Cinco películas imperdibles de Woody Allen

Life is full of misery, loneliness,

and suffering… And it’s all over much too soon. 

-Woody Allen

Woody Allen, el cineasta del humor negro y ácido, de la sobre explotación del psicoanálisis y del jazz. Acostumbrado a filmar una vez cada año, es un icono de la cinematografía; inspiración para muchos directores y con una pléyade de actores queriendo figurar en sus historias. A continuación una selección de sus mejores títulos.

5.- Deconstructing Harry (1997)

A nadie sorprende que la ciudad de Nueva York sea un personaje más en la filmografía de Allen, quien protagoniza la historia y presenta un alud de estrellas como Robin Williams, Demi Moore, Billy Crystal, Judy Davis, Stanley Tucci y demás. La cinta se caracteriza por un montaje extraño, violento para el espectador, a través del cual presenta al escritor Harry Block (Allen), quien es perseguido por su ex esposa.

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Ella, harta de encontrar similitudes en sus historias, lo amenaza de muerte si es que publica su nuevo libro. Considerada una de sus películas más ácidas y oscuras, es aquí donde realiza su crítica más mordaz al cine de Ingmar Bergman, específicamente a Fresas Salvajes.

4.- Match Point (2005)

Cuando Woody Allen se autoexilió en Europa debido al boicot que Hollywood le impuso, llevó a la joven Scarlett Johansson a realizar en Inglaterra una versión cinematográfica de Crimen y Castigo. Al mostrar la obsesión de estar con una persona y las consecuencias que conlleva, hace que se trate de una de las películas más interesantes del neoyorquino, quien realiza este clásico de su filmografía fuera de los Estados Unidos.

Una analogía principal sobre lo que es el tenis y su relación con la vida de una persona. El ascenso y descenso de un personaje debido a la tentación que le provoca una mujer y todo por lo que luchó.

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3.- Sleeper (1973)

La única película de ciencia ficción en la filmografía de Woody Allen y un homenaje a uno de los libros más trascendentes del siglo XX, 1984 de George Orwell, pero que está basada en otra novela: The Sleeper awakes de H.G. Wells.

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Por error congelan al dependiente de un restaurante de “comida sana” y despierta en un futuro de apariencia metálica y etéreo, donde todas las mujeres son frígidas; para poder tener relaciones sexuales se tiene que introducir a una máquina llamada orgasmatron. Es de los pocos trabajos en los que el cineasta realiza comedia física y en la que una de sus bandas de jazz, The New Orleans Funeral Ragtime Orchestra fue la encargada de la musicalización, convirtiéndola en una de sus comedias más divertidas y que mayor aceptación ha tenido con su público.

2.- Annie Hall (1977)

Un monólogo sobre la relación de Annie (Diane Keaton, la primera musa del director) y Alvy Singer (Woody Allen) en la ciudad más maravillosa del mundo, -o al menos es lo que dicen las personas que conocen Nueva York-. La neurosis, las inseguridades y por supuesto, el psicoanálisis son parte fundamental de la historia. Cuenta con un cameo del teórico de la comunicación Marshall Mcluhan y fue reconocida con el premio a Mejor director y Mejor guión original en los premios de la Academia.

1.- Whatever Works (2009)

Allen esperó casi tres décadas para poder rodar esta película. Y no por lo difícil de la producción, sino porque esperaba tener al actor indicado, quien resultó ser Larry David.

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Larry encarna a Boris Yellnikoff, un ex teórico de las cuerdas que estuvo a punto de ganar el Premio Nobel de Física. Misántropo, autodeterminado genio y con un humor sumamente ácido y mordaz, nadie podría estar tan cerca de él, salvo una sureña que busca el éxito en la gran manzana. Se le considera la película más ególatra de Woody y una de las más divertidas. Rompe la cuarta pared a su antojo, haciendo más personal el contacto con el espectador. Fue la segunda cinta que rodó en Estados Unidos durante el autoexilio.

Sebastián Ortiz 

Comunicólogo que habla mucho y escribe (mal) sobre cine, música y ciencia ficción.

Miyazaki y los Estudios Ghibli

En el terreno del cine de animación, Estudios Ghibli es uno de los más importante gracias a sus ambiciosas historias combinadas con el talento y genio tanto de Hayao Miyazaki como de Isao Takahata, fundadores del estudio en 1985. Hoy toca dedicarle un espacio a este estudio “artesanal”.

