Coppola: de la mafia al terror

Después de concluir la célebre saga The Godfather III (1990), el director italoamericano incursionó por primera en el cine de terror, dejando en sus palmarés un trabajo muy particular. A sabiendas de su afición por filmes como Nosferatu (Wilhelm Murnau, 1922), y las interpretaciones de John Carradine en The House of Drácula (1945), Francis Ford Coppola centró su atención en la novela del Irlandés Bram Stoker, Drácula, título del cual Murnau nunca pudo conseguir los derechos debido a que la viuda de Stoker todavía los conservaba en los años veinte.

Como el mismo Coppola llegó a mencionar, “Bram Stoker se diferenciaba de otros escritores y poetas de su época por ser un romanticista tardío” quien transmitía una esencia de ensueño sobre ciertos hechos. Basándose en la sangrienta historia del antiguo monarca valaco, Vlad Tépes, quien detuvo la expansión musulmana en Europa oriental con tácticas violentas y logró horrorizar a sus adversarios e inclusive a sus aliados. Este héroe rumano fue el modelo a seguir por Stoker y a quien el cineasta retomó para su obra terrorífica.

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Fascinado por la idea del contexto histórico, decidió abarcar este hecho en detrimento de sus antecesores. Él mismo expresó: “Me parecía angustiante ver que nadie abarcaba esta parte que es más que la esencia de Drácula, el vampiro”. Con base en esto, el director construyó su Azrael con Gary Oldman, su ángel caído con su conflicto y redención.

Se dice que la incursión al terror, cuando se viene de otros géneros del cine, es una empresa complicada, en gran medida porque se le atribuyen obras decadentes que se insertan en lo vulgar y burdo. Coppola ya había trabajado en cintas de terror, suspense y Sci-Fi, como The Terror (1962) y Dementia 13 (1963). No obstante, ninguna bajo su mandato como Drácula.

Por otra parte, probablemente los efectos visuales prácticos de Coppola son de los mejores realizados para el terror, dando una sensación con tono realista en un relato fársico. Esto se debió en gran medida al presupuesto ajustado con el que se dispuso para la cinta. Así comenzaron a desarrollar procedimientos para generar diferentes trucos, como la utilización de marcos sin espejos y el uso de maquetas en diferentes escalas “Encargué al diseñador de efectos visuales (Roman Coppola) que me ayudara a contar la historia con una serie de efectos prácticos, en los que utilizamos muñecos, para simular gente empalada o colgada de árboles en miniatura”, añade “Quería utilizar la imaginación, como el ilusionismo empleado por los primeros cineastas”.

La virtud de la cinta es que supo trasladar el suspenso de otros géneros al terror. Después de una obra tan importante como The Godfather o Apocalypse Now, no dejó de lado el entorno lóbrego y el montaje utilizado en puntos narrativos, como la memoria del vampiro y los deseos del objeto amado (Mina, Winona Ryder), gran Influencia en obras vampíricas posteriores como Interview with the Vampire (Neil Jordan, 1994) o Vampires (John Carpenter, 1998).

A pesar de ser una película que narrativamente no cierra con la fuerza deseada en el tercer acto, los diseños de vestuario y el ambiente sobresalen, dejan una sensación constante de la sangre y su sacrilegio. Después de un lugar sombrío como la casa de Michael Corleone, el castillo de Vlad se distinguió por múltiples vestuarios y diferentes personificaciones como bestia, lo que le valió dos premios Óscar: Mejor diseño de vestuario y Mejor maquillaje.

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Desgracia e infortunio, siempre es un individuo el que se ve sumido en un mundo que realmente nunca deseó. Si existe algún paralelismo para Coppola entre la mafia y el vampirismo, sería que ni una ni otra, podrían invadir la vida sin la decisión propia de involucrarse, modos que tienes que aceptar primero por voluntad propia. Enfatizando una transgresión, el sojuzgamiento de un ángel corrompido, y una exploración en un mundo enigmático que no tenga otra cosa que ofrecer más que la ruina. Y donde el hombre desdichado al final tendría su exhumación con la muerte.

Es como el momento en que el conde menciona la frase célebre, cuando Jonathan Harter llega a la antigua morada: “Bienvenido a mi castillo, entre libremente por su propia voluntad y deje parte de la felicidad que trae consigo”.

