David LaChapelle: más que un fotógrafo pop

¿Podemos hablar de lo que es correcto en el arte? A David LaChapelle poco le importó esta cuestión al adentrarse en el mundo de la fotografía; y justo ese interés desapegado de las reglas lo convirtió en uno de los artistas más arriesgados y codiciados de la fotografía actual.

Su carrera profesional inició en la revista Interview, de Andy Warhol, en donde retrataba la escena social de la gran ciudad. En su fotografía es innegable la influencia del artista plástico, sin embargo, LaChapelle forjó su estilo a partir de una visión que mezcla el surrealismo, e incluso el renacimiento, con temas como lo efímero, la religión, la sexualidad y la naturaleza, sólo por mencionar algunos.

También ha trasladado a celebridades como Britney Spears y David Bowie a ese ambiente que define su arte, el cual ha llegado a ser considerado como incómodo.

En este video Fan Valdés nos comparte más detalles sobre el trabajo de David LaChapelle.

Ve gratis el documental sobre el fotógrafo Héctor García

Por: Rubí Sánchez (@rubynyu)

La capital mexicana ha sido protagonista de cintas desde la época revolucionaria; quienes han retratado su belleza parten de la idea que tiene una voz propia, la cual se manifiesta en todos los sentidos. Héctor García lo demostró a través de su fotografía, en donde vemos desde personas en situación de calle, movimientos sociales, la vida nocturna, hasta actrices del cine mexicano o grandes muralistas. Su vida y obra fueron celebradas en 2007 con el documental Héctor García, fotógrafo del director Carlos Rodrigo Montes de Oca Rojo, asiduo del mundo de la fotografía como lo demostró con su siguiente producción, La cámara Casasola (2010).  

El documental se presenta con tomas panorámicas de la Ciudad de México, las cuales se cierran para mostrar las calles y sus edificios hasta llegar a un barrendero, a quien sólo vemos hacer su trabajo. Este inicio vislumbra el homenaje que se busca hacer a un fotógrafo del estilo de Héctor García, a partir de su capacidad de capturar desde lo majestuoso hasta lo más sencillo de la vida.

La película se aleja de la cronología y de la biografía, en cambio nos adentra en la historia de Héctor por medio de un road trip en la ciudad; una travesía en uno de los clásicos triciclos, que en lugar de transportar pan o tamales, lleva de viaje al fotógrafo por algunos de los escenarios de sus imágenes más famosas. Durante el camino, García habla de lo que lo llevó a esos lugares y señala algunos personajes, como él llamaba a las personas que encontraba. 

Héctor García. Fotografía: Marco Antonio Cruz

Los recursos de los que se vale son variables, de contar con la voz en off de su protagonista, pasa a imágenes de archivo o experimenta con el color en tomas de una ciudad desconocida para muchos. Así es como vemos el barrio de la Candelaria de los Patos, de donde es originario el fotógrafo, la avenida Bucareli, donde se concentran los voceadores para armar los paquete de periódicos, entre otros sitios. El documental no teme, como el arte de Héctor García, en mostrar el lado cruel de un territorio que devora a sus habitantes. 

La obra del fotógrafo fallecido en 2012 es una exploración al paso del tiempo en la ciudad, misma que hace el documental a partir de momentos en los que sitios que habían sido fotografiados, no pueden ser encontrados, pues han desaparecido o cambiado por completo. El reconocimiento que ha recibido su obra también es presentado en la película, desde la relación que ha forjado con sus pupilos, quienes alaban sobre todo la espontaneidad de su fotografía, así como premiaciones y exposiciones de su obra.

Un punto muy importante del documental es la relevancia que se le da a su esposa, María del Carmen Sánchez, quien durante gran parte de su carrera se involucró con el trabajo de Héctor, al punto que ella también se volvió fotógrafa. La vemos caminando junto al triciclo y tomando fotografías de todo aquello que llama su atención; estas imágenes toman relevancia hacia el final de la cinta, dando un cierre preciso. Héctor llega a aclarar que algunas de las fotografías que se le adjudican realmente fueron tomadas por María. De esta manera, gran parte de Héctor García, fotógrafo nos presenta la historia de dos modos de vivir la fotografía. 

