Las mejores actuaciones de Adam Sandler

Si hablamos de figuras influyentes en el cine estadounidense desde hace ya 30 años, el nombre de Adam Sandler indiscutiblemente debe aparecer. Puede gustar lo que hace o no, pero el tipo es una garantía de dos cosas: una taquilla por demás favorable y una crítica apabullante. El emblema de la dualidad existente en el “cine comercial”.

Surgido como muchos otros de las filas de Saturday Night Live, Sandler despegó en los años noventa como uno de los cómicos más reconocidos y rentables. Sin embargo, con el pasar de los años, las historias en las que participaba -casi todas producidas por él- decrecieron en calidad y establecieron al actor como una figura bipolar en su recepción. Lo amas o lo odias.

Ahora se concibe casi únicamente como un intérprete de churros, en los cuales no tiene que hacer prácticamente nada más que ser él mismo, pero eso no es totalmente cierto.

Aquí enumero algunas de las mejores actuaciones de Sandler. No todas son melodramas o tragedias; dentro de los propósitos de la trama, Sandler ha elevado su personaje para alzar la película en cuestión. Este criterio omite a clásicos modernos como Como si fuera la primera vez.

Mención honorífica: El aguador (Frank Coraci, 1998)

Sandler es conocido por la comedia de adultos inadaptados con conductas infantiles que, con un desarrollo mínimo de personaje, terminan realizándose dentro de los límites de su entorno. Comedia simple, slapstick franco y muchos chistes situacionales. Esta historia de un joven quien, sobreprotegido por su madre (Kathy Bates, para que vean), no logró desarrollar sus habilidades sociales como una persona regular, encontrando refugio como aguador de un equipo universitario, al cual logra ayudar en su juego después de una serie de eventos.

Aunque el fútbol americano ha sido abordado en muchas ocasiones por el cine estadounidense, estoy plenamente convencido que esta es una de las películas que manejan el deporte con más soltura en su forma de sátira, lo cual ha derivado en una serie de referencias populares acreditadas en la cultura general estadounidense.

  1. Happy Gilmore (Dennis Dugan, 1996)

Junto a Billy Madison (1995), este es uno de los títulos que dieron nombre a la productora de Sandler, Happy Madison. Asimismo, es una de las mejores -si no es que la mejor- comedia deportiva. 

Construida alrededor del jugador de hockey Happy Gilmore, cuenta sobre un adulto con problemas de ira, quien tras ver perdida la casa de su abuela, incursiona en el golf para obtenerla de vuelta.

Imagine que una película sobre el golf sea hilarante, conmovedora y con un argumento lo suficientemente completo para no caer en el exceso de comedia sin sentido. Cada quien a lo que le sabe y Sandler, al menos durante los 90, sabía hacer reír y encantar al público con su sola interpretación que es casi todo.

  1. Siempre hay tiempo para reír (Judd Apatow, 2009)

De aquí ya empezamos con los “roles serios”. Dirigida por el sensei Judd Apatow, esta es la historia de George Simmons (Adam Sandler autorreferencial), un cómico en decadencia, quien un mal día descubre que tiene cáncer. Con el tiempo en contra, Simmons decide poner su vida en regla acompañado de su fiel escritor y compinche Ira Wright (Seth Rogen, para que vean).

Entre el melodrama y la comedia leve, Sandler encarna -quizá con demasiada naturalidad- el papel de este cómico egoísta quien, por supuesto, se ajusta a él. Además, la trama ofrece picos dramáticos interesantes con un desarrollo lo suficientemente conmovedor y extenso.

  1. Embriagado de amor (Paul Thomas Anderson, 2002)

Hasta hace pocos años, Paul Thomas Anderson no sólo era uno de los mejores cineastas con vida, también el único que “había logrado que Adam Sandler actuara” -cosa que, ya vimos, es totalmente falsa-. Esta historia sobre un pobre diablo -dimensión social cómoda para los personajes de Sandler-, abusado psicológicamente por sus hermanas quien encuentra el amor de una manera totalmente increíble, es el argumento más arriesgado en el cual el actor se ha visto involucrado.

Aquí, por supuesto, no podemos dar todo el crédito al cómico judío como en los dos primeros puestos, pues mucho tiene que ver la dirección de Thomas Anderson. Si bien no considero que el trabajo de Sandler sea tan virtuoso como en los peldaños anteriores, el mérito recae en ajustarse al manejo actoral de PTA y a las demandas de un rol que exigía fuerte contención, así como chispazos de desquicio. Título nominado a la Palma de Oro y con el cual Paul Thomas Anderson ganó el premio a Mejor Director en Cannes. Ahí nomás.

  1. Diamantes en bruto (Josh y Benny Safdie, 2019)

Los hermanos Safdie ya habían “levantado” a otro actor de “dudosa reputación” en Robert Pattinson con la maravillosa Good Time (2017), su mejor película, indudablemente.

