En la periferia de la ciudad de México se puede observar la presencia de territorios en constante transformación, que aluden a nuevas dinámicas en torno a los asentamientos humanos.
Lo anterior surge en gran medida por la necesidad de expansión y crecimiento que tienen las ciudades y que obliga a los habitantes a reapropiarse de áreas cuyo valor productivo es muy bajo o simplemente nulo. Podemos ver así lienzos charros sobre camellones, gimnasios de box debajo de puentes o plantaciones en terrenos baldíos como ejemplos del uso de suelo que edifica un paisaje casi siempre de manera clandestina.
En este proyecto se lleva a cabo una exploración de ese espacio que ha sido susceptible a nuevas intervenciones y se logra extender rompiendo franjas territoriales entre lo rural y lo urbano o logra transgredir la propiedad pública que muchas veces el gobierno restringe o privatiza.
Valle de Chalco, 2013.
— De vez en cuando subo aquí para fumarme un toque. — ¿Y el D.F. dónde queda? — Atrás de este cerro, no se puede ver, siempre lo hemos tenido a nuestras espaldas Testimonio de Pussy Ramírez, habitante de Coacalco, 2013.
Rogelio alias El Patas, tiene un taller de peletería y un lienzo charro donde da clases de equitación a niños con problemas de conducta y autismo, ambos lugares los construyó de manera clandestina en un camellón del municipio de Ecatepec, en el Estado de México. Ecatepec, 2013.
Tonos sombríos y colores pastel se derraman en cada una de las imágenes de Arlene Mendoza, fotógrafa mexicana que se caracteriza por la realización de retratos en los que las protagonistas son las mujeres. En cada una de las fotografías se percibe la armonía del espacio con el cuerpo. Arlene Mendoza comenzó fotografiándose a sí misma para posteriormente poder lograr una conexión con el cuerpo de otras modelos. En esta entrevista ella misma nos cuenta su experiencia con la fotografía.
El retrato fotográfico, por más espontáneo o planeado que sea, delinea emociones que tal vez con palabras sería intrincado describir; también atesora el resplandor de una mirada, y de alguna forma, es la pista de un momento histórico.
Una fotógrafa que desde los años veinte hasta los sesenta formó un cúmulo de retratos fue Lee Miller, quien atravesó por dos mundos sin duda extrapolados: la guerra y la moda. Mientras el porvenir se arriesgaba en el campo de batalla, y durante cada disparo (de una arma de fuego o de una cámara fotográfica), la tranquilidad péndulaba entre la vida y la muerte, dentro de un estudio fotográfico, el que poseía la cámara controlaba tanto la luz como a los protagonistas. El tiempo en ambos universos se concibe diferente. En la moda, un segundo es la mínima parte de largas horas de sesión para embellecer la textura de una prenda y posicionar un estilo. En los enfrentamientos bélicos, en el mismo lapso de tiempo se define el futuro de un ejercito, de una sociedad civil y del propio fotógrafo.
Sin embargo, hay capítulos en los que la guerra y la moda no se hallan del todo separados. Se unen por personajes movidos por la vehemencia hacía la imagen, como la ya mencionada Lee Miller; modelo, fotógrafa surrealista y fotógrafa de guerra, su nombre se repite en diversos episodios artísticos de Nueva York, Alemania, París e Inglaterra.
Lee Miller fue modelo de su propio padre y después de las páginas de la revista Vogue. Sin embargo, fue en París donde aprendió a expresar la rebeldía que la caracterizó desde pequeña. Esta vez no posó para las cámaras; echó mano de ella y debido a un accidente descubrió la solarización, técnica que fue un distintivo en sus fotografías, la cual consistía en exponer a la luz blanca la pieza que se encontraba en proceso de revelado. Con esto se invierten los tonos y las zonas oscuras aparecen como zonas de luz, creando un borde definido entre las zonas contrastadas.
Durante seis años fue parte del London War Correspondents Corp. Recorrió Francia, capturando los efectos del napalm en el asedio de Saint Malo, la liberación de París, la batalla de Alsacia y los campos de concentración de Buchenwald y Dachau.
