La versión en español de ‘Drácula’ se proyectará musicalizada por Gary Lucas

Una práctica común en los inicios del cine sonoro fue la grabación doble de películas en diferentes idiomas, tal es el caso de Drácula de 1931, cuya versión en español fue realizada durante la noche en los mismos sets donde Tod Browning filmaba su entrega protagonizada por Béla Lugosi. Tal versión hispana se proyectará acompañada de la música de Gary Lucas, uno de los mejores guitarristas de las últimas décadas. 

La cita es en el Cine Tonalá el próximo 2 de noviembre a las 21:30 horas. Se trata de una función única de la adaptación del clásico de Bram Stoker, la cual se creyó perdida hasta que en los setenta se encontró una copia en la filmoteca de La Habana. Fue dirigida por el estadounidense George Melford y cuenta con las actuaciones del español Carlos Villarías como el Conde Drácula, y la mexicana Lupita Tovar como Eva (Mina).

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En 2015 cuanto la cinta se consideró “cultural, histórica y estéticamente significativa” por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y fue seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

Hace diez años fue cuando Gary Lucas, colaborador de Jeff Buckley, Captain Beefheart, Gods & Monsters, entre otros músicos, estrenó en el Festival de Cine de La Habana la proyección de este clásico recuperado con su acompañamiento continuo. Desde entonces, el SPANISH DRACULA  se ha convertido en uno de los mejores Cine-Conciertos de la actualidad.

Cineastas contra Marvel

Por: Angélica Mejía (@lilithchance)

Es innegable que el cine de superhéroes es sumamente importante para la cultura popular, y que en la última década, Marvel se ha posicionado como el rey con millones de dólares en taquilla global. Sin embargo, lo que sí se ha puesto en tela de juicio es su trascendencia artística; los últimos en hacerlo son algunos de los autores más destacados en la historia del cine reciente, como Martin Scorsese (encargado de abrir la discusión), así como Francis Ford Coppola. 

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A continuación un repaso de lo que han comentado no sólo los cineastas estadounidenses mencionados, sino otros como el británico Ken Loach y el mexicano Arturo Ripstein. ¿Tú qué opinas? 

Martin Scorsese

A principios de octubre en una entrevista con Empire Magazine, el director de Taxi Driver expresó la opinión que enloqueció a los fans de Marvel. Su crítica se basó en que las películas de Marvel no transmiten experiencias emocionales y psicológicas. 

No las he visto. Lo intenté, ¿sabes? Pero eso no es cine. Honestamente, lo más parecido que se me ocurre, por lo bien hechas que están, por los actores dando lo mejor de sí bajo esas circunstancias, son los parques temáticos. No es cine de seres humanos tratando de conectar y transmitir experiencias emocionales y psicológicas a otro ser humano.

En posteriores declaraciones, Martin Scorsese, quien está próximo a estrenar The Irishman, aclaró que no tiene “nada en contra” de estas películas, sino que cuestiona a las productoras que no apoyan cineastas a menos que busquen realizar una franquicia: 

¿A dónde van los jóvenes para financiar sus películas ahora? No tengo idea. No van a ir a un estudio de Hollywood. Y luego, cuando la logran hacer, ¿dónde se exhibirá, cuando las salas de cine han sido tomadas por las películas-parques temáticos? Los cines se han convertido en parques de diversiones. Todo eso está bien, pero no invadas todo lo demás en ese sentido.

Ken Loach 

Un director que trata su cine a partir del realismo y la crudeza no podía quedarse atrás en la crítica a Marvel. En declaraciones a Sky News, Ken Loach, uno de los directores más laureados del Festival de Cannes, dijo que tales producciones sólo tienen la finalidad de obtener ganancias económicas, lo cual genera un ejercicio cínico de mercado: 

Se hacen como productos básicos como las hamburguesas, y no se trata de comunicarse, y no se trata de compartir nuestra imaginación. Se trata de producir una mercancía que genere ganancias para una gran corporación. Son un ejercicio cínico, un ejercicio de mercado y no tiene nada que ver con el arte del cine. William Blake dijo: ‘Cuando el dinero es discutido, el arte es imposible.

Francis Ford Coppola 

Por su parte, el director de El Padrino, opinó que de una película se espera aprendizaje y una inspiración, lo cual Marvel no ofrece. Este cineasta fue más contundente en cuanto a su crítica y subrayó: “En realidad, Marty [Scorsese] fue amable. No dijo que era despreciable, que es lo que estoy diciendo yo”.