Ahora, siguiendo con lo que parece será cimiento en su estilística, tomaron a Adam Sandler para interpretar a Howard Ratner, un pobre diablo adicto a la adrenalina y a las apuestas que sobrelleva su decadente vida con las emociones fuertes. De nuevo, el actor neoyorquino sostiene muy bien el papel ciertamente poco convencional y tiene momentos brillantes como vemos en una de las escenas pivotales, donde Howard se desmorona en su oficina tras saberse un perdedor solitario.

  1. Los Meyerowitz: la familia no se elige (historias nuevas y selectas) (Noah Baumbach, 2017)

Originalmente titulada de forma mucho más simple The Meyerowitz, Noah Baumbach dirige a dos actores conocidos por su entorno en la comedia y/o en el melodrama ligero como son Ben Stiller y Adam Sandler, dos nombres que suelen relacionarse y hasta confundirse, haciendo de hermanos.

La cinta va alrededor de los vaivenes familiares de los Meyerowitz, familia llena de secretos, personalidades y traumas, donde Sandler hace del resentido Danny, el hijo apestado de la familia por ser concebido como un fracasado e inadaptado.

La actuación de Sandler sostiene y enmascara en buena medida al más matizado Stiller, especialmente en las escenas de tensión fraternal, apoyado enormemente por el ingenioso guion de Baumbach quien maniobra con las formas fílmicas para crear un excelente melodrama familiar con notas altísimas en todo aspecto.

Adam Sandler es un actor competente. No posee el rango más completo ni la carrera más ilustrada, pero es erróneo encasillarle en la comedia boba únicamente. Y, aún si así fuera, varias de sus comedias bobas son bastante graciosas. Una figura más completa de lo que normalmente se entiende y presente en la memoria fílmica de mucha gente.

 

https://www.youtube.com/watch?v=ihalG3Rw_QA&t=197s

Cinco películas para entrarle al anime

Por: Fernanda Ramos (@MFer_Diosdado)

Debido a que su servidora es una amante ferviente del anime, siempre aprovecho los espacios para recomendar alguna serie o película; y es que la animación tiene un toque único lleno de originalidad, con historias que combinan situaciones cómicas, dramáticas, reflexivas e incluso sobrenaturales. 

Si aún no le entras a la tradicional forma japonesa de contar historias, aquí te dejo cinco títulos: 

La tumba de las luciérnagas (Isao Takahata, 1988)

Basada en hechos reales descritos en el libro homónimo escrito por Akiyuki Nosaka, la película se centra en la lucha de sobrevivencia de dos hermanos que quedaron huérfanos tras el bombardeo a Kobe durante la Segunda Guerra.

Es un título esencial para todo mundo, pues muestra los horrores de la guerra desde la perspectiva de los más vulnerables en este tipo de conflictos: los niños. Recientemente Jojo Rabbit nos dio una interesante y cómica perspectiva de este suceso histórico, pero La tumba de las luciérnagas es un clásico porque nos da un golpe desgarrador de los porqués no deberíamos permitir más guerras.

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Your name (Makoto Shinkai, 2016)

En esta película los protagonistas cambian de cuerpo cuando duermen, Taki es un chico normal de la ciudad y Mitsuha una alegre chica de un pueblo pequeño. Al inicio no entienden lo que les pasa, pero poco a poco se adaptan; durante este proceso presenciamos un sinnúmero de situaciones que ayudan a los personajes a crecer y conocerse mejor. Pero de pronto ocurre el mega plot twist que te pone al filo del asiento hasta el término de la trama.

Es el anime más taquillero de todos los tiempos, que en 2016 se colocó por encima de El viaje de Chihiro (Hayao Miyazaki, 2001). Una historia que engancha como pocas.

Tokyo Godfathers (Satoshi Kon, 2003)

Durante la víspera de Navidad, tres vagabundos (un alcohólico de mediana edad, una chica trans y una joven fugitiva) encuentran a una bebé abandonada en la basura. Te advierto que es imposible no amar a estos tres personajes, pues conforme avanza la película conoces su pasado, las circunstancias por las que viven en la calle y, sobre todo, su calidad humana. 

La joven decide encontrar a la madre de la bebé, por lo que emprende una búsqueda en compañía de sus amigos. La historia se basa en las coincidencias y muestra la forma de vida que tienen estos vagabundos, además de la violencia y la discriminación que sufren. Recibió el Premio a la excelencia en el Japan Media Arts Festival. El segundo largometraje de Satoshi Kon es un conmovedor relato de amor y perdón.

Perfect Blue (Satoshi Kon, 1998)

Un thriller psicológico en el que conocemos a una cantante japonesa perteneciente a un trío musical, quien decide retirarse de este medio para incursionar en la actuación. Sin embargo, no logra destacar y además lidia con un acosador que no sólo la vigila desde la sombras, sino también atenta contra ella.

