El documental que reúne a Hitchcock y Truffaut

“Si una película es buena, el sonido podría irse y la audiencia todavía tendría una idea perfectamente clara de lo que pasa” Alfred Hitchcock

“Ustedes en Estados Unidos le llaman Hitch, nosotros en Francia le decimos Señor Hitchcock” François Truffaut

El cine según Hitchcock es el santo grial de los estudiantes en las escuelas de cine. El libro es el resultado de una serie de entrevistas que el director François Truffaut le realizó al maestro del suspenso durante varios días. En el escrito lo mismo se encuentran anécdotas que secretos del discurso fílmico del cineasta británico. Dicho texto es ahora un manual de carácter académico y  referencia obligada de todo cinéfilo.  Kent Jones se sumerge aún más en el proceso de creación de la obra para su documental Hitchcock/Truffaut.

Tener a dos leyendas del séptimo arte es un gran atractivo, sin embargo Jones desea complementar la perspectiva alrededor del binomio, es por ello que recluta a un brillante grupo de creadores contemporáneos, entre los que destacan Martin Scorsese y David Fincher. La inclusión está completamente justificada, la influencia de Hitchcock en cada uno de los realizadores permite que se desmenuce su técnica, así como el gran número de aportaciones que legara al arte cinematográfico.

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La estructura del documental es la misma del libro. Se comienza con la incursión casual de Alfred en arte de dirigir, de ahí se desglosa a detalle su filmografía. La diferencia radica en la oportunidad de escuchar de viva voz a los protagonistas del celuloide, mediante los audios originales que Truffaut recopiló. El choque de estilos y la eterna curiosidad frenética del cineasta francés quedan de manifiesto en contraste con el ritmo lento y sobrio del británico. Es fácil vincularles con sus respectivas maneras de hacer cine; el primero apasionado como pocos, el segundo brutal en la forma.

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La fotografía juega un papel fundamental. Truffaut se trasladó a Los Ángeles acompañado de una intérprete y un fotógrafo: Phillippe Halsman, quien elaboró una serie a blanco y negro que el mismo Hitchcock se encargó de dirigir. A leguas se nota en las imágenes el nivel de intimidad que lograron, allí se presagia la amistad entrañable que entablaron hasta la muerte de Hitchcock. Las instantáneas suplen al video, la voz en off y un ligero movimiento digital añaden cierto dinamismo, fundamental para no cansar al espectador.

Sin embargo, no todo es miel sobre hojuelas. La duración del documental se asemeja más a la de un telefilme que a la de una película per se, algunas declaraciones quedan en lo anecdótico y se ven opacadas por intervenciones más específicas como las de Scorsese, quien no pierde oportunidad de aportar en lo teórico. Además, varios conceptos que se abordan en la obra original pasan desapercibidos.

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Hitchcock/Truffaut es un documento imprescindible, que funciona como introducción al libro en el que está basado o para quien no sea un ávido de la lectura, es un documental que presenta y desarrolla a dos de los directores con mayor influencia en la historia del cine. El filme ya es  una referencia necesaria para cinéfilos y creadores por igual.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

 

 

Los excéntricos de Wes Anderson

Por: Citlalli Vargas Contreras (@rimbaudienne_)

 

“The only people for me are the mad ones”.

Jack Kerouac

Después de ocho películas y otros tantos cortometrajes y comerciales, el nombre de Wes Anderson remite a simetría, puntos de fuga perfectos, armoniosas paletas de colores, bandas sonoras alegres pero con un toque de melancolía. En fin, a diversas cualidades que han estructurado su estilo cinematográfico, el cual ha cautivado a más de uno.

Otra constante en las historias de Anderson son los personajes que no encajan en sus entornos y logran escapar de aquellos convencionalismos que no les permiten vivir tal y como son, muy a pesar de que tales creencias a las que intentan atarlos provengan de sus seres queridos. Así, las cintas del director estadounidense se vuelven un homenaje a los misfits, aquellos que no sabemos con certeza a dónde pertenecemos pero que aquí seguimos.

Un buen ejemplo de lo dicho es Moonrise Kingdom (2012) con la historia de Suzy Bishop, una niña melancólica que disfruta de la música y los libros, incomprendida por su familia, y de Sam Shakusky, un niño scout que desea explorar el mundo más allá de un campamento. Ambos se encuentran por obra del destino y experimentan algo muy parecido al amor a primera vista, por lo que terminan escapando juntos para vivir un romance inocente, sencillo, y alejarse de las barreras que no les permiten ser ellos mismos.

