retratadas como demonios o mesías, sin claroscuros. El ejemplo más importante es Hitler, el eterno y patético “anticristo” en Molokh (1999), El Hundimiento (2004), My Führer (2007) y muchas más. En cambio, Margaret Thatcher o Isabel II son dignas de glorificación cuando naciones aún viven los estragos de sus gobiernos. En otros casos, las películas son una ventana a la vida desmedida y queer de los artistas, como en Behind the Candelabra (2013) con Liberace o Cloclo (2012) con Claude François.

 A veces, un personaje es tan famoso, repentinamente, que es digno de tener dos biopics el mismo año. Es el caso de Capote (Capote e Infamous en 2005-2006), Chanel (Coco &Igor y Coco antes de Chanel en 2009) y Saint-Laurent (Yves Saint Laurent y Saint Laurent en 2014). La comparación permite descubrir la autocensura al contar eventos turbios tras escarbar en el pasado. En el caso de Capote no existe nada oculto –el propio Truman se encargaba de registrar su exótica vida glamurosa-; pero la vida de la diseñadora francesa fue abordada con pinzas por Fontaine, a diferencia de Jan Kounen, quien creó una imagen más oscura y atormentada de Chanel.

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 2014 es el año de Saint Laurent. La versión estrenada a principios de año es la cinta aprobada por Pierre Bergé, cofundador de la firma y pareja del diseñador. El trabajo de Jalil Lespert es una ligera recreación del “inmenso amor” entre los dos socios (ya narrado en L’amour fou, 2011), muy parecido a la biografía institucional protagonizada por Tatou. Meses después, Bertrand Bonello estrenó su “Yves” en Cannes. El director de Tiresia se alejó del oficialismo, para retratar a su protagonista como un extravagante artista a dos pasos de Warhol. Sin ser estrenada, el segundo largometraje demuestra una superioridad impresionista contra su comercial predecesora.

 Grace ¿de dónde?

 Se decía en primavera: “Si Paz Vega de Callas es lo más convincente en tu película, algo va mal”. La metida de pata de Dahan es un ejemplo del acartonamiento del género anecdótico y su porvenir. Como en El discurso del rey (2010), pareciera que la frivolidad contamina a los guiones. En ambos, los finales se resuelven con un discurso pobre y olvidable al servicio de un logro personal. En Grace of Monaco es risible por lo pomposo e iluso del mensaje (tipo corto-corto-largo y “viva la paz mundial”).

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Es un proyecto titubeante y con miedo. En los créditos se aclara “todo lo que verás es ficción”. Si vas a enemistarte con toda la familia Grimaldi ¿Por qué hacer un guión tan complaciente? La vida de Kelly fue controvertida y llena de momentos oscuros como el penoso romance con Gable durante la filmación de Mogambo (1953), la exanimación previa a la boda, su desmedido apetito sexual o la misteriosa muerte en un accidente de tránsito. Debido a la ausencia de momentos interesantes, el film se balancea entre todos los géneros: inicia como un drama monárquico, de pronto es “El diario de la princesa” y finaliza como un thriller con caótica intriga, para rematar con una carta que insiste en la santidad de Kelly.

 Con una actual crisis monárquica, la película de Dahan es una entusiasta defensora de la “tradición” real (como en su tiempo lo fue The Queen), además tiene un sutil mensaje pro-yanki. A esto se suma la nula caracterización. De Gaulle se parece a De Gaulle, pero Kelly no se asimila (ni un poco) a Kelly; lo que sí observamos es a Kidman presumir en todo momento sus múltiples operaciones faciales. Con una pobreza de diálogos relevantes o esperanzadores, un Hitchcock muy bonachón y unos monarcas tan altruistas, los responsables de Grace of Monaco se encargaron de producir la propuesta más vacía del año (por las altas expectativas que generaron).

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 En la mayoría de las ocasiones, esta clase de iniciativas son un medio para asegurar la presencia de las productoras y distribuidoras en la temporada de premios; dejan de lado la calidad y originalidad de la propuesta con tal de tener un título fuerte en competencia. Este año The Imitation Game (sobre Alan Turing) y The Theory of Everything (sobre Stephen Hawking) son los primeros títulos para nominaciones a Mejor Actor (sin tener fecha de estreno en Estados Unidos). El biopic es una de las principales armas de Hollywood para generar dinero en taquilla y reafirmar posturas políticas e ideológicas. En el resto del mundo es un tipo más de cine con grandiosos trabajos como La escafandra y la mariposa (2007), El caballo de Turín (2011), Mr. Turner (2014) o The Grandmaster (2013), entre muchos (muchos) más.