La película te vuela la cabeza con su historia y giros argumentales. Si te gustó El Cisne Negro de Darren Aronofsky, Perfect Blue resulta imperdible, pues el cineasta estadounidense adquirió los derechos de la ópera prima de Satoshi Kon para el remake ambientado en el mundo del ballet.

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Quiero comerme tu páncreas (Shinichiro Ushijima, 2018)

 

Seguimos la historia de dos jóvenes que son polos opuestos, sin embargo están unidos por un secreto. Haruki es un chico introvertido que no habla con nadie mientras que Sakura Yamauchi es una de las chicas más populares debido a su alegría. Ella decide esconder que sufre de una enfermedad terminal. 

Los protagonistas pasan juntos los últimos días de ella y terminan enamorándose. La película te hará reír, llorar y reflexionar sobre la importancia de los pequeños detalles de la vida y las relaciones que construyes con los demás. 

Concursos de ‘street photo’ para demostrar tu talento y ganar dinero

Por Citlalli Juárez (@citlallijuaarez)

La fotografía callejera es una de las más populares en la historia de este arte. Aunque es razonable que el desarrollo de este tema se debe al avance de la tecnología y la facilidad e inmediatez con la que se puede hacer una fotografía gracias a nuestros teléfonos celulares, lo cierto es que la street photography se remonta a tiempos del grandísimo Henri Cartier. Y quién más podría retratar de mejor manera la esencia de la fotografía callejera si no Cartier-Bresson a través del concepto del “instante decisivo”; la anticipación de un momento importante en el flujo constante de la vida y su captación en una fracción de segundo.

Afortunadamente, en la actualidad existen espacios dedicados al reconocimiento específico de la fotografía callejera, con los que además de ganar exposición, puedes ganar un buen dinerito. 

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Fine Art Photography Awards

Vio la luz en 2014 con el objetivo de “encontrar artistas y almas únicas que respiren y vivan por la creatividad” para ofrecerles una plataforma de difusión y reconocimiento. 

Está abierto a público de cualquier parte del mundo y tiene dos secciones mayores para abrir mejores oportunidades a los participantes: Amateur y ProfesionalEn cada una puedes participar en más de 15 categorías; algunas de ellas son Street photo, Arquitectura, Moda, Fotoperiodismo, Animales, Desnudo y Retrato. 

Los premios son de $2,000 USD para el ganador de la sección Amateur y $3,000 USD para el ganador de la sección Profesional. Además, los galadornados recibirán el título “Amateur/Profesional Fine Art Photographer of the Year, la proyección del trabajo de los ganadores en la Winner’s Gallery y difusión internacional en medios de comunicación. 

El concurso maneja una cuota de inscripción de $20 USD (single entry) y $25 USD (series) en la sección Amateur, mientras que para la sección Profesional las cantidades suben a $25 USD (single entry) y $30 USD (series). 

Julian Schievelkamp

La convocatoria para la edición de este año cierra el 09 de febrero. Consúltala aquí. 

Paris Street Photo Awards

Promete las mismas ventajas que los anteriores: exposición mediática, difusión en galerías internacionales y evaluación por un panel de fotógrafos experimentados y de gran importancia en el medio, además de retroalimentación personalizada por parte del jurado. 

Fotografías de cualquier rincón del mundo son bienvenidas. Tanto amateurs como profesionales tienen la oportunidad de aplicar en el concurso, sin embargo la edad mínima para participar es 18 años. Tiene una cuota de inscripción de 25 € (single entry) y 30 € (series).

Sasikumar Ramachandran | Childhood Days

Las categorías abarcan desde Cultura Urbana, Road Trip y Teléfono Celular hasta Playa & Alberca, Transporte público y Calle Nocturna, entre muchas otras. La ventaja de este concurso es que obras publicadas e inéditas participan por igual, además de poder inscribir el mismo trabajo en diferentes categorías, ya que cada una es calificada por separado. 

Entre los premios se encuentran un lote de FujiFilm (patrocinador oficial) con valor de $1,000 USD, ceremonia de premiación en la escuela de foto Spéos, exposición o proyección en el festival Nuits Photographique de Pierrevert o Présences Photo, costos de viaje y hospedaje para la ceremonia de premiación, mención en perfiles de Instagram de fotógrafos con más de 200 mil seguidores, publicación de portafolio en revistas OPENEYE y EYES SHOT, entre otros, dependiendo de la categoría. 

Las inscripciones para edición 2020 comienzan el 09 de Junio.

https://www.streetphotoawards.art/

Emerging talent: The Independent Photographer

The Independent Photographer es una revista y plataforma de network para entusiastas de la fotografía, creada en el 2016. 

Lo interesante de esta revista es su competencia mensual con la que se premia a fotógrafos emergentes para catapultar su trabajo. Desde su creación hasta el día de hoy se han entregado alrededor de $80,000 USD en premios y se ha divulgado el trabajo de más de 400 fotógrafos. 