Posteriormente, en entrevista con Deadline, Coppola aclaró que al decir “despreciable” no se refería especialmente a las películas, sino al hecho de realizar películas con el fin de obtener sólo dinero:

Personalmente, no me gusta la idea de una franquicia, la noción de que pueden seguir repitiendo lo que es esencialmente la misma película por beneficio financiero, en otras palabra: un acercamiento formulaico. Siento que esa manera de abordarlo se toma para reducir el riesgo económico de las películas y creo que el “factor de riesgo” es un elemento que las hace geniales. Además las películas de fórmula se quedan con la mayoría de recuerdos y dejan muy poco para producciones más arriesgadas, lo que reduce la diversidad.

Arturo Ripstein 

Reconocido por películas como El lugar sin límitesProfundo Carmesí y La calle de la amargura, el cineasta mexicano trasladó su crítica no sólo a la realización de las películas de Marvel, sino al público que las consume, pues considera que el éxito en taquilla de Avengers: Endgame es una prueba de que “la estupidez es común”. Además, hizo una comparación similar a la de Scorsese, pues considera que ver tales producciones es como subirse al “Ratón loco”: 

Sabes que te vas a marear un poco y va a ser emocionante, pero no va a tener ninguna consecuencia. El cine de Marvel es así.

Estas opiniones reabren el debate de lo que es el cine, ¿es arte? ¿todo el cine que se hace es arte, incluso el que se hace con el único objetivo de entretener? ¡Compártenos tus comentarios! 

La Cineteca Nacional proyecta ‘Había una vez…en Hollywood’ en 35mm

Después de ser proyectada en la décimo séptima edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), la copia en 35mm de Había una vez…en Hollywood (Quentin Tarantino, 2019) llegará a la Cineteca Nacional.

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Será a partir del 1 de noviembre cuando los cinéfilos podrán ver la más reciente película de uno de los cineastas más populares en su formato original. En Latinoamérica se trata de la primera corrida comercial que tendrá esta versión, la cual es la más cercana a las intenciones de su autor, quien es uno de los directores que se resiste al formato digital al igual que Christopher Nolan, Steven Spielberg, Paul Thomas Anderson, entre otros.

El filme, protagonizado por Brad Pitt, Leonardo DiCaprio y Margot Robbie se ubica en Los Ángeles en 1969, donde presenta una compilación de múltiples historias en un tributo a los últimos momentos de la época dorada de Hollywood.

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Hasta este momento la Cineteca Nacional no ha dado detalles de cuántos días mantendrá la cinta en su cartelera, solamente que habrá una función por día.

La Filmoteca UNAM exhibirá gratis versiones restauradas de clásicos mexicanos

Por: Angélica Mejía (@lilithchance)

La experiencia de ver una cinta restaurada y apreciar su particular escala de grises, no sería posible sin el trabajo que realizan instituciones como la Filmoteca de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) una de las más importantes de América Latina, la cual se encarga de conservar y sobre todo difundir material cinematográfico. 

Con el objetivo de potenciar la difusión de la memoria fílmica mexicana, se creó Arcadia UNAM, Muestra Internacional de Cine Rescatado y Restaurado, que para su segunda edición incluye películas que la Filmoteca ha restaurado en los últimos 10 años en colaboración con instituciones como la Cineteca Nacional, así como algunos títulos trabajados por la Cinemateca de Bolonia.

El festín cinéfilo, que se realizará del 22 al 27 de octubre en el Centro Cultural Universitario (CCU), arrancará con Los olvidados (1950) dirigida por Luis Buñuel y declarada “Memoria del mundo” por la UNESCO. Fue un estreno polémico y muy discutido por exponer temas como la pobreza, el crimen juvenil y la marginación social. Con ella, Buñuel fue reconocido como Mejor director en el Festival de Cannes.

Algunos de los títulos que se suman son Enamorada (Emilio “Indio” Fernández, 1946), Dos monjes (Juan Bustillo Oro, 1934), La Barraca (Roberto Gavaldón, 1945), La llorona (René Cardona, 1960) y el estreno de la segunda parte de la trilogía El poder de la mirada (José Ramón Mikelajáuregui), así como la proyección de la primera. 