Su trayectoria se desarrolló en contextos muy distintos, lo que nutrió a su trabajo de un sello especial. Un ejemplo es cuando terminó su relación con Man Ray y abandonó el estudio bohemio de Montparnasse para mudarse a Nueva York; en plena recesión económica montó, con su hermano como asistente, un estudio fotográfico al que acudían diversas celebridades como Joseph Cornell, Lilian Harvey y Gertrude Lawrence. Sus aires artísticos parisinos y el surrealismo hicieron de los retratos piezas especiales para los que acudian, especialmente para Joseph Cornell.
Joseph Cornell. Foto: Lee Miller
El matrimonio con Aziz Eloui Bey la llevó al Cairo, donde desarrolló un trabajo más libre, sin alguna intención periodística o comercial. Debido a tal relación, Miller tuvo la oportunidad de retratar a Charles Chaplin, ya que era amigo de Aziz. Posteriormente se casó con Roland Penrose y tuvieron un hijo, Antony Penrose, quien en 1978 halló 60 mil negativos, fotos y manuscritos de su madre. A partir de entonces, se ha dedicado a difundir su obra en alrededor de 20 países.
Charles Chaplin Foto: Lee Miller
Pablo Picasso, Jean Cocteau, Leonora Carrington y demás artistas viven en las fotografías de Lee Miller. Incluso cuenta con una imagen en la que aparecen Leonora Carrington y Max Ernst al inicio de su relación y que, por acuerdo entre ambas artistas, no habría de publicarse hasta después de la muerte de la pintora.
Leticia Arredondo
Cofundadora y editora de ZOOM F7. Escribo sobre cine y fotografía.
Imagina que es verdad, el tiempo se puede detener. Imagina que naciste en Dinamarca y que tienes 36 años. Que te graduaste en 2007 de la escuela Danesa de Periodismo con una licenciatura en periodismo gráfico. Dos años después, viajaste a China para documentar las consecuencias humanas y sociales del crecimiento histórico de la economía China.
Imagina que recuerdas un viaje crudo y apasionante a la mayor selva tropical del mundo, el Amazonas. Para retratar a los buscadores de oro, los homosexuales en el exilio y los pueblos indígenas aislados que luchan en el umbral del instinto y la razón, nuestro origen y nuestro exterminio.
Fotografía: Mads Nissen
Imagina que el azul celeste de tus ojos ha sido testigo de la sobrepoblación en filipinas, la crueldad de la guerra en Afganistán, los estragos de la guerra en Libia, los matrimonios infantiles en Nigeria, el miedo de los colombianos desplazados a causa de la guerrilla. Piensa que no te equivocaste cuando a los 19 años tomaste una cámara para tratar de comprender el interés que sentías por los otros y mirar a través de ellos.
Sueña que tu trabajo ha sido publicado en revistas como Time, Newsweek, Der Spiegel, Stern, FOTO-8 Magazine entre otras, y que desde 2014 trabajas como fotógrafo personal del periódico danés Politiken.
Tu ambición por mostrar lo injusto que la vida puede ser, te ha llevado a Rusia. Estás en San Petersburgo dentro del departamento de Alex. Fuera de allí las calles se han convertido en cuevas y los homofóbicos en bestias caminando dentro de ellas. La vida de lesbianas, gays, bisexuales y transexuales es cada vez más violentada y discriminada. Siente la impotencia en tu pecho.
Imagina que frente de ti se encuentra Jon y Alex. La luz que ilumina sus torsos desnudos es tenue y cálida como la de un amanecer. Ellos se han olvidado de que estás allí. Sus manos juguetean entrelazadas y sus miradas se encuentran aun cuando cierran los ojos. Ya no importa quién es Alex y quien es Jon, sus cuerpos están fundidos.
Imagina que la escena la miras a través del visor de tu cámara. Sabes que es el momento perfecto, revisas los parámetros: Velocidad de obturación 1/200, Apertura 2.2, ISO 1600. Imagina que disparas. Deja de imaginar, has detenido el tiempo, has retratado el amor. Eres Mads Nissen y ganaste el World Prees Photo 2015.
Fotografía: Mads Nissen
Sesenta años mostrando las cicatrices de la historia
La fotografía es una de las formas físicas de un recuerdo, aroma o sentimiento. Es el ente químico que permea tus ojos de instantes que no regresarán. Si la fotografía en si misma es magia, el fotoperiodismo es realidad.
Desde su fundación en Ámsterdam en 1955, World Press Photo se ha caracterizado por premiar las fotografías de prensa más vibrantes de cada año. Su primer premio fue para el danés Mogens von Haven, quien logró congelar el momento en que un motociclista queda enterrado en la tierra después de caer en medio de una competencia en Dinamarca.