Luis Zenil Castro 

Productor audiovisual y dibujante.

Cinco películas imperdibles de Woody Allen

Life is full of misery, loneliness,

and suffering… And it’s all over much too soon. 

-Woody Allen

Woody Allen, el cineasta del humor negro y ácido, de la sobre explotación del psicoanálisis y del jazz. Acostumbrado a filmar una vez cada año, es un icono de la cinematografía; inspiración para muchos directores y con una pléyade de actores queriendo figurar en sus historias. A continuación una selección de sus mejores títulos.

5.- Deconstructing Harry (1997)

A nadie sorprende que la ciudad de Nueva York sea un personaje más en la filmografía de Allen, quien protagoniza la historia y presenta un alud de estrellas como Robin Williams, Demi Moore, Billy Crystal, Judy Davis, Stanley Tucci y demás. La cinta se caracteriza por un montaje extraño, violento para el espectador, a través del cual presenta al escritor Harry Block (Allen), quien es perseguido por su ex esposa.

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Ella, harta de encontrar similitudes en sus historias, lo amenaza de muerte si es que publica su nuevo libro. Considerada una de sus películas más ácidas y oscuras, es aquí donde realiza su crítica más mordaz al cine de Ingmar Bergman, específicamente a Fresas Salvajes.

4.- Match Point (2005)

Cuando Woody Allen se autoexilió en Europa debido al boicot que Hollywood le impuso, llevó a la joven Scarlett Johansson a realizar en Inglaterra una versión cinematográfica de Crimen y Castigo. Al mostrar la obsesión de estar con una persona y las consecuencias que conlleva, hace que se trate de una de las películas más interesantes del neoyorquino, quien realiza este clásico de su filmografía fuera de los Estados Unidos.

Una analogía principal sobre lo que es el tenis y su relación con la vida de una persona. El ascenso y descenso de un personaje debido a la tentación que le provoca una mujer y todo por lo que luchó.

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3.- Sleeper (1973)

La única película de ciencia ficción en la filmografía de Woody Allen y un homenaje a uno de los libros más trascendentes del siglo XX, 1984 de George Orwell, pero que está basada en otra novela: The Sleeper awakes de H.G. Wells.

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Por error congelan al dependiente de un restaurante de “comida sana” y despierta en un futuro de apariencia metálica y etéreo, donde todas las mujeres son frígidas; para poder tener relaciones sexuales se tiene que introducir a una máquina llamada orgasmatron. Es de los pocos trabajos en los que el cineasta realiza comedia física y en la que una de sus bandas de jazz, The New Orleans Funeral Ragtime Orchestra fue la encargada de la musicalización, convirtiéndola en una de sus comedias más divertidas y que mayor aceptación ha tenido con su público.

2.- Annie Hall (1977)

Un monólogo sobre la relación de Annie (Diane Keaton, la primera musa del director) y Alvy Singer (Woody Allen) en la ciudad más maravillosa del mundo, -o al menos es lo que dicen las personas que conocen Nueva York-. La neurosis, las inseguridades y por supuesto, el psicoanálisis son parte fundamental de la historia. Cuenta con un cameo del teórico de la comunicación Marshall Mcluhan y fue reconocida con el premio a Mejor director y Mejor guión original en los premios de la Academia.

1.- Whatever Works (2009)

Allen esperó casi tres décadas para poder rodar esta película. Y no por lo difícil de la producción, sino porque esperaba tener al actor indicado, quien resultó ser Larry David.

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Larry encarna a Boris Yellnikoff, un ex teórico de las cuerdas que estuvo a punto de ganar el Premio Nobel de Física. Misántropo, autodeterminado genio y con un humor sumamente ácido y mordaz, nadie podría estar tan cerca de él, salvo una sureña que busca el éxito en la gran manzana. Se le considera la película más ególatra de Woody y una de las más divertidas. Rompe la cuarta pared a su antojo, haciendo más personal el contacto con el espectador. Fue la segunda cinta que rodó en Estados Unidos durante el autoexilio.

Sebastián Ortiz 

Comunicólogo que habla mucho y escribe (mal) sobre cine, música y ciencia ficción.