  1. La tumba de las luciernagas (Isao Takahata, 1988)

“21 de septiembre de 1945 esa fue la noche donde morí…”

Si después de escuchar la primera frase sigues frente a la pantalla, prepárate porque esta película es quizás la obra más realista y cruda de los estudios Ghibli. Un adolescente, una pequeña de cinco años y un escenario de muerte y ruina son la combinación perfecta para sacarte una que otra lágrima.

La historia refleja la condición humana, su esencia antagónica y su indiferencia ante lo que sucede alrededor. En ella se ilustran las penurias que vivía el país nipón cuando la guerra aún no terminaba. Es un escenario lúgubre, melancólico e incierto para los habitantes en donde la supervivencia se convierte en un estilo de vida.

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Después de un bombardeo sorpresa, la suerte de Seita cambiará completamente. Su madre fue alcanzada por el fuego y ahora Seita se encargará de mantener a salvo a su hermana menor, Setsuko. El espectador no se resiste a la dulzura de Setsuko, su inocencia atrapa, traspasa la pantalla y toca las entrañas, es intensa y emocionalmente real; de esa forma Takahata toma de la mano a la audiencia y la lleva a través de la cruda historia. Si creías que una animación podría carecer de realismo, este largometraje te hará cambiar de opinión.

  1. El increíble castillo vagabundo (Hayao Miyazaki, 2004)

El estilo de Miyazaki acompañado de una técnica impecable con la cual Ilustra los problemas entre la humanidad y su entorno, naturaleza y destrucción, la guerra, la paz, la magia y la fantasía. Asimismo, presenta a personajes femeninos, fuertes, valientes y enigmáticos; junto a ellas se encuentran presencias masculinas adyuvantes en las odiseas de estas guerreras. La cinta fue acreedora de varios galardones como el premio del público a mejor película en el Festival de Cine de Sitges 2004 y el Óscar a mejor película de animación 2005, entre otros.

Como en todas sus historias, Hayao logra una sólida construcción de los personajes, desde Sophie hasta Cabeza de Nabo. La belleza del increíble castillo vagabundo recae en el trabajo “artesanal” dirigido por el maestro, así como en el perfecto ensamblaje entre la música compuesta por Joe Hisaishi y los planos abiertos llenos de color que revelan los lugares fantásticos en donde se desenvuelve la trama.

  1. Mi vecino Totoro (Hayao Miyazaki, 1988)

Un espíritu encantador y abrazable, guardián del bosque, sólo se le podía ocurrir a Miyazaki. Sin embargo no todos son tan afortunados como para poder conocer a este vigilante, únicamente aquellos de corazón puro tienen la habilidad de encontrarse con él, y qué mejor que los corazones de dos pequeñas hermanas.

Si no has visto la película, seguramente reconoces a Totoro, cuyo diseño se lo debemos a Kazuo Oga, a quien Miyazaki le encomendó crear al personaje. Para Oga representó un gran reto y así se convirtió en el logo oficial de los Estudios Ghibli, ahora reconocido mundialmente.

Aquí uno de los planos más representativos de la película.

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  1. El castillo en el cielo (Hayao Miyazaki, 1986)

Encanta con su estética surrealista, en la que el cielo es el lugar para una ciudad flotante y enigmática, naves con forma de insectos y una adolescente poseedora de la llave que abre este maravilloso lugar. Una vez más la protagonista tienen como adyuvante la figura de un hombre, la curva dramática de Sheeta toma fuerza con la ayuda de Pazu. Se protegen el uno al otro y al mismo tiempo a la humanidad, renunciando al “edén” flotante para eliminar la ambición de aquellos que quieren ocupar la ciudad para hacer el mal.

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  1. La princesa Mononoke (Hayao Miyazaki, 1997)

La animación de este filme ahonda en el realismo de los movimientos de los personajes y el manejo de la cámara: planos abiertos con la intensión de mostrar la bella naturaleza y cerrados para concentrar la tensión dramática de los personajes. Los trazos de los mismos (tanto de los humanos como de los animales) el gran trabajo de animación y la compleja historia hacen de esta cinta una obra maestra.

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En este filme queda representada la corrupción del alma en los espíritus casi incorruptibles, la pelea interna entre el bien y el mal y la búsqueda de la humanidad por la destrucción de la naturaleza.