Tom en el Granero y los juegos mentales de Dolan

Por Citlalli Vargas Contreras (@rimbaudienne_

En el discurso al recibir el Premio del Jurado en la edición de 2014 de Cannes, Xavier Dolan expresó que “no hay límite a nuestra ambición; todo es posible a aquellos que sueñan, se atreven, trabajan y no abandonan lo que quieren jamás”, y es justo tal filosofía la que ha definido su camino.

Aunque en su haber el cineasta de 25 años cuenta ya con cinco películas, Tom En El Granero es la primera producción que llega a salas mexicanas, y la cual, a diferencia de sus anteriores largometrajes, se desarrolla en un ambiente más oscuro y denso. Además, no cuenta con la glamorosa estética que caracteriza el resto de sus trabajos, sino presenta la crudeza de la historia desde la imagen y el comportamiento de los personajes.

Tom-en-el-GraneroLa historia es una adaptación del guión teatral homónimo de Michel Marc Bouchard y nos presenta a Tom (Xavier Dolan), un joven que llega a la granja familiar de su pareja recién fallecida, Guillaume Longchamps, con el fin de estar presente en el funeral.

Ahí, Tom se encontrará con el resto de la familia: Agathe (Lise Roy), una histérica madre no logra comprender por qué Guillaume (su hijo menor) se alejó tan drásticamente del núcleo familiar; y Francis (Pierre-Yves Cardinal), el hermano del fallecido, quien, con tal de ocultar a su madre la homosexualidad de Guillaume, comienza a crear una serie de juegos mentales para que Tom guarde silencio.

Las relaciones entre los Longchamps y un vulnerable Tom se transforman en una complicada maraña de trastornos psicológicos que van desde el Síndrome de Estocolmo hasta la homofobia, así como un profundo sentimiento de culpa, el cual llevará a los tres personajes a situaciones extremas que complejizan el trasfondo de la trama.

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Las actuaciones de Dolan, Roy y Cardinal, además de la de Évelyne Brochu, quien interpreta el papel de Sarah (una amiga de Tom y Guillaume), son impecables: trasmiten la soledad y el desconsuelo vividos ante la pérdida de un ser querido, así como la fragilidad que esta situación genera en la mente y corazón de cada uno de ellos.

Para Dolan, dejar de lado los brillantes colores y las historias de amor que lo caracterizan desde 2009, generó una mayor expectativa en la audiencia. El thriller no sólo mantiene al espectador al borde de su asiento, sino que genera un fuerte sentimiento de claustrofobia al verse atrapado en la misma granja que Tom.

Cabe destacar la música a cargo del franco-libanés Gabriel Yared, brillantemente logra su cometido de contribuir a la agonía y al suspenso del espectador.

Todos estos factores hacen de la cinta una propuesta interesante que incluso muestra a la homofobia como una problemática aún recurrente en países como Canadá. Por su parte, la crítica internacional ha visto con buenos ojos Tom en el granero y la ha catalogado a la altura del cine de maestros del suspenso como Alfred Hitchcock y David Lynch.

Bajo el cielo de Gabriel Figueroa

La iluminación destaca las facciones de los actores. Escenógrafos, directores y camarógrafos están preparados. El sonido de la claqueta marca el inicio del rodaje y la cámara de Gabriel Figueroa se encuentra lista para encuadrar aquellas escenas memorables del cine mexicano, las cuales se conjuntan en el libro Bajo el cielo de México. Gabriel Figueroa, arte y cine. 

Gabriel Figueroa, originario de la Ciudad de México, se inclinó por la fotografía a los 20 años. Su primera mancuerna con la imagen fue a través del retrato publicitario. Años después incursionó en el mundo del cine como stillman y luego como cinefotógrafo en filmes de Emilio El Indio Fernández, con quien trabajó en 24 de sus 41 producciones.

A través de las páginas de este ejemplar —editado por diversas instituciones públicas y privadas, como el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) y el Museo de Arte del Condado de los Ángeles (lacma, por sus siglas en inglés)—, se presenta una muestra de la trayectoria de Figueroa en diversas etapas: desde los anuncios publicitarios en revistas de los años treinta, como Filmografía, Diversiones y México al Día, hasta su labor en cintas como Maclovia de Emilio Fernández (1948), Los olvidados de Luis Buñuel (1950) y Rosa Blanca de Roberto Gavaldón (1972), entre otras.

