Cineastas contra Marvel

Por: Angélica Mejía (@lilithchance)

Es innegable que el cine de superhéroes es sumamente importante para la cultura popular, y que en la última década, Marvel se ha posicionado como el rey con millones de dólares en taquilla global. Sin embargo, lo que sí se ha puesto en tela de juicio es su trascendencia artística; los últimos en hacerlo son algunos de los autores más destacados en la historia del cine reciente, como Martin Scorsese (encargado de abrir la discusión), así como Francis Ford Coppola. 

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A continuación un repaso de lo que han comentado no sólo los cineastas estadounidenses mencionados, sino otros como el británico Ken Loach y el mexicano Arturo Ripstein. ¿Tú qué opinas? 

Martin Scorsese

A principios de octubre en una entrevista con Empire Magazine, el director de Taxi Driver expresó la opinión que enloqueció a los fans de Marvel. Su crítica se basó en que las películas de Marvel no transmiten experiencias emocionales y psicológicas. 

No las he visto. Lo intenté, ¿sabes? Pero eso no es cine. Honestamente, lo más parecido que se me ocurre, por lo bien hechas que están, por los actores dando lo mejor de sí bajo esas circunstancias, son los parques temáticos. No es cine de seres humanos tratando de conectar y transmitir experiencias emocionales y psicológicas a otro ser humano.

En posteriores declaraciones, Martin Scorsese, quien está próximo a estrenar The Irishman, aclaró que no tiene “nada en contra” de estas películas, sino que cuestiona a las productoras que no apoyan cineastas a menos que busquen realizar una franquicia: 

¿A dónde van los jóvenes para financiar sus películas ahora? No tengo idea. No van a ir a un estudio de Hollywood. Y luego, cuando la logran hacer, ¿dónde se exhibirá, cuando las salas de cine han sido tomadas por las películas-parques temáticos? Los cines se han convertido en parques de diversiones. Todo eso está bien, pero no invadas todo lo demás en ese sentido.

Ken Loach 

Un director que trata su cine a partir del realismo y la crudeza no podía quedarse atrás en la crítica a Marvel. En declaraciones a Sky News, Ken Loach, uno de los directores más laureados del Festival de Cannes, dijo que tales producciones sólo tienen la finalidad de obtener ganancias económicas, lo cual genera un ejercicio cínico de mercado: 

Se hacen como productos básicos como las hamburguesas, y no se trata de comunicarse, y no se trata de compartir nuestra imaginación. Se trata de producir una mercancía que genere ganancias para una gran corporación. Son un ejercicio cínico, un ejercicio de mercado y no tiene nada que ver con el arte del cine. William Blake dijo: ‘Cuando el dinero es discutido, el arte es imposible.

Francis Ford Coppola 

Por su parte, el director de El Padrino, opinó que de una película se espera aprendizaje y una inspiración, lo cual Marvel no ofrece. Este cineasta fue más contundente en cuanto a su crítica y subrayó: “En realidad, Marty [Scorsese] fue amable. No dijo que era despreciable, que es lo que estoy diciendo yo”.

Posteriormente, en entrevista con Deadline, Coppola aclaró que al decir “despreciable” no se refería especialmente a las películas, sino al hecho de realizar películas con el fin de obtener sólo dinero:

Personalmente, no me gusta la idea de una franquicia, la noción de que pueden seguir repitiendo lo que es esencialmente la misma película por beneficio financiero, en otras palabra: un acercamiento formulaico. Siento que esa manera de abordarlo se toma para reducir el riesgo económico de las películas y creo que el “factor de riesgo” es un elemento que las hace geniales. Además las películas de fórmula se quedan con la mayoría de recuerdos y dejan muy poco para producciones más arriesgadas, lo que reduce la diversidad.

Arturo Ripstein 

Reconocido por películas como El lugar sin límitesProfundo Carmesí y La calle de la amargura, el cineasta mexicano trasladó su crítica no sólo a la realización de las películas de Marvel, sino al público que las consume, pues considera que el éxito en taquilla de Avengers: Endgame es una prueba de que “la estupidez es común”. Además, hizo una comparación similar a la de Scorsese, pues considera que ver tales producciones es como subirse al “Ratón loco”: 

Sabes que te vas a marear un poco y va a ser emocionante, pero no va a tener ninguna consecuencia. El cine de Marvel es así.