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En las tramas que Anderson lleva a la pantalla, por lo general el comportamiento de los protagonistas está mal visto por los personajes secundarios, quienes juzgan las acciones y decisiones que estos toman. Sin embargo, los héroes continúan con su travesía para defender sus creencias y hacer lo que a ellos les parezca bien, no lo que otros creen que está bien.

Otro caso es el de Fantastic Mr. Fox (2009). Si bien la historia original es del escritor Roald Dahl, la adaptación del texano es brillante porque captura maravillosamente la esencia de un zorro que, aunque ahora es un esposo responsable y un padre de familia, no puede combatir lo que está en su sangre: ser un ladrón de gallinas, y no precisamente porque no ame a los suyos y no desee modificar por ellos su manera de ser, sino porque es algo tan arraigado en su alma que reclama salir a la superficie.

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Asimismo, The Royal Tenenbaums (2004) presenta a una familia disfuncional cuyo padre, luego de abandonarlos durante años, regresa con la excusa de un padecimiento de cáncer de estómago justo cuando su ex esposa está a punto de casarse de nuevo y sus tres hijos sufren colapsos nerviosos luego de vivir el éxito de ser niños genio. La historia más recordada de dicha película es la de los hermanos Richie y Margot (quien es adoptada). Juntos crean un romance que se torna imposible, al menos en la luz, por lo que deciden amarse en lo oculto, no importándoles nada más.

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Entonces, ¿qué tan malo o bueno es ser diferente? Anderson nos muestra que en realidad todos somos diferentes, unos más que otros, y que la forma de pensar de cada ser depende de lo que esté detrás, tanto la familia como el contexto, y esto no da menos valor a cada una de las creencias, entonces ¿por qué habríamos de avergonzarnos de lo que somos, si no lo podemos cambiar? Es la pregunta que el director nos hace en cada cinta.

8º Festival Internacional de Cine y Medio Ambiente de México

 

Cd3FcFqUMAA1JUI.png largeEl Festival Cinema Planeta encabezado por Eleonora Isunza y Gustavo M. Ballesté abre sus puertas del 19 al 24 de abril bajo la consigna de mostrar al público las consecuencias del cambio climático. Cuernavaca, Morelos es el escenario donde se mostrarán 63 títulos, cuya temática gira en torno al dilema ambiental.

La selección se divide en 7 apartados: Focos cambio climático, Selección Oficial en Competencia, Mundos, Palomitas, Tierra, Ecos de Ecozine y la sección Cuencas que tiene su debut en la presente edición, y cuya meta es mostrar filmes elaborados en la Cuenca del Balsas con el afán de estimular la producción de la zona.

Entre las actividades de este año se destaca la serie de conferencias, que cuenta con ponentes como Rajendra K. Pachauri quien fue presidente del Grupo Intergubernamental de Expertos sobre el Cambio Climático (IPCC) donde recibió el Premio Nobel de la paz en 2007. Además, en coproducción con SEMARNAT, Cinema Planeta incursiona en la realización de un largometraje documental desarrollado en ocho puntos del país que dan cuenta del cambio climático.

De manera paralela al evento, la organización del festival impulsa proyectos educativos tales como: las salas ambientales el cual consiste en llevar a 20 mil estudiantes a las salas, donde debatirán al término de cada función con científicos especialistas y directores de cine. También cuentan con el programa Huertos y parcelas escolares del planeta cuya finalidad es capacitar a cinco secundarias técnicas en el proceso de cultivo, principalmente de hortalizas, actividad que se complementa con la enseñanza de métodos de grabación de video para que los alumnos documenten el proceso.

Con el afán de llegar a un mayor número de espectadores, Cinema Planeta en conjunto con el Consejo Nacional de Ciencia y Tecnología (CONACYT) desarrolla una plataforma digital para reproducir las películas en línea.

Para quienes no puedan acudir a Cuernavaca, las obras se proyectarán del 6 al 15 de mayo en la Cineteca Nacional y sus sedes alternas. El Festival, abre sus puertas no sólo al público en general, también invita a colaborar de manera voluntaria ya sea mediante donaciones o en alguno de sus programas.

