Las películas de terror más taquilleras en los últimos años

Por: Sebastián López (@sebs_lopez)

Algunas de las más recientes propuestas que se inscriben en el terror, independientemente de si han utilizado decente o lastimosamente las características de uno de los géneros favoritos del público, son recordadas por su recaudación monstruosa en taquilla. Tal es el caso de las producciones estadounidenses, las más taquilleras a nivel mundial, cuyo éxito se alimenta de los asistentes de países como México, uno de los que más consume este tipo de cine.

A continuación te comparto los títulos que encabezan la taquilla del terror de los últimos años.

5. El conjuro (James Wan, 2013)

Un ambiente perturbador, intimidante y extraño nos deja esta inquietante película, la cual hace funcionar sus cambios de ritmo. El filme que recaudó 319,494,638 dólares, se centra en la historia de una familia que habita en una granja en Harrisville, que al darse cuenta de una posible posesión de su casa, acuden a Ed y Loraine, investigadores estadounidenses de fenómenos paranormales. 

4. El conjuro 2 (James Wan, 2016)

La continuación de la historia del matrimonio Warren deja una sensación abrumadora y de inquietud, llena de premonición. Ubicada seis años después de la primera entrega, la trama gira en torno a los hechos paranormales que sufren los Hodgson, una familia londinense del distrito de Enfield. La historia se basa en una historia real de un caso reportado en la década de los setenta en la misma comunidad de Londres donde sucede la película. 

El título recaudó 320,392,818 dólares, y es una muestra que el universo basado en los archivos de los demonólogos Ed y Loraine seguirá dando de qué hablar. 

3. Un lugar en silencio (John Krasinski, 2018)

Después de dirigir algunos episodios de la serie The Office, el cineasta estadounidense debuta en el largometraje de terror con un experimento acertado. Una película emocionante, casi silenciosa y que juega brillantemente con nuestros nervios al evitar hábilmente los clichés en este tipo de narrativas y valerse de un toque sorprendente de suspenso. Esta gran combinación de puesta en cámara y sonido recaudó 332,583,447 dólares. 

2. It: capítulo 2 (Andrés Muschietti, 2019)

La conclusión de la historia construida en la mente de Stephen King (The Shining, Doctor Sleep) llegó a su fin junto a la dirección de Andrés Muschietti, quien dividió a la audiencia entre los que aplaudieron la forma tan coherente de adaptar esta parte de la novela, y quienes la consideraron un completo error. Sin embargo, la mayoría destacó que propone una crítica a temas homofóbicos y clasistas. La película logró recaudar 457,378,349 de dólares, y aunque contiene una fórmula repetitiva, consigue cierto poder narrativo.  

1. It (Andrés Muschietti, 2017)

Rehace una aventura vista en los años noventa en formato de mini-serie. Consigue darle un nuevo enfoque a esta crítica social con temas terroríficos y sangrientos, los cuales en un principio refleja la misma novela de Stephen King. 

Aun con sustos clichés, la película se distingue por una dirección bastante dinámica que logra un ambiente digno respecto a la obra original. La película recaudó un total de 700,381,748 dólares, cantidad que la convierte en el título de terror más taquillero en la historia, hecho que también refleja el gusto (o la expectativa) del público hacia las adaptaciones.

Las series más esperadas para cerrar el 2019

Por: Angélica Mejía (@lilithchance)

Quedan menos de tres meses antes de decirle adiós al 2019, tiempo en el que aún podremos disfrutar de grandes series. Si pensabas que Dark T2  y Stranger things T3 eran las últimas sorpresas de Netflix o que después de Chernobyl HBO se había quedado sin estrenos, sigue leyendo, pues hoy te cuento de las series más esperadas antes de concluir este año. 

La casa de las flores

Una de las series mexicanas más exitosas que ha producido Netflix fue confirmada para una segunda temporada, la cual causó polémica al informarse que no contaría con la participación de Verónica Castro, protagonista de la primera entrega en el papel de Virginia de la Mora, la matriarca de la familia. 

En el avance de la Casa de las flores T2 podemos ver algunas de las situaciones a las que la familia deberá enfrentarse para recuperar la florería que perdieron en la temporada uno, además de la presunta muerte del personaje de Verónica Castro. 