Otra de las características importantes de este concurso es que las fotografías son calificadas por reconocidos personajes de la industria fotográfica, entre los que destacan Steve McCurry, Alessia Glaviano (Directora Visual de Vogue Italia), Maggie Steber (Ganadora del premio Pulitzer, National Geographic), Ed Kashi (VII Agency) y Jérôme Sessini (Magnum Photos). 

Los premios incluyen $1,000 USD, exposición en galerías internacionales (Berlín o Barcelona), retroalimentación personal de estos monstruos de la fotografía, publicación en libro anual Talents of the year, entre otros. 

Este mes la revista premia el Talento emergente en una competencia con temática libre, desde street photo y moda, hasta retrato y documental. Además, ofrecen la inscripción gratuita de una fotografía, o bien tres imágenes por $30 USD o seis por $40 USD. 

La convocatoria finaliza el 29 de febrero. Checa las bases aquí. 

Premios Street Photography Lens Culture

Lens Culture es una de las plataformas de fotografía callejera más reconocidas a nivel mundial y organiza uno de los más importantes concursos de street photo, en el que básicamente cualquier persona del mundo puede concursar, sólo necesitas tener una cámara (no importa si es análoga, réflex o móvil) y la pasión y sensibilidad para contar algo. 

Russian Federation | Ilya Shtutsa

Participar en este concurso trae consigo múltiples ventajas, entre las que se encuentran: 

    • Ser calificado por jurado especializado y de renombre en el mundo de la fotografía. Entre los jueces de este concurso se encuentra Alex Webb (Fotógrafo de Magnum Photos), Bernadette Tuazon (Directora de fotografía de CNN Digital), Nicolas Jimenez (Editor jefe y director de fotografía de Le Monde) y Ron Haviv (Director de The VII Foundation).
    • Los trabajos seleccionados se proyectarán en festivales fotográficos y diferentes eventos alrededor del mundo. Los ganadores de la edición 2018 tuvieron la oportunidad de que sus fotografías se presentaran en países como Reino Unido, Grecia, Croacia, Italia, Japón, Australia, España, Francia y los Estados Unidos. 
    • Dependiendo la categoría y el lugar obtenido por los finalistas, pueden ganar premios en efectivo desde $1,000 USD hasta $5,000 USD. 
    • Todos los concursantes tienen acceso gratuito al primer capítulo de The Art of Street Photography, un curso de Magnum Photos. 

Algunas de las categorías son: Blanco y negro, Fotografía móvil, Analógica, Conceptual, Retrato, Moda Callejera y Arquitectura. La convocatoria para la edición 2020 aún no se encuentra disponible, pero si quieres saber más acerca del concurso, puedes visitar su página y estar pendiente de la próxima edición. 

Sony World Photography Awards

La World Photography Organization, en asociación con Sony, ha estado a cargo de la realización de estos premios por 13 años. La competencia se divide en cuatro concursos:

  • Professional: reconoce un conjunto de obras sobresalientes. 
  • Open: recompensa a las imágenes individuales excepcionales. 
  • Youth: celebra las mejores imágenes individuales de fotógrafos emergentes de 12 a 19 años.
  • Student: proporciona una plataforma para estudiantes de fotografía de todo el mundo.

Los premios monetarios difieren entre cada concurso, pero van desde los $5,000 hasta los $25,000 USD. De igual manera, se otorga una gama de equipos de imágenes digitales Sony, vuelos y hospedaje por cuenta de Sony para la ceremonia de entrega de premios en Londres y la inclusión en la Exposición de los Sony World Photography Awards en Somerset House (Londres). 

https://www.worldphoto.org/es

 

Los 10 mejores animes de la década

Por: Fernanda Ramos (@MFer_Diosdado)

El cine ha encontrado diversas técnicas para contar historias. En esta ocasión abordamos aquellos largometrajes realizados en Japón que siguen la convención más característica de la tierra nipona: el anime, el cual surgió como una inspiración de las caricaturas estadounidenses.

En sus inicios, las temáticas eran cómicas y abordaban aspectos de la cultura nipona en menos de dos minutos; con el paso del tiempo, su duración se extendió y comenzaron a distinguirse por una trama más compleja.

Durante la Segunda Guerra Mundial se adoptó una postura más política; cuando esta finalizó, los estudios optaron por animar las series manga. Ya para las décadas de los 80 y 90, las series de anime ganaron tanta popularidad internacional que se empezaron a doblar a varios idiomas.

En la actualidad, la industria del anime es una de las más fuertes de la animación. Cada año se producen numerosas series, largometrajes y cortometrajes que han llegado a competir cara a cara con las producciones más importantes de los estudios Pixar. A continuación se enlistan las mejores películas anime que vieron la luz entre 2010 y 2019.

Colorful (Keiichi Hara, 2010)

A un alma del purgatorio se le concede una segunda oportunidad, por lo que reencarna en el cuerpo de un adolescente de 14 años quien se suicidó. La misión del protagonista es averiguar cuáles fueron los pecados que cometió para terminar en el purgatorio y entender por qué aquel joven decidió terminar con su vida. 