Además de las proyecciones, Arcadia contará con espacios de reflexión tales como el Conversaciones de roles de género, en el que un grupo de expertas discutirá los roles de la mujer en algunas cintas, sin olvidar los contextos, el valor artístico y referencial histórico. Las películas a analizar serán: La mancha de sangre (Adolfo Best Maugard, 1943), por Elsie Pérez; Enamorada, por Ana Laura Pérez; La mujer del puerto (Arcady Boytler, 1934) por Adriana Castillo y El jeque blanco (Federico Fellini, 1952) por Ana Laura Pérez. 

Como parte de la colaboración con la Filmoteca de Bolonia se exhibirán Ladrón de bicicletas (Vittorio De Sica,1948) y Assunta Spina (Francesca Bertini y Gustavo Serena,1915). Otra de las alianzas será con el Instituto Mexicano de Cinematografía, por lo que algunas cintas también estarán disponibles en la plataforma FilminLatino sin costo. 

Consulta la programación completa aquí.

Creador de la serie ‘Watchmen’ responde a críticas de Scorsese sobre cine de superhéroes

“Tengo curiosidad por saber cuántas películas de Marvel ha visto”, fueron las palabras de Damon Lindelof, creador de la serie Watchmen, respecto a la afirmación de Martin Scorsese sobre que las películas de superhéroes no son cine.

Hace un par de semanas en entrevista con Empire Magazine, el director de The irishman, Taxi Driver, Goodfellas, entre otra veintena de títulos, respondió lo siguiente cuando se le preguntó su opinión sobre el éxito de las recientes películas producidas por Disney y Marvel:

No las veo. Lo he intentado, ¿sabes? Pero eso no es cine. Sinceramente, lo más parecido a ellas que puedo pensar, pese a lo bien hechas que están, con los actores haciendo lo mejor que pueden bajo esas circunstancias, son los parques de atracciones. Eso no es cine de seres humanos intentando expresar experiencias emocionales y físicas a otro ser humano.

Por su parte, Lindelof intervino en el debate y defendió títulos como Logan o Black Panther, sobre las cuales expresó “son muy cercanos en mi opinión al cine y poner todas las películas de Marvel en la misma caja no me parece justo”.

En la premiere de la serie de HBO, a estrenarse el próximo 20 de octubre, el también co-creador de la serie Lost sostuvo que la opinión de Scorsese podría estar mal informada, ya que él cree que hay un espacio en las películas de Marvel que están comenzando a explorar y comienzan a ser provocativos e interesantes.

Fuente: Variety

Lo más esperado del cine mundial llega al FICM

Como cada año, el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) es una oportunidad para apreciar las películas nacionales e internacionales que durante los últimos meses han causado gran expectativa. En su selección internacional fuera de competencia cuenta con los títulos más destacados de festivales como Sundance, Nueva York, Sitges, y principalmente Cannes, del cual se incluye Parasite, la máxima ganadora.

A continuación te compartimos los detalles de los títulos más esperados en el FICM, que se realizará del 18 al 27 de octubre:

Bacurau (Kleber Mendonça Filho, Juliano Dornelles, 2019)

Bacurau es el nombre de un pueblo donde se llora la muerte de su matriarca Carmelita, quien falleció a los 94 años. Posterior al fallecimiento, los habitantes de un futuro cercano, se dan cuenta de que el pueblo está siendo borrado del mapa.

La película, definida como una distopía profundamente irónica, brutal y crítica, formó parte del Festival de Sitges y se alzó con el Premio del Jurado en el pasado Festival de Cannes. Es el regreso en la dirección de Juliano Dornelles, a quien recordamos por Aquarius (2016), su destacada entrega en donde profundiza en el feminismo a partir de una mujer que se opone a la rapante modernidad.

En Bacurau las exigencias de los nuevos modelos de vida continúan como una de sus preocupaciones, esta vez adelantándose en el tiempo de aquél retrato que nos mostró el tema de la especulación inmobiliaria lejos del estereotipo de la mujer mayor.

Il traditore (Marco Bellocchio)

El director arrancó su carrera a principios de los años 60, y desde entonces, la variedad y cantidad de temas que ha desarrollado lo convierten en uno de los cineastas italianos más prolíficos e importantes en la actualidad.

Il traditore es su largometraje número 30, una épica sobre la vida de Tommaso Buscetta, el siciliano de los años 80 conocido como el primer arrepentido de la mafia, hecho que derivó en el encarcelamiento de 366 integrantes de la Cosa Nostra, la sociedad secreta criminal siciliana.