El estado islámico

La época de los antiguos reyes normados y teutones que marchaban con sus regimientos hospitalarios y templarios a través de Italia para llegar a Messina, donde abordarían pesadas y rusticas galeras que los llevarían a tierra santa, ha quedado en las páginas de la historia. Aunque un océano temporal ha transcurrido, actualmente la situación no ha cambiado mucho, salvo por las causas de las guerras y la forma de lucharlas.

Actualmente los musulmanes están divididos en dos grupos particulares: Yihadistas, y pacíficos. Los radicales o Yihadistas enrolan sus escuadrones con una organización fanática sin fronteras llamada ISIS o E.I. (Estado Islámico por sus siglas en inglés) para cumplir con sus mortíferos objetivos. No se puede razonar con ellos, tampoco negociar, sus metas son claras y la semilla del deber está tan fuertemente inculcada desde niños que ya no reconocen ni siquiera a un fuerte de un débil. Son los denominados Infieles, enemigos de dios, de Alá.

Medyan Dairieh es un periodista y documentalista de Vice News que se infiltró hace poco menos de un año en los cuerpos del ejército del Estado Islámico para filmar la forma de vida en el desierto Sirio e Iraquí. El resultado es una brutal confrontación con la realidad de estas personas y el modus operandi de los califatos establecidos con una índole paramilitar y de sumisión total. Ahí donde la religión y la política se funden sin miramientos. Todo esto esclareciendo sus orígenes, diferenciándolos de Al Qaeda como un grupo aún más radical, y estableciendo su presente como consecuencia de la guerra en Siria y la anterior guerra en Irak, principalmente.

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El lugar prioritario durante la filmación de El Estado Islámico fue la ciudad de Al Raqa en Siria. Abu Mosa, es el responsable de Prensa del E.I. (Estado Islámico) y dirige al crew de filmación a través del frente en Raqa, donde tienen situado a una fracción del Ejército Sirio, la Décimo Séptima División. El soldado del E.I. explica la situación, mientras lleva puestos unos lentes Ray-ban, dice “Le decimos a América, que se ha establecido el califato islámico, que no hay vuelta atrás y que no sean cobardes, que nos envíen a sus soldados, y los humillaremos otra vez, como lo hicimos en Irak, e izaremos la bandera de Alá en la casa blanca.”

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La cinta expone cómo los órganos terroristas acuden al mercado negro para tener acceso a armamento y demás, ya sea ruso o americano. Por otra parte, el documental muestra cómo varios de los integrantes de ISIS anteriormente eran prisioneros sunitas que fueron encarcelados en penales estadounidenses en Irak, donde sufrían todo tipo de abusos y humillaciones. Lo que provocaba una mayor cólera contra occidente y el surgimiento de grupos radicales (como es el caso concreto de uno de sus líderes, Abu Bakr Al-Baghdadi).

Ahora los cruces libres de la frontera entre Iraq y Siria por parte de sus ciudadanos, el castigo a cualquier criminal por el incumplimiento de la ley y la religión, o la forma en que los militares cuidan inclusive la forma de vestir de sus esposas, se ha convertido en su forma de vida. Aunado a esto, la represión que anteriormente sufrían por parte de grupos chiitas, del mismo Dictador Assad y de Ejércitos extranjeros, dan argumentos suficientes a sus seguidores para considerar al nuevo califato como una ley infranqueable, y necesaria.

El material resalta en expuestos planos abiertos, el ambiente desolador de la infancia y el constante proselitismo religioso al que están expuestos los niños y niñas musulmanes de esta zona, e inclusive de algunas partes de Europa; todo sea a favor de fomentar la guerra contra los infieles.

VICE NEWS EL ESTADO ISLÁMICO

Citando al responsable de la prensa, Abu Mosa; “Si alguien amenaza al mundo islámico y a los musulmanes, mi deber no es llevar una vida pacífica o estar con mi familia, mi deber es con Alá.”