Los tintes sombríos de la trama dan espacio a una sustancial reflexión por parte del espectador. La película fue nominada a Mejor Largometraje de Animación en el Festival de Sitges, asimismo, obtuvo una Distinción Especial y el Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy.

 En el bosque de las luciérnagas (Takahiro Omori, 2011)

Una niña de seis años se pierde en el bosque y afortunadamente es rescatada por un espíritu que habita en éste; a partir de entonces entablan una amistad que tras el paso de los años se transforma en amor. Sin embargo, tienen prohibido cualquier contacto, pues los espíritus del bosque desaparecen cuando un humano los toca.

Con esta tierna historia de amor no puedes evitar suspirar y angustiarte por la terrible prohibición que engloba a los protagonistas. La película ganó el premio de Mejor Película de Animación en los Premios Cinematográficos Mainichi.

Los niños lobo (Mamoru Hosoda, 2012)

Una joven universitaria se enamora de un misterioso chico, quien asiste a clases con ella y con el tiempo le confiesa que es el último hombre lobo de Japón. La pareja concibe dos hijos, pero poco después del nacimiento del segundo, el hombre lobo muere en un accidente. Es así como la joven madre se queda a cargo de la crianza de los niños. Si esto ya es algo difícil, hay que agregarle que ambos niños han heredado las habilidades de su padre, las cuales son desconocidas para ella.

La película es una montaña rusa de emociones que se enfoca en el amor materno. Este título, imperdible y reconocido por la crítica, fue premiado como la Mejor Película Animada por cuatro asociaciones (MAINICHI FilmAWARDS, Festival de Oslo, Premios de la Academia Japonesa y Festival de Sitges).

El cuento de la princesa Kaguya (Isao Takahata, 2013)

Una diminuta niña es encontrada por una pareja de campesinos dentro de un bambú; deciden adoptarla y cuando se transforma en una bella joven es pretendida por varios hombres, entre quienes se incluye el emperador, sin embargo, su destino está ligado a las personas de la luna.

La película de Isao Takahata, conocido por sus anteriores trabajos como La tumba de las luciérnagas (1988) o Recuerdos del ayer (1991), fue aclamada por la crítica especializada e inclusive logró un 100% de aprobación en Rotten Tomatoes, además de varias nominaciones y premios internacionales.

La isla de Giovanni (Mizuho Nishikubo, 2014)

Basada en hechos reales, la historia tiene como escenario una pequeña isla japonesa que después de la Segunda Guerra Mundial se convierte en territorio ruso. Se profundiza en la amistad de dos niños quienes, a pesar de sus diferencias, entablan una estrecha relación.

La lección más grande que ofrece es cómo la inocencia de la niñez logra romper las barreras que los prejuicios nacionalistas construyen en una sociedad postguerra. La película logró obtener una Distinción Especial por parte del jurado del Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy.

El niño y la bestia (Mamoru Hosoda, 2015)

Un niño huérfano es adoptado por un oso solitario que lo entrena para ser un excelente guerrero y, de esta forma, convertirlo en su sucesor. Esta película manifiesta el proceso de crecimiento a través de entrañables lecciones de vida, al mismo tiempo que desarrolla excelentes escenas de combates.

En su semana de estreno ocupó el primer lugar de taquilla en Japón, generó críticas positivas a nivel internacional y ganó el Premio de la Academia Japonesa a la Mejor Película de Animación. Si no la has visto, está disponible en Netflix.

Una voz silenciosa (Naoko Yamada, 2016)

Presenta cómo un niño molesta sin parar a su compañera nueva, pues es sorda. Sus compañeros no intervienen y por el contrario celebran sus bromas, hasta que un día el director confronta la situación y todos lo culpan para quedar absueltos del problema. Desde entonces, el protagonista comienza a ser fastidiado sin parar por sus compañeros. 

El protagonista acepta el bullying como parte del karma que debe pagar, pero poco a poco su ánimo decae hasta intentar suicidarse; al fallar y tener una segunda oportunidad se promete a sí mismo encontrar la redención y el perdón de la chica sorda. El filme obtuvo cuatro premios por parte de diferentes asociaciones, de las que destacan los Premios de la Academia Japonesa y los Tokyo Anime Award.

Luces en el cielo (Akiyuki Shinbo, Nobuyuki Takeuchi, 2017)

Una chica debe dejar todo atrás debido a que, después del divorcio de sus padre, se mudará junto a su madre. Triste por los repentinos cambios, decide fugarse con su amigo para ir a ver los fuegos artificiales, sin embargo, son atrapados y ella es obligada a regresar.

No todo está perdido, pues una esfera luminosa que encuentran por casualidad les da la oportunidad de repetir el mismo día una y otra vez, pero esto sólo le muestra las distintas posibilidades que las elecciones traen consigo. La película fue parte de la Selección Oficial del Festival de San Sebastián. 

