Memorial de Auschwitz reprueba escena de ‘Hunters’

El Memorial de Auschwitz (museo alemán dedicado al recuerdo de los crímenes del Holocausto) reprobó una escena de la serie Hunters, producción original de Amazon Prime estrenada el pasado 21 de febrero. En su cuenta de Twitter, la institución calificó de “irrespetuosa y peligrosa” la representación del ajedrez humano en el campo de concentración.

La escena del primer episodio muestra un tablero integrado por prisioneros como piezas; durante el “juego”, los reos son asesinados por oficiales nazis. Sobre ese momento de la serie, la organización publicó el siguiente mensaje:

“Auschwitz estaba lleno de dolor y sufrimiento documentado en los relatos de los sobrevivientes. Inventar un juego falso de ajedrez humano para ‘Hunters’ no sólo es una peligrosa y estúpida caricatura. También da la bienvenida a futuros negadores. Honramos a las víctimas preservando la exactitud de los hechos”.

El Memorial de Auschwitz condenó la representación ficticia en un contexto histórico real y lo considera una falta de respeto a las víctimas. El motivo de la censura se debe a la existencia de grupos detractores del Holocausto, los cuales niegan el exterminio (disminuyendo las cifras oficiales de homicidios).

El museo alemán siempre se ha caracterizado por su comunicación solemne en defensa del respeto a los hechos y las víctimas. En marzo del año pasado, también condenó (vía Twitter) las fotos de instagramers en el Memorial, pidiendo a los visitantes no olvidar que en aquel lugar fueron asesinadas cerca de un millón de personas.

David Weil, creador de la serie, respondió a la crítica afirmando que Hunters “es una serie narrativa dramática, con personajes en gran parte ficticios, inspirada en hechos reales. Pero no es documental. Y nunca se pretendió serlo”.

Weil (nieto de una sobreviviente del Holocausto) considera que la escena busca “contrarrestar la narrativa revisionista que blanquea la perpetración nazi”. Por respeto, la producción decidió grabar momentos ficticios en lugar de hechos “específicos y reales de trauma”.

La serie ha tenido una recepción regular, incluyendo críticas a su frívola perspectiva revisionista, aunque parece tener la audiencia suficiente para una segunda temporada. Si llegara a recibir luz verde de los ejecutivos de Amazon Prime Video, Nikki Toscano (showrunner) tiene planeadas hasta cinco temporadas más. Según Newsweek, se podría lanzar el anuncio de renovación a finales de marzo (sin Al Pacino, claro). De resultar cierta la suposición, el programa regresaría en febrero de 2021. 

The French Dispatch, la próxima película de Wes Anderson, ya tiene póster

Después del filme animado Isla de perros (2018), el cineasta Wes Anderson dirige The French Dispatch, su décima película, una entrega ambientada en la redacción de un periódico estadounidense en una ciudad francesa ficticia del siglo XX, con tres historias conectadas entre sí.

The French Dispatch, con duración de 108 minutos, cuenta con nombres conocidos en la filmografía de Anderson, como Alexandre Desplat en la banda sonora, así como el cinefotógrafo Robert D. Yeoman.

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Searchlight Pictures ha dado a conocer el póster de la película, cuyo prometedor elenco está integrado por Timothée Chalamet, Saoirse Ronan, Benicio del Toro, Willem Dafoe, Kate Winslet, Tilda Swinton, Bill Murray, Léa Seydoux, Adrien Brody, Frances McDormand, Owen Wilson, Alex Lawther, Jeffrey Wright, Cécile De France, Mathieu Amalric, Henry Winkler, Elisabeth Moss, Christoph Waltz, Rupert Friend, Jason Schwartzman y Fisher Stevens.

El último live action que dirigió el cineasta estadounidense fue El gran Hotel Budapest (2014), película ganadora de cuatro de los nueve premios Oscar a los que fue nominada.

El trailer de The French Dispatch llegará el 12 de febrero y la fecha de estreno en Estados Unidos es el próximo 24 de julio. 

Inicia rodaje de ‘Sexo, pudor y lágrimas 2’

La segunda parte de la popular película de finales de los 90, protagonizada por un grupo de adultos que enfrentan rupturas sentimentales, ha iniciado su rodaje con la dirección de Alonso Iñiguez y un guion coescrito por él y el dramaturgo Alejandro Ricaño.

En esta nueva entrega, aún sin fecha de estreno, contará con el elenco original: Cecilia Suárez, Jorge Salinas, Susana Zabaleta, Mónica Dionne y Víctor Huggo Martín. A estos nombres se suman Ximena Romo, Naian González Norvind, Paco Rueda, José Ángel Bichir, Angélica Aragón, Norma Angélica, Monserrat Marañon, Arleth Terán y el debut de Victoria Volkova.