El trabajo del director se centra en documentar la precariedad de la gente que vive en el E.I. y la pobreza que los rodea realmente. Solo una riqueza de espíritu, pero que únicamente es factible a través de la violencia. Un lugar donde las cortes y los tribunales actúan según el Corán, y la policía magisterial es parte del Ejército regular del Estado Islámico. Toda una organización, y una unidad dictada por la política de Alá, la máxima autoridad. Aproximadamente 1,300 millones de musulmanes en el mundo, de los cuales el 25 por ciento son radicales, lo que equivale a una población como la de Estado Unidos. Con los recientes ataques a Paris, y los mismos al avión comercial ruso, se sientan los nuevos hechos de una moderna era musulmana, en la que toda una nueva generación de pequeños se entrenan en este momento para dar la vida sin vacilación, en un futuro no muy lejano, por el Estado Islámico.

AQUÍ PUEDES VER EL DOCUMENTAL COMPLETO

Luis Zenil Castro 

Productor audiovisual y dibujante.

 

 

Sinsajo – El final: Tradicionalismo de closet

Por: Rodrigo Garay Ysita (@Rodrigo_Garay

La leyenda cuenta que cuando los almorávides sitiaron Valencia en el año 1099, El Cid ya estaba muerto. Su esposa, Jimena, entonces responsable de defender la ciudad, vistió el cadáver de su marido con armadura, lo montó sobre su corcel Babieca y lo mandó al campo de batalla para levantar la moral de las tropas y aterrar a sus enemigos. Jimena comprendía que si los valencianos y los musulmanes se enteraban de la muerte del príncipe, la batalla estaría perdida y, por lo tanto, la falsificación era crucial. Las apariencias engañan, pero también le salvan la vida a uno.

Después de cuatro largometrajes y de la inevitable caída del despótico presidente Snow, podemos afirmar con suficientes argumentos que la travesía heroica de Katniss Everdeen estuvo relegada a quedarse entre bambalinas. Más ídolo propagandístico que guerrera de verdad, el personaje de Jennifer Lawrence es una analogía oportuna de la fachada en el discurso de Los juegos del hambre: crítica política por fuera, melodrama adolescente por dentro.

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El engaño de la saga que ahora concluye (aparentemente) es presentarse como una historia que, aunque nace dentro de los confines de la young adult fiction, refleja temas geopolíticos serios y sirve de inspiración a su audiencia con una protagonista rebelde, fuerte en cuerpo y alma, pura de corazón, independiente y luchadora. Katniss, estandarte idónea del feminismo, Juana de Arco resucitada.

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Sin embargo, la incapacidad de trascender las convenciones que hicieron a la saga de Twilight un éxito en la cultura pop se expone en Sinsajo – El final, más claramente que en las entregas anteriores. En una película de 137 minutos, hay más tiempo para la intriga sentimental del triángulo amoroso estelar que para la guerra tan cantada que desgarra los trece distritos de Panem.

Y es que la protagonista está en una situación incómoda para aquellos que busquen una resolución espectacular. Exactamente en donde nos dejó Sinsajo – Parte 1 (y demostrando una vez más que la tendencia de dividir la última película en dos partes es un suicidio narrativo), Katniss reside en los cuarteles del Distrito 13 esperando a tener una participación de impacto en la guerra, sin éxito. Su papel es de estrella de cine de propaganda: posar para las cámaras, moralizar a los ejércitos que sí están peleando las batallas fuera del cuadro.

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Eventualmente, la arquera encuentra la oportunidad de llegar al Capitolio y buscar su anhelada venganza contra el presidente. Las pocas secuencias de acción del filme, ambientadas en una ciudad vestida de trampas para seguir la tradición de violencia televisada de Los Juegos del Hambre, son una muestra efectiva de lo que pudo haber sido una función más emocionante. Editadas, eso sí, convenientemente para no asustar a nadie y conservar la clasificación B que mantiene a la gente en sus butacas.

Cuando por fin se resuelve el conflicto dramático, se hace evidente que el clímax de la trama no es el mismo clímax que en realidad le interesa a la película. La verdadera tensión de Sinsajo, creada por el ritmo de los two-shots y los close-ups telenovelescos, está en las escenas en las que Katniss habla con Peeta, Katniss besa a Gale, Katniss le miente a Gale, Katniss se enoja con Peeta, Katniss se enoja con Gale. Y entonces lo que queremos al final es saber con quién se queda.