Mirai, mi hermana pequeña (Mamoru Hosoda, 2018)

Un niño de cuatro años odia a su nueva hermanita porque siente que sus padres le han dejado de hacer caso, sin embargo, un día conoce una versión adolescente de su hermana menor en el patio de su casa. A partir de entonces viven un sin número de aventuras que le darán hermosas lecciones de vida. 

La película atrajo varias nominaciones internacionales: en los Globos de Oro figuró como una de las favoritas en la categoría de Mejor Película Animada, también fue nominada en la misma categoría en el Critics’ Choice Awards 2019 y en los codiciados premios Oscar.​ Además, se alzó como la Mejor Película Animada en la edición 46 de los Premios Annie.

Espíritus del mar (Ayumu Watanabe, 2019)

Una chica termina trabajando en el mismo acuario donde su padre laboraba, ahí conoce a un par de chicos muy extraños que llaman su atención y,  por si fuera poco, un montón de hechos insólitos suceden en el mar, tales como la aparición de un gran cantidad de especies muertas en las playas o el canto de las ballenas.

Mientras se hace una crítica al daño ecológico causado por los seres humanos, esta tierna historia combina la realidad con la fantasía a fin demostrarnos que todos los seres vivos estamos conectados. La película ha sido ovacionada por los críticos especializados y varios festivales de cine.

Cinco de los videojuegos más premiados en la industria

 Por: Fernanda Ramos (@MFer_Diosdado)

Aunque es difícil determinar cuál es el mejor videojuego que hemos experimentado, ya sea por la historia, la animación o la jugabilidad, seguramente entre tus favoritos está alguno de los siguientes títulos, que son algunos de los más premiados en la industria. 

Death Stranding (PS4, Microsoft Windows)

En un futuro postapocalíptico el evento conocido como Death Stranding terminó por fusionar el mundo de los muertos y el de los vivos, en consecuencia, la humanidad se enfrentó a un sin número de problemas. Por su parte, el protagonista, interpretado por Norman Reedus, tiene como misión recorrer América y así reconectar al país con la Red Quiral. 

Los medios especializados y los fanáticos han puesto toda su atención a este videojuego y sin importar si su crítica sea buena o mala, Death Stranding hasta ahora ha logrado obtener alrededor de 70 premios en diferentes categorías. Aunque esa cifra podría crecer pues varias organizaciones faltan por otorgar sus premios.

The Witcher 3: Wild Hunt (PS4, XBOX ONE, Nintendo Switch, Microsoft Windows)

Este es el videojuego más premiado de la historia con más de 250 distinciones. La historia sigue al famoso Geralt de Rivia en la búsqueda de una joven llamada Ciri, quien es perseguida por La Cacería Salvaje, la cual pretende hacer realidad la Profecía de Ithlinne. Como es de esperarse, Ciri es la única que puede evitar la profecía y así salvar al mundo.

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The Witcher 3 fue un rotundo éxito, tanto que llegó a vender 6 millones de copias en unas cuantas semanas. La lista de asociaciones y categorías que premiaron este videojuego es muy larga pero de entre las que más destacan tenemos a The Games Awards, GameSpot, Premios Titanium.

Dishonored (PS3, PS4, XBOX 360, XBOX ONE, Microsoft Windows)

Corvo Attano era el guardaespaldas de la emperatriz, sin embargo, es acusado injustamente de asesinarla y lo sentencian a muerte. Corvo logra escapar y comienza con su búsqueda de venganza ante quienes conspiraron en su contra. Dishonored cuenta con las voces de varios famosos como Carrie Fisher o Chloë Grace Moretz.

Una semana antes de su lanzamiento, en 2012, ya ocupaba el tercer puesto de ventas gracias a las pre-ventas. Entre los muchos reconocimientos que se le otorgaron están las distinciones por parte de Spike Video Games Awards, Inside Gaming Award, ING, BAFTA y Golden Joystick Awards.  

 Uncharted 2: El reino de los ladrones (PS3, PS4)

Uno de los videojuegos más famosos en la industria, pues es todo lo que busca un amante de la acción y la aventura. Su historia transcurre dos años después de los acontecimientos de la primer entrega. En esta ocasión el trabajo requiere el robo de una lámpara de aceite localizada en un museo de Estambul; a partir de aquí las aventuras, las traiciones y la acción no se harán esperar.

Calificado como uno de los mejores videojuegos de todos los tiempos, Uncharted 2 ha sido galardonado con diversos premios por parte de IGN, BAFTA, Spike Video Games Award, entre otros. Además de alcanzar las puntuaciones más altas por parte de los críticos y especialistas.

BioShock (PS3, XBOX 360, Microsoft Windows, Mac OS X, iOS, Nube, OnLive 7)

BioShock fue uno de los videojuegos más innovadores de su época debido a su increíble historia, la cual combina elementos del biopunk y el survival horror. Aquí se presenta la ciudad submarina de Rapture, plagada de seres humanos mutados con una sustancia genética llamada ADAM.

