fotofestín, el puente entre los universitarios y los profesionales de la fotografía

CartelWebff16mxDesde hace seis años, la primavera recibe al Festival Universitario de Fotografía, un espacio lúdico de aprendizaje en el que los jóvenes tienen la oportunidad de dar a conocer su trabajo fotográfico y participar con los profesionales de la imagen.

En esta ocasión se realizará del 25 al 29 de abril y el programa comprende conferencias magistrales, revisión de portafolios y talleres. En conjunto, las actividades permitirán que los asistentes reflexionen sobre diversos temas como la fotografía documental, de producto, el retrato fotográfico, el mercado de la imagen, entre otros. Para ello se contará con la presencia de Patricia Conde, Fernando Montiel Klint, Nigorette, Zony Maya y Arlene Mendoza, entre otros.

“Vivir para documentar o documentar para vivir”, “La globalización de la fotografía” e “Impacto Financiero y Fiscal de tu labor como Fotógrafo”, “De la mesa al papel. La fotografía en el proceso editorial”, son algunas de las charlas que se realizarán.

Entre los talleres destaca el de Iluminación, impartido por Isaac Esquivel de Cuartoscuro, Impresión de alta calidad por Fotoregis y Fotografía de producto por la Escuela Activa de Fotografía.

fotofestín tendrá lugar en la Universidad Insurgentes Plantel Tlalpan. Todas las actividades son gratuitas, sólo debes registrarte en: http://fotofestin.com/registro/

Consulta la programación completa en: http://programaff16mx.instapage.com/

 

Michel Franco: un realizador mexicano desprendido del molde

 Cuando eres consciente de la muerte,

acabas asumiendo tu propia soledad.

-Rosa Regàs

Michel Franco ya no hace cine mexicano. La expresión refiere no sólo a que Chronic se realizó en Estados Unidos, también denota la capacidad del cineasta de crear un sello; una impronta inefable que no se adhiere a nacionalidad alguna. El mexicano trascendió la barrera y con orgullo puede enunciar que hace su cine.

El filme, flamante vencedor en la categoría a “Mejor Guión” en el Festival Internacional de Cine de Cannes 2015, retrata el periplo de David, enfermero que se encarga del cuidado de pacientes terminales y quien al mismo tiempo busca retomar la relación con su familia. La base del argumento es el realismo, artífice sorprendente pero tedioso, sin embargo, en ambas circunstancias con un impacto emocional desolador y destacable. Los personajes se desplazan en una cotidianeidad apabullante, lo normal se transforma en siniestro y de la mano con el protagonista atestiguamos la muerte de los pacientes, que contagian al practicante del dolor que antecede a la despedida.

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Otra virtud del guión es hacer de David (brillantemente interpretado por Tim Roth) un ser camaleónico, dispuesto a mutar el carácter dependiendo del enfermo con quien coexista. La complejidad de cada personaje es un atributo a la trama, la película se mueve cómodamente dentro de los lineamientos de la  tragedia. El conflicto y su resolución final provocan preguntas al aparecer la secuencia de créditos.

Franco domina con maestría su técnica, que mezcla lo normal con lo tétrico. Crea con facilidad escenarios donde lo cruel se entremezcla con la situación común. La puesta en cámara se nutre de la composición al interior del plano, es decir: no basta con elegir una posición, ésta debe sugerir siempre a través del empleo de marcos de ventanas, puertas o de objetos que dirigen la mirada del espectador y que al mismo tiempo ocultan e impiden que la gente observe por doquier, al mexicano le gusta limitar la visión, clausurando como alguna vez lo hiciera Lubitsch para evitar la censura.

El trazo favorece siempre la contención, los actores jamás hacen rabietas o se expresan a la manera teatral, se podría decir que el cineasta dirige al actor a la manera bressoniana y construye la interpretación a partir del montaje, que se caracteriza por el ritmo lento, el plano largo cuyo sentido es sumergirnos en el soporífero mundo del enfermero. El director logra a diferencia de muchos usar ese ritmo sin ser presuntuoso, con una causa más que por el simple hecho de hacerlo, hace funcionar esa métrica tan de moda entre los cineastas tarkovskianos wanna be.