Estreno: 18 de octubre en Netflix

Watchmen 

Ocurrirá varias décadas después de los hechos presentados en el cómic; la dirección es de Damon Lindelof (creador de Lost) y se ha anunciado que será completamente fiel al canon de la novela gráfica de Alan Moore.

La secuela combinará conocidos y nuevos personajes que serán interpretados por Jeremy Irons, Regina King, Don Johnson, Jean Smart, Tim Blake Nelson, entre muchos otros actores. En la parte de la banda sonora se encuentra Reznor (Nine Inch Nails) junto a su productor Atticus Ross.

Un grupo de fans tuvo la exclusiva de ver el primero de nueve episodios en la Comic Con en Nueva York y estas son algunas de las reacciones:


Estreno: 20 de octubre en HBO

Bojack horseman

La sexta y temporada final de la serie creada por Raphael Bob-Waksberg en colaboración con la dibujante Lisa Hanawalt, muestra los conflictos personales de BoJack, un caballo antropomorfo que triunfó en los años 90 con la telecomedia Horsin’ Around, pero actualmente es incapaz de reconducir su vida profesional.

Medios internacionales como el diario británico The Guardian la han definido como “un drama a fuego lento sobre la hipocresía y estupidez que rodea a Hollywood”.

Estreno: 25 de octubre y 31 de enero de 2020 en Netflix.

The end of the f***ing world

Hace dos años se estrenó The end of the f***ing world y nos dejó uno de los finales más caóticos, pues no concluyó casi ninguna de las acciones de aquella escena final del último episodio. 

Esta comedia negra se basa en la novela gráfica homónima y presenta la historia de James y de Alyssa, quienes se embarcan en un peligroso viaje tras fugarse de sus respectivas casas; él se define como psicópata y ella como una chica que odia a todo el mundo. La nueva temporada será emitida primero por televisión en Reino Unido, y después a nivel internacional en Netflix, plataforma encargada de su distribución.  

Estreno: 5 de noviembre en Netflix

Rick and Morty 

En un video dado a conocer el pasado 15 de mayo los mismos Rick y Morty anunciaron su regreso. Respecto a las amplias esperas entre las primeras temporadas, Justin Roiland se manifestó en entrevista para la página de Polygon:

“Ya no vamos a hacer estas largas pausas, estos abismos entre temporadas. Vamos a programar nuestras vacaciones y a mantener la máquina en marcha. Esto va a ser realmente genial.”

Recordemos que aún hay Rick and Morty para rato, ya que en esta nueva temporada podremos ver tan sólo cinco de los 70 capítulos confirmados para continuar la serie.

Estreno: 10 de noviembre en TNT

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The crown 

La serie que narra la vida de la Reina Isabel II desde los años 20 hasta la actualidad ha sido confirmada para una tercera y cuarta temporada, las cuales ya han sido grabadas. De acuerdo con los productores de la serie, la nueva entrega comenzará a finales de los 60 para mostrar el nombramiento de Harold Wilson como Primer Ministro; además se abordarán acontecimientos históricos como la victoria de Inglaterra en el Mundial de Fútbol de 1996.

Esta vez el elenco original fue reemplazado, y el papel de la Reina, que en las temporadas 1 y 2 fue interpretado por Claire Foy, será encarnado por la ganadora del Óscar, Olivia Colman. Además, como reemplazo de Vanessa Kirby, quien interpretaba a la hermana de la Reina, Margarita, tendremos a Helena Bohman Carter. 

Estreno: 17 de noviembre en Netflix

Ve gratis las mejores películas de Buster Keaton

Por: Brenda Hernández (@lalelilolupita)

Buster Keaton es uno de los grandes genios de la pantalla grande. El director, guionista y actor de sus propias películas está considerado como uno de los mejores cómicos del cine mudo estadounidense, junto a Chales Chaplin y Harold Lloyd. Su humor físico se diferenciaba del de sus contemporáneos por incluir elementos surrealistas, además de su inconfundible rostro inexpresivo en contraste con sus habilidades acrobáticas, la cuales le hicieron ganar el apodo “Buster” (destructor), bautizado así por el ilusionista Harry Houdin, quien era colaborador de su padre. 