Para mayor información:

http://cinemaplaneta.org/

El matrimonio o convertirse en una langosta

Probablemente enamorarse no es una opción; quizá sea inherente a la lista de acontecimientos que deben marcar la vida del ser humano. El amor se sitúa en la cotidianidad para sacudirla; transgrede la mirada, las aspiraciones y lo que hasta entonces considerábamos límites. Y sin duda, dejarnos bañar por esa brisa que el cuerpo del otro desprende, trae consecuencias inimaginables, dolorosas y alegres. Porque tal vez el fin del amor es ese, transformarnos a partir de los contrastes.

Sin embargo, nos han obligado a mirar a tal sentimiento a través de los convencionalismos sociales: la vida en pareja, el matrimonio, los hijos; encausándolo a los mecanismos de dominio que cada sociedad necesita. Y es justo en este terreno donde el cineasta Yorgos Lanthimos realiza su tercera película, The lobster, en la cual muestra un contexto que ha convertido al enamoramiento en algo repugnante. Ahora está en las leyes que debes tener pareja, ¿los sentimientos? No importan, el único objetivo es un lugar exento de soltería.

El protagonista es David, interpretado por Colin Farrell, quien es llevado al hotel-cárcel en el momento en que se queda soltero. Ahí tendrá que encontrar pareja en poco más de un mes, por lo que irá a fiestas en las que todos lucen igual, los hombres visten traje y las mujeres el mismo vestido floreado.

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Hasta este momento podría señalarse que los golpes de efecto sufren de naturalidad. Aparentemente son forzados, sin embargo tal sensación responde al propio ambiente, donde todo es mecánico, incluso el sexo. Las interacciones se alimentan de la falsedad y no podría ser de otro modo, ya que sólo es necesario ser práctico, la razón: la relación debe basarse en algo que funciona. Y de aquí se desprende la duda ¿es mejor estar solo? David desea averiguarlo en el bosque, donde los mismos individuos del hotel cazan a fugitivos como él.

Ahí se encontrará con otra cárcel, pero al aire libre. En el bosque hay líderes que vigilan todos los movimientos, porque aquí es crimen relacionarte, tener sexo, y obviamente, enamorarte. Aun con tal control, David halla a seres más naturales y empatiza con una mujer, contrariamente a su estancia en el hotel. El protagonista quebranta las reglas en ambos sitios y las consecuencias serán desgarradoras.

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Además de la dimensión social, la trama se vale efectivamente de la dimensión física, remarcando la opresión del contexto. No hay control sobre el cuerpo mismo, si los personajes no consiguen pareja en los 45 días, se convertirán en un animal de su propia elección. David elige la langosta, de ahí el título de la película. Con sus propias leyes, igualmente radicales que las del hotel, en el bosque las personas sufren castigos que violentan su cuerpo.

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Las características de la película se tornan extremas, pero como en toda distopia, lo único que Yorgos ha hecho es tomar los prejuicios que se tienen respecto a la soltería y las expectativas que la sociedad ha sembrado sobre la forma en que nos relacionamos con el otro.

En entrevista con la revista española Fotogramas, el director comentó que una de sus intenciones fue mostrar una visión honesta de las relaciones humanas, que tienen un lado romántico que está en permanente lucha contra una cara más cínica. Y sin duda lo logra gracias a un guión sólido y destacables actuaciones: Collin Farrell, Rachel Weisz y Léa Seydoux resultan un trío seductor de personalidades, del que emana la crueldad, la esperanza, la incertidumbre y la desesperación, los ingredientes principales de esta historia.

Leticia Arredondo

Cofundadora y editora de ZOOM F7. Escribo sobre cine y fotografía.

 

Taxi Teherán y el deseo de hacer cine

Yo le paro el taxi.
-Osmani García

Jafar Panahi forma parte de la nueva ola iraní, movimiento fundamental en la historia contemporánea del séptimo arte que lo mismo mama de la Nouvelle vague francesa que del neorrealismo italiano. Sin embargo, el principal aporte proviene del contexto caracterizado por una brutal represión. El director atrae a cinéfilos, expertos y público por igual; Taxi Teherán no es la excepción, fondo y forma coexisten en una obra enmarcada lo mismo en la cámara de piedra que en la rigidez del régimen.

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La película se puede criticar a partir de dos vías: la del espectador casual y la del experto que hurga hasta lo más profundo para comprender cualquier expresión artística. La puesta en cámara se limita a las potencialidades de una cámara “de seguridad” al interior de un taxi, manejado por el propio director. Es decir, que los movimientos de cámara se reducen a unos cuantos travellings y una temblorosa cámara en mano a cargo de una directora de fotografía de tan solo 9 años.