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Chronic es sin dudarlo, un filme interesante y propositivo. Su importancia radica en ser  la consolidación de  un realizador mexicano desprendido del molde, en términos simples Franco hace eso que los “expertos” llaman: Cine de autor.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

 

Una mirada a los cinefotógrafos mexicanos

La fotografía llega a México desde mediados del siglo XIX y se va consolidando mediante el dominio de elementos técnicos, con el cual se pretende sacar el mayor provecho de las imágenes y expresar ideas. Después, con la introducción de la cinematografía, tales conocimientos fotográficos sirvieron para afirmar la labor de un realizador especial en colaboración con el Director. No obstante, los primeros mexicanos se afianzaron realmente como camarógrafos y fotógrafos en el cine mudo, desarrollándose en las fotos fijas (stills).

Hasta los años 30, aunque primero extranjeros inspiraron la labor, fotógrafos mexicanos empezaron a sonar, dejando un ejemplo de su trayectoria hasta llegar a la época de oro del cine mexicano. Esta nueva óptica determinó que la profesión resolvía el desarrollo de las imágenes, de la visión del director  y de las películas como tal.

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El compadre Mendoza

Entre ellos Victor Herrera, encargado tanto de la foto fija como de cine foto, empleándose hábilmente con el manejo de media luz en cintas como En un Burro tres Baturros (1939) y El Baisano Jalil (1942). De igual forma, Agustín Jiménez reunió en un principio las facetas de cinefotógrafo y stillman; hizo foto fija con Sergei Eisenstein en ¡Que viva México! (1932) y después se fue especializando en retratar ambientes opacos y sombríos.

También tuvo a su cargo las fotos fijas de El compadre Mendoza (1933), Dos monjes (1934), El escándalo (1943) y El fantasma del convento (1934), y cinefoto en Abismo de Pasión (1953), La sombra del caudillo (1960)  hasta llegar con Carlos Taboada en Hasta el viento tiene miedo (1968).  Otro grande, Alex Philips (de ascendencia canadiense) que participó en más de 50 largometrajes y cuenta con más de 40 años de carrera en los que destaca su arduo trabajo en cintas desde ¡Ay Jalisco no te rajes! (1941) hasta el Castillo de la Pureza (1973). A esto se suman varias colaboraciones en los Estados Unidos.

De igual forma, los hermanos Agustín y Raúl Martínez Solares comenzaron tomando stills, pero pronto ascendieron a la categoría de cinefotógrafos. Los fotógrafos mexicanos en esta etapa muchas veces no contaban con el crédito, que sólo se depositaba en director, escritor y actores, debido a que no era usual mencionar el oficio. Esto cambió notablemente cuando Gabriel Figueroa y otros exponentes comenzaron a crecer como figuras individuales de la profesión, y muchos cinefotógrafos y fotógrafos, empezaron  a diferenciar su trabajo popularizando la labor.

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Enamorada

Gabriel Figueroa, quien primeramente trabajó con los cineastas Emilio “el indio” Fernández, Roberto Gavaldón y posteriormente con Luis Buñuel en la década de los 50, generando clásicos de culto como Los Olvidados (1953), Maclovia (1948) y Macario (1960), por mencionar algunos, posicionándose como el mexicano más reconocido a nivel mundial. Su fotografía destaca por la singular visión para retratar con genialidad el ambiente en blanco y negro,  el diestro manejo de luz y sombras, ya fuera en primeros planos o en planos generales. Con esto, sus imágenes se distinguieron por un estilo delicado y único en el mundo, con lo que ganó la admiración de colegas y directores extranjeros. Figueroa inundó sus vitrinas de premios en las décadas posteriores: 16 premios Ariel  en  mejor fotografía,  lo que lo llevó en parte, a colaborar en Hollywood con el mismo John Ford en El Fugitivo (1947).