Fan Valdés

Pedagoga de formación pero cineasta por convicción, artista plástica en el tiempo libre.

Cinco películas para recordar a la ‘generación beat’

 Por: Citlalli Vargas Contreras (@rimbaudienne_)

“Vi las mejores mentes de mi generación destruidas por la locura…”, así comienza el desgarrador poema del estadounidense Allen Ginsberg que lleva por nombre Aullido y el cual se convirtió en una de las piezas clave de la llamada Generación Beat, movimiento literario que tuvo sus comienzos a mediados de los años cuarenta, cuando un grupo de jóvenes formado por el propio Ginsberg y sus amigos Lucien Carr, Jack Kerouac, William Burroughs, Neal Cassady, entre otros, se revelaron ante los tradicionalismos literarios y trasgredieron, a través de un estilo más libre, no sólo en la forma de escribir, sino en los temas que abordaron. Así, sus escritos se permearon de tópicos como la liberación sexual, la constante búsqueda espiritual, las drogas y otras crisis existenciales que los mismos autores experimentaban (incluso su nombre, beat, proviene de la jerga afroamericana y significa cansado u abatido).

México también representó un importante papel para los beat: William Burroughs vivió aquí durante algún tiempo, e incluso pasó algunos días en Lecumberri por el asesinato de su esposa; Jack Kerouac también viajó a nuestras tierras, las cuales le fascinaban porque aseguraba que México, a diferencia del caótico y consumista Estados Unidos, había preferido preservar la cultura a dejarla ir a cambio de la civilización; mientras que Neal Cassady murió en San Miguel de Allende luego de dormir borracho y sin nada más que una camisa y unos jeans junto a unas vías de tren.

La influencia cultural que la Generación Beat aportó al mundo no sólo literario, sino artístico, así como a las formas de vida de los siguientes años, aún late y ha sido llevado al cine en variadas ocasiones, por lo cual aquí les presentamos una lista de cinco de las mejores películas que muestran la vida y obras de estos jóvenes amantes del jazz, la poesía y la locura.

  1. Howl (Rob Epstein y Jeffrey Friedman, 2010)

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Protagonizada por James Franco en el papel de Allen Ginsberg, esta cinta retrata un importantísimo pasaje de la Generación Beat: la presentación del poema Howl en la Six Gallery de San Francisco, el 7 de octubre de 1955. Además, presenta pasajes de la vida del poeta norteamericano entre los años 40 y 50 a través de diversas técnicas cinematográficas que fácilmente capturan la atención del espectador, desde el uso de blancos y negros hasta secuencias de animación.

  1. Kill Your Darlings (John Krokidas, 2013)

El encuentro entre Ginsberg, Kerouac y Burroughs, los tres cimientos más importantes del movimiento, no se dio por casualidad: fue gracias a Lucien Carr, “el león que nunca rugió”, quien los presentó a todos y cuyas ideas y actitudes (especialmente un crimen que cometió), fueron una fuerte influencia para la construcción del pensamiento de la generación.

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Esta película muestra precisamente eso: los inicios del beat, la relación entre Lucien (Dane DeHaan) y Allen (Daniel Radcliffe), principalmente, y la cohesión que llevo a todos a unirse para llevar a cabo uno de los principales movimientos literarios estadounidenses.

  1. The Naked Lunch (David Cronenberg, 1991)

Entre adaptación literaria y biopic, este filme con altos toques surrealistas cuenta la vida de William Lee (seudónimo de William Burroughs), un exterminador de plagas que descubre a su esposa Joan (Judy Davis) robándose el insecticida para drogarse. Sin embargo, todo comienza a complicarse aún más cuando William (Peter Weller) alucina con un insecto gigante y éste le dice que debe cumplir una “misión”: matar a su esposa.

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Las extrañas escenas, dignas por supuesto de Cronenberg, son constantes y representan, de cierta manera, el modo en el que las drogas ayudaban a Burroughs a escribir. Incluso el escritor, quien aún estaba con vida cuando se realizó la película, la aprobó y se hizo buen amigo del director.

  1. Me And My Brother (Dir. Robert Frank, 1969)

El mismísimo Allen Ginsberg y su compañero de toda la vida, el también poeta Peter Orlovsky, colaboraron para el guión de esta película que se enfoca en el hermano de este último, Julius, quien luego de años de estar en un manicomio de Nueva York por padecer esquizofrenia, queda catatónico y se va a vivir con Peter y Allen.

