Seis libros sobre cine documental que puedes leer gratuitamente

Por: Aylin Colmenero 

El cine documental tiene el poder aprovechar el lenguaje cinematográfico para crear un registro histórico y un archivo estético como reflejo de nosotros mismos. Es una herramienta que crea memoria, pero, ¿cómo plasmar los hechos y las ideas? Estos seis libros son básicos en el género y merecen ocupar un lugar destacado en la bibliografía de cualquier profesional o interesado en la realización de documentales. Te ayudarán a alimentar una formación teórica y, lo mejor de todo, están gratis en línea.   Continúa leyendo Seis libros sobre cine documental que puedes leer gratuitamente

Seis películas animadas que retratan infancias adversas

Aunque es lo común pensar que la infancia es la etapa más feliz, sin ninguna preocupación, lo cierto es que esa referencia apacible no sucede en todos los casos. Afortunadamente, el cine animado, ya sea para audiencias mayores o más jóvenes, cada vez se arriesga más en sus temáticas y tratamientos a la hora de seguir las travesías de personajes infantiles. Continúa leyendo Seis películas animadas que retratan infancias adversas

Películas para adentrarte al cine de Jacques Tati

Aunque su trayectoria es corta, Jacques Tati tiene un lugar en la historia del cine francés. Heredero de la gran tradición kinésica de los maestros silentes y mimo por entrenamiento, el cine de este director capturó la atención por la utilización de la comedia física (slapstick) y situacional mediante gags pequeños y la exageración de ciertas situaciones. Continúa leyendo Películas para adentrarte al cine de Jacques Tati

Grandes conferencias y clases magistrales de Guillermo del Toro

Por: Erik León

¿Qué hay detrás de la mente de un director como Guillermo del Toro? El orgullosamente cineasta mexicano ha hecho películas que desbordan un caudal de imaginación, lo cual hace a esta pregunta aún más intrigante.

Es por ello que cuando el tapatío decide compartir su conocimiento y experiencia a un público general, se le debe poner atención a sus palabras. Aquí te dejamos algunas de sus mejores conferencias que ha realizado en diversos festivales nacionales e internacionales.

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En 2018, justo después de ganar dos Oscar a Mejor Director y a Mejor Película por La forma del agua, DelToro dio dos clases en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG), las cuales se dividieron en tres segmentos y se transmitieron por Canal 44 y en su canal oficial de YouYube.

“La diversidad de voces en el cine en México es limitadísima: nos urgen puntos de vista que vengan de orígenes distintos y una mayor diversidad de géneros. Nos autolimitamos cuando decimos que todo el cine tiene que ser realista o de acción viva. Y parece una autolimitación culposa: como si nos mereciéramos sólo mirar la realidad, cuando lo más rico que existe es la fabulación y el poder de imaginar”.

Durante el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) del 2018, el director dio varios consejos para aquellos que quieran seguir sus pasos como directores.

Durante la edición número 21 del Festival de Cine de Málaga en el año 2018, el director de La cumbre escarlata (2015) dio una clase de casi dos horas en las cual explicó su forma de ver el cine y compartió sus mayores influencias como cineasta.

“Si temes al ridículo, nunca podrás reconocer lo sublime. Si temes al fracaso, nunca podrás reconocer el éxito”.

Diez películas imperdibles del festival Black Canvas 2020

El Festival de Cine Contemporáneo Black Canvas es uno de los eventos anuales con una sustancia más particular  para los entusiastas del cine. Su selección, tal como el nombre indica, se concentra en traer propuestas alejadas de los estrictos confines del cine narrativo.

Como le pasó a otros eventos multitudinarios, la cuarta edición de este encuentro tendrá que ocurrir de manera híbrida debido a las condiciones sanitarias. Se llevará a cabo del 1 al 10 de octubre en distintas sedes físicas, así como en la plataforma Filminlatino.

Aquí una selección de 10 de las mejores películas programadas para este año.

1. Primera vaca (Kelly Reichdart, 2019)

Empecemos con la que será la función de apertura. Esta película elabora alrededor de la relación amistosa entre un cazador de pieles estadounidense y un inmigrante chino, ambos deseosos de construir un futuro en América. Con los talentos de cocina del cazador, se les ocurre montar un nuevo negocio que da muchos frutos rápidamente; sin embargo, éste depende de la leche robada de una vaca propiedad de un rico empresario de la región.

Reichdart monta en una trama simple varios aspectos de la idiosincrasia americana expuesta desde su consolidación como ideología dominante en occidente: la obtención de riqueza a como dé lugar. Además, muestra un gran dominio de la estructura técnica, tal como se ve en el trabajo de la fotografía y el diseño sonoro.