BioShock recibió un sinnúmero de críticas positivas, por lo que las nominaciones no se hicieron esperar y logró ganar el premio de Mejor videojuego en diversos sitios de juegos en línea, así como el BAFTA y el reconocimiento de Gamespot, ING, GameSpy y GameTrailers.

Cinco razones (que no son Henry Cavill) para ver The Witcher

Por: Citlalli Juárez (@citlallijuarez)

Después del amargo sabor de boca que dejó la última temporada de Game of Thrones y con la serie El Señor de los Anillos de Amazon apenas en preproducción, Netflix ha dado en el clavo con el lanzamiento de su propia serie de fantasía medieval. 

The Witcher se estrenó el pasado diciembre en la famosa plataforma de streaming y logró cautivar a muchos de los espectadores, consiguiendo el 92% de la puntuación del público en Rotten Tomatoes, a pesar de la baja valoración de la crítica especializada.

Y no es sorpresa que en el público la haya recibido tan bien, pues su historia involucra elementos mágicos, criaturas mitológicas, héroes renegados y batallas épicas; fórmula comprobada, más que eficaz para cautivar a chicos y grandes. Si no te has animado a darle play, te comparto cinco razones (que no son Henry Cavill) para entrarle a The Witcher.

The Witcher y su legado

Para reconocer la importancia de The Witcher en la cultura pop actual, es importante mencionar que la serie es una adaptación de La espada del destino y El último deseo, una colección de cuentos escritos por el autor polaco Andrzej Sapkowski. Estos libros a su vez sirvieron de inspiración para la creación de los videojuegos The Witcher, una de la sagas más grande y querida alrededor del mundo. 

Tanta es la importancia de este videojuego, que en 2011 cuando el presidente Barack Obama visitaba Polonia, el Primer Ministro polaco ignoró los regalos típicos y optó por darle al presidente una edición de colección del videojuego The Witcher 2: Assassins of Kings como gesto diplomático. El Primer Ministro argumentó que el videojuego “es un tributo a los talentos y la ética de trabajo de la gente de Polonia”. 

Además de los productos para consolas, también hay cientos de versiones de videojuegos para celular, figuras de colección, juguetes, artículos oficiales, juegos de mesa y hasta una burda adaptación para serie de televisión que todos prefieren olvidar. Esto hace de The Witcher un fuerte legado de más de 40 años. 

Vestuario

Tim Aslam, diseñador de vestuario, recopiló información sobre ropa gótica y renacentista como inspiración para la línea temática de los trajes y vestidos. Ante la alta expectativa de los fans del videojuego y los amantes de los libros acerca de la armadura de Geralt de Rivia, Aslam consiguió captar la esencia del personaje y fusionarla con la comodidad que necesitaría Cavill para filmar las escenas de peleas e intensa actividad física.

Por otra parte, los atuendos de los personajes femeninos tampoco decepcionan. Aslam supo identificar las fortalezas y añoranzas de cada una de las mujeres y es así como logró representar su travesía y crecimiento, además de crear atuendos tan icónicos como la armadura dorada de la Reina Calanthe, el vestido de baile de Yennefer o la bella capa azul turquesa bordada a mano de la Princesa Cirilla. 

Un mundo caótico regido por reglas

En el mundo de The Witcher hay peligro en todo momento y no siempre es causado por algún monstruo o criatura ancestral, sino también por los mismos héroes. El “caos, término recurrente en la serie, se devela poco a poco ante los espectadores como el resultado de una serie de decisiones tomadas por los protagonistas; ellos desconocen la importancia de éstas, pero serán afectados por ellas de igual manera.

Lo anterior hace que la serie y sus personajes se sientan más cercanos, que se padezcan sus decadencias y se sufran sus desventuras. También se introduce el término “destino” como una fuerza igualmente poderosa que el caos y por la cual los personajes se deben regir y no ignorar, pues las consecuencias pueden ser terribles. Es así que algo tan sencillo como negar una visita de nuestro héroe Geralt puede terminar en la caída de una gran ciudad. 

Desarrollo de personajes femeninos

Aunque el héroe principal es Geralt de Rivia, es innegable que las mujeres con quienes comparte pantalla brillan por sí mismas debido a la naturaleza de sus personajes. Se exploran diferentes roles para las mujeres y sus diferentes motivaciones, que varían drásticamente de una a otra.

Gracias a esta libertad en los perfiles femeninos es que podemos ver a una reina liderando sus ejércitos en el campo de batalla, sin depender de nadie para su propio cuidado, como la Reina Calanthe; una joven jorobada vendida por cuatro monedas, quien se convierte en la hechicera más poderosa de todo Aretuza; una niña pequeña que después de perder a toda su familia pelea por encontrar su “destino”, enfrentando el abandono y la soledad; además de un sinfin de historias de hechiceras poderosas que luchan por lo justo y por sus principios. 

Las historias de todas ellas son tan importantes como las de Geralt y ayudan a marcar la tendencia de personajes en la serie: definidos por una fuerza de voluntad increíble. 