La primera parte, Sexo pudor y lágrimas (1999), fue dirigida por Antonio Serrano y se trata de una adaptación de su propia obra teatral. La película se convirtió en una de las más taquilleras del llamado ‘Nuevo cine mexicano’; asimismo, fue reconocida con cinco premios Ariel, incluido el de Mejor tema musical por la canción homónima de Alex Syntek.

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Después de dos décadas, ¿qué sucederá con los personajes? Aunque no se han revelado detalles de la trama por parte de Warner Bros. Pictures México, que ha informado el arranque de las grabaciones, de acuerdo a una entrevista de Notimex, Jorge Salinas adelantó el entusiasmo que le causa este proyecto: “Además de emocionarme esta segunda parte, me pone nervioso por lo que ha pasado con Miguel, 20 años después. Todos los cambios son buenos y el suyo es radical. Le hacía falta un jalón de orejas de parte de la vida y se lo dieron”.

Joker: la favorita en las nominaciones de los premios BAFTA

Con 11 nominaciones, Joker (Tood Phillips) lidera la lista de los próximos Premios de Cine de la Academia Británica, los cuales se entregarán el 2 de febrero. Entre las principales menciones se encuentran: Mejor película, Mejor director y Mejor guion adaptado.

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Si por algo ha destacado la película de DC, es debido a la actuación de Joaquin Phoenix, quien interpreta a Arthur Fleck, un hombre que trabaja de payaso y sufre un trastorno neurológico que lo hace reír en momentos inapropiados.

En la recién entrega de los Globos de Oro, Phoenix se alzó como el Mejor actor; en el caso de los BAFTA, el actor estadounidense de origen puertorriqueño también compite en dicha categoría con Adam Driver (Historia de un matrimonio), Leonardo DiCaprio (Había una vez… en Hollywood), Taron Egerton (Rocketman) y Jonathan Pryce (Los dos Papas).

En el apartado de Mejor película, Joker se enfrenta con 1917 (Sam Mendes)El irlandés (Martin Scorsese), Había una vez…en Hollywood (Quentin Tarantino) Parasite (Bong Joon-ho).

El resto de las categorías en las que figura Joker, son: Mejor fotografía, Mejor edición, Mejor diseño de producción, Mejor elenco, Mejor maquillaje y peinado, Mejor sonido y Mejor música original.

Con 10 nominaciones, el segundo lugar en la lista del BAFTA lo ocupan El irlandés y Había una vez… en HollywoodLe siguen 1917 con nueve menciones y Jojo Rabbit (Taika Waititi) con seis.

Las 10 mejores películas musicales

Irving Javier Martínez (@IrvingJavierMtz)

La música es uno de los pilares del cine contemporáneo, básicamente, porque es el hilo emotivo de una trama; las melodías y canciones pueden dar el empujón final al espectador para reaccionar a una escena. Por tal motivo, los musicales tienen ese complicado lugar entre los géneros: exceder la dosis de estímulos puede ocasionar una desconexión con el espectador. Producir una película de este tipo es jugar con una bestia inestable; no obstante, existen directores que han logrado domarla (a quienes enlistamos a continuación).

En el siguiente conteo descartamos los clásicos previos a 1960 (por antigüedad se merecen un respeto) y filmes con música –biopics y largometrajes como Sing Street o Cabaret (donde las canciones son justificadas en historias verosímiles). En otras palabras, sólo están incluidos títulos en los que se rompe el simulacro de “realismo”.

  1. Jesucristo Superestrella (Norman Jewison, 1973)

Filme de apariencia minimalista. Famoso y polémico por su temática (con sólo mencionar a Dios ya tienes a hordas de enfurecidos católicos haciendo publicidad gratuita). Mientras otras películas se quedaron en su tiempo, Jesucristo Superestrella no ha perdido vigencia y su estilo hippie aún es atractivo.

La ópera rock no es tan provocativa como en los 70 (en iglesias se cantan algunas letras durante las liturgias), pero su paupérrima ambientación en medio del desierto israelí la hace exótica y disruptiva.

  1. 8 Mujeres (François Ozon, 2002)

Aunque Pedro Almodóvar ha montado varios números musicales memorables, fue su homólogo francés quien logró hacer uno de los mejores musicales en la historia del cine. Con un soundtrack lleno de baladas francesas clásicas y un insuperable ensamble lleno de estrellas nacionales (Huppert, Deneuve, Ardant, Béart), 8 mujeres es una abigarrada trama con misterio, sensualidad lésbica y un diseño de producción festivo. Uno de los éxitos más notables en la carrera de Ozon.  