2. Buzón rojo de la calle Escher (Sion Sono, 2020)

Sion Sono es uno de los directores japoneses más interesantes en activo. Sus películas, además de manejar una mezcolanza de estilos y géneros, giran en torno a la inquietud y pensamientos de quienes se saben creadores. Sin duda, es uno de los realizadores que deben seguir todos aquellos que quieran hacer cine o crear cualquier cosa.

Buzón rojo de la calle Escher va sobre el nuevo proyecto cinematográfico del director (ficticio) Tadashi Kobayashi y el descontrol que se vive en el set. Mientras sus actores frustrados terminan de extras, comienzan a preguntarse sobre la creación fílmica y el papel que representan en el engranaje del cine.

3. El problema con haber nacido (Sandra Wollner, 2019)

Parte de la sección Nuestros días, la cual explora diferentes asuntos de la vida contemporánea y posmoderna, llega El problema con haber nacido, cinta que cuenta sobre una androide de aspecto adolescente que vive con un sujeto a quien considera su padre. Él le programa recuerdos que no necesariamente significan algo para su existencia. En un día desafortunado, se mete al bosque para descubrir más sobre ella y la relación con la vida terrenal.

La película es la graduación de la Film Academy Baden-Wuerttemberg de Wollner, quien anteriormente recibió el Premio de los Críticos Alemanes por su largometraje The Impossible Picture (2019).

4. Laberinto del cine (Nobuhiko Obayashi, 2020)

Es la obra póstuma del recientemente fallecido Nobuhiko Obayashi, notable realizador japonés conocido por sus historias contra la guerra. El relato va sobre Setouchi Kinema, la única sala de cine del paseo marítimo de Onomichi, la cual está a punto de cerrar sus puertas.

En su último día de operaciones y durante el maratón de cine bélico japonés para celebrar el final, cae un rayo sobre el complejo y tres jóvenes entran al pasado de la ficción en pantalla. Ya ahí, tratarán de cambiar el curso de la historia para evitar la clausura del recinto. Es un filme que recorre los anteriores pasos de su director, así como puede servir para darle un justo homenaje al apreciar sus mecanismos imaginativos.

5. La paloma y el lobo (Carlos Lenin, 2020)

Paloma y Lobo tuvieron que salir de su pueblo por la ola de violencia en el país. Ella quiere regresar a casa por la desesperación en la que viven, pero él tiene fantasmas consigo que traen recuerdos amargos.

Recientemente nominada, entre otras reconocimientos, al Ariel como Mejor Opera Prima, La paloma y el lobo es una de las producciones nacionales recientes que más atención internacional ha traído al trabajo mexicano al ser estrenada en el Festival Internacional de Cine de Locarno.

6. Los lobos (Samuel Kishi Leopo, 2020)

Max y Leo son hermanos e inmigrantes mexicanos en Albuquerque, Estados Unidos. Su madre se encuentra trabajando y ellos la esperan, pero en un ejercicio de imaginación, se asoman por la ventana para ver el barrio marginal donde viven y encuentran personas de varios grupos étnicos. Crean un mundo imaginario a través de sus dibujos y fantasean con Disneylandia.

La precariedad vista a través de la inocencia infantil es el núcleo de este argumento, el cual fue recientemente reconocido por el Premio del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Berlín en la sección Generation Kplus.

7. Sanctorum (Joshua Gil, 2019)

Una entrega que mezcla terror rural con un marco expositivo de las problemáticas que vive nuestro país. En un pequeño pueblo viven un chico y su madre, quien debe laborar en los campos de marihuana que posee el crimen organizado. Un mal día, ella no regresa. Es aquí cuando la fantasía vengativa del entorno se desata con tal de cumplir el deseo del niño de ver a su mamá sana y salva.

Sanctorum fue recientemente nominada al Ariel por Mejores Efectos Visuales.

8. Nadando hasta que el mar se ponga azul (Jia Zhang-ke, 2020)

El año pasado, un grupo de intelectuales chinos se reunieron en la provincia de Shanxi para discutir sobre distintos temas de su sociedad. Desde ahí, en esta película se adjetiva en pantalla una suerte de antología de historia moderna china. Desde la década de los 50, se montan testimonios de tres importantes escritores del gigante asiático: Jia Pingwa, Yu Hua y Liang Hong.

El acontecer desde sus plumas e ideas.

9. Isabella (Matías Piñeiro, 2019)

Matías Piñeiro es uno de los creadores más interesantes que representa al cine argentino en la actualidad. Con su nueva película, Isabella, cuenta sobre una actriz fallida de teatro que desea fervientemente obtener un papel en una obra reconocida, fracasando constantemente. En una jugada del destino, se encuentra con una excompañera intérprete que mueve su concepción del destino y las repercusiones que tienen sus decisiones.