Lo interesante es el ir y venir de los personajes, del cliente ocasional, heterogéneo. El pueblo iraní desfila ante nuestra mirada en un cruce ficción-documental. Panahi los incita, provoca y consciente, cada ser que ocupa el asiento afelpado del vehículo rememora al pueblo italiano de postguerra retratado por Visconti o De Sica. Quien espere un conflicto tradicional se verá obligado a abandonar la sala, aquí premia lo cotidiano, una suerte de microconflicto estático o repentino dependiendo del pasajero que aborde el transporte.

Para el espectador eventual resulta una experiencia sumida en el tedio, el plano largo se ve favorecido ante la carga de información que proporciona cada persona, siempre dialogada, pocas veces la acción se impone a la palabra. Podría surgir el cuestionamiento ¿por qué un cineasta decidiría incursionar en el transporte público? ¿cuál es el afán de capturar el viaje de cada viandante?

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La respuesta es simple: el amor al cine, el placer de contar historias a través de cualquier medio hasta las últimas consecuencias. Cuando uno se encuentra con el contexto que circunda al realizador, comprende la valía de la obra. Jafar Panahi fue encarcelado por 88 días ¿su crimen? Hacer cine. Películas que se consideran una afrenta en contra del gobierno, cintas que defienden a la mujer colocándola en situaciones “exclusivas de hombres” o que denuncian. A partir del encarcelamiento el director se juega la vida tentando al sistema. Oculto entre las sombras, al interior de un vehículo. Captando la esencia de su patria por medio del habla cotidiana de sus habitantes.

El experimento es una extraordinaria afrenta cuya enseñanza fundamental, más allá de técnicas o teorías reside en la pasión desbordada por el anhelo de crear. Que no encuentra absolutamente ningún obstáculo cuando es la razón esencial del vivir. Panahi no enseña cine con esta película, tampoco nos dice cómo hacerlo. Su lección es que si uno tiene el deseo hará hasta lo imposible por lograrlo ya que como dijera Aristóteles: “Sólo hay una fuerza motriz: el deseo.”

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

A los ojos de Michel Franco

 

Vendrá la muerte y tendrá tus ojos.

-Cesare Pavese

 Lucía Films goza de una gran reputación. Encabezada por Michel Franco, la productora ha generado una buena cantidad de filmes con un sello característico, A los ojos no es la excepción, sin embargo, propone una estética diferente derivada de la colaboración del director con su hermana Victoria, quien imprime la crudeza del documental a una cinta que logra con creces mezclar ambas técnicas.

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La película narra el periplo de Mónica, madre soltera y trabajadora social con un hijo que padece una enfermedad degenerativa, cuya consecuencia es la pérdida de la vista. El conflicto se enfoca en la cura del infante a través de cualquier medio. El argumento escrito por Michel goza de un dilema cuya resolución propone más cuestionamientos que respuestas, a nivel ético los cineastas se preguntan por una balanza amoral en la que bien cabe preguntar ¿cómo se valora la vida del ser humano?

El guión es sólido gracias a una paradoja simple e inteligente; de lo predecible desemboca lo impredecible. La obra en su totalidad aprovecha la dupla de los hermanos para no sólo contrastar sino también complementar el relato. Es así como el espectador logra anticiparse a las acciones pero se sorprende ante el resultado de las mismas.

El binomio en la dirección es audaz. Victoria deslumbra a la hora de documentar a los jóvenes en situación de calle: el principal acierto se encuentra en las escenas descarnadas que nos muestran su día a día. La naturalidad que obtuvo en la improvisación es digna del aplauso, tanto como la ficción lograda por Michel, un dúo cuyo funcionamiento se podría comparar con el de los Hermanos Coen.

La puesta en cámara emplea la barrera física (puertas, ventanas, escaleras, etc.) para enfatizar la frustración del personaje principal, incapaz de solucionar el malestar del niño. Además, el filme cuenta con el ya clásico sello de Franco que consiste en dejar la mayoría de la acción fuera del plano, o en determinadas ocasiones fuera de la película misma. Los realizadores otorgan las claves para que el espectador participe del argumento.

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Las actuaciones son un deleite. A los ojos cuenta con una actriz de profesión: Mónica del Carmen. El resto del elenco está conformado por personas que viven realmente en situación de calle. Dicha decisión, aunque arriesgada, resulta ser una de las mayores virtudes de la cinta.

