Lo mejor de Stanley Kubrick

El cineasta nacido en Bronx es uno de los más conocidos en toda la historia cinematográfica; filmó diversas películas que trascendieron más allá de la época. Muchas de sus obras siguen vigentes hasta la actualidad y sobre todo se mantienen frescas por el interés de las nuevas generaciones.

Además de La Naranja Mecánica (A Clockwork Orange, 1968) la obra más conocida del cineasta,  a continuación enlisto cinco de sus mejores obras.

5.- Casta de malditos (The Killing, 1956)

El crimen perfecto, el atraco con el cual una banda podría retirarse y vivir sin problema alguno sus últimos días. Sin embargo todo llega a salir mal cuando la esposa de uno de los cómplices comienza a preparar junto con su amante otro golpe.

Kubrick hace un film noir en el que cualquier detalle del plan está bajo control, pero las imperfecciones de la vida cotidiana hacen que falle y todo termine en una masacre.

4.- Ojos bien cerrados (Eyes Wide Shut, 1999)

Se trata de la última película del director estadounidense, en la que presenta a la pareja de moda del momento: Nicole Kidman y Tom Cruise, quienes encarnan un matrimonio moderno que sufre de una crisis de confianza en la que las tentaciones, perversiones y fetiches llevarán al protagonista a una orgía que le hará ver su situación de otra manera.

3.- Cara de guerra (Full Metal Jacket, 1987)

La película presenta el tema de la guerra y las implicaciones a las que se enfrenta un grupo de soldados, desde la preparación en un campo militar ante la rudeza del sargento a cargo, hasta el momento en que sirven para los Estados Unidos en Vietnam. El protagonista: Joker, escribe para el periódico del ejército y una misión le hace ver en el campo de batalla los horrores y la pérdida de camaradas.

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Las temáticas tocadas por Kubrick son un acercamiento al daño físico y moral de las tropas que ven caer a personas por igual, y sobre todo la deshumanización por parte de los dos frentes. Al parecer, junto con Apocalypse Now y Platoon, es una de las películas que más criticó la intervención de Estados Unidos en la península de Vietnam.

2.- Barry Lyndon (1975)

En la historia observamos el ascenso y descenso de un joven irlandés dentro de la sociedad inglesa, además de las aventuras que vivió en el ejército y de cómo se da cuenta que el duelo que lo hizo salirse de su tierra natal fue un amaño.

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Esta adaptación del libro homónimo que Kubrick dirige después del gran éxito que alcanzó con La naranja mecánica, es un logro cinematográfico en el que la joya de la corona es para la fotografía, gracias a un plano secuencia iluminado únicamente con velas y con un lente que consiguió de la NASA, el f 0.7 que captó la luz más tenue de las velas, elemento importante en la intención dramática del filme.

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1.- 2001: Odisea al espacio (2001: A Space Odyssey, 1968)

En pleno boom de la carrera espacial entre la Unión Soviética y los Estados Unidos en 1968 ya se habían enviado al espacio las misiones Sputnik y Gemini, pero en la conciencia de Arthur C. Clarke y Stanley Kubrick decidieron adelantarse al (entonces) impensable año 2001. Con la consigna de los avances espaciales de la época, se antojaba para el nuevo milenio la conquista del sistema solar. Desgraciadamente no fue así.

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Kubrick realiza una cinta de ciencia ficción alejada de cualquier estereotipo: una misión a Júpiter que presenta una disyuntiva entre inteligencia humana y la inteligencia artificial. La eterna pregunta ¿estamos solos en el universo?

La película está basada en el libro El Centinela de C. Clarke. Complicada, visualmente estremecedora; aderezada con el Danubio Azul y la conocida Así Habló Zaratustra de Strauss, que involuntariamente musicalizó la carrera espacial.

Mención Honorífica

Dr. Insólito (Dr. Strangelove: Or How I Learn To Stop Worrying and Love The Bomb, 1959)

En plena guerra fría, Stanley Kubrick retoma con un humor negro una de las amenazas más grandes de la época: una guerra nuclear. De esta forma conocemos al General Jack D. Ripper, quien considera que los comunistas tienen un plan para flourizar el agua y ordena un ataque a suelo soviético.