Isabella recientemente ganó una Mención Especial del Jurado en la 70° Berlinale.

10. La mujer que corrió (Hong Sang-soo, 2020)

La mujer que corrió le mereció el Oso de Plata por Mejor Dirección al director surcoreano Hong Sang-soo; además, compitió por el premio mayor, el Oso de Oro, quedando muy cerca de ganar y recibiendo grandes elogios de la crítica especializada.

Esta película expone las conversaciones que una chica solitaria sostiene con otras tres mujeres: dos amigas y una vieja conocida que no veía hace tiempo. A pesar de la cordialidad, estas pláticas tienen efectos profundos en ella. El manejo de los tonos en el diálogo y matices de la trama es uno de los puntos estilísticos más notorios de este director, los cuales son notorios en su más reciente proyecto.

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Cinco destacadas actuaciones de Will Smith

Por: Erik León

Siempre que se mencionan actores a quienes es imposible que el público odie, el nombre de Will Smith está presente. Un intérprete que inició su carrera como comediante de la popular serie El príncipe del Rap, la cual le dio el cariño de la audiencia, pero no así la seriedad para que ser considerado un buen actor.

Muy al inicio en su carrera en Hollywood le daban papeles relacionados a la acción/comedia, por lo que todavía hay quien dudaba de sus capacidades histriónicas. Sin embargo, Will Smith demostró en varias ocasiones que con un guion de calidad y con la ayuda de un buen director que sacaran lo mejore de él, podía entregar actuaciones para recordar.

En este listado de recomendaciones no encontrarás sus películas más taquilleras como El día de la Independencia o Soy Leyenda, ni tampoco sus cintas más conocidas como Hombres de Negro o Bad Boys;  se trata de cinco de sus actuaciones más interesantes.

Seis grados de separación ( Fred Schepisi, 1993)

Una de las películas más desconocidas del actor, dado que ocurrió dos años antes de que se diera a conocer como un héroe de acción con la primera película de Bad Boys. Si bien Seis grados de separación está lejos de ser una cinta perfecta, cuenta con un guion original y los primeros destellos de una buena interpretación de Will Smith,  quien se mete en la piel de un joven homosexual que busca introducirse hábilmente en el mundo de los marchantes de arte neoyorquinos, haciéndose pasar por el hijo de uno de ellos.

Lo que más vale la pena en este título son las actuaciones de los tres protagonistas: Donald Sutherland, Will Smith y Stockard Channing, interpretación que le valió una nominación al Oscar como Mejor Actriz. También tenemos a Ian Mckellen en un rol secundario, y a la banda sonora realizada por Jerry Goldsmith vale la pena ponerle atención.

La verdad oculta (Peter Landesman, 2015)

En esta historia basada en hechos reales, Will Smith interpreta al doctor Bennet Omalu, un neuropatólogo forense quien descubrió el síndrome postconmoción cerebral que tanto daño causó a numerosos jugadores de fútbol americano, provocando incluso el suicidio de muchas estrellas de la liga NFL afectadas por el síndrome.

¿Merecía Smith una nominación por esta interpretación?, está abierto a debate. Lo que sí es que la cinta logró entrar en polémica con la misma NFL, a la cual no le hizo nada de gracia que se estrenara esta película. El actor se ve cómodo interpretando a este personaje de nacionalidad nigeriana que le generó un reto igualar el acento.

En búsqueda de la felicidad (Gabriele Muccino, 2006)

Película dirigida por Gabriele Muccino que le valió una nominación al Oscar como Mejor Actor. La película sólo recibió cuatro candidaturas, tres de ellas para Smith; Oscar, Globo de Oro y Premio del Sindicato de Actores. Con el paso de los años se ha reconocido que el largometraje fue poco valorado cuando se estrenó, y que Will era merecedor de al menos de un premio.

Esta fue la primera película del director italiano fuera de su país, y pasó la prueba con creces: desarrolla con fluidez los conflictos dramáticos, y equilibra el optimismo de la historia con un tono un poco hiperrealista. La historia es el clásico sueño americano que hemos visto en otras cintas, pero la manera en la que es contada, y las actuaciones de Will Smith y su hijo, desbordan naturalidad y simpatía.

Will Smith interpreta a Chris Gardner, un vendedor con talento, pero su empleo no le permite cubrir sus necesidades más básicas. Tanto es así que acaban echándolo, junto a su hijo, de su casa. Ambos tendrán que afrontar muchas adversidades para hacer realidad su sueño de una vida mejor.