Terminada esta etapa del cine mexicano, ya en 1976, Luis Echeverría Álvarez impulsó ciertas leyes para estimular la industria cinematográfica, lo que ayudó para que directores como Arturo Ripstein, Felipe Cazals y Jorge Fons continuaran haciendo películas, y por otra parte funcionó para el cine de ficheras. Así, Alex Philips, Gabriel Figueroa y José Ortiz Ramos, siguieron trabajando con directores de esta etapa distinguiéndose por su calidad y más que todo su continuidad.  En la transición del blanco y negro al color, otros directores de fotografía como Ángel Abad laboraron en México y después emigraron al extranjero, aunque ninguno con tanta trascendencia.

Rodrigo Prieto egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) en 1985, colaboró inicialmente con Daniel Gruener como director de fotografía en Sobrenatural (1996), cinta por la que ganó un premio a mejor cinematografía en el Festival de Cine de Colombia. Después se desempeñó en algunos cortometrajes y largometrajes, hasta que en el 2000 realizó la fotografía de Amores Perros, de Alejandro G. Iñarritu.

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Babel

Prieto se distingue como cinefotógrafo en el ámbito internacional y ha trabajado con reconocidos directores como Martín Scorsese, Spike Lee y Ang Lee. Su estilo visual se basa en retratar con telefotos e ISO alto para darle ruido y textura a la película; también suele manejar fuertes contrastes y  colores desaturados.  Prieto se consideró por largo tiempo el principal colaborador en fotografía de Alejandro G. Iñarritu, y uno de los principales exponentes de la cinematografía mexicana, hasta que llegó el chivo y su gran angular.

No hace falta mencionar que hoy Emmanuel “el Chivo” Lubezki, es el cinefotógrafo mexicano más exitoso de la historia. Tres Premio Óscar de forma consecutiva con The Revenant (2015), Birdman (2014) y Gravity (2013) hablan por sí mismos. Nunca antes  fotógrafo alguno, incluso fuera de México, había logrado tal dominio.

“No creo que el trabajo del fotógrafo sea nadamás dominar la técnica:

decidir qué diafragma usar o dónde van a estar las luces;

el papel del fotógrafo debe ser colaborar con el director para contar una historia.” Emmanuel Lubezki.

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El renacido

Estudió en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC), pero decidió dejarlo para comenzar  a desarrollarse por su propia cuenta. Lubezki llevó la claridad y la limpieza visual al cine digital, con serias influencias de Tarkovksy. Un maestro de la luz tanto producida como natural; revolucionó las imágenes, y aunque ya no trabaja en el cine mexicano, introdujo una nueva forma de ver la gran pantalla con sus lentes de gran perspectiva.

Luis Zenil Castro 

Productor audiovisual y dibujante.

Little girl blue: un documental sobre Janis Joplin

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 Por: Isaac Ávila 

“Take another little piece of my heart now, baby

Oh, oh, break it

Break another little bit of my heart now, darling”

-Janis Joplin. Piece of  my heart (1968).

¿Cómo contar la historia de alguien que ‘podía sentir el dolor de todos’ en sus canciones e interpretaciones? Fácil, dale el micrófono. Deja que fluya en su espacio y que con sus talentos nos conduzca a los capítulos macizos de su existencia.

No sólo te recomiendo Janis: Little Girl Blue (Amy Berg, 2015) para conocer su onda y el rolaqueo amoroso de su mágica presencia, sino por el atinado trabajo de investigación, narrativa, diseño acústico y visual.

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Voy punto por punto. Primero, la investigación. Cualquiera que se jacte de buen rocanrrolero, dedica parte de su tiempo a la consulta ¿Qué hacían tales o cuáles maeses mientras componían las piezas que tanto se graban en nuestra historia? Puede que conozcan algunos de los datos que en los documentales se presentan, pero aquí se metieron hasta la cocina, hurgando en las fotos familiares y la correspondencia que Janis intercambiaba con su familia.