Estas opiniones reabren el debate de lo que es el cine, ¿es arte? ¿todo el cine que se hace es arte, incluso el que se hace con el único objetivo de entretener? ¡Compártenos tus comentarios! 

La Cineteca Nacional proyecta ‘Había una vez…en Hollywood’ en 35mm

Después de ser proyectada en la décimo séptima edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), la copia en 35mm de Había una vez…en Hollywood (Quentin Tarantino, 2019) llegará a la Cineteca Nacional.

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Será a partir del 1 de noviembre cuando los cinéfilos podrán ver la más reciente película de uno de los cineastas más populares en su formato original. En Latinoamérica se trata de la primera corrida comercial que tendrá esta versión, la cual es la más cercana a las intenciones de su autor, quien es uno de los directores que se resiste al formato digital al igual que Christopher Nolan, Steven Spielberg, Paul Thomas Anderson, entre otros.

El filme, protagonizado por Brad Pitt, Leonardo DiCaprio y Margot Robbie se ubica en Los Ángeles en 1969, donde presenta una compilación de múltiples historias en un tributo a los últimos momentos de la época dorada de Hollywood.

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Hasta este momento la Cineteca Nacional no ha dado detalles de cuántos días mantendrá la cinta en su cartelera, solamente que habrá una función por día.

La Filmoteca UNAM exhibirá gratis versiones restauradas de clásicos mexicanos

Por: Angélica Mejía (@lilithchance)

La experiencia de ver una cinta restaurada y apreciar su particular escala de grises, no sería posible sin el trabajo que realizan instituciones como la Filmoteca de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) una de las más importantes de América Latina, la cual se encarga de conservar y sobre todo difundir material cinematográfico. 

Con el objetivo de potenciar la difusión de la memoria fílmica mexicana, se creó Arcadia UNAM, Muestra Internacional de Cine Rescatado y Restaurado, que para su segunda edición incluye películas que la Filmoteca ha restaurado en los últimos 10 años en colaboración con instituciones como la Cineteca Nacional, así como algunos títulos trabajados por la Cinemateca de Bolonia.

El festín cinéfilo, que se realizará del 22 al 27 de octubre en el Centro Cultural Universitario (CCU), arrancará con Los olvidados (1950) dirigida por Luis Buñuel y declarada “Memoria del mundo” por la UNESCO. Fue un estreno polémico y muy discutido por exponer temas como la pobreza, el crimen juvenil y la marginación social. Con ella, Buñuel fue reconocido como Mejor director en el Festival de Cannes.

Algunos de los títulos que se suman son Enamorada (Emilio “Indio” Fernández, 1946), Dos monjes (Juan Bustillo Oro, 1934), La Barraca (Roberto Gavaldón, 1945), La llorona (René Cardona, 1960) y el estreno de la segunda parte de la trilogía El poder de la mirada (José Ramón Mikelajáuregui), así como la proyección de la primera. 

Además de las proyecciones, Arcadia contará con espacios de reflexión tales como el Conversaciones de roles de género, en el que un grupo de expertas discutirá los roles de la mujer en algunas cintas, sin olvidar los contextos, el valor artístico y referencial histórico. Las películas a analizar serán: La mancha de sangre (Adolfo Best Maugard, 1943), por Elsie Pérez; Enamorada, por Ana Laura Pérez; La mujer del puerto (Arcady Boytler, 1934) por Adriana Castillo y El jeque blanco (Federico Fellini, 1952) por Ana Laura Pérez. 

Como parte de la colaboración con la Filmoteca de Bolonia se exhibirán Ladrón de bicicletas (Vittorio De Sica,1948) y Assunta Spina (Francesca Bertini y Gustavo Serena,1915). Otra de las alianzas será con el Instituto Mexicano de Cinematografía, por lo que algunas cintas también estarán disponibles en la plataforma FilminLatino sin costo. 

Consulta la programación completa aquí.

Creador de la serie ‘Watchmen’ responde a críticas de Scorsese sobre cine de superhéroes

“Tengo curiosidad por saber cuántas películas de Marvel ha visto”, fueron las palabras de Damon Lindelof, creador de la serie Watchmen, respecto a la afirmación de Martin Scorsese sobre que las películas de superhéroes no son cine.

