Stranger things: cómo pasar del plagio al homenaje

Los grandes artistas copian, los genios roban.

-Pablo Picasso

Con bombo y platillo se presentó la ochenterísima Stranger things, serie original de la titánica compañía Netflix, que incursiona en la ciencia ficción acompañada por un gran número de referencias musicales y cinematográficas, con una trama predecible pero con personajes entrañables.

Un niño se pierde misteriosamente en un suburbio estadounidense, una niña escapa de un complejo en donde se realizan extraños experimentos a las afueras del condado. A través de ocho episodios el programa busca resolver ambas narraciones.

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El guion funciona a la manera típica, tres actos perfectamente distribuidos en sus casi ocho horas de duración, sin embargo se diluye hacia el final. Los antagonistas pierden fuerza y el capítulo final brilla por ser anticlimático. El poder de Stranger things yace en los primeros cinco episodios, los hermanos Duffer se toman el tiempo necesario para desenrollar la anécdota, a pesar de ello hay momentos que se sienten forzados o se resuelven con prisa de lo cual resulta una arritmia  insatisfactoria.

La trama es débil, no así los personajes. Se comienza con una brillante Wynona Rider, quien interpreta a una mujer al borde de la locura debido a la pérdida del hijo. Matthew Modine entrega a un villano solemne, en cada aparición intriga y es lamentable su apresurada resolución, él es el único desaprovechado del elenco. Milly Bobby Brown es una perturbada “Once”, rememora a la genial Natalie Portman de Leon ( Besson, 1994), ambas jóvenes de gran talento. El resto de los histriones también se destaca, sin embargo son éstos tres los que se roban la serie.

Debido a lo predecible del arco narrativo, Stranger things apela a la nostalgia del ochentero, se agradecen los innumerables guiños a cintas como Tiburón (Spielberg, 1975) o The thing (Carpenter, 82). Pero, son tantos los señalamientos que la serie pasa por copia fiel de un sin fin de cintas del género y la época como E.T, el extraterrestre (Spielberg, 1982), ejercicios de televisión que exploraron la amistad en la infancia tal cual lo hizo IT (Lee Wallace, 1990)  o películas y series contemporáneas con el mismo ambiente o tema como  Super 8 (Abrams, 2011) y Believe (Cuarón/Friedman, 2014) . Dichos homenajes le restan personalidad al producto, que pasa por mediano.

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La música es un deleite, los sintetizadores se encuentran lo mismo en el clímax que en conversaciones anodinas, y hacen referencia también a compositores como Giorgio Moroder o Cliff Martínez. Es aquí donde la historia encuentra su identidad.

El diseño de producción y la fotografía se fusionan para recrear la época a la perfección, se sabe ya que los técnicos estadounidenses son pulcros y difícilmente se les recrimina algo en esos departamentos.

Strange things es una serie entretenida, que se nutre tanto de sus referencias que termina por desdibujarse, contiene la dinámica del suburbio gringo por todos conocida, sin nuevos giros ni emociones inesperadas.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

Dory, un personaje inolvidable

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Por: Edgar Campos 

Cuando se sabe que Pixar y Disney, dos de los más grandes estudios de animación, colaborarán para realizar una película, se puede entender que es sinónimo de garantía. y Buscando a Dory no es la excepción.

La historia inicia cuando la pequeña Dory bebé, que sufre de pérdida de memoria a corto plazo, se separa de sus padres por un pequeño incidente y descuido al jugar a las escondidillas. Es entonces cuando Dory emprende una búsqueda incesante por encontrar a su familia y su hogar que poco a poco irá olvidando.

La conexión entre la cinta estrenada en 2003, Buscando a Nemo y la película de la que hoy hablamos, se da cuando la pequeña pez cirujano choca con Marlin, quién, junto con Dory, comienza la desesperada búsqueda de su hijo Nemo.

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La premisa de Buscando a Dory se desenvuelve un año después de aquella travesía por el océano, vista en Buscando a Nemo. Tras escuchar y regresar a lugares que en su infancia fueron importantes, Dory empieza a experimentar flashbacks y a recordar información que hacen que desee encontrar a sus padres.