Se agradece el trabajo sonoro que contribuye en todo momento para involucrarte aun más en el relato. Si no conoces la música de Janis, seguro te enamoras de ella. Ayuda en las transiciones entre épocas, en los sentimientos que se buscan transmitir de la Joplin y sus allegados. De la basta habilidad de esta mujer para relacionarse profundamente con lo que hacía y claro, del impacto de sus canciones e interpretaciones.

Bien podrán decir los exquisitos que son los títulos más conocidos, que podríamos escuchar en la famosa estación de proporciones universales del Valle de México, pero no es desatinado. Fueron y son estas las canciones con las que ella se conectó con su público. Con aquellos que tuvieron la fortuna de compartir escenario en diferentes dimensiones.

Los planos de sus entrevistas, aunque sobrios, crean el contraste adecuado para diferenciar lo que Janis era en comparación con otros onderos de la época. Ayudan a reflejar la belleza de sus interpretaciones y lo complicado que era(es) ser una persona intensa que no soportaba el estado de las cosas y luchaba por cambiar lo que alcanzaba a vislumbrar.

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Me detengo una vez más en el trabajo de edición. De principio a fin puedes sentir el calor de la presencia de Janis. El enorme conflicto que tenía en su mente y la admiración que las personas sentían por su talento. El desenlace de una vida que prometía más y más éxito en su transformación del mundo a través de la música y las decepciones amorosas nada ajenas para los espectadores. Se usan a modo de cortinilla algunas tomas en tren que simbolizan la calma, los periodos en que la vida hacia notar cambios en Janis, en la escena del rock y en la narrativa de esta historia. Atinado, da la sensación de subirse al trip psicodélico de este rocanrrol.

Siempre se dice que nos adelantamos o atrasamos al tiempo en que debemos nacer. Así, la Bruja demuestra que el mundo no estaba preparado para sus ideas, para su amor, ni para la potencia de su música, ¿cuándo hemos estado listos? ¿Podremos algún día?

Janis: little girl blue está disponible en Netflix.

Cortometrajes, sustentabilidad y conservación, los protagonistas de Ecofilm

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La sexta edición de Ecofilm, el Festival Internacional de Cortometrajes Ambientales, este año tiene como tema principal la Conservación y sustentabilidad, debido a que el desarrollo del ser humano  debe fundamentarse en el equilibrio, por lo que los sistemas de producción y consumo, así como de emisiones de residuos deben encontrar ciclos virtuosos sostenibles.

El festival se realiza anualmente en la Ciudad de México, y representa un espacio importante de exhibición y concurso de cortometrajes. Dividida en cuatro categorías, (Ficción, Documental, Animación y Campaña Audiovisual) la convocatoria está dirigida a cineastas, casas productoras, productores independientes, universidades y asociaciones civiles.

La República de Corea y el Green Film Festival de Seoul serán los invitados de este año. En sus ediciones anteriores los temas han sido: Agua, eficiencia energética y energía renovable, Biodiversidad terrestre, Residuos sólidos y Cambio Climático.

La recepción de cortometrajes será del 7 de abril al 14 de julio de 2016. Los mejores cortometrajes de la 6ta Edición ECOFILM Festival recibirán los siguientes estímulos:

Competencia nacional Premio ECOFILM 2016: Conservación y Sustentabilidad

$1 millón de pesos (MX)

Premios en las categorías Ficción, Documental, Animación y Campaña Audiovisual

$100 mil pesos (MX) a los primeros lugares de cada categoría.

$50 mil pesos (MX) a los segundos lugares de cada categoría.

1 cámara fotográfica a los terceros lugares de cada categoría.

1 Beca de estudios en la Vancouver Film School.

1 Reconocimiento Especial a la Mejor Directora.

Competencia Internacional

Un viaje para 2 personas a la Rivera Maya.

Para más información consulta: http://www.ecofilmfestival.org

https://vimeo.com/161901490

 

Cinco películas que escandalizaron a la iglesia

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Por: Melisa Zanatta (@MelissaZanatta)

La temática religiosa siempre ha sido llevada a discusión, y cuando ésta es trasladada al cine, los resultados suelen ser controversiales e incluso, han pasado por la censura.