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El director de la cinta sigue la relación entre ambos hermanos y la inmersión de Julius en el mundo beat. Cabe mencionar que son los propios escritores y Julius los que protagonizan la cinta, excepto cuando este último decide irse de la producción y su papel es reemplazado por el actor Joseph Chaikin.

  1. The Last Time I Comitted Suicide (Dir. Stephen T. Kay, 1997)

Dejando un poco de lado a Kerouac, Ginsberg y Burroughs, esta cinta cuenta la historia de Neal Cassady (Thomas Jane), protagonista de la famosa novela En El Camino, siendo el centro de la acción el intento de suicidio de su novia Joan (Claire Forlani). La película da constantes saltos en el tiempo y presenta a Cassady desde diversos puntos de vista: como escritor, como mujeriego, como amigo, como aventurero, etc. El reparto incluye también a Keanu Reeves y a Adrien Brody.

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Drugstore Cowboy (Dir. Gus Van Sant, 1989)

En la segunda película dirigida por Van Sant no vemos la vida de ningún beat ni es la adaptación de alguna de sus obras, es más bien una biopic de James Fogle, un ladrón y asaltante de farmacias que lideraba una banda de adictos que atacaban diversas farmacias en Estados Unidos. Sin embargo, incluye una secuencia en la que se ve a Matt Dillon, el protagonista, caminando y dialogando junto a William Burroughs (sí, ¡el verdadero Bill!) sobre opiáceos y otros temas.

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Lo mejor de Stanley Kubrick

El cineasta nacido en Bronx es uno de los más conocidos en toda la historia cinematográfica; filmó diversas películas que trascendieron más allá de la época. Muchas de sus obras siguen vigentes hasta la actualidad y sobre todo se mantienen frescas por el interés de las nuevas generaciones.

Además de La Naranja Mecánica (A Clockwork Orange, 1968) la obra más conocida del cineasta,  a continuación enlisto cinco de sus mejores obras.

5.- Casta de malditos (The Killing, 1956)

El crimen perfecto, el atraco con el cual una banda podría retirarse y vivir sin problema alguno sus últimos días. Sin embargo todo llega a salir mal cuando la esposa de uno de los cómplices comienza a preparar junto con su amante otro golpe.

Kubrick hace un film noir en el que cualquier detalle del plan está bajo control, pero las imperfecciones de la vida cotidiana hacen que falle y todo termine en una masacre.

4.- Ojos bien cerrados (Eyes Wide Shut, 1999)

Se trata de la última película del director estadounidense, en la que presenta a la pareja de moda del momento: Nicole Kidman y Tom Cruise, quienes encarnan un matrimonio moderno que sufre de una crisis de confianza en la que las tentaciones, perversiones y fetiches llevarán al protagonista a una orgía que le hará ver su situación de otra manera.

3.- Cara de guerra (Full Metal Jacket, 1987)

La película presenta el tema de la guerra y las implicaciones a las que se enfrenta un grupo de soldados, desde la preparación en un campo militar ante la rudeza del sargento a cargo, hasta el momento en que sirven para los Estados Unidos en Vietnam. El protagonista: Joker, escribe para el periódico del ejército y una misión le hace ver en el campo de batalla los horrores y la pérdida de camaradas.

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Las temáticas tocadas por Kubrick son un acercamiento al daño físico y moral de las tropas que ven caer a personas por igual, y sobre todo la deshumanización por parte de los dos frentes. Al parecer, junto con Apocalypse Now y Platoon, es una de las películas que más criticó la intervención de Estados Unidos en la península de Vietnam.

2.- Barry Lyndon (1975)

En la historia observamos el ascenso y descenso de un joven irlandés dentro de la sociedad inglesa, además de las aventuras que vivió en el ejército y de cómo se da cuenta que el duelo que lo hizo salirse de su tierra natal fue un amaño.

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Esta adaptación del libro homónimo que Kubrick dirige después del gran éxito que alcanzó con La naranja mecánica, es un logro cinematográfico en el que la joya de la corona es para la fotografía, gracias a un plano secuencia iluminado únicamente con velas y con un lente que consiguió de la NASA, el f 0.7 que captó la luz más tenue de las velas, elemento importante en la intención dramática del filme.