  1. Hedwig and the Angry Inch (John Cameron Mitchell, 2001)

Si bien su filmografía es bastante regular, el prestigio de John Cameron Mitchell como director se respalda por esta tremenda ópera prima (un referente máximo en la cultura queer). La personalidad de la protagonista se va construyendo a partir de las canciones, tracks que sacaron lo mejor del rock alternativo noventero.

La adaptación permitió al realizador jugar con diferentes estilos (incluida la animación), creando un embriagador universo etéreo que mezcla lo agresivo del underground con la melancólica historia de Hedwig.

  1. La La Land (Damien Chazelle, 2016)

El falso plano secuencia de Another Day of Sun es una de las mejores introducciones desde Chicago (Rob Marshall, 2002). La fuerza de esta película se encuentra en los intereses de Damien Chazelle, quien desde Whiplash (2014) ha demostrado talento para conjugar montaje visual con melodía.

Aunque La La Land vive gracias a las múltiples referencias a clásicos (prácticamente es una adaptación del número 2 de esta lista), la mirada sombría de la edad dorada de Hollywood cumple con la cuota hipster que el millennial estándar exige. Ya han pasado más de tres años y el largometraje continúa como referente mainstream.

  1. Amor sin barreras (Jerome Robbins y Robert Wise, 1961)

Steven Spielberg está realizando un remake; así de importante es esta producción. La adaptación del musical de Broadway es una reinterpretación de Romeo y Julieta, con el cambio de las disputas familiares por las riñas entre estadounidenses de origen europeo contra dreamers puertorriqueños (vaya actualidad).

Las coreografías presentan el lado B del Nueva York latino, una bomba sonora en la cual el mambo y el jazz se mezclan para mostrar el contexto desangelado y hostil de los migrantes. El único “pero” es  la desabrida pareja formada por Natalie Wood y Richard Beymer, sin embargo, su romance se pierde en el mar festivo creado por Leonard Bernstein.

  1. All That Jazz (Bob Fosse, 1979)

Musicalmente, esta Palma de Oro ha envejecido demasiado; no obstante, su estructura narrativa sobrevive. La película es convencional hasta el último acto, donde el protagonista comienza a agonizar y se desata un festín lírico en la mente del bailarín moribundo. De forma muy práctica, Fosse separó la fantasía musical de la “realidad”, como si se trataran de dos tramas paralelas –fórmula que Rob Marshall empleó en su oscarizada Chicago (2001) y Nine (2009)–. 

Quizás no goza de la popularidad de Cabaret (1972), pero la autoficción (Joe Gideon es alter ego del director)  tiene una carga poética con ecos de la crisis masculina en 8 ½ (Federico Fellini, 1963) e introspectivos diálogos con la muerte (Jessica Lange).

  1. Bailando en la oscuridad (Lars von Trier, 2000)

Si viviera en 1999 y supiera que se aproxima un drama con música de Björk y dirigido por Lars von Trier (quien venía de dirigir la odiable Los Idiotas), sinceramente, me moriría de risa. Dejando de lado sus excentricidades (el supuesto uso de 100 cámaras simultáneas para filmar las coreografías), la película tiene ritmo ágil y trama espeluznante –de una crudeza superada hasta la llegada de los rumanos (Mungiu y contemporáneos)–. Las participaciones de Thom Yorke, Joel Grey (Cabaret) y Catherine Deneuve engalanan esta austera crítica contra la pena de muerte. 

  1. Moulin Rouge! (Baz Luhrmann, 2001)

La salvaje masacre de La Traviata debe su éxito a un alucinante montaje, al que sólo le faltan las luces destellantes de Gaspar Noé para ocasionar un ataque epiléptico al espectador. Los actores están en el mismo rango, entachados a tope para no darse cuenta del oso que estaban haciendo.

Este collage de referentes culturales (tuvieron la osadía de juntar Lady Marmalade y Smells Like Teen Spirit en el mismo mix) aturde con tanto pop y sin embargo es tan entrañable la maldita película. Mouline Rouge! nos dio la dosis de “plástico” y frivolidad que ningún musical nos ha vuelto a ofrecer.

  1. Los paraguas de Cherburgo (Jacques Demy, 1964)

Quizás no exista un musical tan radical como éste: ¡todo está musicalizado! (hasta un “pásame la sal” está entonado). A la distancia parece un poco viejo (como la mayor parte de la nouvelle vague), pero en sus días fue vanguardista.