Bajo el lema de “Nadaremos, nadaremos”, esta nueva entrega nos sumerge en las profundidades del océano con los ya conocidos Marlin, Nemo y Dory, además de nuevos personajes como Destiny, Hank y Bailey que imprimen un toque maravilloso de comicidad y empatía que al instante los vuelve memorables.

Pese a que no supera lo hecho en Buscando a Nemo en términos de originalidad,  Dory es un personaje que, sin lugar a dudas, merecía su propia película. Sobre todo para explicar y entender el por qué de su tan singular forma de ser que encantó a chicos y grandes.

Es de las mejores opciones que hay en cartelera actualmente. Se trata de una montaña rusa de emociones capaz de provocar en el espectador: risas, lágrimas, angustia, felicidad, sorpresa y mucho más. Además, transmite agradablemente mensajes como la amistad, el enfrentar de los miedos, la familia y la importancia de los momentos espontáneos que se resume en la frase: ¿qué haría Dory?

"Finding Dory" introduces new characters to the big screen, including a whale shark named Destiny who's nearsighted, and a beluga whale named Bailey who thinks his biological sonar skills are on the fritz. Featuring Kaitlin Olson as the voice of Destiny and Ty Burrell as the voice of Bailey, "Finding Dory" opens on June 17, 2016. ©2016 Disney•Pixar. All Rights Reserved.

Buscando a Dory es capaz de unir a generaciones que recién se involucran con Dory, Nemo y Marlin con aquellos que crecieron junto a ellos y después de 13 años vuelven a ver en acción a sus peces favoritos.

Recomiendo quedarse en la sala hasta que pasen todos los créditos. La espera valdrá la pena pues contiene una escena post-créditos bastante graciosa que te hará recordar a unos viejos conocidos que aparecieron en Buscando a Nemo.

Para quienes no han visto este spin-off, les espera una entrega muy bien realizada y familiar.

Trailer 

Ficha técnica

Título original: Finding Dory

Director: Andrew Stanton

Guión: Andrew Stanton

Reparto: (voces en español) Patricia Palestino, Herman López, Darhey Fernández, Gabriel Pingarrón

Fotografía: Jeremy Lasky

Productora: Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures

País: Estados Unidos

Calificación: A

Duración: 105 minutos

Género: Infantil

Año: 2016

Efraín Huerta, crítico cinematográfico

 

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Por: Sergio Hernández López

No hay una película tan buena que no tenga algo malo ni una película tan mala que no tenga algo bueno. El cine es un infierno empedrado de buenas y malignas intenciones. Efraín Huerta

 

El periodismo cinematográfico a través de sus diversos géneros funciona como una herramienta informativa pero también como un documento de consulta para contemplar y entender los rasgos de una época fílmica.

Ante esta premisa, el poeta mexicano Efraín Huerta, dedicó buena parte de su carrera a escribir sobre cine mexicano en la conocida Época de Oro (1939-1960). Sus colaboraciones aparecieron en distintos diarios y revistas, tales como El Fígaro, Mundo Cinematográfico y El Nacional, por lo cual fue reconocido como una de mejores plumas de su tiempo.

Cine y Anticine retoma esta labor periodística de Efraín con la recopilación de los 49 artículos escritos para el diario DF: La Ciudad al Pie de la Letra. A lo largo la obra se cruzan personajes de importancia para el cine nacional, tales como Roberto Gavaldón, Gabriel Figueroa, Emilio Fernández, Raúl de Anda, Arcady Boytler, Juan Orol, Julio Bracho y Juan Bustillo Oro, a quienes constantemente menciona para exponer sin mesura sus aciertos o errores.

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De esta manera, el también presidente del grupo de Periodistas Cinematográficos de México (Pecime), discurre por el gremio con información de futuros lanzamientos, pero también ejerce una crítica dura contra la industria, haciendo notar que no todo lo que se hacía en la Época de Oro era brillante.