Por su parte, los soviéticos tratan de detener a quienes están bombardeando y dañan sólo a uno, inhabilitando su capacidad de recibir o enviar mensajes. Así, los altos mandos americanos logran regresar a todos, menos a uno. Mientras, en la sala de guerra de los Estados Unidos se vivirán demás historias junto con el presidente, los generales y un asesor científico, un ex nazi llamado Dr. Strangelove.

Sebastián Ortiz 

Comunicólogo que habala mucho y escribe (mal) sobre cine, música y ciencia ficción.

 

Películas Found Footage

El género cinematográfico documental se ha diseccionado con el paso del tiempo y los continuos avances tecnológicos. A través de la manipulación directa del material, diversos realizadores han explorado la tierra fértil de dicha rama del cine. Quien asegure que el documental es objetivo, vive en los tiempos de Lumiére y Brighton.

Una de sus categorías es el denominado found footage, mina de oro del cineasta independiente, claro ejemplo de ello es la infame saga Actividad paranormal que costó unos cuantos miles de dólares y recaudó unos tantos millones. El subgénero es pretexto, se volvió popular con la inolvidable La bruja de Blair a finales del siglo pasado que propició al menos un centenar de filmes burdos y desechables. Sin embargo hay algunas joyas que han dignificado el formato.

 5. Noroi (Kôji Shiraishi, 2005)

Situada en Japón, el relato gira en torno a Masafumi Kobayashi, una suerte de analista de lo paranormal a la usanza del difunto Juan Ramón Sáenz. El investigador, descubre el vínculo que hay entre una entidad demoníaca y una serie de sucesos que entrelazan a varios personajes.

El filme contiene una trama narrada en dos actos, a diferencia del estilo estadounidense, en Noroi el drama se cuece lento, no hay screamers ni momentos de sorpresa, empero el suspense aumenta conforme avanza la historia, la paciencia es clave para arribar a un clímax que se extiende por un lapso de más de veinte minutos.

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La ruptura con respecto a otras películas del mismo corte se da con el ritmo, complementado por actuaciones y un diseño de arte minimalista, característico del teatro Noh japonés, quizá, una de las principales influencias estéticas.

Aun con sus virtudes, la cinta no se libra de circunstancias inverosímiles en donde el afán por grabar, se impone a la imperiosa necesidad de salvar una vida. Noroi adolece de lo más esencial, la construcción y desarrollo de escenas, siendo éstas, disonantes y desequilibradas.

4. Lake Mungo (Joel Anderson, 2001)

Alice Palmer, una joven de dieciséis años aparece muerta a las orillas de un lago, su familia sufre el proceso de duelo mientras se investigan una serie de acontecimientos aparentemente paranormales, que se suscitaron a raíz de su fallecimiento. Tal es el relato desarrollado por el director Joel Anderson, quien invita a escépticos y creyentes en el fenómeno fantasmagórico por igual a disfrutar de una trama con múltiples giros de tuerca que contribuyen al desarrollo de los personajes.

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Si bien Lake mungo no se trata de una película netamente found footage, está filmada al estilo de un documental falso, en donde el metraje “hallado” forma parte de la estructura dramática, es fundamental para develar el misterio del ahogamiento.

La cinta contiene escenas atemorizantes que mantendrán al espectador tenso, secuencias tan bien logradas que uno logra involucrarse en el dilema familiar, a pesar de ser a veces incongruentes el luto les conduce a sacar lo peor de sí mismos.

¿Existen los fantasmas? ¿de dónde provienen? ¿qué quieren? Para responder aquellas cuestiones, el público deberá soportar el ir y venir del misterio de la muerte hasta la secuencia de créditos, que sin duda les dejará más preguntas que respuestas, y que al mismo tiempo le eriza la piel a más de uno.

Película completa: http://bloghorror.com/2010/01/lake-mungo-2009.html

3. Rec 2 (Jaume Balagueró, Paco Plaza, 2002)

La temática zombie ha sido explotada hasta el cansancio, raro es mirar una propuesta refrescante, ese fue el caso de REC (2007) dirigida por el dúo Balagueró-Plaza, que repitieron y de hecho mejoran la hazaña con la secuela, ambientada de nuevo en el interior de un edificio en la ciudad de Barcelona.

La incursión de la fuerza policial en el conflicto permite licencias estéticas como el empleo de planos sobre los rifles, plagio de los videojuegos shooter que funciona a la perfección. Dicho elemento provoca un cambio del punto de vista original, se pasa del pasivo (Ángela Vidal) al activo (escuadrón de rescate). El ingenio, no para ahí.