Fotografía: Mogens von Haven
Con el objetivo de inspirar a la compresión a través del fotoperiodismo de calidad, World Press Photo ha galardonado imágenes que se han vuelto iconos del dolor, la angustia, la represión y la decadencia como especie humana. Desde la inmolación de un budista, hasta el rostro de una joven afgana con la nariz mutilada. Pasando por la ejecución de un hombre en Saigon, la niña vietnamita que corre desnuda después de una explosión de napalm, la mano consumida por el hambre de un niño en Uganda y la mujer de la burka negra que abraza a su hijo desconsolado.
Fotografía: Samuel Aranda
Para Robert Capa, uno de los fundadores de Magnum Photos “no tienes que hacer posar a nadie ante la cámara, la verdad es la mejor fotografía” y la verdad es la que ha llevado a World Press Photo a ser el más prestigioso concurso de fotoperiodismo. En él no se permite la manipulación de imágenes y en palabras del director del concurso, Lars Boering “es una cuestión de confianza, sobre la ética básica del periodismo. Estas imágenes deben ser genuinas y reales”. En la 58 edición del concurso, la más reciente, Boering lamentó que de las más de 97 mil fotografías recibidas, el 22 por ciento fueran descalificadas porque estaban manipuladas.
Cuando la estética venció a la violencia
En 2014 la imagen ganadora del concurso fue obra del norteamericano John Stanmeyer. En ella aparecen inmigrantes africanos levantando sus teléfonos celulares en busca de señal, están parados a la orilla del mar en la ciudad de Djibouti. La luna con su reflejo en el mar y las pantallas encendidas de los teléfonos fueron su única fuente de luz, las siluetas de los hombres con las manos levantadas hacía el cielo armonizan en su composición. El contraluz que Stanmeyer logró es sutil.
Tanto la imagen de Stanmeyer como la de Nissen, han marcado un cambio dentro de las fotografías ganadoras del prestigioso concurso, pues cuando estábamos acostumbrados a mirar los estragos de la violencia y la guerra de una manera cruda y explicita, en las últimas dos ediciones de World Press Photo la estética venció a la violencia. Para la presidenta del jurado de World Press Photo 2015, Michelle McNally, la fotografía ganadora de Mads Nissen “es estéticamente poderosa y humana”.
World Press Photo, tradición en el Franz Mayer
Desde 1999 el museo Franz Mayer ha sido el recinto de la exposición de World Press Photo en México, con excepción del año 2000. La muestra del mejor fotoperiodismo del mundo se ha vuelto una tradición, que viste durante casi un mes las paredes del Franz Mayer con los sucesos más relevantes del año anterior hechos fotografía. Los últimos tres años la curaduría de la exposición ha estado a cargo de Laurens Korteweg, quien cree firmemente en que “el trabajo de un fotógrafo es el punto de partida para la reflexión, la discusión y el cambio”.
Además de las conocidas categorías de World Press Photo: Noticias generales, Noticias de actualidad, Temas contemporáneos, Vida diaria, Retratos, Naturaleza y Deportes, en la edición 58 se agregó la categoría Proyectos a largo plazo, en la que resultó ganadora Darcy Padilla de Estados Unidos, por la serie Family Love 1993-2014.
Fotografía: Darcy Padilla
Darcy conoció a Julie Baird, el 28 de enero de 1993: “Julie tenía 18 años, era VIH positiva, estaba de pie en el vestíbulo del hotel Ambassador en San Francisco, los pantalones desabrochados y un bebé de ocho días de edad en sus brazos”. Darcy siguió la vida de Julie durante 21 años quien abandonó su casa a los 14 años después de ser abusada por su padrastro, y que un año después se volvió adicta a las drogas.
Padilla documentó una historia de vida llena de pobreza, drogas, muertes, reencuentros y del VIH que en 2010 le quitó la vida a Julie. El trabajo de Darcy Padilla, se inscribe en lo que alguna vez Sebastiao Salgado expresó: “No vas y tomas una foto, vas a construir una historia. La foto de la vida te da la posibilidad de participar siendo tú mismo, con todo tu ser, tu cultura, tu ideología, tu manera de hacer las cosas, en definitiva, con coherencia, en un momento histórico determinado. Participar viviéndolo y contándolo ¿No es magnífico?”.