Hace un par de semanas en entrevista con Empire Magazine, el director de The irishman, Taxi Driver, Goodfellas, entre otra veintena de títulos, respondió lo siguiente cuando se le preguntó su opinión sobre el éxito de las recientes películas producidas por Disney y Marvel:

No las veo. Lo he intentado, ¿sabes? Pero eso no es cine. Sinceramente, lo más parecido a ellas que puedo pensar, pese a lo bien hechas que están, con los actores haciendo lo mejor que pueden bajo esas circunstancias, son los parques de atracciones. Eso no es cine de seres humanos intentando expresar experiencias emocionales y físicas a otro ser humano.

Por su parte, Lindelof intervino en el debate y defendió títulos como Logan o Black Panther, sobre las cuales expresó “son muy cercanos en mi opinión al cine y poner todas las películas de Marvel en la misma caja no me parece justo”.

En la premiere de la serie de HBO, a estrenarse el próximo 20 de octubre, el también co-creador de la serie Lost sostuvo que la opinión de Scorsese podría estar mal informada, ya que él cree que hay un espacio en las películas de Marvel que están comenzando a explorar y comienzan a ser provocativos e interesantes.

Fuente: Variety

Lo más esperado del cine mundial llega al FICM

Como cada año, el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) es una oportunidad para apreciar las películas nacionales e internacionales que durante los últimos meses han causado gran expectativa. En su selección internacional fuera de competencia cuenta con los títulos más destacados de festivales como Sundance, Nueva York, Sitges, y principalmente Cannes, del cual se incluye Parasite, la máxima ganadora.

A continuación te compartimos los detalles de los títulos más esperados en el FICM, que se realizará del 18 al 27 de octubre:

Bacurau (Kleber Mendonça Filho, Juliano Dornelles, 2019)

Bacurau es el nombre de un pueblo donde se llora la muerte de su matriarca Carmelita, quien falleció a los 94 años. Posterior al fallecimiento, los habitantes de un futuro cercano, se dan cuenta de que el pueblo está siendo borrado del mapa.

La película, definida como una distopía profundamente irónica, brutal y crítica, formó parte del Festival de Sitges y se alzó con el Premio del Jurado en el pasado Festival de Cannes. Es el regreso en la dirección de Juliano Dornelles, a quien recordamos por Aquarius (2016), su destacada entrega en donde profundiza en el feminismo a partir de una mujer que se opone a la rapante modernidad.

En Bacurau las exigencias de los nuevos modelos de vida continúan como una de sus preocupaciones, esta vez adelantándose en el tiempo de aquél retrato que nos mostró el tema de la especulación inmobiliaria lejos del estereotipo de la mujer mayor.

Il traditore (Marco Bellocchio)

El director arrancó su carrera a principios de los años 60, y desde entonces, la variedad y cantidad de temas que ha desarrollado lo convierten en uno de los cineastas italianos más prolíficos e importantes en la actualidad.

Il traditore es su largometraje número 30, una épica sobre la vida de Tommaso Buscetta, el siciliano de los años 80 conocido como el primer arrepentido de la mafia, hecho que derivó en el encarcelamiento de 366 integrantes de la Cosa Nostra, la sociedad secreta criminal siciliana.

“Buscetta es una traidor respecto a Cosa Nostra,

respecto a la tradición, al pasado, a la familia”

Marco Bellocchio (EFE)

La película, que se presentó en el pasado Festival de Cannes, fue definida por el crítico Diego Battle (Otros Cines), como la exposición de un capítulo importante en la historia de Italia “sin concesiones, sin contemplaciones y, al mismo tiempo, incursionando en el thriller judicial”.

A Hidden Life (Terrence Malick)

En su nueva película, Malick vuelve a uno de los tópicos que definió su formación: la religión. Esta vez retoma el caso de Franz Jägerstätter, un campesino austríaco, objetor de conciencia, que se negó a combatir para la Alemania nazi, por lo cual fue encarcelado y condenado a muerte.

Después de que en ganara la Palma de Oro con El árbol de la vida, Malick volvió al Festival de Cannes con este retrato sobre el horror de la guerra a partir de quien es considerado un matir y fue declarado beato por la Iglesia católica.