“Buscetta es una traidor respecto a Cosa Nostra,

respecto a la tradición, al pasado, a la familia”

Marco Bellocchio (EFE)

La película, que se presentó en el pasado Festival de Cannes, fue definida por el crítico Diego Battle (Otros Cines), como la exposición de un capítulo importante en la historia de Italia “sin concesiones, sin contemplaciones y, al mismo tiempo, incursionando en el thriller judicial”.

A Hidden Life (Terrence Malick)

En su nueva película, Malick vuelve a uno de los tópicos que definió su formación: la religión. Esta vez retoma el caso de Franz Jägerstätter, un campesino austríaco, objetor de conciencia, que se negó a combatir para la Alemania nazi, por lo cual fue encarcelado y condenado a muerte.

Después de que en ganara la Palma de Oro con El árbol de la vida, Malick volvió al Festival de Cannes con este retrato sobre el horror de la guerra a partir de quien es considerado un matir y fue declarado beato por la Iglesia católica.

IndieWire incluyó a la película en la lista de las 10 mejores mejores de Cannes 2019. En su crítica, David Ehrlich la describió como “un retrato lúcido y profundamente desafiante de la fe en crisis”.

A Vida Invisível de Eurídice Gusmão (Karim Aïnouz)

El segundo título brasileño en la lista es una adaptación de la novela homónima de Martha Bathala. Ambientada en Río de Janeiro de los años cuarenta, nos ubica en un contexto de represión en una sociedad conservadora y clasista, donde las hermanas Eurídice (Carol Duarte) y Guida (Julia Stockler) se vieron forzadas a separarse, y es a partir de cartas que se mantienen comunicadas.

Ambas siguen una lucha contra el patriarcado que las oprime, por lo que la película resulta un homenaje a las mujeres invisibles de una generación. Guida, la mayor, es una rebelde ávida de cambio, mientras que Eurídice desea ir al conservatorio y ser concertista de piano.

En entrevista con el Festival de Cannes, donde recibió el premio Un Certain Regard, Karim Aïnouz compartió qué fue aquello que la inspiró a realizar esta película:

Perdí a mi madre en 2015. Tenía 85 años. Era una madre soltera y no fue fácil para ella. Me daba la impresión de que su historia, al igual que la de tantas mujeres de su generación, no se había contado como merecía – en cierta medida, ellas eran invisibles.

 

The Lighthouse (Robert Eggers)

Después de la exitosa The Witch (2015), el cineasta estadounidense vuelve con una historia protagonizada por Willem Dafoe y Robert Pattinson. El segundo largometraje de Eggers, que se alzó con el premio FIPRESCI en el pasado Festival de Cannes, es un relato introspectivo, ominoso, caracterizado por la tensión y la psicosis, del cual la crítica ya ha resaltado la gran mancuerna actoral:

“Dafoe y Pattinson protagonizan el duelo actoral más intenso que este crítico pueda recordar desde The Master de Paul Thomas Anderson, con Joaquin Phoenix y Philip Seymour Hoffman”

Manu Yañez, Fotogramas

La película se ubica en una pequeña isla de Nueva Inglaterra en, donde dos fareros deberán aprender a convivir el uno con el otro.

Little Joe (Jessica Hausner)

A partir de la ciencia ficción, la película británico-austriaca presenta un relato sobre la manipulación genética y las relaciones humanas. Su protagonista, Emily Beecham, se llevó el premio a mejor actriz en el pasado Festival de Cannes.

En su primer largometraje en lengua inglesas, la directora continúa con la estética presentada en Amour Fou (2014), la fotografía es luminosa y nos presenta un mundo futurista a partir de la historia de Alice, una mujer científica, quien labora en una compañía de ingeniería biológica y crea una flor que a cambio de unos delicados cuidados, garantiza la felicidad de quien la posee. Los conflictos comienzan cuando Alice desobedece la reglas y le regala una a su hijo. 

Motherless Brooklyn (Edward Norton)

En su segundo filme como director después de Keeping the Faith (2000), Norton entrega una historia basada en la novela del mismo nombre, escrita por Jonathan Lethem. Acompañado de actores como Willem Dafoe, Bruce Willis y Alec Baldwin, Norton protagoniza la historia de Lionel Essrog, un detective que padece el síndrome de Tourette (un transtorno del sistema nervioso) y se adentra en la búsqueda del asesino de su mejor amigo Frank Minna (Bruce Willis).