El cortometraje Vengeance is Mine (1983), dirigido por Luis Estrada, en el que Alfonso Cuarón fungió como cinefotógrafo y Emmanuel Lubezki como asistente de fotografía, en su momento provocó un choque entre la tradición académica del CUEC (Centro Universitario de Estudios Cinematográficos) y los citados alumnos. Aquellos jóvenes buscaban desarrollarse por todos los ámbitos y a partir de entonces decidieron seguir su desarrollo como realizadores fuera de las aulas. Esto nos recuerda dos puntos: las instituciones no lo son todo y finalmente, los galardones pertenecen a quienes los conciben; a ese artista curioso y perfeccionista innovador, cuyo trabajo podemos empezar a reconocer como legado.
Al hablar de fotografía, sólo hasta que el mexicano de ascendencia rusa Emmanuel Lubezki comenzó a ganar los premios de la Academia -Mejor fotografía por Gravity (Alfonso Cuarón, 2013), y por Birdman: Or (The Unexpected Virtue of Ignorance) (Alejangro G. Iñarritu, 2015)-, un buen público comenzó a valorar y conocer el trabajo de este departamento, el cual es de los más difíciles de reconocer. El director da los elementos y se pone de acuerdo con el fotógrafo, pero ¿dónde está el sello de quién en la cinta? Unos dirán que en la composición o la luz, quizá en la óptica, otros podrán decir que es una pregunta vana. Sin embargo se debe dar con esta praxis para entender mejor quién es el responsable directo de lo que se está viendo en pantalla.
Es necesario decir que el trabajo de El Chivo pasó por un largo proceso, durante el cual fue madurando un método. Y probablemente sólo a partir de Y tu mamá también (Alfonso Cuarón, 2001) se percibe por primera ocasión una convención visual determinada: los planos secuencia con luz natural, característica que no era notoria en cintas que filmó antes; cabe recordar Como agua para chocolate (Alfonso Arau, 1994), o producciones norteamericanas como Twenty Bucks (Keva Rosenfeld, 1993) o Reality Bites (Ben Stiller, 1994). En estos títulos se limitaba a usar la escala de planos: de primer plano para dar intimidad a los personajes pasaba a planos americanos o escalas mayores con la intención de quitar dramatismo o proseguir a otras acciones. La diferencia con Y tu mamá también, se sitúa en cómo filmó (por complacencia de Cuarón) escenas muy largas para explicar las situaciones de sus personajes.
Lo anterior exigió gran planeación para cada tiro, además, se dispuso de un tiempo limitado por el uso de la luz natural; en general, fue un tratamiento de ensayo/error, el cual nos enseña que más allá de las reglas, lo que importa son las intenciones y cómo se exploten las herramientas para lograrlo. Y a estas alturas, podemos decir que uno de sus principales aportes por supuesto, son los planos compuestos.
El uso de los grandes angulares
Ahora existe una especie de democratización con el uso de las grandes angulares, o lentes de gran perspectiva (debido a la comercialización en toda clase de productos y aplicaciones), pero no hay que dejar de lado que determinadas técnicas despiertan diferentes sensaciones. Por ejemplo: primeros planos de personajes en grandes angulares (a contramano de las reglas), dan una perspectiva deformada pero más amplia a pesar de la cercanía, incluyendo más objetos detrás del personaje, lo cual genera cierto peso dramático al escenario, (dependiendo de las necesidad del director, esto ayuda a fortalecer la narrativa). Lo dicho es algo que sólo Lubezki se atrevió a homogeneizar. “Él decidió fotografiar escenas muy largas con lentes muy angulares, y utilizar luz natural para acercar al espectador, a una experiencia muy real”, Alfonso Cuarón (Children of Men-The Cinematography of Emmanuel Lubezki).
Probablemente su mayor colaborador no es otro que el mismo Alfonso Cuarón, y muchos pueden coincidir que el “estilo documental” fue la primera importante contribución, tanto del director como del fotógrafo. Ejemplo de ello es Children of Men (Alfonso Cuarón, 2006), la cual, con planos secuencia muy extensos y cortes fantasma (cortes unidos mediante edición de una acción que parece continua), fue definida como “una experiencia visualmente histórica, de la cual no puedes apartar la vista” (NewsNew York Daily). Asimismo, la crítica la señaló como “una inolvidable y conmovedora adaptación” (Wall Street Journal); Emmanuel Lubezki la recuerda como “un trabajo del cual estoy orgulloso” (Children of Men-The Cinematography of Emmanuel Lubezki).