Benjamín Espinoza demuestra que no se necesitan tablas para lograr improvisaciones cuyo poder dramático superan a las de varios actores de renombre, es de hecho la interpretación de Mónica la más floja; sin embargo la intérprete logra una buena participación al mezclarse orgánicamente con el entorno y los seres que le rodean.

El único reproche se encuentra en el montaje. La costumbre de estirar el plano es más un cliché que una propuesta visual, bajo la premisa de entrar temprano al conflicto y salir tarde está editada la película. Tal prolongación de la imagen provoca un ritmo semilento, funcional a partir del segundo acto, fútil en el primero.

A los ojos es una obra redonda que demuestra la importancia de un gran argumento. Su doble dirección es el principal aporte, la mezcla entre documental y ficción propician un filme atípico que logra combinar a la perfección ambos estilos.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

 

Kung Fu panda 3, el maestro del Chi

“¿Quién soy?” así se resume la premisa de la tercera entrega del panda más ambivalente que nos han dado las películas de animación. La trilogía ha estado permeada por la búsqueda de respuestas a diversas preguntas. La franquicia funciona porque la audiencia encuentra la identificación en la historia, ¿quién no se ha cuestionado? “¿A dónde voy?” (Kung fu panda), “¿De dónde vengo?” (Kung fu panda 2) Y “¿Quién soy?” (Kung fu panda 3).

Es esta última, una vez más el panda Po se halla en un dilema que pone en juego sus aptitudes, sus habilidades y la fe (como en las dos anteriores). La historia es entretenida y divertida, pero no sorprende. Al parecer, Jonathan Aibel y Glenn Berger tan sólo desempolvaron los guiones anteriores para algunos detalles de los antagonistas. En el primer filme, Tai Long es el enemigo atemorizante y poderoso que pretende acabar con todo lo que esté a su paso; en esta ocasión, el personaje con las mismas características se llama Kai.

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Cabe recordar el desenlace de la segunda película, el cual reveló que el padre sigue vivo. Esto funciona eficientemente como un gancho para querer descubrir el reencuentro, sin embargo, no se logra explotar emocionalmente la ocasión y se queda en lo superficial. También hay giros de tuerca que parecen sacados bajo la manga.

Respecto al protagonista, su falta de confianza; el deber de proteger a los habitantes de la aldea, y el sacrificio del héroe por el bien de los demás, son elementos ya resaltados en las cintas previas: en Kung Fu Panda 1 se descubre al guerrero dragón y su imposibilidad de aceptarse, posteriormente en Kung Fu Panda 2, Lord Shen, con el descubrimiento de la pólvora a su favor, quiere destruir a Po y a todo a su alrededor para evitar que se cumpla la profecía en la que perecerá.

Se combina una vez más la magnífica animación 3D y 2D, en esta ocasión evidentemente superada. Las pantallas divididas funcionan en la narrativa al conjugar varias acciones. Atrae, fija la atención en una acción general conjugando el fondo y la forma, en flashbacks utilizan el recuso del 2D para darle matiz, con pinturas como acuarelas y tintas chinas Po vuelve con nuevas aventuras.

Plagada de batallas épicas, gags involuntarios, aprendizajes que involucran a la familia, el valor, el amor, la fortaleza y la confianza, son elementos que se disfrutan desde el primer minuto. Los nuevos personajes mantienen la historia en un camino ascendente, por lo que tendrás una hora y media de acción y risa.

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En Kung Fu Panda 3, la película más taquillera en su primer fin de semana en la cartelera nacional, se han olvidado un poco a los cinco furiosos y la trama se centra en fortalecer la confianza de Po, además de las riñas entre los dos padres: el biológico y el que lo crió. Ahora el elenco contó con la participación del respetado actor Bryan Cranston como Li Shan, papá biológico de Po, y con J.K. Simmons como el malvado Kai.

Con la maravillosa música de Hans Zimmer, que nos transporta hasta China con las alegres melodías en las que se conjuga acción y ternura, Kung fu panda 3 es un cálido filme para disfrutar con amigos, familia o tu pareja; pero la expectativa era que superar las cintas anteriores, sin embargo se queda en el mismo nivel. Sólo esperamos que las realizaciones que están por venir no desgasten al personaje.

Fan Valdés

Pedagoga de formación pero cineasta por convicción, artista plástica en el tiempo libre.