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Los claroscuros que caracterizaron el estilo Figueroa trazaron el nombre de Gabriel en la historia del séptimo arte, mientras que en cada faceta de su carrera el fotógrafo mexicano realizó una búsqueda por atesorar su volatilidad, lo cual logró a partir de un discurso en el que coexistieron distintas influencias pictóricas, como el expresionismo alemán, las obras de Rembrandt, los murales de los pintores David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera y José Clemente Orozco.

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Por lo tanto, Figueroa no sólo fue un iluminador que comprendió y mostró el poder de la luz en la fotografía fija: su talento radicó en la creación de particularidades que concedieron fuerza y personalidad a actores y actrices de la talla de Yolanda Ochoa, Pedro Armendáriz, Dolores del Río y María Félix.

Igualmente, su mirada creó una complicidad con la naturaleza, con el cielo y el mar, el fuego y las sombras y un sinfín de escenarios que hoy se observan en las pruebas de luz y secuencias de imágenes, las cuales por sí solas se aprecian como obras de arte.

En esta publicación conviven tales stills y fotogramas de películas como Salón México de Emilio Fernández (1942), ¡Que viva Mexico!, filme inconcluso de Serguéi Eisenstein, y Él de Luis Buñuel (1952). Asimismo, se incluyen grabados de Leopoldo Méndez, en un diálogo íntimo con los encuadres de largometrajes como Río Escondido (1947) y Pueblerina (1949), ambos de El Indio.

El libro, además de ser una interacción entre el cine y la fotografía, hace un repaso de la cinematografía nacional detrás de la pantalla, lo que nos permite comprender la conformación e importancia de cada segundo en la existencia de aquellas escenas de las cintas que definieron la época de oro del cine mexicano.

Leticia Arredondo

Cofundadora y editora de ZOOM F7. Escribo sobre cine y fotografía.

El planeta de los simios: Confrontación

El planeta de los simios: Confrontación va directo a extinguir una franquicia que intenta renovarse, falla en varios departamentos, y una vez más la interpretación en motion capture es lo único rescatable de la cinta.

En apariencia, su antecesora representó una innovación a la serie, se dejaron de lado los prostéticos y el maquillaje para dar origen al empleo de la captura de movimiento. La decisión de los productores al elegir a Andy Serkis para el papel de César se mantiene como la mejor al momento. El maestro de dicha técnica se consolida con cada filme realizado; domina con plenitud al simio y le otorga una profundidad emocional deslumbrante. Serkis es el personaje y su rango es digno de admiración. Apoyado por el ordenador, César es el chimpancé más icónico de la franquicia.

Ahora, pasemos a lo malo. Estructurada en tres actos, la película es predecible desde el comienzo. En una secuencia de montaje se nos muestra la caída del ser humano debido a una gripe proveniente de los simios, mientras que de manera paralela éstos se han consolidado en los bosques a las afueras de la ciudad. César y sus allegados están más unidos que nunca, salvo quien a la postre será el antagonista: Koba.

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No será difícil para el espectador adivinar los movimientos de cada personaje, bajo la premisa de la familia y las relaciones padre e hijo Matt Reeves pretende complejizar las decisiones de su protagonista: su especie o aquella que le formó. César es obligado a escoger, más como víctima que como ejecutor.

El papel del ser humano es intrascendente, otro punto en contra. Las actuaciones son flojas a excepción de las generadas por computadora. Es complicado empatizar con personajes tan grises, teniendo en cuenta que Gary Oldman forma parte del elenco, eso aquí y en China, es pecado capital.

La ciudad rememora historias como Soy leyenda y hace del diseño de producción algo ya visto y discordante respecto a la temporalidad del relato. Las batallas distan mucho de ser épicas a pesar de ser efectivas. La secuela es un puente a punto de caerse entre la refrescante primera parte y el posible caos bélico de la tercera.

El filme demuestra las posibilidades de la captura de movimiento, el avance de los efectos especiales, y la decadencia del género de ciencia ficción en el país vecino, incapaz hasta el momento de deslumbrarnos con una historia fresca y sobre todo, original. Basta ya de reboots innecesarios, efectistas, y palomeros.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7