IndieWire incluyó a la película en la lista de las 10 mejores mejores de Cannes 2019. En su crítica, David Ehrlich la describió como “un retrato lúcido y profundamente desafiante de la fe en crisis”.

A Vida Invisível de Eurídice Gusmão (Karim Aïnouz)

El segundo título brasileño en la lista es una adaptación de la novela homónima de Martha Bathala. Ambientada en Río de Janeiro de los años cuarenta, nos ubica en un contexto de represión en una sociedad conservadora y clasista, donde las hermanas Eurídice (Carol Duarte) y Guida (Julia Stockler) se vieron forzadas a separarse, y es a partir de cartas que se mantienen comunicadas.

Ambas siguen una lucha contra el patriarcado que las oprime, por lo que la película resulta un homenaje a las mujeres invisibles de una generación. Guida, la mayor, es una rebelde ávida de cambio, mientras que Eurídice desea ir al conservatorio y ser concertista de piano.

En entrevista con el Festival de Cannes, donde recibió el premio Un Certain Regard, Karim Aïnouz compartió qué fue aquello que la inspiró a realizar esta película:

Perdí a mi madre en 2015. Tenía 85 años. Era una madre soltera y no fue fácil para ella. Me daba la impresión de que su historia, al igual que la de tantas mujeres de su generación, no se había contado como merecía – en cierta medida, ellas eran invisibles.

 

The Lighthouse (Robert Eggers)

Después de la exitosa The Witch (2015), el cineasta estadounidense vuelve con una historia protagonizada por Willem Dafoe y Robert Pattinson. El segundo largometraje de Eggers, que se alzó con el premio FIPRESCI en el pasado Festival de Cannes, es un relato introspectivo, ominoso, caracterizado por la tensión y la psicosis, del cual la crítica ya ha resaltado la gran mancuerna actoral:

“Dafoe y Pattinson protagonizan el duelo actoral más intenso que este crítico pueda recordar desde The Master de Paul Thomas Anderson, con Joaquin Phoenix y Philip Seymour Hoffman”

Manu Yañez, Fotogramas

La película se ubica en una pequeña isla de Nueva Inglaterra en, donde dos fareros deberán aprender a convivir el uno con el otro.

Little Joe (Jessica Hausner)

A partir de la ciencia ficción, la película británico-austriaca presenta un relato sobre la manipulación genética y las relaciones humanas. Su protagonista, Emily Beecham, se llevó el premio a mejor actriz en el pasado Festival de Cannes.

En su primer largometraje en lengua inglesas, la directora continúa con la estética presentada en Amour Fou (2014), la fotografía es luminosa y nos presenta un mundo futurista a partir de la historia de Alice, una mujer científica, quien labora en una compañía de ingeniería biológica y crea una flor que a cambio de unos delicados cuidados, garantiza la felicidad de quien la posee. Los conflictos comienzan cuando Alice desobedece la reglas y le regala una a su hijo. 

Motherless Brooklyn (Edward Norton)

En su segundo filme como director después de Keeping the Faith (2000), Norton entrega una historia basada en la novela del mismo nombre, escrita por Jonathan Lethem. Acompañado de actores como Willem Dafoe, Bruce Willis y Alec Baldwin, Norton protagoniza la historia de Lionel Essrog, un detective que padece el síndrome de Tourette (un transtorno del sistema nervioso) y se adentra en la búsqueda del asesino de su mejor amigo Frank Minna (Bruce Willis).

Después de casi dos décadas de intentar realizar este largometraje, finalmente Norton da luz a la historia ubicada en Brooklyn, Nueva York en los años 50. El crítico Peter Debruge, de Variety la ha descrito como:

Una ambiciosa y expansiva historia sobre asesinatos, extorsiones y corrupción en la Nueva York de mediados de siglo que puede rivalizar con Chinatown por su complejidad, aunque no alcance su atractivo o elegancia.

Portrait de la jeune fille en feu (Céline Sciamma)

Otra de las ganadores de la pasada edición en Cannes fue el drama histórico francés, escrito y dirigido por Céline Sciamma, quien se llevó el premio a Mejor guion. Es una historia ubicada en 1770 que muestra el amor entre dos mujeres; una debe retratar a la otra sin que ella se de cuenta. La mirada femenina y su manera de retratar las vicisitudes del amor en el entorno de las pintoras del siglo XVIII la llevó a ganarse también el Queer Palm.