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1.- 2001: Odisea al espacio (2001: A Space Odyssey, 1968)

En pleno boom de la carrera espacial entre la Unión Soviética y los Estados Unidos en 1968 ya se habían enviado al espacio las misiones Sputnik y Gemini, pero en la conciencia de Arthur C. Clarke y Stanley Kubrick decidieron adelantarse al (entonces) impensable año 2001. Con la consigna de los avances espaciales de la época, se antojaba para el nuevo milenio la conquista del sistema solar. Desgraciadamente no fue así.

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Kubrick realiza una cinta de ciencia ficción alejada de cualquier estereotipo: una misión a Júpiter que presenta una disyuntiva entre inteligencia humana y la inteligencia artificial. La eterna pregunta ¿estamos solos en el universo?

La película está basada en el libro El Centinela de C. Clarke. Complicada, visualmente estremecedora; aderezada con el Danubio Azul y la conocida Así Habló Zaratustra de Strauss, que involuntariamente musicalizó la carrera espacial.

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Dr. Insólito (Dr. Strangelove: Or How I Learn To Stop Worrying and Love The Bomb, 1959)

En plena guerra fría, Stanley Kubrick retoma con un humor negro una de las amenazas más grandes de la época: una guerra nuclear. De esta forma conocemos al General Jack D. Ripper, quien considera que los comunistas tienen un plan para flourizar el agua y ordena un ataque a suelo soviético.

Por su parte, los soviéticos tratan de detener a quienes están bombardeando y dañan sólo a uno, inhabilitando su capacidad de recibir o enviar mensajes. Así, los altos mandos americanos logran regresar a todos, menos a uno. Mientras, en la sala de guerra de los Estados Unidos se vivirán demás historias junto con el presidente, los generales y un asesor científico, un ex nazi llamado Dr. Strangelove.

Sebastián Ortiz 

Comunicólogo que habala mucho y escribe (mal) sobre cine, música y ciencia ficción.

 

Películas Found Footage

El género cinematográfico documental se ha diseccionado con el paso del tiempo y los continuos avances tecnológicos. A través de la manipulación directa del material, diversos realizadores han explorado la tierra fértil de dicha rama del cine. Quien asegure que el documental es objetivo, vive en los tiempos de Lumiére y Brighton.

Una de sus categorías es el denominado found footage, mina de oro del cineasta independiente, claro ejemplo de ello es la infame saga Actividad paranormal que costó unos cuantos miles de dólares y recaudó unos tantos millones. El subgénero es pretexto, se volvió popular con la inolvidable La bruja de Blair a finales del siglo pasado que propició al menos un centenar de filmes burdos y desechables. Sin embargo hay algunas joyas que han dignificado el formato.

 5. Noroi (Kôji Shiraishi, 2005)

Situada en Japón, el relato gira en torno a Masafumi Kobayashi, una suerte de analista de lo paranormal a la usanza del difunto Juan Ramón Sáenz. El investigador, descubre el vínculo que hay entre una entidad demoníaca y una serie de sucesos que entrelazan a varios personajes.

El filme contiene una trama narrada en dos actos, a diferencia del estilo estadounidense, en Noroi el drama se cuece lento, no hay screamers ni momentos de sorpresa, empero el suspense aumenta conforme avanza la historia, la paciencia es clave para arribar a un clímax que se extiende por un lapso de más de veinte minutos.

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La ruptura con respecto a otras películas del mismo corte se da con el ritmo, complementado por actuaciones y un diseño de arte minimalista, característico del teatro Noh japonés, quizá, una de las principales influencias estéticas.

Aun con sus virtudes, la cinta no se libra de circunstancias inverosímiles en donde el afán por grabar, se impone a la imperiosa necesidad de salvar una vida. Noroi adolece de lo más esencial, la construcción y desarrollo de escenas, siendo éstas, disonantes y desequilibradas.

4. Lake Mungo (Joel Anderson, 2001)

Alice Palmer, una joven de dieciséis años aparece muerta a las orillas de un lago, su familia sufre el proceso de duelo mientras se investigan una serie de acontecimientos aparentemente paranormales, que se suscitaron a raíz de su fallecimiento. Tal es el relato desarrollado por el director Joel Anderson, quien invita a escépticos y creyentes en el fenómeno fantasmagórico por igual a disfrutar de una trama con múltiples giros de tuerca que contribuyen al desarrollo de los personajes.