Siete Almas (2008)

La mancuerna de trabajo entre Will Smith y el director Gabriele Muccino había sido todo un éxito en En búsqueda de la felicidad, por lo que quisieron repetir la misma fórmula, pero ahora con menos suerte. Siete almas es de esas películas llenas de drama pero que no terminan por atrapar al espectador. Si se encuentra en esta lista es básicamente por que ayudó a demostrar que Will puede ser un buen actor dramático siempre que se lo proponga.

En esta historia interpreta a Ben Thomas, un inspector de Hacienda de Los Ángeles que se pone en contacto con algunas personas para ayudarlas, pero las razones que lo mueven a actuar así son un misterio.

Ali (Michael Mann, 2001)

Fue la primera vez que Will Smith fue candidato al Oscar como Mejor Actor en la que muchos consideran como su mejor interpretación hasta la fecha. Si eres amante de las historias de boxeo, ya debiste haber visto Ali. Smith interpreta al legendario boxeador Muhammad Ali, captando el carisma de un hombre que abrió camino en la conciencia estadounidense.

El director Michael Mann logra llevar a la pantalla una cinta sobresaliente de la vida del famoso boxeador. Will Smith cuenta con una impecable caracterización y un notable esfuerzo físico que abarca kilos de más, peleas reales y un nuevo registro interpretativo con el que Smith consigue casi calcar la arrogancia de Alí y su forma de moverse en el cuadrilátero.

Cinco series documentales para incentivar tu creatividad

Por: Karla León (@klls_luu)

“Para mí, el apetito de imágenes tiene que ser enorme y debe ser llevado por una curiosidad muy amplia. Si consumes imágenes que vienen de la arquitectura, de la fotografía, de la pintura clásica, o de la museografía, tu fluidez de solución narrativa será mejor y muy amplia”, señaló Guillermo del Toro en el 2017, durante una entrevista para la Universidad Oberta de Catalunya.

Estas palabras, y muchos más consejos relacionados, son una constante para las personas que desean incursionar en el cine o en la fotografía, sin embargo, no es ningún secreto para quienes se dedican al arte o a las industrias creativas, que es sumamente necesario estar actualizados con respecto a lo que nos rodea; de esta forma, podemos mantener múltiples referencias e incrementar nuestro rango creativo.

En los últimos años, las plataformas de streaming le han apostado a contenidos que muestran los entornos creativos a partir de la vida y obra de grandes virtuosos de las artes; nuevas tendencias arquitectónicas, e incluso, una nueva cara de la moda y su influencia en las industrias del entretenimiento.

A continuación te dejamos cinco series documentales que te ayudarán a incentivar tu creatividad.

Abstract: The Art of Design (2017-)

Dos temporadas engloban una de las series documentales más populares de Netflix, cuya narrativa versa en torno a la vida de 14 artistas y la forma en la que desarrollan su potencial creativo para darle vida a obras con una esencia y un estilo muy particular. Las mentes maestras que protagonizan cada uno de los capítulos, más allá de realizar una explicación meramente superficial, brindan un panorama muy amplio sobre todas sus actividades, a tal punto que podrás sentirte dentro de una clase íntima y muy personalizada.

Desde fotografía, bioarquitectura, ilustración, diseño de vestuarios y escenografías, e incluso, diseño tipográfico y digital, podrás explorar a fondo la fuente de inspiración, técnicas, manías, así como los secretos que guardan figuras tan reconocidas como Christoph Niemann, ilustrador de The New York Times; Tinker Hatfield, diseñador de calzado para Nike; Platon Antoniou, fotógrafo de líderes mundiales; o Ruth E. Carter, ganadora al Oscar por Mejor Vestuario por la cinta Black Panther (2018).

Disponible en Netflix.

Glow Up (2019-)

Una competencia de maquillaje puede sonar un tanto superficial, sin embargo, la serie británica dirigida por Rob Fisher va más allá de una muestra sobre tendencias de moda. En su lugar, a través de una serie de desafíos, logra mostrar todo un concepto que resalta las cualidades técnicas del uso del color, los materiales ideales para la caracterización de personajes, lo importante que resulta el contar una historia con un mensaje relevante, así como el valor que le imprime el diseño de maquillaje a cualquier tipo de producción, por ejemplo, el cine, la fotografía, una pasarela, el teatro, la publicidad o un show en vivo.

Con una propuesta audiovisual llamativa, Glow Up logra adentrarnos, a lo largo de dos temporadas, al backstage de diversos escenarios y grandes espectáculos para visualizar la importancia de todos los departamentos y roles dentro de la industria. La constante de esta serie son las nuevas propuestas artísticas y el buen uso de la creatividad e imaginación para darle vida a rostros, personajes e historias inigualables.

Disponible en Netflix.