“El cine es regateo puro. Es la Merced, sin el pintoresquismo del famoso mercado inmortalizado en los bandidos del Río Frío. El cine es el paraíso, la cicatería. El Quinto patio de las miserias morales y en un título, La Casa de mezquinidad. Ah pero es una industria de millones y hay que cuidarla, protegerla, refaccionarla y estarla salvado siempre porque siempre está al borde del voladero. Las taquillas más recientes han hablado con fúnebre voz”.

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Anécdotas como el estreno de Los Olvidados (1950) y su popularidad mundial, refritos de historias, descubrimiento de actrices, así como noticias de otras latitudes abundan a lo largo de sus colaboraciones, las cuales contienen un estilo directo y mordaz con el cual cautivó a muchos lectores.

Cine y Anticine es una fuente y referencia para toda persona interesada en el Cine Mexicano; una crónica de lo que sucedía en escritorios de los productores y directores; una crítica al gremio y a la Asociación Mexicana de Ciencias y Artes Cinematográficas, pero sobre todo un documento invaluable para reflexionar sobre la evolución del cine nacional.

Ficha Bibliográfica

Autor: Efraín Huerta

Editorial: Dirección General de Publicaciones y Fomento Editorial, UNAM

Año: 2014

Páginas: 120

Disponible en:

Libros UNAM

Educal

FONDO DE CULTURA ECONÓMICA

CENTRO DE DOCUMENTACIÓN DE LA CINETECA NACIONAL

La mujer a través de los ojos de Leibovitz

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Por: Leslie Valle

“Las mujeres constituyen el único grupo explotado en la historia que ha sido idealizado hasta la impotencia”-Erica Jong

 

La fotógrafa estadounidense Annie Leibovitz es famosa por sus fotografías para la Rolling Stone, la Vanity faire y la Vogue; pero en esta  ocasión deja de lado las revistas para mostrarnos con una mirada completamente humana ese sector cliché que tan marginado y estigmatizado ha sido: las mujeres.gifannie1

Y es que ¿quién mejor para comprender a una mujer que la mujer misma? ¿Y qué mejor manera hay de observarla si no es a través de sus propios ojos, mirando más allá del género, los estereotipos y las caretas; “para mostrarnos que todo ser viviente es tanto universal como único”?

Women: new portraits, es la continuación de Women —proyecto hecho en colaboración con la escritora Susan Stang, difundido en 1999—. En ella se busca reflejar “los cambios sin precedentes en la conciencia de muchas mujeres durante las últimas décadas”, por ello en cada uno de los retratos se observa a la mujer no como complemento o parte de una dualidad, sino como un ser integral.

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En la colección se encuentran decenas de fotografías —desde artistas y luchadoras sociales hasta líderes y reinas— que muestran mujeres en sus áreas de trabajo, en la vida cotidiana, con sus seres amados… ¡En fin! Siendo ellas mismas, no como mujeres que nacieron sino como mujeres que se hicieron, derramando su esencia personal.

La exposición se exhibirá en la Casa Juárez del Proyecto Público Prim (muy cerca del metro Cuauhtémoc) hasta el 31 de julio, en un horario de Lunes a Domingo de 10:00 a 18:00 horas.

Entrada Libre.

 

 

La leyenda de Tarzán: el rey del tedio

Los animales son buenos amigos,

no hacen preguntas y tampoco critican.

-Mary Anne Evans

¿Era necesaria la película? No. ¿Entretiene, interesa, conmueve? Tampoco.

Desde hace años a Hollywood le falta imaginación, su crisis narrativa es norma y con el paso de los días, se acentúa. La leyenda de Tarzán se suma a una de las peores etapas del gigante estadunidense. Entra dentro de la tradición del remake, una vez más la gata se revuelca para terminar siendo lo mismo.

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El filme aborda a Tarzán fuera de la jungla, transformado en un ilustre caballero de alcurnia. Su matrimonio con Jane sufre la pérdida del primogénito y una misión de paz lo trae de vuelta al Congo belga. A partir de ahí, David Yates desarrolla una trama sustentada en el flashback para contar el origen del personaje, su simiesca relación parental y el primer encuentro con Jane. La progresión dramática es lenta, estéril. Con el afán de sorprender, el director usa un truco desgastado y termina recicla lo que ya todos conocemos, el origen del hombre mono.