Banda sonora épica

La banda sonora de The Witcher es uno de sus mejores atributos, pues consigue transportar al espectador al mundo fantástico debido a su fusión de sonidos modernos. La compositora Sonya Belousova y el compositor Giona Ostinelli trabajan juntos una vez más (anteriormente colaboraron en la banda sonora de The Romanoffs de Amazon Prime) y es un alivio decir que su dirección no decepcionó a los fans, quienes comparan gustosos el OST de la serie con el del videojuego The Witcher 3.

Belousova y Ostinelli mezclan elementos clásicos de las melodías medievales con sintetizadores modernos, violines y guitarras contrastados con bajos y reverbs, voces barítonas con tonos oscuros resaltados por delicadas voces femeninas que transmiten un sentimiento de misticismo. 

Además, no podemos olvidarnos de Toss a coin to your Witcher, la grandiosa canción interpretada por Jaskier (Joey Batey), el bardo carismático y mujeriego que acompaña a Geralt en sus viajes, el cual se ha posicionado como un himno para los seguidores, además de formar parte del soundtrack recurrente en la serie. Lamentablemente, esta es la única canción disponible en Spotify y Apple Music, razón suficiente para ver la serie y disfrutar el resto del soundtrack y banda sonora.

 

Cuatro razones para ver ‘Cindy La Regia’

Cindy La Regia ha desatado una discusión alrededor de sí misma y de las comedias románticas mexicanas, algo que lucía imposible en el futuro cercano. Por un lado, la crítica especializada ha vertido considerables elogios hacia la película dirigida por Catalina Aguilar Mastretta y Santiago Limón; por otro, un -amplio- segmento del público se resiste a caer en el barullo alrededor de esta adaptación. 

Es una película inteligente

Con esto no me refiero a que dé profundas reflexiones sobre la vida y el ser, sino que, inserta en su argumento sobre una chica fresa de San Pedro Garza García -quien tras un shock amoroso huye a la Ciudad de México para encontrarse a sí misma- hay una verdadera contraposición de mentalidades. Una mentalidad conservadora representada por Cindy (Cassandra Sánchez-Navarro), la chica católica -Dios es “Daddy God”- cuya máxima realización vendría con el matrimonio, ante unas ideas más “liberales”, encarnadas en Angie “La Prim” (Regina Blandón), una “feminista odia-hombres” que cree en el trabajo, la autosuficiencia y el acompañamiento entre mujeres. Con el paso de los minutos se ve la evolución de la protagonista en muchas de sus convenciones, pero no lo adelantaré. Sin tabúes ni prejuicios.

Tiene un retrato fiel -¡al fin!- de las clases sociales que aborda

Esta es una de las grandes deficiencias de las películas mexicanas con pretensiones industriales… “comerciales”, pues. Es increíble que en equipos de múltiples guionistas no exista una sola idea de cómo autoescribirse -si entendemos de qué segmento socioeconómico suelen provenir estos escritores- ni mucho menos, de cómo escribir al otro. Vean Mirreyes vs Godínez y notarán de lo que hablo.

En esta película vemos identidades construidas a partir de una comprensión del entorno: la familia -o la ausencia de ella-, la ocupación, la sexualidad y el lugar de residencia. Esto último es fundamental, pues hay una excelente sátira sobre la idiosincrasia de ambos lugares, lo que me lleva al siguiente punto…

Es una comedia que… ¡da risa!

Cindy La Regia es una comedia con tonos románticos. Pero con comedia efectiva, basada en el ingenioso libreto de María Hinojosa, el cual mofa alrededor de muchos aspectos de las culturas que opone, regiomontana y chilanga, tales como la aparente obsesión capitalina con los bolillos o las relaciones entre primos que -dicen- son comunes en Monterrey.

Además, la comedia omite o no abusa de muchos mecanismos comunes de este género nacional como el pastelazo –slapstick- exagerado, el clasismo, el machismo (cosa que de hecho se juzga) o la homofobia. Se puede satirizar sin lanzar ofensas injustificadas o caricaturizaciones.

Las actuaciones son encantadoras

El guion se sustenta en las excelentes interpretaciones del elenco. Cassandra Sánchez-Navarro resulta ser una revelación en su primera aparición en pantalla grande al apropiarse totalmente de la persona de Cindy, la “niña más cool de México”. Regina Blandón da la que, en mi opinión, es la actuación de su carrera en su papel de bohemia iluminadora. Hasta Martha Debayle lo hace bien en su papel de jefa culera; fíjense que le sale muy natural… 

Entiendo los posibles prejuicios ante este género, especialmente porque no se ha demostrado que haya muchas propuestas distintas (aunque en esta página hay un conteo que rescata algunas), pero Cindy La Regia logra distinguirse por sus discursos y riesgos, los cuales existen y eso ya la aparta del resto de comedias que no se atreven a más. Tiene una suficiencia técnica que se aventura por momentos.