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Ahora se añade una explicación al “virus” de carácter religioso, un sacerdote infiltrado investiga a una de las criaturas más emblemáticas del nuevo milenio: La niña Medeiros, poseída por un ente demoníaco capaz de transferir una parte de su esencia; los zombies, están poseídos no infectados. Esta explicación fue una de las principales herramientas para que la crítica le apaleara, a veces, darle un giro al mito es arriesgado y REC 2 es el caso.

2. La bruja de Blair (1999)

Daniel Myrick y Eduardo Sánchez decretaron los ingredientes de la fórmula; financiamiento independiente, cámara en mano, minimalismo audiovisual y un grupo de personajes dedicados a “investigar” un fenómeno sobrenatural. La bruja de Blair fue el parteaguas, el banderazo de salida a un nuevo milenio en donde los medios tal y como lo predijo Dogma 95, se democratizaron, cualquiera con ansias de contar, cámara en mano puede hacerlo.

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El principal acierto de los realizadores fue dejar todo a la imaginación del espectador, esto provocó el terror que la hizo legendaria ¿qué hay más horrible que aquello que proviene de nuestro interior? La bruja es el pretexto para adentrarnos en el bosque y sufrir, como sus protagonistas.

El guión peca por lento, sin embargo a partir del segundo acto la trama cobra fuerza, las situaciones se complejizan y el método de filmación resulta efectivo, como si no hubiera otra manera de contar esa historia. Cabe preguntar qué habría resultado de haberse filmado de manera tradicional, el found footage al parecer era la ÚNICA manera.

1. Holocausto Caníbal (1980)

Filme capital del found footage o lo que es lo mismo, el padre del subgénero. Relata el andar de un grupo de documentalistas poco experimentados en el amazonas. Dirigida por Ruggero Deodato, la película causó controversia durante la década de los ochenta por su contenido violento; de la destrucción de comunidades aborígenes a la castración, Holocausto brilla por retratar la descomposición del ser humano moderno y el abuso de poder.

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Entre sus imágenes se encuentra la mutilación de una tortuga en cámara, sin embargo está plenamente justificada, ya que define a los personajes, les construye y sobre todo, sirve de parangón entre los naturales del Brasil y los visitantes modernos, aunque se revelará que a la postre, ambos son en esencia, violentos.

Holocausto caníbal no es un filme tolerable por cualquiera pero debe ser vista por todos, ya que literal y metafóricamente se introduce a las entrañas del ser humano, para revelarnos, para mostrarnos de qué somos capaces. Cuestiona, muestra y enseña cuáles son nuestros instintos más básicos, descubre el velo: diversión y violencia son grandes amigas que van de la mano.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

Philip K. Dick en pantalla grande

 Philip K. Dick es catalogado como uno de los escritores de ciencia ficción más importantes del mundo gracias a sus distopías futuristas, en las que observamos implantes de cerebro con los que se permite programar emociones y sentimientos. Las obras del ganador del premio Hugo en 1963 (conocido como el Nobel de la ciencia ficción y la fantasía) son de las que más se han realizado adaptaciones a la pantalla grande. A continuación se enlistan cinco de ellas, las cuales han sido las de mayor atracción para el público.

5. Natural City (Byung-cheon Min, 2003)

Se trata del debut como director del surcoreano. La historia, desarrollada en el año 2080, es una adaptación del conocido libro escrito en 1968 ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? Y un homenaje a Ridley Scott.

El logro que tiene la película de Byung-cheon, que en esencia es la Blade Runner de Corea, es que se trata de una obra visualmente hermosa y con unas actuaciones que no decepcionan dentro de un ambiente cyberpunk, muy de la usanza oriental. Es una gran película, pero que no llega a ser tan célebre como la adaptación de Scott.

4. Minority Report (Steven Spielberg, 2002)

Como en la mayoría de los relatos de Dick, en esta adaptación de El informe de la minoría (1956) no hay una excepción a las distopías. En una ciudad de Estados Unidos hay una agencia de Pre Crimen, que permite a mutantes anticiparse a los crímenes y evitarlos. John Anderton (interpretado por Tom Cruise), un ejemplar policía de dicha agencia y adicto, es acusado de un crimen que aún no comete y hará lo posible por evitar tal fechoría.