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Si bien Lake mungo no se trata de una película netamente found footage, está filmada al estilo de un documental falso, en donde el metraje “hallado” forma parte de la estructura dramática, es fundamental para develar el misterio del ahogamiento.

La cinta contiene escenas atemorizantes que mantendrán al espectador tenso, secuencias tan bien logradas que uno logra involucrarse en el dilema familiar, a pesar de ser a veces incongruentes el luto les conduce a sacar lo peor de sí mismos.

¿Existen los fantasmas? ¿de dónde provienen? ¿qué quieren? Para responder aquellas cuestiones, el público deberá soportar el ir y venir del misterio de la muerte hasta la secuencia de créditos, que sin duda les dejará más preguntas que respuestas, y que al mismo tiempo le eriza la piel a más de uno.

Película completa: http://bloghorror.com/2010/01/lake-mungo-2009.html

3. Rec 2 (Jaume Balagueró, Paco Plaza, 2002)

La temática zombie ha sido explotada hasta el cansancio, raro es mirar una propuesta refrescante, ese fue el caso de REC (2007) dirigida por el dúo Balagueró-Plaza, que repitieron y de hecho mejoran la hazaña con la secuela, ambientada de nuevo en el interior de un edificio en la ciudad de Barcelona.

La incursión de la fuerza policial en el conflicto permite licencias estéticas como el empleo de planos sobre los rifles, plagio de los videojuegos shooter que funciona a la perfección. Dicho elemento provoca un cambio del punto de vista original, se pasa del pasivo (Ángela Vidal) al activo (escuadrón de rescate). El ingenio, no para ahí.

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Ahora se añade una explicación al “virus” de carácter religioso, un sacerdote infiltrado investiga a una de las criaturas más emblemáticas del nuevo milenio: La niña Medeiros, poseída por un ente demoníaco capaz de transferir una parte de su esencia; los zombies, están poseídos no infectados. Esta explicación fue una de las principales herramientas para que la crítica le apaleara, a veces, darle un giro al mito es arriesgado y REC 2 es el caso.

2. La bruja de Blair (1999)

Daniel Myrick y Eduardo Sánchez decretaron los ingredientes de la fórmula; financiamiento independiente, cámara en mano, minimalismo audiovisual y un grupo de personajes dedicados a “investigar” un fenómeno sobrenatural. La bruja de Blair fue el parteaguas, el banderazo de salida a un nuevo milenio en donde los medios tal y como lo predijo Dogma 95, se democratizaron, cualquiera con ansias de contar, cámara en mano puede hacerlo.

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El principal acierto de los realizadores fue dejar todo a la imaginación del espectador, esto provocó el terror que la hizo legendaria ¿qué hay más horrible que aquello que proviene de nuestro interior? La bruja es el pretexto para adentrarnos en el bosque y sufrir, como sus protagonistas.

El guión peca por lento, sin embargo a partir del segundo acto la trama cobra fuerza, las situaciones se complejizan y el método de filmación resulta efectivo, como si no hubiera otra manera de contar esa historia. Cabe preguntar qué habría resultado de haberse filmado de manera tradicional, el found footage al parecer era la ÚNICA manera.

1. Holocausto Caníbal (1980)

Filme capital del found footage o lo que es lo mismo, el padre del subgénero. Relata el andar de un grupo de documentalistas poco experimentados en el amazonas. Dirigida por Ruggero Deodato, la película causó controversia durante la década de los ochenta por su contenido violento; de la destrucción de comunidades aborígenes a la castración, Holocausto brilla por retratar la descomposición del ser humano moderno y el abuso de poder.

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Entre sus imágenes se encuentra la mutilación de una tortuga en cámara, sin embargo está plenamente justificada, ya que define a los personajes, les construye y sobre todo, sirve de parangón entre los naturales del Brasil y los visitantes modernos, aunque se revelará que a la postre, ambos son en esencia, violentos.