Gameplay: The Story of the Videogame Revolution (2015)

Para los amantes de los videojuegos —y los no tan fanáticos— Gameplay resultará una propuesta visual sumamente grata, no obstante, el atractivo de esta serie llega con una narración simple y nostálgica, la cual logra adentrarte en la historia y evolución de los juegos de arcade, la innovación tecnológica, las nuevas propuestas y su éxito alrededor del mundo.

De Pong a Pac Man, y de Mario Bros a Lara Croft, Doom y Grand Theft Auto, este documental expone las estrategias creativas y el porqué de estos míticos juegos desde la voz de sus pioneros, entre ellos, Nolan Bushnell, David Crane, Noah Falstein y John Romero, figuras que hoy en día son un referente absoluto para la nueva generación de desarrolladores, diseñadores y guionistas contemporáneos.

Disponible en Amazon Prime Video.

El interior es lo que cuenta (2018)

La arquitectura y el diseño de interiores no sólo es un arte destinado al buen uso de los espacios y a la modificación del hábitat humano. Con el tiempo, grandes edificaciones y recintos han sido fuente de inspiración o escenario de grandes películas; seguramente recordarás el Palacio de Versalles, monumentos histórico que abrió sus puertas para la filmación de María Antonieta (2006), o el magnífico paisaje de Alemania que le dio vida a El gran hotel Budapest (2014), película en la que Wes Anderson tomó como inspiración la arquitectura de Viena, Praga y Budapest para crear la ciudad de Lutz.

A través de doce capítulos, El interior es lo que cuenta nos brinda un asombroso recorrido por casas, departamentos, mansiones y navíos, cuyas habitaciones y áreas principales son transformadas y rediseñadas a partir de conceptos inigualables y muy únicos. Si la imaginación no es una limitante, mucho menos lo puede ser la construcción de un espacio personalizado, y esto es lo que hace que la premisa de este documental, producido por Netflix, sea aún más agradable.

Disponible en Netflix.

The Toys That Made Us (2017-)

Con un toque de humor y nostalgia, esta gran serie documental nos regala un vasto recorrido por la historia de aquellos personajes y juguetes que marcaron nuestra infancia. Desde Star Wars, Barbie, Lego, hasta Las Tortugas Ninja y My Little Pony, sus respectivos creadores repasan su camino evolutivo, pero también, los obstáculos, éxitos y la creatividad con la que impulsaron y posicionaron sus etapas más importantes.

Bajo la narración de Donald Ian Black, esta serie resulta ágil y entretenida, incluso, sentirás una interacción directa con los entrevistados, quienes no escatiman ni un sólo segundo en contar su sentir respecto a los juguetes que reflejan el antes y el después de las generaciones del pasado y, seguramente, del futuro.

Disponible en Netflix.

Seis libros sobre cine mexicano que puedes leer gratuitamente

Por: Rubí Sánchez (@rubynyu)

El cine mexicano puede analizarse desde distintos ángulos; su historia es rica en temas, estilos y momentos claves, lo cual ha permitido que su estudio sea tan variado e interesante como su objeto de estudio.

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A continuación te dejamos seis libros para que te sumerjas en varios temas que te permitirán ampliar la visión sobre la historia del cine en México.

Acercamientos al cine silente mexicano (Ángel Francisco Miquel Rendon)

Un trabajo hecho por la Universidad Autónoma del Estado de Morelos que rescata los inicios del cine mudo en nuestro país, así como la relación del cine con la revolución mexicana, sobre todo en el ámbito del cine documental.  Una parte se dedica de lleno al estudio exhaustivo de Salvador Toscano, director, productor pionero del cine en México.

También se aborda el trabajo de otras cineastas y productores que hicieron posible la consolidación de una industrias en ciernes: como los hermanos Alva o Enrique Rosas. De interés también es su información estadística de estrenos que permiten imaginar la situación de las salas de la época.

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La Ciudad de México que el cine nos dejó (Carlos Martínez Assad)

Es una descripción y análisis de las películas que se han grabado en la ciudad.  Entiende y retrata cómo a través del cine no sólo se ha visto reflejada, sino también envuelta en una mitología.

A través de fotogramas se ve la evolución demográfica, geográfica y cultural de la ciudad. Los trabajos estudiados van desde El automóvil gris (Enrique Rosas, 1919), Santa (Antonio Moreno, 1932), Distinto amanecer (Julio Bracho, 1941), el cine de Ismael Rodríguez, la obra de Jaime Humberto Hermosillo, y trabajos más reciente como Amarte duele (Fernando Sariñana, 2002) o Temporada de patos (Fernando Eimbcke, 2004).

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Sueños de papel. El cartel cinematográfico mexicano de la época de oro (Armando Bartra)

Aborda la Época de Oro del Cine Mexicano a partir del estilo que pervivía en los carteles de cine. Con una breve historia del cartel en México, no sólo de cine, se adentra en la configuración de una estética y su importancia en un momento clave de la industria.