No es una de las mejores películas de Steven Spielberg ya que está plagada de efectos visuales, sin embargo posee un valor muy importante debido a que estamos hablando de uno de los cuentos menos conocidos del escritor, en el cual plantea una duda que muchos han tenido tanto en el cine como en la literatura: ¿qué repercusiones tiene saber lo que pasará en el futuro?

3. Una mirada a la oscuridad (Richard Linklater, 2006)

Linklater después de dirigir Despertando a la vida (Walking Life, 2001) una película animada por medio del rotoscopiado, cinco años después recurre a lo mismo en A Scanner Darkly. En la historia, nos situamos en el condado Orange, California, donde existe una gran amenaza por una droga llamada Sustancia M o Muerte Lenta. En este contexto, un policía comienza a investigar a su grupo de amigos, convirtiéndose él mismo en un adicto a la sustancia M, por lo que termina en una “granja”. Tal hecho lo llevará a descubrir que las mega corporaciones son las encargadas de fabricar la droga.

El valor de la película es la animación, además de las participaciones de algunas estrellas de Hollywood como Robert Downey Jr.

2.Desafío total (Paul Verhoeven, 1990)

El filme parte de un cuento corto titulado Podemos recordarlo todo por usted (1966), en el que se cuenta la existencia de una empresa llamada Rekall, de la cual el negocio es implantar recuerdos de vacaciones debido a los altos costos de los viajes interplanetarios. Pero Douglas Quaid tiene la manía de visitar Marte, por lo que requerirá los servicios de Rekall, empero adentrarse a su mente traerá resultados negativos.

Es una de las películas más recordadas y que trasmitían hasta el hartazgo en el canal 5, debido a que gran parte de su rodaje fue en la estación del metro Chabacano y en la Glorieta de Insurgentes de la ciudad de México.

Aquí se muestra la alteración de la mente humana y todas las implicaciones que esto puede llevar, desde una locura hasta una lobotomía. La cintaa tuvo un remake en 2012, dirigido por Len Wiseman.

1. Blade Runner (Ridley Scott, 1982)

Al igual que Natural City, la película se basa en ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?. Esta ocasión, Harrison Ford interpreta a Deckard, un agente especializado en “retirar” a los replicantes, cyborgs que se convirtieron en una amenaza. Su misión específica es retirar a los últimos seis, los más independientes y fuertes de esa serie.

La obra combina muy bien la ciencia ficción con el film noir y el cine policiaco, es considerado de culto. Desafortunadamente sufrió de los embates de la industria, ya que ésta le quitó el control creativo a Ridley Scott, provocando más de 5 diferentes cortes.

Sebastián Ortiz 

Comunicólogo que habla mucho y escribe (mal) sobre cine, música y ciencia ficción.

Las mejores películas de Alfonso Cuarón

Cuando se habla del cine mexicano del nuevo milenio, tres nombres se destacan internacionalmente por encima de los demás. Los “tres amigos” (Alfonso Cuarón, Alejandro G. Iñárritu y Guillermo del Toro) salieron del país ante el nulo apoyo en México para explotar su talento. Con el paso de los años se han ganado el aprecio del público y la crítica, lo mismo con obras profundamente personales que con grandes Blockbusters. Es Alfonso, sin embargo, quien llevó las fronteras del lenguaje cinematográfico más allá de lo inimaginable; innovador genial tanto en lo narrativo como en lo técnico, las siguiente son sus películas más relevantes:

5. La Princesita (1995) 

Contada durante la primera guerra mundial, el filme narra la historia de una pequeña resguardada en un orfanato mientras su padre se va a combatir. Se trata de la primera película en el extranjero del mexicano. Junto a su eterno colaborador: el cinefotógrafo Emmanuel Lubezki, la pareja otorga una paleta de color verde ocre, la cual, constituye la principal propuesta estética, misma que le aseguró la dirección de Harry Potter: El prisionero de Azkabán.

La princesita Alfonso Cuarón

La única “falla” es el deficiente uso de efectos generados por computadora, los cuales han envejecido con el paso del tiempo; sin embargo resultan adecuados por su función dramática, que es reflejar la imaginación de la niña. La cinta catapultó el prestigio del realizador, permitiéndole asentarse la industria hollywoodense y británica respectivamente.

4. Y tu mamá también (2001) 

Una vez más el díptico conformado por Alfonso y Carlos se une para narrar una historia nacional y cuasi-autobiográfica. Consolidaron además a otra dupla actoral: Gael García Bernal y Diego Luna, quienes a partir de entonces atrajeron los reflectores en el extranjero.