El guion es una amalgama de lugares comunes, simplón. El héroe anda sin motivaciones, pelea porque sí, las secuencias de acción están porque de lo contrario el espectador se aburriría más de lo que ya está. El antagonista: un repetitivo Christoph Waltz quien vuelve a interpretar al personaje que le consagró, el coronel Hans Landa de Bastardos sin gloria (Tarantino, 2009), sin embargo en esta ocasión se trata de una versión edulcorada y apática.

Alexander Skarsgard entrega a un Tarzán hiperfuerte que soporta cualquier embate de la naturaleza, Hugh Glass se avergonzaría ante las proezas del rey de la selva. Margot Robbie reinventa a Jane, quien pasa de la pasividad a ser una compinche atractiva. Es Samuel L. Jackson el verdadero protagonista de la cinta. Cada una de sus apariciones es un deleite, el histrión es tan carismático que se come la película completa. Honor a quien honor merece.

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El resto es historia conocida: uso excesivo de pantalla verde, a tal grado que miramos a los personajes recortados, grandes explosiones, miles de animales en pantalla generados por computadora, persecuciones iracundas, una damisela en peligro y básicamente, trucaje, falsedad por doquier. Lo mismo de siempre.

La leyenda de Tarzán carece de pasión, esfuerzo y técnica. No cumple con ningún requisito digno para ser vista, a pesar de ello, se llenan las salas, ojalá el público reaccione y deje de apoyar tremendos bodrios.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

Cinco soundtracks imprescindibles del séptimo arte

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Por: Isaac Avila

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¿Qué sería de una buena historia sin el diseño sonoro adecuado? ¿Tendrían el mismo impacto las películas que amamos sin esas canciones épicas que hacen de la escena algo memorable? No es casualidad que un soundtrack de calidad coincida con una gran película. Cuando la producción se empeña en cuidar hasta el más mínimo detalle, todo sale bien.

Esta fue una empresa difícil. No sabía si considerar dentro de este top 5 las mejores bandas sonoras creadas especialmente para cada película, o aquellas en las que se eligieron canciones para ayudar en el desarrollo del drama. Al final elegí un poco de ambas y tampoco es azaroso que se repitan directores, guionistas y compositores. Hay pocos con la sensibilidad adecuada para lograr este match.

A continuación te presento mi selección de soundtracks. Es lógico que no es la definitiva, pero preparen palomitas y con sus audífonos bien puestos, disfruten el viaje.

Back to the Future (Zemeckis, 1985)

Los detalles de producción se cuidaron muy bien y la selección musical nos hace viajar con Marty a 1955, cuando el rocanrrol comenzaba a gatear y el buen Chuck Berry ideaba la forma de reventar cerebros con su guitarra. Además la referencia que se le hace es genial.

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Debido a que las composiciones para esta película son de una excelente calidad, han quedado grabadas en lo más profundo de la cultura pop de occidente. Como dato curioso, les recomiendo el documental que podrán encontrar en Netflix sobre la producción de Back to the Future. (Aquí el trailer) 

Sin más, les comparto el soundtrack del que hablo:

https://play.spotify.com/user/j.lacort/playlist/7sXTwC7UZe4DptQrwi9qgL

Pulp Fiction (Tarantino, 1994)

Clásico de clásicos. No diré que Tarantino es un magnífico cineasta. Cuenta buenas historias y las cuenta bien, pero no se ahorra nada, y al querer mostrar todo entorpece el drama. Sin embargo, sabe usar el último recurso de los filmes de manera espléndida: el diálogo (cómo olvidar el papel de Samuel L. Jackson)

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En esta película, el soundtrack es algo excepcional. Puedes escucharlo en cualquier momento porque pasa por diferentes moods que ayudan en la película a comprender la psicología de sus personajes y claro, a disfrutar de lo que estamos viendo.

https://play.spotify.com/user/benxander/playlist/17PeJegvQ34sejJPJ4l3bX

Forrest Gump (Zemeckis, 1994)

Vuelve Zemeckis. La selección de la música para esta película, que juega con los momentos históricos de la segunda mitad del siglo XX en los Estados Unidos, tiene un enorme peso en el avance de la historia, la evolución de los personajes y el cambio en las ideologías que se presentan.