  1. La ultima tentación de Cristo (Martin Scorsese, 1988)

Basada en la obra homónima de Nikos Kazantzakis, el director narra una segunda salida para Jesús, en la que Satanás le permite elegir ser un hombre normal. La parte más polémica para la audiencia es que Jesús acepta salvarse y ser normal.

La película fue boicoteada y prohibida alrededor del mundo. El ejemplo más conocido fue el de Chile, donde no se pudo exhibir hasta principios de 1997, ¿la razón?: se muestra a Jesucristo viviendo como cualquier humano, sintiendo angustia, rencor y desesperación. El talón de Aquiles que rompe en discusión es mostrarlo con deseos sexuales y lujuria, pecando con una prostituta (Magdalena) y procreando. La alteración de los evangelios cristianos y la ley judía fueron el detonante de esta sonrojante polémica.

Por este filme, Scorsese recibió una nominación al Óscar como Mejor director, como lo fue con Toro Salvaje (1980), el cual tampoco ganó. Aun así, el respaldo que varias figuras del mundo político le dieron a esta película la dotó de credibilidad y prestigio.

  1. La pasión de Cristo (Mel Gibson, 2004)

Protagonizada por Jim Caviezel como Jesús de Nazaret, la cinta más conocida entre el público, creó revuelo en comunidades religiosas por la violencia exagerada que roza el gore, en los momentos en que el personaje es sacrificado y maltratado sin piedad. La pasión de Cristo causó mayor revuelo entre los miembros de la comunidad judía, quienes argumentaron que es un gran retroceso para la relación judeo-cristianas, ya que a lo largo de la trama se genera odio hacia los judíos.

Scorsese logra que ningún espectador quede indiferente ante tales imágenes; lo levanta de su asiento para lanzarlo hacia la reflexión sobre aquello que no se había atrevido a buscar una respuesta.

  1. The Devils (Ken Russell, 1971)

El cineasta británico dirigió un filme que ha quedado un poco en el olvido, y es necesario retomarlo por ser una de las obras más polémicas y explicitas en cuanto a sexo, sin tabúes; una afiebrada película sobre un clérigo en Francia de XVII, acusado de herejía. La historia se basa en los hechos reales de la ciudad de Loudun, conocida como el caso más grande de posesión diabólica registrado en la Iglesia católica. Exorcismos, monjas en un ataque de histeria, desnudas y poseídas que se masturban con crucifijos, orgías entre sacerdotes, todo dentro de una iglesia.

Grupos cristianos protestaron indignados y fue prohibida en Italia. Incluso los protagonistas (Vanessa Redgrave y Oliver Reed) fueron amenazados con tres años de cárcel si entraban a ese país. Finalmente la película tuvo tantos recortes con el fin de no ofender al público, que se volvió incomprensible.

 

  1. El exorcista (William Friedkin, 1973)

Esta película de Warner Bross es una adaptación de la novela de William Peter Blatty, quien se inspiró en un exorcismo real ocurrido en Washington en 1949. El director muestra a Regan, una niña de doce años víctima de una posesión diabólica, a quien deben practicarle un exorcismo. Es considerada una clásico y de las mejores películas de terror de la historia.

Tras su estreno el 26 de diciembre de 1973, el reverendo Billy Graham (líder de la ultraderecha religiosa en EUA) acusó a El exorcista de ser “una película poseída por Satán”. Tampoco faltaron los rumores de que el sitio del rodaje estaba embrujado, lo que echó más leña al fuego de la publicidad y derivó en colas interminables frente a los cines y espectadores que afirmaban haberse desmayado de miedo en plena proyección.

  1. Spotlight (Thomas McCarthy, 2015)

No puede faltar la reciente ganadora del Premio Óscar como mejor película. En ella nos sucumbidos en la sociedad controlada por la religión y la política, dueños de lo que se da a conocer y lo que no…

¿Te atreverías a denunciar o arrestar a un sacerdote? Es la temática de este filme basado en hechos reales. Un grupo de periodistas desempolva el caso de sacerdotes pederastas en Boston. Sin duda se convierte en un tema polémico y casualmente no existen pruebas, los jueces no dan información. Finalmente unos de los periodistas logra encontrar un hueco, obtener documentación del caso del padre Bragman y una carta de una familia en la que se cuestiona qué pasará con el padre que violó a sus siete hijos, “¿Porque todo sigue igual, sin ningún cargo al respecto?”