Y tu mamá también es una road movie que cuenta el viaje de Julio (García Bernal) y Tenoch (Luna) del Distrito Federal a Oaxaca, acompañados por Luisa Cortés (Maribel Verdú), una española diez años mayor que ellos. El periplo funciona como alegoría de la amistad, sólida al principio, resquebrajada hacia el final; de la destrucción de los propios valores impuestos; de la sordidez juvenil. La playa es el escenario de la caída, un lugar paradisíaco que paradójicamente, deshace.

y tu mamá también

El filme fue financiado por el controversial Jorge Vergara y dio origen a la productora Cha, Cha, Cha, Films. Destaca por revelar una de las principales herramientas narrativas del dúo Cuarón-Lubezki: el plano secuencia, que apremia el contexto como reflejo del personaje. Además, la película es el banderazo de salida para el cine nacional del nuevo milenio.

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3. Gravity (2013) 

Película cumbre de la colaboración Cuarón-Lubezki, ambos inventores e innovadores de la iluminación en set. La historia espacial es el pretexto perfecto para explorar nuevas instancias narrativas, principalmente en el apartado de la fotografía, alabada y multipremiada. Se trata de la cinta con mayor repercusión técnica en la filmografía de los mexicanos. Contada con planos secuencia interminables y sumamente complejos, Gravity deslumbra por sus logros e incluso ha sido comparada con obras como 2001: Una odisea en el espacio de Stanley Kubrick.

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Gravity habla sobre el viaje de vuelta a casa de la Dra. Ryan Stone, astronauta varada en el espacio después de la destrucción del Explorer.

Aun con los elogios, sufre de un guión que de estar situado fuera del contexto espacial, probablemente habría pasado desapercibida. Sin embargo, arrasó en los premios y cimentó la fama del defeño, quien supo explotar el talento de Sandra Bullock y George Clooney; además contó con la colaboración de Jonás Cuarón, hijo del director, también cineasta.

A la postre, Alfonso conseguiría el Óscar a mejor director, convirtiéndose en el primer cineasta latinoamericano en recibir el galardón.

2. Sólo con tu pareja (1992) 

Ópera prima del capitalino, el guión está inspirado por cineastas icónicos de los años 40, entre los que se destaca Ernst Lubitsch, escrito en colaboración con su hermano Carlos. La historia es una comedia urbana que re-construye la figura arquetípica de Don Juan, pero la reinventa a través de una problemática creciente en la década de los 90: el VIH.

Solo con tu pareja

El filme lo estelariza Daniel Giménez-Cacho, en sustitución de Eugenio Derbez quien estaba contemplado originalmente. El actor brinda una sólida interpretación de Tomás, hombre al que “le gustan todas, menos las verdes”, funciona e impone el tono cómico que oscila con el melodrama.

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Cuarón tuvo la virtud e insolencia de colaborar con uno de los máximos artistas que ha brindado la humanidad: Mozart, quien con su serenata al viento conduce el amor apasionado de Tomás Tomás hacia una azafata, que se consuma en la Torre Latinoamericana; perfecta consonancia entre dos artes, la música y el cine, Europa y América. dos siglos que se encuentran en una secuencia única. Excelente carta de presentación para el mexicano.

Sólo con tu pareja tiene la mayor de las virtudes, se narra tomando como base un guión sólido, con personajes complejos, que marca un ritmo lo mismo ágil que apacible. Se nota el oficio respecto al manejo del género, una comedia con tintes fársicos que mejora con el tiempo. La cinta es seguramente una de las mejores óperas primas en la historia de la cinematografía nacional e internacional.

1. Children of men (2007)

Quizá no se trata del mayor logro técnico de su realizador, sin embargo, el alcance técnico de esta obra es sobresaliente. Emmanuel Lubezki de nueva cuenta fotografía el filme de manera sublime, con la dificultad que representa rodar en exteriores logra capturar la repercusión del contexto sobre el personaje principal: Theo (Clive Owen), mediante el uso de planos secuencia meticulosamente planeados por Cuarón, entre los que se destaca la escena al interior del coche.

Niños del hombre se ubica en un futuro post-apocalíptico plagado de guerrillas, caracterizado por la infertilidad de las mujeres y por la muerte del hombre más joven del planeta tierra.