El autor de casi 50 títulos, entre cortos y largometrajes, recibió múltiples reconocimientos: en 1960 obtuvo un Oscar honorífico gracias a su importante carrera, y en 1999 ocupó el puesto 21 de los mejores actores del cine clásico estadounidense del listado del American Film Institute

A 124 años de su nacimiento lo recordamos con una selección de sus películas disponibles gratuitamente en Internet Archive: 

The Butcher Boy (1917)

El carnicero de una tienda se enamora de la hija del propietario. Cuando éste se da cuenta del romance manda a la joven a un internado. Para verla, el chico hace de todo, incluso hacerse pasar por mujer.

Se trata de la primera vez que Buster Keaton aparece en la pantalla grande y lo hace junto a Roscoe “Fatty” Arbuckle Keaton, un cómico de slapstick entonces ya consolidado, hecho que le dio un importante impulso al actor.

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The General (1927)

Es considerada la obra maestra de Keaton, sin embargo en su momento fue altamente criticada por la visión parcial que presenta de Guerra Civil estadounidense. Con el paso del tiempo, este trabajo fílmico ha sido revalorado por su magistral ejecución y producción; se le considera una de las joyas de la cinematografía mundial y pionera en innumerables efectos y procesos de realización del cine.

Orson Wells la llamó “la mejor película de comedia de la historia, la mejor película de la Guerra Civil de la historia y quizás la mejor película jamás hecha”.

Figura en el puesto 18 de la lista de los 100 mejores películas del American Film Institute y en el puesto 34 de las mejores películas de todos los tiempos, según la British Film Institute, es el puesto más alto conseguido por una película de comedia.

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Sherlock, Jr. (1924)

Keaton protagoniza a un joven proteccionista en una sala de cine, donde además ejerce varios oficios y es aprendiz de detective.

La cinta constantemente se refiere a la dualidad y a la imposibilidad de hacer dos cosas al mismo tiempo, es así que se envuelve en una divertida espiral de eventos graciosos. Una comedia llena de arriesgadas aventuras y persecuciones, muy al estilo del famoso de comediante.

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The Cops (1922)

El protagonista llega fortuitamente a una mudanza en mitad de un regimiento de policías, cuando una bomba aterriza en su carruaje. 

                                                                                                   

Se trata de uno de los cortometrajes más famosos de Keaton, gracias la secuencia en la que el protagonista es perseguido por docenas de oficiales, truco que replicaría años más tarde en Siete ocasiones, y por la famosa huida que realiza tomando un coche en movimiento con la mano.

The Navigator (1924)

Narra la historia de Rollo Treadway (Buster Keaton) quien se enamora de la hija de un armador de barcos, quien vende uno de estos a un país en guerra. Ambos se embarcan en el navío que es abandonado a la deriva en el océano Pacífico en medio del conflicto bélico. 

El equipo de producción de Keaton adquirió un trasatlántico utilizado durante la Primera Guerra Mundial que estaba a punto de ser chatarra, y la mayor parte de la película se desarrolla  a bordo de este barco. Según Keaton, esto permitió generar una atmósfera real al rodaje.

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Además de estos, podrás encontrar otros filmes como: The Cameraman (1928), La Barca (1921) y The Electric House (1922). VELOS TODOS AQUÍ 

Martin Scorsese en cinco cortometrajes

Por: Rubí Sánchez (@rubynyu)

Martin Scorsese es uno de los directores que se forjó estudiando cine, de ahí que sus primeros acercamientos cinematográficos hayan sido tareas escolares, mismas que nos presentan las obsesiones en ciernes de uno de los mejores cineastas nacidos el siglo pasado.

Dichos trabajos en su mayoría son cortometrajes en los que Scorsese experimenta con distintas técnicas , las cuales lo ayudaron a encontrar su estilo. 

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What’s a Nice Girl Like You Doing in a Place Like This? (1963)

La primera dirección del cineasta originario de Queens, Nueva York, fue Vesuvius VI (1959), una mini épica de la erupción en la Antigua Roma; la cinta, grabada en super 8, se no está disponible, no así su siguiente trabajo: What’s a Nice Girl Like You Doing in a Place Like This? (1963), el cual dirigió siendo estudiante del Máster en Bellas Artes en  la Tisch School of the Arts.