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Hacer el recuento de todos los temas clásicos que se incluyen en Forrest Gump es una tarea que podría llamar deliciosa. Junto al desarrollo del pensamiento norteamericano encontramos el del rock & roll como parte central de la idiosincrasia de las juventudes de aquellos años, su impacto en las vidas de cada uno y de cómo se fue alejando de sus ideales.

Excelente película, excelente soundtrack. Estas rolas las pones cuando vas de viaje. Se siente el fluir de la energía mientras avanza.

https://play.spotify.com/album/3LP0jc2J6fvhpVTKWzvFUk

The Hateful Eight (Tarantino, 2015) 

¿Qué podemos decir de la más reciente entrega del director estadounidense? Tarantino ha logrado desarrollar una firma en sus películas. ¿Lo mejor de todo? Se ha vuelto autoreferencial. Recuerdo la primera vez que vi la película, no podía contener las risas a cada chiste local que percibía. No es que recicle, sino que sabe hacer homenajes (en toda su filmografía) pero particularmente en esta, es su trabajo de trabajos.

(L-R) TIM ROTH, KURT RUSSELL, and JENNIFER JASON LEIGH star in THE HATEFUL EIGHT. Photo: Andrew Cooper, SMPSP © 2015 The Weinstein Company. All Rights Reserved.

La música, elegida y compuesta para esta película, ayudan al desarrollo, sin caer totalmente en el cliché del western, nos entrega una experiencia densa y divertida sobre estos odiosos.

Jackson repite su dosis de intensidad y Tim Roth hace un gran personaje que homenajea su ya viejo Mr Orange. Personajes entrañables como O.B. y un desenlace que Django Unchained hubiera deseado.

https://play.spotify.com/album/0udFOo7i1Ihgrypz2usDdU

Remember the Titans (Yakin, 2001)

Referencia obligada de aquellos que disfrutamos de este magnífico deporte. Adecuadas actuaciones y una buena narrativa aunque parece lenta en algunos momentos. Para ser una película de Disney, es muy cruda, pero cuenta con ese tono esperanzador que caracteriza al estudio.

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Planteada en una época difícil para las minorías del país, cuando las distintas ideologías se enfrentan y encuentran un enemigo a vencer: la discriminación. Y es por medio del deporte que se logran concretar grandes amistades y un estilo de juego que en conjunto es una máquina de victorias.

El acompañamiento musical es excelente, delimita los contrastes y puntos de encuentro de los miembros de los Titanes.

https://play.spotify.com/user/1247024636/playlist/3fHGS3wJoRlRhqwhnuZ9QE

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Guardians of the Galaxy (Gunn, 2014) 

El pilón. Sí, ya sabemos que la fórmula de Marvel se ha gastado. Sí, son películas para niños pero Guardians se escapa un poco del estereotipo.  No son los mejores, pero se han impuesto una misión, proteger la galaxia de Thanos y sus aliados.

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El filme tiene un ritmo es agradable y fluido, diferente al resto del MCU. Los personajes son un poco planos pero divierten, que es el fin de la historia. Lo más rescatable y que da nombre a la segunda parte, es el soundtrack. Insertado en la película como McGuffin, camina con la evolución de Starlord y con el chiste al final de la película.

https://play.spotify.com/user/hollywdrecrds/playlist/1xY6msLHX1W34EzB0UkkbU

Almodóvar y los trans

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Por: Leslie Valle

Desde que en la pantalla aparece “EL DESEO presenta UN FILM DE ALMODÓVAR” nos preparamos para ver algo distinto. Y es que los inocentes culpables y los culpables inocentes son escenarios comunes; pero hablar del cómo Almodóvar los presenta es punto y aparte.

A este director se le ha llegado a equiparar como sinónimo de sexo, porque no hay una sola de sus obras que no lo contenga mínimamente. ¿Quién no recuerda el uso tan natural de frases como: “Un hombre puede pasar de besar, pero es muy duro que no te coman la polla” (Los abrazos rotos, 2009), “Hasta cuando me como una polla sé ser discreta” (Todo sobre mi madre, 1999), “¿Lo estáis haciendo por delante o por detrás?” (Los amantes pasajeros, 2013)? ¡En fin!