La cineasta añade a su guion momentos estelares, réplicas sublimes (¿es que la libertad es estar solo?) y las suficientes anécdotas para añadir el suspense necesario.

Carlos Loureda, Fotogramas

Para este relato de tintes feministas, Sciamma se sumergió durante casi dos años en las obras sobre los movimientos artísticos femeninos del siglo XVIII.

The Souvenir (Joanna Hogg)

Una especie de autobiografía de la directora y su época como estudiante de cine en los 80. Después de Archipelago (2010) y Unrelated (2007) Joanna Hogg ofrece una trama de una joven y sus dolorosas experiencias con una pareja adicta a la heroína. Ganadora a Mejor Película en el Festival de Cine de Sundance se trata de la revelación de Honor Swinton, hija de Tilda Swinton.

Honor Swinton-Byrne y Tom Burke ofrecen actuaciones intensas (…) Una película universalmente conmovedora y veraz. Un estudio muy bien observado de una joven artista. 

Guy Lodge, Variety

Parasite (Bong Joon-ho)

La gran ganadora de Cannes y la primera película surcoreana en llevarse la Palma de Oro. La cinta combina el suspenso y el humor negro, siendo este último característico del director, visto en sus pasado trabajos como Okja (2017) o en The host. Cuando Gi Woo (Choi Woo Shik), el hijo mayor de una familia, empieza a dar clases particulares en casa de la familia Park, el resto de los miembros ve una oportunidad para sobrevivir a la falta de oportunidades laborales.

Frenética, brillante e inclasificable, Parasite demuestra que Bong Joon-ho se ha convertido en un género en sí mismo (…) Tiene todos los ingredientes de un film de Bong y los maneja con una gran precisión.

David Ehrlich, IndieWire

Esta película, que ha sido un éxito de taquilla en todo el mundo, resulta un potente juego psicológico entre dos familias pertenecientes a dos mundos opuestos, uno que refleja un precario contexto económico y de bienestar surcoreano, y el otro que exhibe a la clase privilegiada.

Revela Vince Gilligan que ‘El camino’ tendría un final muy diferente

¿Eres de los que le pareció muy positivo el final de Jesse Pinkman en El camino? Si la respuesta es sí, seguramente el desenlace que en un inicio planeaba Vince Gilligan te hubiera dejado más que satisfecho.

En entrevista con el portal estadounidense Vulture, Gilligan reveló que aunque desde el final de Breaking Bad visualizaba a un Pinkman libre, antes de comenzar a escribir la secuela tuvo la idea de un final en el que Jesse salvaría a un nuevo personaje y después se dejaría atrapar por la policía, para luego permanecer en una celda de Montana o de algún otro lugar.

Al considerar tan heroico al personaje interpretado por Aaron Paul, Gilligan afirmó que “Él estaría en paz con eso”. Sin embargo, prescindió de dicha trama al comentarla con el resto del equipo; “se lo conté a Peter (Gould) y a los escritores de Better Call Saul, y todos me miraron en silencio; dijeron: ¿estás loco? Al final tiene que escapar”. 

La idea de tal cierre nació porque Gilligan tenía la certeza de que el público esperaba que Jesse Pinkman se escapara de ese mundo criminal, pero al ser un amante de los giros irónicos, consideró que tal vez la historia debía ir por el camino opuesto; entonces, ¿por qué lo desechó? Su respuesta fue que a veces “sólo tienes que darle a la gente lo que quiere”. 

Finalmente Vince se alegra de no haber seguido tal línea: “Me salvaron de que alguien en el estreno me persiguiera por el pasillo al final de la película tratando de matarme”.  

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Disfruta gratis de este ciclo de cine de zombies

Por: Angélica Mejía (@lilithchance)

A partir de este mes la ciudad empieza a cobrar un ambiente mórbido y diversas salas de cine lo aprovechan para tematizar sus proyecciones. Es por ello que los domingos de octubre en Sala Lumiere de la Casa del Lago podrás ver algunas películas imperdibles sobre zombies.