Después de casi dos décadas de intentar realizar este largometraje, finalmente Norton da luz a la historia ubicada en Brooklyn, Nueva York en los años 50. El crítico Peter Debruge, de Variety la ha descrito como:

Una ambiciosa y expansiva historia sobre asesinatos, extorsiones y corrupción en la Nueva York de mediados de siglo que puede rivalizar con Chinatown por su complejidad, aunque no alcance su atractivo o elegancia.

Portrait de la jeune fille en feu (Céline Sciamma)

Otra de las ganadores de la pasada edición en Cannes fue el drama histórico francés, escrito y dirigido por Céline Sciamma, quien se llevó el premio a Mejor guion. Es una historia ubicada en 1770 que muestra el amor entre dos mujeres; una debe retratar a la otra sin que ella se de cuenta. La mirada femenina y su manera de retratar las vicisitudes del amor en el entorno de las pintoras del siglo XVIII la llevó a ganarse también el Queer Palm.

La cineasta añade a su guion momentos estelares, réplicas sublimes (¿es que la libertad es estar solo?) y las suficientes anécdotas para añadir el suspense necesario.

Carlos Loureda, Fotogramas

Para este relato de tintes feministas, Sciamma se sumergió durante casi dos años en las obras sobre los movimientos artísticos femeninos del siglo XVIII.

The Souvenir (Joanna Hogg)

Una especie de autobiografía de la directora y su época como estudiante de cine en los 80. Después de Archipelago (2010) y Unrelated (2007) Joanna Hogg ofrece una trama de una joven y sus dolorosas experiencias con una pareja adicta a la heroína. Ganadora a Mejor Película en el Festival de Cine de Sundance se trata de la revelación de Honor Swinton, hija de Tilda Swinton.

Honor Swinton-Byrne y Tom Burke ofrecen actuaciones intensas (…) Una película universalmente conmovedora y veraz. Un estudio muy bien observado de una joven artista. 

Guy Lodge, Variety

Parasite (Bong Joon-ho)

La gran ganadora de Cannes y la primera película surcoreana en llevarse la Palma de Oro. La cinta combina el suspenso y el humor negro, siendo este último característico del director, visto en sus pasado trabajos como Okja (2017) o en The host. Cuando Gi Woo (Choi Woo Shik), el hijo mayor de una familia, empieza a dar clases particulares en casa de la familia Park, el resto de los miembros ve una oportunidad para sobrevivir a la falta de oportunidades laborales.

Frenética, brillante e inclasificable, Parasite demuestra que Bong Joon-ho se ha convertido en un género en sí mismo (…) Tiene todos los ingredientes de un film de Bong y los maneja con una gran precisión.

David Ehrlich, IndieWire

Esta película, que ha sido un éxito de taquilla en todo el mundo, resulta un potente juego psicológico entre dos familias pertenecientes a dos mundos opuestos, uno que refleja un precario contexto económico y de bienestar surcoreano, y el otro que exhibe a la clase privilegiada.

Revela Vince Gilligan que ‘El camino’ tendría un final muy diferente

¿Eres de los que le pareció muy positivo el final de Jesse Pinkman en El camino? Si la respuesta es sí, seguramente el desenlace que en un inicio planeaba Vince Gilligan te hubiera dejado más que satisfecho.

En entrevista con el portal estadounidense Vulture, Gilligan reveló que aunque desde el final de Breaking Bad visualizaba a un Pinkman libre, antes de comenzar a escribir la secuela tuvo la idea de un final en el que Jesse salvaría a un nuevo personaje y después se dejaría atrapar por la policía, para luego permanecer en una celda de Montana o de algún otro lugar.

Al considerar tan heroico al personaje interpretado por Aaron Paul, Gilligan afirmó que “Él estaría en paz con eso”. Sin embargo, prescindió de dicha trama al comentarla con el resto del equipo; “se lo conté a Peter (Gould) y a los escritores de Better Call Saul, y todos me miraron en silencio; dijeron: ¿estás loco? Al final tiene que escapar”. 

La idea de tal cierre nació porque Gilligan tenía la certeza de que el público esperaba que Jesse Pinkman se escapara de ese mundo criminal, pero al ser un amante de los giros irónicos, consideró que tal vez la historia debía ir por el camino opuesto; entonces, ¿por qué lo desechó? Su respuesta fue que a veces “sólo tienes que darle a la gente lo que quiere”. 

Finalmente Vince se alegra de no haber seguido tal línea: “Me salvaron de que alguien en el estreno me persiguiera por el pasillo al final de la película tratando de matarme”.  

Lee aquí la entrevista completa