En nueve minutos conocemos a un escritor obsesionado con la imagen de un cuadro donde el agua es muy importante; esto lo lleva a filosofar sobre su falta de inspiración. Se distingue por un montaje vertiginoso y una fotografía descuidada en blanco y negro. También se percibe la influencia de la nueva ola francesa y nos deja ver a un Scorsese en busca de balancear lo sublime y lo fallido. En general es un juego de movimientos y de obsesiones que se verán más adelante en la filmografía del director. 

 It’s Not Just You, Murray! (1964)

La cinta, con un final homenaje a Fellini, es un trabajo más cercano a los temas que Scorsese ha tocado a lo largo de su carrera; alejado de los juegos experimentales tenemos a su primer gánster, Murray, quien nos cuenta cómo hizo crecer su fortuna. En el inter descubre que la ayuda de su amigo Joe fue más allá de los negocios. 

El protagonista presume sus lujos y nos lleva a manera de flashback a sus inicios como apostador, a su matrimonio, sus idas a la cárcel, y sobre todo la constate compañía de Joe. Scorsese se adentra en el uso del montaje frenético y se divide entre el uso de colores vibrantes y oscuros. 

 

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The Big Shave o Viet ’67 (1967)

Después  de sus primeros largometrajes, Who’s That at my door? (1967) y del documental New York City.. Melting Point (1966),  y aun sin encontrar productor para Mean Streets, Scorsese decide mandar el guion del cortometraje The big Shave al Festival internacional de Cine Experimental de Knokke-le-Zoute Bélgica, donde resulta ganador. 

Durante seis minutos seguimos la rutina de un hombre al afeitase, hasta que sin mutarse, comienza a lastimar su rostro y gotas de sangre van apareciendo, mismas que poco a poco se convierten en borbotones. Es entendido como una crítica visceral hacia la guerra de Vietnam y a la participación autodestructiva de los Estados Unidos. 

La melodía que lo acompaña es I can’t get started (Bunny Berigan) grabada en 1937, la cual nos lleva a un tono atemporal y decadente. 

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Bad (1987)

Después del éxito de cintas como Taxi driver (1976) y Raging Bull (1980), Martin Scorsese ya era reconocido como uno de los directores más afianzados en la industria de Hollywood, lo que llevó a Michael Jackson a buscarlo para dirigir el video de su canción Bad, tratando de emular el éxito conseguido con Thriller, dirigido por John Landis. 

El corto fotografiado en blanco y negro sigue a Daryl, un joven que ha terminado sus estudios en un colegio privado y quien vuelve a su lugar origen, un barrio bajo de Nueva York. Conserva elementos del cine de Scorsese, como el retrato del protagonista como un ser solitario o atrapado en un mundo en el que no es feliz, así como el guion de Richard Price, responsable por ejemplo de The color of Money (1986). La atmósfera de Nueva York es tan decadente, que llevó a Michael Jackson a preguntar si en ese sitio vivía gente. 

The Key to Reserva (2007)

Los últimos cortos de Scorsese se alejaron por completo de sus orígenes experimentales, así como de sus temas tradicionales. Junto a The Audition (2015)The key to Reserva juega con lo meta ficcional al presentarnos al Scorsese director interpretándose a sí mismo, en este caso en un comercial para la empresa española Freixenet Cava, la cual sigue su tradición, desde 1977, de crear publicidad de la mano de actores y directores reconocidos. 

La historia se inventa el hallazgo de un guion de Hitchcock que estaba perdido, y el director protagonista tiene toda la intención de rodarlo para homenajear al maestro del suspenso. El supuesto guion es la  intriga que lleva a un hombre a buscar entre los asientos de un palco en la ópera, mientras en el fondo la orquesta armoniza con gran tensión. Dejando de lado su carácter publicitario, en este trabajo ronda la idea que tiene Scorsese de la importancia de preservar cintas olvidadas. 

Cinco trabajos muy diferentes entre sí, desde el corto experimental, el video clip, el homenaje y la publicidad, Scorsese demuestra que en poco tiempo es posible narrar historias apoteósicas, divertidas y vertiginosas. 

Cinco grandes películas de Agnès Varda

Por: Brenda Hernández (@lalelilolupita)

Su visión progresista y curiosidad inagotable le permitieron indagar en la vida de personas comunes, así como desarrollar un especial interés en contar historias de trabajadores y mujeres. Es el cine de Agnès Varda, un cine feminista que se valió de las mujeres y sus luchas como detonantes de las tramas. 