Bajo ese criterio, Sinsajo – El final cumple. Termina lo que comenzó en Los juegos del hambre como un melodrama redondo con un ligero esbozo arquetípico de heroísmo renuente. Porque a final de cuentas, la ganadora de los 74 Juegos del Hambre no resultó ser una encarnación de la guerrilla ni un mártir para nutrir a la épica. Juana de Arco se inmortalizó en la hoguera y si nuestra heroína sólo encuentra su realización en el matrimonio y en la procreación de bebés regordetes, entonces el mensaje de independencia femenina que nos vendieron, así como El Cid en su última batalla por Valencia, está muerto debajo de la armadura.

Steve Jobs, una revolución a toda costa

En Steve Jobs, Danny Boyle y Aaron Sorkin presentan a un personaje para el cual la imagen es primordial. Los anuncios publicitarios, la apariencia de una computadora, la portada de una revista, la puntualidad; pero también lo es el control. El control sobre los anhelos tecnológicos de la sociedad, sobre el trabajo de sus compañeros y sobre la madre de su hija. Sin embargo, las decisiones de un consejo directivo, la economía del mercado de las computadoras y la tenacidad de una niña de apenas cinco años, se imponen a los cometidos de Steve Jobs.

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La cinta se enfoca en lo anterior y así resalta una de sus virtudes: es concreta. No se trata de una película que abarca la vida del personaje, sino de cómo su ámbito laboral estuvo estrechamente relacionado con el familiar y personal, tomando momentos puntuales y personajes específicos que revelan sus facetas de padre y creativo. Así, la historia no se dispersa en otros aspectos, en lo cual sería fácil caer al hablar de alguien emblemático y lleno de matices como Jobs, el encargado de crear el puente entre la vida cotidiana y los sistemas computacionales.

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En la película el auditorio siempre está listo para presentar aquel producto que las personas “no saben que necesitan hasta que lo ven”. La primera Macintosh en 1984, el Cube de NeXT en 1988, y la iMac en 1998. Pero a Jobs (Michael Fassbender) no lo vemos en el escenario, sino detrás de éste, acompañado de Steve Wozniak (Seth Rogen), cofundador de Apple y John Sculley (Jeff Daniels), el director ejecutivo. También observamos a Chrisann Brennan (Katherine Waterston), madre de Lisa Brennan-Jobs. El mayor lazo se desarrolla con esta última y con Joanna Hoffman (Kate Winslet), la ejecutiva de marketing y quien permaneció con Steve incluso cuando éste salió de Apple.

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Con cada uno de los personajes Steve Jobs desarrolla un conflicto, y el más punzante es con Lisa, a quien inicialmente niega como su hija. Sin embargo, la misión de ésta es muy clara sin importar su edad: quiere estar cerca del hombre que tal vez nombró a una computadora con su mismo nombre, o no. Lisa se aferra sin importar las palabras que el magnate ha lanzado y las cuales la marcarán.

A excepción de un par de golpes de efecto que se tornan forzados en el primer acto, el trabajo del director (Trainspotting) y el guionista (The social network)  es impecable. Asimismo, el desarrollo es lineal, pero el hecho de estar filmada en tres formatos diferentes la dotan de dinamismo. Es un viaje a tres distintas épocas tanto en la historia como en la pantalla, en el que la transformación va de 16 mm a 35 mm y finalmente a HD Digital.

El guión se basó en una biografía publicada por Walter Isaacson en 2011, año en que falleció Jobs. En pantalla, el relato resulta una carga de adrenalina gracias a las actuaciones, a diálogos veloces y a una dirección frenética.

Steve Jobs, que fue presentada en el Festival de Cine Telluride y también cerró el Festival de Cine de Londres, es una cinta que muestra las consecuencias de allanar el camino para que todo resulte como uno lo desea.

Leticia Arredondo

Cofundadora y editora de ZOOM F7. Escribo sobre cine y fotografía.

El encuadre femenino de Arlene Mendoza

Tonos sombríos y colores pastel se derraman en cada una de las imágenes de Arlene Mendoza, fotógrafa mexicana que se caracteriza por la realización de retratos en los que las protagonistas son las mujeres. En cada una de las fotografías se percibe la armonía del espacio con el cuerpo. Arlene Mendoza comenzó fotografiándose a sí misma para posteriormente poder lograr una conexión con el cuerpo de otras modelos. En esta entrevista ella misma nos cuenta su experiencia con la fotografía.