Demy y Michel Legrand armaron una aberrante ópera baladística, colorida y pesimista al mismo tiempo. En una industria en la cual otra versión de Pigmalión (Mi bella dama, 1964) era la principal apuesta musical, este drama sobre sexo prematrimonial entre dos amantes separados por la Guerra de Argelia daba vida a un género en tendencia por los trabalenguas de Mary Poppins.

  1. El show de terror de Rocky (Jim Sharman, 1979)

Si vas a realizar un musical, es para desmadrar todos los convencionalismos que el cine “serio” no te permite y El Show de terror de Rocky lo logró con creces. El largometraje rebasó los límites del camp y se instaló en el mainstream gracias a su propuesta excéntrica –burlona con todos los tabús y represiones sexuales–.

El director sacrificó presupuesto a cambio de tener libertad creativa y de casting (incluyendo a gran parte del talento de la versión teatral, en lugar de estrellas hollywoodenses). A la distancia, el sexy juego entre cabaret y rock continúa siendo tan fresco como en su momento.

‘Pulp fiction’ será proyectada en la Cineteca Nacional

Tiempos violentos (Pulp Fiction, 1994), la película que catapultó la carrera de Quentin Tarantino, se proyectará en la Cineteca Nacional el próximo 13 de diciembre.

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El segundo largometraje dirigido por Tarantino es una mezcla de historias protagonizadas por Vincent Vega (John Travolta), Mia Wallace (Uma Thurman), Jules Winfield (Samuel L. Jackson) entre otros. Distinguida por la forma en que conjunta la ironía, el crimen organizado de Los Ángeles y la violencia, es uno de los filmes más populares del cine de los noventa.

Entre otros premios, recibió la Palma de Oro en el Festival de Cannes, con lo cual Tarantino -quien ya había realizado Perros de reserva (Reservoir dogs, 1992)- empezó a ser reconocido a nivel mundial tanto por el público como por la crítica.

Recuerda que este mes también se encuentra la trilogía de El padrino (Francis Ford Coppola).

Consulta aquí más información.

Animadores y directores de arte se reúnen en el ‘Iluma Fest’

Profesionistas internacionales en las áreas de ilustración, animación y videojuegos de empresas como Pixar, Netflix, Dreamworks, Nickelodeon y Bungie se reúnen a partir de hoy hasta el 24 de noviembre en el Iluma Fest, Festival de Entretenimiento y Arte Digital, un espacio para estudiantes como para apasionados del entretenimiento y las artes digitales. 

Organizado por la Escuela de Arquitectura, Arte y Diseño (EAAD) del Tecnológico de Monterrey Campus Puebla, el encuentro pretende generar enlaces entre profesionistas y estudiantes a partir de talleres, workshops  y firmas de autógrafos. 

Entre los invitados están Vaughan Ling, quien trabajó en la película Spiderman: Into the Spiderverse, así como en el capítulo “The Witness” de la serie de Netflix, Love Death and Robots; Donglu Yu, involucrada en proyectos como Assassin’s Creed y Farcy 4 Andrew Domachowski, quien combina su labor en cine y en la industria de los videojuegos con proyectos como Gears of wars y Deadpool 2. La parte de arte digital se cubrirá con creativos como Jonh Nevarez, quien colaboró en la películas Inside Out y Coco.

De la industria del doblaje se presentará el actor José Arenas, conocido por ser Jake, el perro del programa Adventure Time Leyla Ranel, quien ha prestado voz para personajes como Hermione de la Saga de Harry Potter. 

Otros de los talleres serán: Diseño de personaje por Michelle Lin, quien actualmente labora en la serie de Disney Junior, Miles From Tomorrowland; Técnicas de renderizado en tiempo real con uso de tecnología de NVIDIA RTX, en la plataforma de Unreal Engine, presentado por Quantic. 

Respecto a la dirección de arte estará Tim Kaminski, quien ha participado en videojuegos como Brawl Stars; Jeremy Fenserk, conocido por el videojuego Destiny 2 y creador de la desarrolladora Singularity6 y Rustam Hasanov, director de arte de la serie TrollHunters y de la película Book of life. 

El festival es una excelente oportunidad para aprender cómo se crean aquellas películas, serie o videojuegos que tanto nos gustan. El Tecnológico de Monterrey, Campus Puebla se ubica en Vía Atlixcáyotl No. 5718, Reserva Territorial Atlixcáyotl, Puebla, Puebla. La entrada es abierta a todo público y sólo necesitas adquirir tus boletos en https://iluma-fest.boletia.com/