Si te gusta la investigación y la intriga, esta película es para ti. Se trata de una adaptación bien lograda, con el toque ideal para mantenerte al tanto de cada pista que va apareciendo.

Entre otros títulos que causaron revuelo y mesas de debate sobre los tópicos religioses que tocan, son Stigma (Rupert Wainwright, 1999), El Nuevo Mundo (Terrence Malick, 2006), Jesucristo Superstar (Norman Jewison, 1973) y Dogma (Kevin Smith, 1999).

Los bañistas: un desganado ejercicio cinematográfico

El cine latinoamericano se caracteriza por su constante en retratar las temáticas sociales. En el caso de la película mexicana Los bañistas, se aborda la problemática de los huelguistas en un claro intento fallido de comedia.  Aun así, el largometraje fue premiado y nominado en varias ocasiones, entre ellas el Ariel a la Mejor ópera prima para su director, el uruguayo Max Zunino.

Se presentan singulares deficiencias en la estructura básica: el guión; en el que metió mano también la actriz protagónica, Sofía Espinosa. Los personajes bidimensionales y sus diálogos forzados, que parecen emerger de una telenovela, resultan planos y carentes de credibilidad. De humor tiene poco; es más una intención obligada de guiar al espectador a chistes burdos en actuaciones carentes de carisma.

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El primer acto llega rápido y de una manera orgánica, pero en el segundo, la cinta adopta un ritmo lento y se quiebra en el intento de mostrar de más a sus personajes principales y su relación con el contexto.

Ha ocurrido un paro en la caótica ciudad, situación constante que viven los capitalinos. Flavia (Sofía Espinosa) es una joven seudouniversitaria sin aspiraciones, a quien la separación de sus padres afecta severamente. Vive sola en un departamento prestado por su tía y recibe la mala noticia de que tendrá que desalojarlo.

Martín (Juan Carlos Colombo), su vecino, es un hombre de 65 años que se ha quedado sin trabajo y se apiada de ella al verla desprotegida, por lo que la deja quedarse en su casa, pero la personalidad de Flavia causará la incomodidad de Martín. En los antiguos edificios de la Ciudad de México se junta la juventud, la madurez y la manera en cómo se vive el sentimiento de soledad y vacío entre ambas partes.

Conforme avanza la trama se mezclan los conflictos del par de protagonistas y la vida en las calles de los huelguistas. El hogar de Martín será testigo de un choque generacional, porque debido a la crisis económica por la que ambos pasan, se ven obligados a rentar su baño a los jóvenes paristas… ¡Eh! Ahí del porqué del título.

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Al mostrar algunas de las calles más populares alrededor de la urbe, deja un testimonio paupérrimo de la dura vida en las calles de los huelguistas, que por cierto, ni siquiera funcionan como un pretexto suficiente para que los protagonistas se conozcan.

Las personas involucradas en el paro y su situación mal trasladada a la ficción, quedan desaprovechadas y simplemente rellenan la trama. Cuando éstos son atacados por los policías, se trata de un aparente ascenso en la historia que termina tajante y se empalma con una despedida entre los personajes carente de emoción, sin lograr una conexión significativa con el espectador.

En cuanto a la fotografía no hay nada nuevo, dejando a un lado la oportunidad de explotarla como herramienta narrativa; vemos planos fijos que pierden la composición en instantes y colores neutros que nada aportan. Cabe resaltar que la puesta en escena también carece de ingenio y los trazos actorales se quedan igualmente como un ejercicio televisivo. En general, Los bañistas se queda en el fondo a la derecha y no sale a lucir ninguna propuesta. Lo que sí se asoma es la aburrición.

Fan Valdés

Pedagoga de formación pero cineasta por convicción, artista plástica en el tiempo libre.