Recuerda que estas proyecciones son gratis, ideales para que empieces a cobrar ánimo halloweenesco.

El despertar de los muertos (Zack Snyder, 2004)

Una inexplicable plaga ha azotado a la población del planeta, convirtiendo a los muertos en zombies que continuamente buscan carne y sangre humana para sobrevivir. En Wisconsin, un grupo de personas trata de salvar su vida refugiándose en un centro comercial.

Es una comedia romántica, satírica y repleta de zombies, lo que nos traslada a un ambiente divertido e inusual, traído por el director de Scott Pilgrim vs los ex de la chica de mis sueños, por lo que podemos esperar un humor similar pero que sigue sorprendiéndonos, y así como homenajes a los clásicos del género.

13 de octubre

17:00 horas

Exterminio 2 (Juan Carlos Fresnadillo, 2007)

Hay pocas secuelas, en especial en el terror, que logran convencer al público, y Exterminio 2 es una de ellas. Juan Carlos Fresnillo realizó un trabajo de dirección que logra una atmósfera de suspenso y profunda crítica social, característica de la cinta predecesora dirigida por Danny Boyle.

Seis meses después de que la propagación de un virus devastó las Islas Británicas, el ejército de los Estados Unidos declara que, vencida la epidemia, ya se puede acometer la reconstrucción del país. Los evacuados regresan entonces al país y las familias se reúnen de nuevo. Sin embargo, el virus aún no ha sido destruido y es más peligroso que nunca.

20 de octubre

17:00 horas

Muertos de miedo (Peter Jackson, 1992)

Un científico descubre en una isla un mono rata extraño, al cual traslada para su estudio a Nueva Zelanda.

Una cinta que en España fue titulada como Tu madre se ha comido a mi perro no puede ofrecernos algo más que comedia y gore, y es considerada una de las comedias más sangrientas de la historia. Su director, Peter Jackson, ha demostrado su talento con la dirección de la trilogía de El señor de los anillos y El Hobbit.

27 de octubre

17:00 horas

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Robert De Niro presentará en México ‘The Irishman’

Previamente a su estreno en Netflix el 27 de noviembre, The Irishman (Martin Scorsese, 2019) se proyectará en el Festival Internacional de Los Cabos el próximo 13 de noviembre y será presentada por Robert De Niro, quien junto a Al Pacino y Joe Pesci se suman al elenco que protagonizan la épica sobre el crimen organizado en Estados Unidos tras la Segunda Guerra Mundial.

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Desde la visión del veterano estafador y sicario, Frank Sheeran, se narra uno de los grandes misterios sin resolver, que es la desaparición del legendario líder de la Hermandad Internacional de Teamsters.

“Nos sentimos contentos de poder colaborar con Netflix y presentar en las pantallas del Festival y en Los Cabos esta emblemática obra.” expresaron mediante un comunicado Maru Garzán, Directora Artística, y Alejandra Paulín, Directora Ejecutiva del festival.

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Será el 15 de noviembre cuando The Irishman llegue a algunas salas de México, por lo que el Festival Internacional de Cine de los Cabos se convierte en el primer lugar en América Latina en presentar la más reciente película de uno de los más destacados directores de la cinematografía estadounidense y mundial.

‘Había una vez…en Hollywood’ se proyectará en 35mm

Había una vez…en Hollywood, la más reciente película de Quentin Tarantino, quien este año también celebró los 25 años de Pulp Fiction, se proyectará en 35mm en una función especial en el 17º Festival Internacional de Cine Morelia (FICM).

Desde que debutó con Reservoir Dogs (1992), el cineasta estadounidense no ha dejado de grabar con celuloide; se resiste al formato digital al igual que directores como Christopher Nolan, Steven Spielberg, Paul Thomas Anderson, entre otros.

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Protagonizada por Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie y Al Pacino, Había una vez… en Hollywood es una compilación de múltiples historias en un tributo a los últimos momentos de la época dorada de Hollywood.

Esta será la primera vez en Latinoamérica que la película se proyecte en dicho formato. El FICM se realizará del 18 al 27 de octubre; aún no se dan detalles de la fecha y hora en la que se proyectará el filme.