Se habla de las influencias de ilustradores como Charles Gibson y del mexicano Alberto Vargas, y cómo afectaron en la caricaturización de estereotipos que aún existen. Un punto fuerte es su gran compendio de carteles e ilustraciones.

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El cine super 8 en México 1970-1989 (Álvaro Vázquez Mantecón)

Un trabajo de la Filmoteca UNAM, el cual que presenta el impacto del formato Super 8 en México. Se describen los diferentes enfoques en los que fue usado, así como las técnicas y estilos que presentaban películas y documentales que se filmaban en dicho formato.

Pero sobre todo, se enfoca en la importancia que conllevó su manejo al salvaguardar la memoria de los movimientos sociales y estudiantiles de 1968. Las imágenes ilustrativas no se detienen en fotogramas de las cintas, pues también aparecen carteles, convocatorias y anuncios que retratan la época.

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El espectáculo de la violencia en el cine mexicano del siglo XXI (Guadalupe Pérez- Anzaldo)

Un estudio sobre la violencia, elemento que pareciera ha caracterizado a al cine mexicano de los últimos años como síntoma de la situación del país. El libro arranca con una explicación a través de la historia del país a partir de la relación del mexicano con la violencia.

Su análisis parte de tres producciones: Conejo en la luna (Jorge Ramírez, 2004), Casi divas (Issa López, 2008) y El infierno (Luis Estrada, 2010); contextualiza y se enfoca en el tipo de violencia que aborda, ya sea desde el Estado, el narcotráfico o el espectáculo mediático, sin olvidar la relación que existe con la censura.

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Clásicos del cine mexicano: 31 películas emblemáticas desde la Época de Oro hasta el presente

Un catálogo que permite navegar por las producciones más emblemáticas de nuestro país.  Examina trabajos como: ¡Que viva México! (Sergei Eisenstein, 1930), algunas obras de Emilio Fernández, Julio Bracho,  María Navarro, pasando por Guillermo del Toro y hasta Luis Estrada con El infierno.

Cada cinta es presentada con un análisis exhaustivo de su estilo y temas, ubicándola en su contexto y en la importancia que conllevó para la industria. Una perfecta herramienta para dar una vuelta por la historia del cine en México.

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Las cinco actuaciones más recordadas de Bill Murray


Si habláramos de los mejores actores de la historia, el nombre de Bill Murray probablemente no saldría a colación. Tampoco de los últimos 30 años. Ahora, si remitiéramos a las mayores estrellas de cine, la discusión no sería la misma. Ser estrella no es lo mismo a ser un gran actor/actriz.

Aunque ambas cosas pueden ir de la mano, la realidad es que no son numerosos los casos de histriones superestrellas. Para ser movie star se necesita una extraña combinación de carisma, suerte en la elección de los papeles y en su recepción, así como cierta habilidad actoral. Quizás en la actualidad este último requisito ya no es tan necesario ni notorio, pero, al menos en la época de Murray, lo era.

Es uno de los intérpretes más queridos por la audiencia que arranca sonrisas aun si sólo aparece en cameo. Es un tipo agradable y ha corrido con la fortuna de aparecer en proyectos que lo han hecho lucir bien y sacado lo mejor de él.

A continuación recordamos sus cinco papeles más memorables.

5. Saturday Night Live (varias apariciones)

Además de ser un sujeto ameno en su esencia, Bill Murray es un actor de comedia muy efectivo. Así como otros de su generación y de otras que le siguieron, comenzó en la pantalla chica con sketches en SNL. Desde aquí se notaron sus cualidades para convertirse en estrella, como el gran manejo del ritmo y una simpatía natural. Varios de estos segmentos de una mejor época para la televisión abierta estadounidense están disponibles en línea.

4. Perdidos en Tokio (Sofia Coppola, 2001)

Relata la directora que este papel fue escrito específicamente para su admirado Bill Murray, y que, de no haber conseguido que participara, la película no se habría realizado. Murray se compagina muy bien con su coestelar Scarlett Johansson. Aunque la trama de un romance tibio entre dos almas perdidas que se encuentran (las cuales pertenecen a un señor de mediana edad y a una chica muy joven) no ha envejecido muy bien, ésta significa un punto importante tanto en la carrera de los actores como en el de la directora Sofia Coppola.

3. Atrapado en el tiempo (Harold Ramis, 1993)

Una película que ha ido ganando reconocimiento tanto de forma historiográfica como con el público es El día de la marmota, ahora considerada como una de las mejores comedias de todos los tiempos y ni qué decir de los años 90.