“Sugerí a las mujeres que estudiasen cine. Les dije: Salid de las cocinas, de vuestras casas, haceos con las herramientas para hacer películas.”

Agnès Varda

Además de ser un referente del cine hecho por mujeres, su obra se destaca por el carácter social y realista, que la llevó a experimentar por diversos géneros en los que difuminó la distancia entre ficción y documental. No sólo es una de las cineastas más sobresalientes de la historia por ser la única mujer dentro de la Nueva Ola Francesa, si no por ser precursora de ésta.

Semanas antes de su fallecimiento, en marzo pasado a los 90 años de edad, recibió el Premio Honorífico del Festival de Berlín 2019, en reconocimiento a su trayectoria que abarcó seis décadas. También se estrenó Varda by Agnes, un recuento de sus trabajos a partir de una recopilación de charlas que ofreció durante sus últimos años.

A continuación te presentamos algunas de sus películas imperdibles.

La Pointe-Courte (1954)

Un título obligado no sólo en la filmografía de Varda, sino como antecedente de la Nueva Ola, con el que la entonces joven de 26 años de edad hace su debut como directora. Narra la historia de un matrimonio que decide si continuar juntos o no a partir de una introspección en su relación, a la par que desarrolla el retrato realista de un pequeño pueblo de pescadores al sur de Francia. Para ello utiliza la locación real e incorpora actores no profesionales, habitantes de la pequeña villa La Pointe-Courte. 

El autofinanciamiento de este primer proyecto le permitió la libertad de trabajar al margen de la industria y encontrar una propuesta estética y narrativa única, que sirvió de gran influencia para los jóvenes críticos de Cahiers du cinéma, quienes en los años siguientes cambiarían la historia del cine.

Cleo de 5 a 8 (1962)

Sin lugar a dudas se trata de su obra más relevante, un filme icónico del cine francés que presenta la historia de Cleo (Corinne Marchand), una hermosa cantante impaciente por conocer los resultados de sus exámenes médicos para descubrir si tiene cáncer o no.

Durante su espera visita a una adivina para que le lea las cartas, quien le revela una serie de predicciones que se irán cumpliendo a lo largo de la cinta. La angustia la hace recorrer sin aparente rumbo la ciudad de París, mientras se cuestiona constantemente sobre la salud, el amor en pareja y hace hincapié en su propia belleza. En este recorrido conoce a un joven soldado, a punto de partir para hacer el servicio militar en Argelia. 

Su llamada “obra maestra” le valió para competir por la Palma de Oro en el Festival de Cannes. En ella, Varda hace una reflexión acerca de el cuerpo femenino y las exigencias de la modernidad a las mujeres en un mundo dominado por la mirada masculina, además, muestra la transformación de Cleo, quien en un par de horas pasa de ser el objeto observado por todos, a un sujeto que decide que mirar.

 Las playas de Agnès (2008)

Varda protagoniza un documental en el que interpreta “el papel de una ancianita gordita y habladora que cuanta su propia vida”. Así, visita las playas que la marcaron y recrea algunos momentos sobresalientes de su infancia por medio de instalaciones que incluyen elementos como espejos, los cuales le permiten ilustrar sus propios recuerdos.

Esta autobiografía sumerge al espectador en los episodios trascendentales de su vida; desde su infancia en el mar de Bélgica y la casa donde nació, su etapa escolar, la guerra, su adolescencia en París, hasta su matrimonio con Jacques Demy, el nacimiento de sus hijos, y por supuesto, la creación de sus cintas.

Con el apoyo de material de archivo y fragmentos de sus filmes, es posible profundizar en las inquietudes y búsquedas de esta artista, así como conocer mejor sus procesos creativos y su visión acerca de el cine, el cual describe como su hogar. 

Sin techo ni ley (1985) 

La desgarradora historia de una mujer que pone su autonomía por encima de cualquier otro cosa. Al estilo de falso documental, se recrean los últimos momentos antes de que Mona Bergeron (Sandrine Bonnaire), una joven vagabunda, sea encontrada muerta. Se muestra su vida partir de flashbacks y entrevistas a las personas que la conocieron durante sus últimos meses.