Los imperdibles de Docs MX 2019

Por: Cuauhtémoc Juárez Pillado (@cuaupillado)

Como un proyecto que surgió en 2006 al apostar por el cine documental, el Festival Internacional de Cine Documental DocsMX ha logrado acercar al público a distintos contextos sociales, políticos e históricos, así como vislumbrar mundos posibles y otras formas de colaboración entre el ser humano con su entorno.

En su decimocuarta edición, que se realizará en la Ciudad de México del 10 al 19 de octubre, el festival contará con 13 sedes en las que destacan la Cineteca Nacional, Cine Tonalá, Centro Cultural Universitario, Parque México y Ciudad Universitaria. 

De mil 373 títulos, el equipo a cargo de la programación eligió 110 documentales provenientes de 32 países, los cuales estarán divididos en 11 secciones temáticas. Este año se contará con 10 premios del Jurado, un premio Doctubre MX, un premio de la crítica, un Docs Talks (espacio de discusión entre espectadores y cineastas) y la proyección de sus tradicionales rally’s de realización (Reto DocsMX y Reto Doctubre).

A continuación cinco proyecciones imprescindibles: 

#Female Pleasure (Barbara Miller, 2018)

¿Qué relación tienen las mujeres con su sexualidad sin importar la cultura o religión? Sobre esta cuestión se desarrolla el documental, el cual nos muestra a mujeres de distintas regiones del mundo hablando del placer sexual y cómo el cuerpo femenino está sujeto al deseo masculino y a la procreación.

#Female Pleasure será el título que inaugurará el festival el 10 de octubre a las 19:00 horas en el Teatro Esperanza Iris. Se contará con la presencia de la directora suiza, quien previamente trabajó en el documental nominado al Oscar War Photographer.

Oblatos, el viento que surcó la noche (Acelo Ruiz Villanueva, 2018)

Reconocido con el Premio del Público en el reciente Festival Internacional de Cine de Guadalajara, aborda la historia de Guaymas y Toño, quienes estuvieron presos en el Penal de Oblatos (Guadalajara) por ser miembros de la Liga Comunista 23 de Septiembre, la guerrilla urbana más grande de México en los años setenta.

Ambos se fugaron del penal el 22 de enero de 1976 en una compleja operación que tomó por sorpresa a las autoridades policíacas. El documental relata cómo organizaron la fuga, por qué se manifestaban y cuál es su lucha actual. 

La Disgrâce (Didier Cros, 2018)

Cinco personas cuyos rostros están malformados, o gravemente desfigurados, son retratados en el famoso estudio parisino Harcourt, donde las estrellas más grandes de Francia han sido inmortalizadas. Los cinco sujetos manejan un perfil discreto en su vida cotidiana, pero en el estudio experimentan un cambio y es su oportunidad de redefinir la forma en que se ven a sí mismos.

Los protagonistas expresan con franqueza sobre su alteridad y el proceso de aceptación; al hablar sobre sus luchas nos obligan a reflexionar sobre nuestras ideas preconcebidas e insensibilidades. Un hombre con la mandíbula destruida por el cáncer concluye que él no es el “monstruo”: las reglas establecidas por la sociedad lo son.

Las sanadoras (Rodrigo Occelli, 2019)

En México, donde la guerra contra las drogas ha generado cientos de miles de muertos y desaparecidos, la legalización de la mariguana ha sido un tema recurrente en el actual gobierno, aunque sin avances claros.

Este documental nos acerca a las mujeres mexicanas –y de otros países de Latinoamérica- quienes corren el riesgo de ir a la cárcel por practicar el autocultivo para su uso medicinal. Su lucha no ha sido fácil pero no descansarán hasta lograr la legalización de esta planta.

Born in Gambia (Natxo Leuza Fernandez, 2019)

Seleccionado en 40 festivales alrededor del mundo, este cortometraje, que forma parte de la sección Fragmentos, nos muestra la vida de Hassan, un niño que vive en la calle. Su hermano fue acusado de brujería y quemado vivo delante de él, por lo que huye de su casa para no tener el mismo destino. Hassan lleva consigo una grabadora con la que nos cuenta cómo es su vida en Gambia, un país hermoso pero anclado en peligrosas tradiciones. 

Para más información de la selección oficial, sus categorías y los horarios de las funciones, te recomendamos visitar su página web.