Basada en el libro homónimo de la escritora P.D. James, la película es la mejor del mexicano por una sencilla razón: logra conjugar su capacidad técnica con su grandioso genio narrativo. El guión, sumamente complejo es perfectamente utilizado por un cineasta en plenitud de facultades, con el presupuesto adecuado y un crew idóneo.

Resulta fascinante mirar el proceso de rodaje del plano secuencia al interior del vehículo:

A diferencia de Gravity, aquí el logro técnico va de la mano con el bello arte de narrar una buena historia.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

Las películas que no ganaron un Oscar

Por: Rodrigo Márquez 

La 87° entrega de los Premios de la Academia está a casi nada de efectuarse. El Teatro Dolby está listo, la lista de nominados también y todos estamos a la espera de los ganadores. Sin embargo, el glamour y los reflectores del 22 de febrero sólo serán para los ganadores, es por ello que en esta ocasión trataremos de rendir homenaje a quienes se tuvieron que conformar con aplaudir desde sus asientos, mientras veían a otros recoger la preciada estatuilla en el escenario. Sin más preámbulo, les dejamos el soundtrack de las canciones que no ganaron un Oscar, pero son demasiado buenas:

Eye of the Tiger – Survivor.

Cuando escuchamos esta canción, casi en automático internamente nos preparamos para lanzar golpes al aire e indudablemente se nos viene a la cabeza Sylvester Stallone en su papel de Rocky. El éxito de rock ochentero quedó en el imaginario colectivo como himno de batalla, fue nominada a mejor canción en la 55° Entrega del Oscar, representando a Rocky III, sin embargo, Jim Peterik y Frankie Sullivan (autores de la canción) mordieron el polvo ante Up Where We Belong de la película Reto al Destino (An Officer and a Gentleman, Taylor Hackford, 1982). Pero la verdad preferimos intentar alcanzar la nota alta de ¡…and he’s watching us all with the eyeeee….! of the tiger.

I’ve seen it all- Björk & Peter Stormare.

Una tragedia musical, con una cantante polémica nacida de un país del cual la mayoría desconocemos, y una canción a base de diálogos que retrata a una madre que usa la música como escapatoria frente al estrés de su vida, nos da como resultado esta melodía escrita por la islandesa Björk y el director Lars Von Trier, para Bailando en la Oscuridad (Dancing in the dark, 2000), la cual se hizo presente en la ceremonia para competir contra Sting y Bob Dylan, cayendo ante el segundo por la canción Things Have Changed del filme Loco Fin de Semana (2005).

I’ve seen it all es una pieza que para ser extraordinaria no necesitó más que el minimalismo y la potente voz de Björk. Por cierto, ¿se acuerdan de su vestido aquella noche de marzo del 2001?

The Hands That Built America- U2

Para una película acerca de irlandeses en Nueva York, la canción no podía ser interpretada por nadie que no fuera U2. La melodía que narra la creación de la “Gran Manzana” a través de una fusión pluricultural de individuos, comienza con serenidad y explota al final con la voz de Bono “tenoriando”.

Sin embargo, ni la variedad de los elementos ni el grupo pudieron llevarse la estatuilla a casa, siendo parte del fracaso del filme de Martin Scorsese en aquel año, cuando de 10 nominaciones para Pandillas de Nueva York (Gangs of New York, 2002), se llevó cero. Durante la ceremonia, U2 no hubiese sido U2 sin haber modificado la letra de la canción e involucrar un poco de política; además, la banda irlandesa compitió en el escenario contra Queen Latifah y Catherine Zeta-Jones (por Chicago de Rob Marshall), Paul Simon (por Los Thornberrys la Película) y Lila Downs y Caetano Veloso (por Frida de Julie Taymor), y a pesar de ello, cayeron frente al único cantante que no se presentó: Eminem y su Lose Yourself.

You’ve Got a Friend In Me- Randy Newman & Lyle Lovett

Si tu niñez pertenece a los noventas, entonces te acordarás de Yo soy tu amigo fiel y de las aventuras de los juguetes más recordados del séptimo arte, pues nos divertimos y tarareamos con Woody, Buzz y compañía al compás de esta canción, que no se llevó el galardón en la 68° Entrega de los Premios de la Academia. Si sirve de consuelo, aquella noche Bruce Springsteen y Bryan Adams también se retiraron con las manos vacías, la ganadora fue Colors of the Wind de Pocahontas. ¿Verdad que nos acordamos más de nuestro amigo fiel?