Holocausto caníbal no es un filme tolerable por cualquiera pero debe ser vista por todos, ya que literal y metafóricamente se introduce a las entrañas del ser humano, para revelarnos, para mostrarnos de qué somos capaces. Cuestiona, muestra y enseña cuáles son nuestros instintos más básicos, descubre el velo: diversión y violencia son grandes amigas que van de la mano.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

Philip K. Dick en pantalla grande

 Philip K. Dick es catalogado como uno de los escritores de ciencia ficción más importantes del mundo gracias a sus distopías futuristas, en las que observamos implantes de cerebro con los que se permite programar emociones y sentimientos. Las obras del ganador del premio Hugo en 1963 (conocido como el Nobel de la ciencia ficción y la fantasía) son de las que más se han realizado adaptaciones a la pantalla grande. A continuación se enlistan cinco de ellas, las cuales han sido las de mayor atracción para el público.

5. Natural City (Byung-cheon Min, 2003)

Se trata del debut como director del surcoreano. La historia, desarrollada en el año 2080, es una adaptación del conocido libro escrito en 1968 ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? Y un homenaje a Ridley Scott.

El logro que tiene la película de Byung-cheon, que en esencia es la Blade Runner de Corea, es que se trata de una obra visualmente hermosa y con unas actuaciones que no decepcionan dentro de un ambiente cyberpunk, muy de la usanza oriental. Es una gran película, pero que no llega a ser tan célebre como la adaptación de Scott.

4. Minority Report (Steven Spielberg, 2002)

Como en la mayoría de los relatos de Dick, en esta adaptación de El informe de la minoría (1956) no hay una excepción a las distopías. En una ciudad de Estados Unidos hay una agencia de Pre Crimen, que permite a mutantes anticiparse a los crímenes y evitarlos. John Anderton (interpretado por Tom Cruise), un ejemplar policía de dicha agencia y adicto, es acusado de un crimen que aún no comete y hará lo posible por evitar tal fechoría.

No es una de las mejores películas de Steven Spielberg ya que está plagada de efectos visuales, sin embargo posee un valor muy importante debido a que estamos hablando de uno de los cuentos menos conocidos del escritor, en el cual plantea una duda que muchos han tenido tanto en el cine como en la literatura: ¿qué repercusiones tiene saber lo que pasará en el futuro?

3. Una mirada a la oscuridad (Richard Linklater, 2006)

Linklater después de dirigir Despertando a la vida (Walking Life, 2001) una película animada por medio del rotoscopiado, cinco años después recurre a lo mismo en A Scanner Darkly. En la historia, nos situamos en el condado Orange, California, donde existe una gran amenaza por una droga llamada Sustancia M o Muerte Lenta. En este contexto, un policía comienza a investigar a su grupo de amigos, convirtiéndose él mismo en un adicto a la sustancia M, por lo que termina en una “granja”. Tal hecho lo llevará a descubrir que las mega corporaciones son las encargadas de fabricar la droga.

El valor de la película es la animación, además de las participaciones de algunas estrellas de Hollywood como Robert Downey Jr.

2.Desafío total (Paul Verhoeven, 1990)

El filme parte de un cuento corto titulado Podemos recordarlo todo por usted (1966), en el que se cuenta la existencia de una empresa llamada Rekall, de la cual el negocio es implantar recuerdos de vacaciones debido a los altos costos de los viajes interplanetarios. Pero Douglas Quaid tiene la manía de visitar Marte, por lo que requerirá los servicios de Rekall, empero adentrarse a su mente traerá resultados negativos.

Es una de las películas más recordadas y que trasmitían hasta el hartazgo en el canal 5, debido a que gran parte de su rodaje fue en la estación del metro Chabacano y en la Glorieta de Insurgentes de la ciudad de México.

Aquí se muestra la alteración de la mente humana y todas las implicaciones que esto puede llevar, desde una locura hasta una lobotomía. La cintaa tuvo un remake en 2012, dirigido por Len Wiseman.

1. Blade Runner (Ridley Scott, 1982)

Al igual que Natural City, la película se basa en ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?. Esta ocasión, Harrison Ford interpreta a Deckard, un agente especializado en “retirar” a los replicantes, cyborgs que se convirtieron en una amenaza. Su misión específica es retirar a los últimos seis, los más independientes y fuertes de esa serie.

La obra combina muy bien la ciencia ficción con el film noir y el cine policiaco, es considerado de culto. Desafortunadamente sufrió de los embates de la industria, ya que ésta le quitó el control creativo a Ridley Scott, provocando más de 5 diferentes cortes.

Sebastián Ortiz 

Comunicólogo que habla mucho y escribe (mal) sobre cine, música y ciencia ficción.