La protagonista hace un recorrido hacia la nada, en donde no hace más que sobrevivir. Con ello permite reflexionar acerca de la represión social hacia las mujeres y muestra la insatisfacción generalizada de una sociedad en decadencia. Con esta cinta, Varda obtuvo el León de Oro en el Festival de Venecia y Bonnaire ganó el César a Mejor actriz.

Rostros y lugares (2017)

Un documental que retrata la inusual amistad de Varda y el co-directo J.R., un joven fotógrafo y artista urbano quien considera que la mejor galería de arte es la calle. Si bien la película no es autobiográfica, sí hace referencia a la vida de la autora, quien se encuentra en un momento de introspección y confiesa el miedo que siente por perder la vista a causa de una enfermedad que padece en los ojos.

Su mayor temor es perder la capacidad de conocer personas y observar rostros nuevos, es así que deciden hacer un viaje “antes de que sea demasiado tarde”. Con ello recorremos distintas localidades francesas a bordo de un camión que funciona como cabina fotográfica, el cual les permite imprimir a gran escala dichas imágenes. 

A través de la mirada realizan un tributo a aquellos lugares que sirvieron de inspiración para la directora. Retratan a personas invisibles, a las que Agnès siempre buscó representar en sus obras, especialmente mujeres. Ambos cuestionan la relación contemporánea de la imagen y su relación con el espacio, así como con el espectador. 

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También nos adentra en una reflexión acerca de la muerte, el tiempo y la vida misma; temas recurrentes en su obra, pero que son abordados desde el punto de vista de una mujer que descubre en el envejecimiento nuevas posibilidades creativas. 

La llamada “Abuela de la Nueva Ola” recibió en 2017 un Óscar honorífico por su importante trayectoria y la convirtió en la primera mujer en recibir tal distinción. Construyó un gran legado para la cinematografía mundial que resulta imprescindible para cualquier apasionado del séptimo arte. 

Cinco imperdibles del cine español contemporáneo

Por: Karla León (@klls_luu)

Con amantes y detractores, el cine español sigue consolidándose a través de historias apasionantes y conmovedoras, mismas que han sido reconocidas en diversos festivales internacionales, además de recibir múltiples galardones por su gran valor narrativo. Aquí te recomendamos cinco películas españolas que no te puedes perder en Netflix, la plataforma de streaming más popular. 

Elisa y Marcela (2019)

Toques de romanticismo, sufrimiento y libertad impregnan la película dirigida por Isabel Coixet, quien le da vida a una de las historias más controvertidas de finales del siglo XIX, en la que se narra la relación amorosa de Elisa, interpretada por Natalia de Molina; y Marcela, personificada por Greta Fernández; dos profesoras que logran contraer matrimonio en España en 1901, conocido como el primer matrimonio homosexual registrado en tal país.

Seleccionada en la 69° edición del Festival Internacional de Cine de Berlín para competir por el Oso de Oro, la trama logra conducir delicadamente al espectador por los momentos y altibajos más importantes de la pareja en su búsqueda por una relación plena y alejada de las adversidades políticas y sociales. 

Perfectos desconocidos (2017)

Un grupo de amigos se reúnen para cenar. Durante la velada, se propone un juego que destapará sus peores secretos y revelará los aspectos más ocultos de su vida, los cuales, podrían generar conflictos incluso entre ellos. 

En esta ocasión es Álex de la Iglesia, uno de los directores más destacados del cine español por su amplia filmografía, quien adapta la película italiana Perfetti sconosciuti (Paolo Genovese, 2016). Con toda libertad visual y narrativa, el autor de 20 títulos más logra una película que destaca por su humor negro y en la que a partir de situaciones cotidianas, los personajes se van despojando de sus capas hasta quedar totalmente expuestos. 

Toc Toc (2017)

La sala de espera de un consultorio psiquiátrico reúne a seis pacientes muy particulares que aguardan una cita que se agendó, casualmente, a la misma hora. Dirigida por Vicente Villanueva y protagonizada por Rossy de Palma, Paco León, Alexandra Jiménez, Nuria Herrero, Adrián Lastra y Oscar Martínez, la cinta logra consolidar una buena comedia bajo un escenario simple. 

Basada en la puesta en escena del comediógrafo francés Laurent Baffie, fue nominada en múltiples categorías de los Premios Goya y es considerada una de las comedias teatrales mejor adaptadas al séptimo arte. 