Un anfitrión de televisión malhumorado queda atrapado en un bucle mientras cubre del día de la marmota, estancándose en el 2 de febrero. Esta película destaca por la gracia impresa en el libreto y por la gran actuación de Murray, oscilando entre la comedia involuntaria y la deliberada por el gran manejo del rango de su personaje.

Vivir todos los días como el mismo… Suena familiar para este año, ¿no?

2. Sus colaboraciones con Wes Anderson

Wes Anderson es uno de los realizadores más interesantes de la actualidad, quien ha sabido encontrar un equilibrio entre una propuesta autoral y establecer mecanismos para ser del agrado del público. Dentro de su filmografía, además de incluir temáticas sobre los lazos emocionales y familiares, un elemento común es la inclusión de Bill Murray en el elenco.

Aunque algunas de sus apariciones han sido sólo de doblaje, podríamos decir que algunas de las más notables son Tres son multitud (1998), Los excéntricos Tenenbaum (2001), La vida acuática con Steve Zissou (2004) y Moonrise Kingdom(2012).

1. Los cazafantasmas (Ivan Reitman, 1984)


Creo que era previsible. Esa es una película hito cultural en la historia del cine estadounidense por el impacto que tuvo en su momento y a posterior. El guion, las actuaciones y hasta la canción original son una referencia inconfundible de la década de los 80. Y qué decir del trabajo de Bill Murray. Su actuación más reconocida.

Seis películas para acercarte al cine del Perú de la última década

Por: Rubí Sánchez (@rubynyu)

La historia de cine del Perú comenzó algo tarde con su primera cinta Resaca (1934) dirigida por Alberto Santana. No sería hasta la década de los 80 que el trabajo de un grupo de cineastas, liderados por Francisco José Lombardi,  atrajeran la mirada del público, pues adaptaron novelas peruanas (como las obras de Mario Vargas Llosa). Su estilo era casi sucio, ensalzando la violencia gráfica.

En contraste existía el llamado Cine Regional Peruano; cineastas que filmaban en el interior del país y se enfocaban en el folclor de la tradición oral andina. Si bien comenzaron con cortometrajes y cintas de bajo presupuesto, el movimiento aún continúa. La industria de cine presenta una clara división entre lo rural y lo urbano, tanto a nivel de producción como en las historias que se cuentan.

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A continuación te presentamos seis películas del Perú que te permitirán adentrarte en la historia y el presente de un país tan rico en miradas. 

La teta asustada (Claudia Llosa, 2009)

No sería hasta entrada la década del 2000 cuando las cintas producidas en el país alcanzarían un realce internacional con La teta asustada, película nominada en los premios Oscar a Mejor Película de habla no inglesa y ganadora del Oso de Oro en Festival Internacional de Cine de Berlín.

Se trata de un antecedente clave para entender la transformación que ha vivido el cine en el país. La historia nos presenta a Fausta, una joven que se encuentra en duelo por la muerte de su madre, a la vez que intenta ganar dinero para darle sepultura en su lugar de origen. Sus parientes la tildan de rara y de tener la teta asustada, enfermedad que le viene de nacimiento por haber sido concebida en una violación. 

La teta asustada

La película muestra los contrastes de Fausta con su familia, enfrascada en el festejo de XV años de su prima. La trama se centra en el autodescubrimiento de la protagonista; ella es el eje de la historia, sin sobresaltos y casi con ternura se nos dibuja su mundo. Sobresale la actuación de Magaly Solier, quien se ha convertido en la cara del cine del Perú. La teta asustada comienza un nuevo tiempo de cine más acompasado y  pensado.

Wiñaypacha (Óscar Catacora, 2018)

Retomando los ideales del cine regional, Catacora filmó la primera película peruana hablada en aymara, lengua hablada en la meseta andina del lago Titicaca. Con tomas majestuosas del nevado Allincapac, resultó ganadora a Mejor Opera Prima y Mejor Fotografía del Festival de Cine de Guadalajara en 2017.  

Seguimos de cerca a Willka (Vicente Catacora, abuelo materno del director) y a Phaxsi (Rosa Nina), una pareja de ancianos que viven en los Andes peruanos. Se dedican a cuidarse entre ellos y a su llama. A la vez, siguen sus costumbres religiosas y no sueltan la esperanza del retorno de su hijo, quien migró a la ciudad. La fotografía acapara la atención, mostrando una profundidad y unos colores vivos impresionantes.

Wiñaypacha

La historia recuerda a Hamaca Paraguaya (2006), emparentadas por el uso de lenguas indígenas y el hecho de poner el foco en la vejez. Al igual que la película de  2006, Wiñaypacha se vale de un ritmo sereno para mostrarnos el día a día de sus protagonistas. Sin embargo, se aleja de ella por preferir un final más crudo y duro, pero cercano a la cosmovisión de los andinos y su respeto por Pachamama, la Madre Tierra.