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De esta forma se vislumbra el tono corrosivo y estridente que, en mayor o menor medida, destila cada una de sus películas. Estamos frente a un fanático de lo “trans”, sí: de lo que transgrede, transita, transmite y trasciende.

La transición

Nacido el 25 de septiembre de 1949 en la provincia de Castilla-La Mancha, España, Pedro Almodóvar Caballero tuvo una formación académica religiosa, incluso formó parte del coro de la iglesia. Pero a los 17 años abandonó esa vida para perseguir su sueño: estudiar cine en Madrid, grabando su primer largometraje Folle… folle… ¡fólleme, Tim! en 1978. Así comenzaría la historia de uno de los cineastas europeos más reconocidos, que hasta la fecha ha grabado 20 películas, la última de ellas, Julieta, que debutó este año en el Festival de Cannes.

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Pero, ¿qué es lo que lo distingue del montón? Sin lugar a dudas su estilo. Aun con su marcada influencia de Luis Buñuel, su forma de contar historias —melodramas generalmente— es única: recrea sin temor alguno todas esas realidades marginales, escandalosas y provocadoras que están en su cabeza, donde el sexo, la religión, las tradiciones españolas y la moral retorcida coexisten creando vínculos paradójicos; ahí, las convencionalidades no existen.

Es por ello que en él se puede aplicar, nunca de mejor forma, la célebre frase de Agrado en Todo sobre mi madre (1999): “uno es más auténtico cuanto más se parece a lo que ha soñado de sí mismo”.

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La paleta de colores juega un papel muy importante al momento que cada historia cobra vida. Predominan dos escalas: la de los rojos que dota a las imágenes de dinamismo, pasión y agresividad, en combinación con los azules que producen calma, sabiduría y confianza; no hay mejor ejemplo que La piel que habito (2001) que está completamente en los azules o ¡Átame! (1990) que utiliza los rojos al extremo.

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Si bien estos son los colores que destacan, también hallamos con fuerza los amarillos, naranjas y verdes muy brillantes, los cuales dan alegría, vitalidad y frescura a cada fotograma, porque ni en sus obras más oscuras se ha descuidado el brillo cromático. Además de contar con la presencia de los blancos y negros para crear contrastes y dar sofisticación, poder y, ¿por qué no?, jugar desde ahí con el Yin y el Yang que poseen sus historias.

Transgresiones

Así llegamos al verdadero poder de Pedro Almodóvar: crear personajes tridimensionales —con dobleces y verdades ocultas por revelar— de los que uno queda enamorado, aunque sus acciones deberían llevarnos a sentir lo contrario. No importa de dónde vengan, hacia dónde vayan o cómo actúen, siempre terminan conquistando a quien los mira.

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En especial si se trata de mujeres, porque es lo que mejor sabe hacer: los retratos femeninos. No por nada Qué he hecho yo para merecer esto (1984), Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988) y Volver (2006), se han convertido en las joyas que encarnan perfectamente la descripción que Manuela (Cecilia Roth, Todo sobre mi madre) hace: “¡Las mujeres somos gilipollas! Y un poco bolleras”.

El punto es trascender

Almodóvar fue considerado un transgresor del arte cinematográfico: tocó los temas que eran tabú para su época —y aún en la nuestra— haciendo una profunda exploración de las pasiones y las miserias humanas, no por nada era conocido como el “niño terrible”.

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Sin embargo, a 35 años de su ópera prima, sus más recientes producciones —Los amantes pasajeros (2013) y Julieta (2016)— no tuvieron la recepción a la que éste estaba acostumbrado; lo que parece indicar que el estilo almodovariano  se estancó e incluso, quizá, está en decadencia.

A pesar de todo lo que se pueda decir en su favor o en su contra, no cabe duda que este director manchego puso en alto el cine español, porque al igual que Lola (Todo sobre mi madre), Almodóvar “no es un ser humano, es una epidemia”.