Contratiempo (2016)

Un homicidio, una sola verdad; así es el rompecabezas del segundo largometraje del cineasta Oriol Paulo, quien de manera efectiva logra desarrollar una trama que juega tanto con los personajes como con el espectador; todo a través una cronología multifacética que se convierte en decenas de posibilidades. 

Protagonizada por Mario Casas, Bárbara Lennie, José Coronado y Ana Wagener, la película no sólo ofrece la complejidad de un thriller, sino consolida una estética muy particular que potencializa los escenarios en los que se plantean las acciones, mismos que van tomando relevancia a medida que estas transcurren.  

Palmeras en la nieve (2015)

Con una estética visual orgánica, Fernando González Molina construye una narrativa poderosa que se desarrolla al vaivén de los escenarios y los personajes, mismos que se conjugan para darle vida a una de los títulos más destacados del cine español contemporáneo. 

Entre espacios de tiempo, Adriana Ugarte, Macarena García, Mario Casas y Celso Bugallo, protagonizan un romance de época en una antigua colonia española donde las comunidades conviven ante el inminente quiebre cultural, social y político. La multipremiada cinta es reconocida por el gran valor de producción, así como por una buena adaptación de la reconocida novela de Luz Gabás. 

Películas en Netflix que te harán revivir los 90

Por: Angélica Mejía (@lilithchance)  

Con esta lista de estrenos no sólo revivirás escenas memorables que marcaron el cine de los noventa, también tendrás la oportunidad de conocer nuevas versiones de aquellas historias que te conmovieron. 

Jóvenes brujas (Andrew Fleming, 1996)

Comenzamos el mes con el filme de terror que narra la historia de cuatro jóvenes, quienes practican brujería y deben atenerse a sus consecuencias. Con evidentes toques de cine adolescente, logró abrirse paso gracias a su estética grunge, pero al mismo tiempo pop, propia de la cultura estadounidense, con la que las jóvenes de la época se lograron identificar.

En 2016 se anunció el remake, del cual no se ha confirmado nada oficial sobre si continúa en marcha o no.  

Tiempos violentos (Quentin Tarantino, 1994) 

La clásica cinta de Quentin Tarantino llega a Netflix para seguir cosechando fanáticos entre aquellos despistados que no la han visto, o para que los nostálgicos la vean sólo un poco antes del estreno de Once upon a time in hollywood, su noveno largometraje. 

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Tiempos violentos consagró la carrera de Tarantino como uno de los directores estadounidenses más prometedores, cuyo éxito muy pronto traspasó fronteras hasta convertirse en uno de los directores más populares a nivel internacional. 

La vida moderna de Rocko: un cambio de chip 

Una de las caricaturas más populares de los noventa vuelve en forma de película original de Netflix, en la que podremos ver cómo Rocko y sus amigos intentan adaptarse al siglo XXI luego de estar dos décadas en el espacio. Esta continuación tiene a Joe Murray como guionista. 

Si bien se trata de una nueva versión, la historia es una excusa para revivir la juventud de muchos a través de los clásicos personajes que ya conocemos.

Tráiler 

Patch Adams (Tom Shadyac, 1998)

Robbin Williams encarnó a una de las personas más relevantes en la historia de la medicina en Patch Adams, donde vemos la vida del doctor que revolucionó la forma en la que los médicos ven la salud. 

La película es tierna, melodramática y divertida, tanto por el carisma del personaje como por el talento actoral ya conocido de Williams. 

Shakespeare enamorado (John Madden, 1998)

La ganadora del Oscar a Mejor película narra la aventura amorosa entre Viola de Lesseps (Gwyneth Paltrow) y un joven William Shakespeare (Joseph Fiennes), durante la época en la que el dramaturgo estaba escribiendo Romeo y Julieta. El papel de Viola le valió a Paltrow el reconocimiento internacional y el Oscar a Mejor actriz. 

Roger Ebert, uno de los más reconocidos a nivel mundial, escribió “…la película transcurre entre una dulce historia de amor, intrigas polémicas de la corte, política y algunos momentos románticos tomados de Romeo y Julieta ¿Es esta una película o una antología? No me importa. Fui enganchado por el ingenio, la energía y la sorprendente dulzura.”