Magallanes (Salvador del Solar, 2015)

Dirigida por el actor y abogado Salvador del Solar, quien en 2019 se convirtió en  presidente del Consejo de Ministros del Perú. Del Solar ha combinado su carrera política con la artística al dirigir el Ministro de Cultura de su país. 

Magallanes, su debut en la dirección, está basada en la novela La pasajera del escritor peruano Alonso Cueto. Resaltan las actuaciones de Magaly Solier en el papel de Celina, y del mexicano Damián Alcázar, quien da vida al protagonista.  Es una historia sobre el pasado y los secretos que se prefieren olvidar.

Magallanes

Magallanes es un taxista que trabaja para su antiguo jefe militar de Ayacucho, a quien conoció cuando luchaban contra los terroristas del Sendero Luminoso.  Su pasado regresa cuando toma como pasajera a Celina, conocida en su época de soldado. Su trauma vuelve, y en la búsqueda de resarcir su culpa se inmiscuye en un entramado de mentiras y chantajes. 

La cinta combina el suspenso con el manejo de la culpa; toma como eje los crímenes de las dictaduras militares que, como uno de los personajes, parecen olvidadas. Emula el estilo de los thrillers estadounidenses con una edición rápida, pero no frenética.

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Octubre (Daniel y Diego Vega Vidal, 2010)

Cinta debut de la pareja de directores. La película vio la luz en la sección Un certain regard del Festival de Cannes.  La historia se centra en Clemente, un prestamista reservado, quien debe hacerse cargo de  su hija que fue abandonada por la prostituta con quien la concibió. A su lado está Sofia, vecina quien cuidará a la bebé mientras Clemente busca a la madre. 

La historia no es el atractivo de Octubre, sino la configuración de sus personajes y la puesta en escena de una cotidianidad abrumadora. Vemos a los personajes manejarse en un mundo asfixiante del que no tienen salida, misma que no buscan.

Octubre

Sobresale la actuación de Carlos Gassols, un anciano llamado Don Fisco que busca la ayuda del prestamista para fugarse con su enamorada, quien se encuentra con el cuerpo paralizado. Con esta actuación se llevó el premio a Mejor Actor en el Festival Internacional de Vladivostok en Rusia.

La cámara en Octubre se coloca de manera fija, con la intención de remarcar todavía más la situación de sus protagonistas. El dinero entra y sale de la toma sólo como un instrumento de cambio que no garantiza una mejora en la vida de los protagonistas.  

Las malas intenciones (Rosario García-Monter, 2011)

Ambientada en los años 80, época de transición en Perú. Seguimos a Cayetana, una niña de familia adinerada, quien sufre la falta de atención por parte sus padres divorciados. Ello provoca que la niña se encierre en su imaginación, poblada con los héroes patrios, José Olaya, Miguel Grau y Francisco Bolognesi, quienes la salvarán de su situación. 

Su fantasía es tan veraz para ella, que la lleva a pensar que la llegada de su nuevo hermano significa su propia muerte. Su soledad es palpable, y la lleva a realizar acciones pensadas desde el egoísmo y la maldad. Gracias a la interpretación de Fátima Buntinx, conectamos con las expresiones de Cayetana que denotan sus deseos y, aunque podrían resultar chocantes, se perdonan por su situación.

Las malas intenciones

La película deja ver la situación política desde la mirada infantil, sobre todo, eventos terroristas que azotaban al país. La fotografía se maneja en una gama apagada de verdes, azules y ocres, lo que permite al espectador ubicarse en un filme que emana del recuerdo. 

Retablo (Alvaro Delgado-Aparicio, 2017)

Una entrega hablada casi en su totalidad en quechua. Se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Berlín 2018, donde ganó un Teddy Award como la mejor película debut del festival con temática LGBTQ.

La cámara se fija Segundo (Junior Béjar Roca), joven aprendiz de su padre, Noé (Amiel Cayo), quien se dedica a construir retablos, productos del sincretismo entre el arte barroco y el indigenismo: cajas rectangulares adornadas con figuras hechas de masa de papa pintadas a mano.

Retablo

Al descubrir un secreto de su padre, Segundo se cuestiona su futuro y su modo de proceder. El reparto se completa con la presencia de Magaly Solier como Anatolia, madre de Segundo y esposa de Noé. Retablo es una historia de amor paternal y de cómo luchar contra ideas enclavadas en una sociedad machista puede costar el prestigio y la vida. 

El cine peruano no teme enfrentarse a su historia. Es un espejo doble en el que se rememora el pasado, al mismo tiempo que se enfrenta el presente.