Probar otros caminos
Denominado como “un artista curioso”, por sus antiguos colaboradores, el Chivo no temió probar en cada ocasión diferentes técnicas, algo natural de su desarrollo como cinefotógrafo. “Educar el ojo y el corazón” decía Martin Scorsese, y quizá así se resume en este caso. Emmanuel, en vez de trazar una perfección en un travel, con impecable composición, reparó más en elaborar un plano muy limpio y compuesto, incluyendo tantos elementos como le eran posibles. La tesitura puede estar en la inspiración que brinda a otros resultados, así como a la distinción que se desprende de otros directores por confiar en su estilo. Muestra de lo mencionado es su trabajo con Alejandro González Iñarritu, quien después de trabajar con Rodrigo Prieto como director de fotografía desde Amores Perros (2000) hasta Biutiful (2010), decidió probar la buena racha de quien hoy es su colaborador.
De momento estamos a la espera de qué es lo que nos ofrecerán al final del año. Finalizando, quizá son las exigencias narrativas del director, o el trabajo del cinefotógrafo, no obstante The Revenant (Alejandro G. iñarritu 2015), tal vez ponga esto en evidencia y podamos tener la certeza de si la cinematografía está abarcando cada vez más las decisiones que le corresponden a la visión del director, o simplemente se está integrando en una brillante homogeneización. Sin embargo, hablar de este Emmanuel Lubezki es referirnos a un perfeccionista ingenioso, el cual nos está dejando una aportación que sin duda se tendría que valorar y agradecer.
La vejez, la locura y el sinsentido capturados a través de la lente del fotógrafo mexicano Daniel Weinstock. 30 años de trabajo que aún espera ser revelado.
Su destino era la plaza de toro. Ya estaba escrito. Carlos Cazalis es descendiente de una familia taurina de Aguascalientes, con tres generaciones de matadores, sin embargo, él no llegó al ruedo con un capote en la mano, sino con su cámara. Él eligió fotografiar al toro en lugar de matarlo, no se considera taurino, pero esto es una parte de su historia.
Desde la cuna conoció el mundo de la tauromaquia y hoy Carlos Cazalis presenta un foto libro que cuenta una historia protagonizada por dos personajes, el matador José Tomás, quien es considerado el último gran matador, y el toro de lidia, “un bellísimo animal, con una profunda nobleza a quien amamos por su existencia, sin embargo, hacemos llegar a su muerte”.
El libro narra la transcendencia y el impacto que ha tenido José Tomas en los últimos siete años. En él quedan inmortalizadas tardes históricas en México, Francia y España. Apenas el pasado 2 de mayo tomo las últimas fotografías que incluye el proyecto.
Tras siete años de arduo trabajo (2007-2015), Cazalis busca la contribución del público a través de Indiegogo, una plataforma de crowdfunding, para poder imprimir dos mil copias del libro y distribuirlo a nivel internacional a través de la Editorial RM. Pero llegar hasta aquí no ha sido fácil, el fotógrafo explica que la controversia alrededor de la corrida de toros ha hecho aún más difícil la recaudación de fondos.
“Debido a la delicadeza y muchas veces controversia del tema del libro ha sido especialmente difícil encontrar apoyos y es por eso que ahora busco el de los aficionados, porque al igual que ustedes, nos hemos arriesgado y viajado largas distancias para presenciar aquello que nos mueve en el interior. Si la colaboración de ustedes no nos rinde lo suficiente, yo seguiré buscando el apoyo económico para poder presentar el libro con la Editorial RM en Paris Photo en noviembre 2015, nuestro objetivo final, pero debemos ir a imprenta ya!”
Las fotografías serán acompañadas de la narrativa de tres autores, Jacques Durand, ex cronista del diario Liberation, quien se encarga de escribir sobre la pasión y sueño de ver a Tomás; José Cueli, psicoanalista y ex cronista del diario La Jornada, y finalmente el escritor y corresponsal de guerra Jon Lee Anderson, hablando del guerrero. Además de pequeños extractos del libro Pagan Spain del ganador del Pulitzer, Richard Wright, con sus primeras impresiones sobre la inconfundible majestuosidad y fuerza del toro.