Ben– Michael Jackson

Antes de las cirugías, los escándalos y la tragedia, había un niño que estaba sembrando éxito, el cual después cosecharía para conquistar el mundo con su talento, y desde el escenario de los Oscars de 1973, comenzaría a ganarse al público con Ben, el tema del largometraje homónimp. Esta actuación sería la primera en solitario de Michael Jackson (sin sus hermanos) y conmovió a todos con la ternura de su voz y la canción melosa que casi parecía romántica. Pero no se dejen engañar, la historia era de una rata asesina llamada Ben… igual recordamos más la canción que la película… por cierto The Morning After de “La Aventura del Poseidón” ganó aquella noche la estatuilla.

¿Faltó alguna? No duden en sugerirla en los comentarios de abajo:

Recorrido cinéfilo por el mes del terror

Por: Rodrigo Márquez

En este mes del terror, en diferentes países, incluido el nuestro, se ha adoptado la celebración de Halloween, y con ello, el estreno de algunas películas del cine de terror.

Sabemos que este género cinematográfico tiene como principal finalidad provocar el miedo a sus espectadores a través de temas como lo sobrenatural, o explorando lo que está más allá del entendimiento, la pérdida de la cordura, y otros elementos.

Desde hace algunos años, Hollywood ha conseguido su objetivo a cuentagotas, pues hoy en día la gente ya no se asusta con el asesino serial, el fantasma o monstruo que mata sin ton ni son.

Asimismo, el cine ha reciclado temas que fueron un éxito en el pasado como los exorcismos o presentando y representando nuevas fachadas de aberraciones clásicas como los vampiros, muertos vivientes, o personajes entrañables, o mejor dicho, que te sacaban las entrañas como Freddy Krueger, Jason o Michael Myers.

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Por otro lado, no se queda atrás el intentar horrorizar al público con la violencia extrema, como en Hostal (Eli Roth, 2005) o La casa de los 1000 muertos (Rob Zombie, 2003), en las cuales, tanta brutalidad llega a superar la misma historia del filme, logrando el objetivo de provocar miedo, pero cerrando con un clímax predecible o pobre.

En México, también se ha hecho cine de terror como El misterio del rostro pálido (Juan Bustillo Oro, 1935), Alucarda (Juan López Moctezuma, 1977) o Hasta el viento tiene miedo (Carlos Enrique Taboada, 1968) en las que el horror se ha tenido que adaptar a nuestra cultura; por ejemplo, en Cronos (1993) de Guillermo del Toro, el vampirismo es aterrizado a una problemática humana como lo es enfrentarse al conflicto somático se ser un muerto en vida, convirtiéndose así, el monstruo en víctima de una crisis provocada por lo desconocido, dándose cuenta que para subsistir debe ser a costa de las vidas de otros.

Muchas otras películas han tenido éxito como Km 31 (Rigoberto Castañeda, 2006) y Más negro que la noche (Henry Bedwell, 2014), pero también se ha recurrido al refrito como el último título mencionado, que ha sido un fiasco y varios actores y actrices de la película demostraron que cuando se les saca de su zona de confort telenovelera, difícilmente destacan su talento histriónico.

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Regresando al tema de lo que hace temblar a la gente, ¿por qué los escritores y directores no voltean a ver la realidad, o inclusive, ir más allá y retratar la maldad y crueldad humana?

Sería un buen tema, ya que consciente o inconscientemente, cuando vemos algún ser sobrenatural, sabemos que es ficción, pero cuando se retrata la crudeza humana o del daño que somos capaces de hacer a un semejante, el cuerpo se estremece, un ambiente de incomodidad nos invade y entonces, sentimos miedo de verdad.

Si aún son escépticos, los invito a dar un vistazo a películas como Salò (1975), en donde Pier Paolo Pasolini adapta Los 120 de Sodoma o la escuela de libertinaje, para mostrar la degradación y humillación máxima del ser humano, con el fin de estimular los placeres más bajos y horrorosos del ser humano; o El resplandor (1980) de Stanley Kubrick, en donde Jack Nicholson pierde la cordura entre la soledad y sucesos inexplicables, provocando que quiera matar a su familia; o Irreversible (2002) de Gaspar Noé, quien nos muestra los once minutos más largos de nuestra vida cinéfila.

En última instancia, si el cine no logra asustarlos, den una vuelta a la realidad del mundo, y tal vez hasta los haga llorar.