Un buen antecedente del nuevo auge en el documental mexicano y una gran idea para una sesión doble con El hombre que vio demasiado (2015) sobre Enrique Metinides, el fotógrafo de nota roja. Héctor García, fotógrafo puede disfrutarse de manera gratuita en la plataforma de FilminLatino y es una excelente oportunidad para perderse en esta ciudad que se niega a estar estática. 

VELO AQUÍ

Robert Capa a color: el mundo después de la guerra

Por:

Rubí Sánchez (@rubynyu

Leticia Arredondo (@leetyav)

Rememorar los conflictos armados de la primera mitad del siglo pasado es en su mayoría pensar en blanco y negro. El autor de gran cantidad de estos recuerdos es Robert Capa, fotógrafo que al termino la Segunda Guerra Mundial se dedicó a explotar sus prácticas con el color, las cuales había iniciado en 1938 -tres años después de que se lanzara la película KodakChrome-; al capturar en color logró representar más fielmente la esperanza que se creía perdida después de la guerra. 

Dos décadas después de sus primeros acercamientos con la fotografía gracias a la cámara que Eva Besnyo le dio, Endre Ernő Friedmann se convertiría en uno de los pioneros en el fotoperiodismo en trabajar las imágenes a color. Una de sus primeras series fue The allied air war in color de 1941, época en la que el color aún no era tan popular, sobre todo en contenidos relacionados con los conflictos bélicos. Esto debido a que se trataba de una producción más costosa y que requería más tiempo, ya la película sólo era posible revelarse en la sede de Kodak, lo cual llevaba semanas. 

El conjunto de fotografías corresponden a una base de la Real Fuerza Aérea de Inglaterra, donde las tripulaciones estadounidenses y británicas se preparaban para los ataques contra la Francia ocupada. Debido a que estaba prohibido fotografiar a los aviones durante las misiones, Capa siguió como eje la camaradería entre los soldados. 

Te puede interesar: Una mirada a las fotógrafas en la guerra 

Fue así como en The allied air war in color refleja el sentimiento de ilusión y compañerismo a través de enfoques abiertos, donde vemos a pilotos orgullosos de sus naves mientras se prepararan para ir hacia el sur de Francia. Sobre estas fotografías Capa llegó a declarar que lo que más recordaba era el optimismo y el entusiasmo, en especial palabras como las de un piloto del Bad Penny:

Cuando esto termine, el viaje más largo que haré será en mi bicicleta, con mi equipo de pesca en la espalda, y desde mi casa al río más cercano.

Capa intensificó su trabajo con el color en tiempos de la posguerra, enfocado ahora en los detalles de la vida cotidiana, detalles que podrían considerarse frívolos, pero que conseguía mostrar con maestría y darles otro significado. Tales escenas como el verano en la playa, las carreras de caballo, los esquiadores, su serie enfocada en un circo del sur de Indiana, Estados Unidos, o sus viajes a Europa del este, China y Rusia, encontraron lugar en revistas de diversos países como Holiday (EEUU), Ladies’ Home Journal (EEUU), Illustrated (UK) y Epoca (Italia); un conjunto de postales que mostraron a la reconstrucción como un ambiente de paz, prospero y brillante. 

Realmente, Robert Capa tenía dos cámaras alrededor del cuello en todo momento, tres incluso, a menudo en dos formatos diferentes.

Cynthia Young del ICP (International Center of Photography) para la revista Time

Además del contenido, las imágenes de quien fue nombrado por la revista Picture Post como “el fotógrafo de guerra más importante del mundo” resaltaron por la técnica; Capa experimentó con tonalidades duras, filtro sepia y una luminosidad intensa. Puede verse en especial en una serie tomada en Francia, en un Paris de la posguerra que nada tiene que ver con el que cinco años antes había fotografiado; sus retratos son glamourosos, muestras de mayor producción y preparación antes de capturar el momento. Asimismo, al relacionarse con personalidades del mundo de las artes, en su archivo también tienen lugar los retratos a color de artistas como Pablo Picasso, Ava Gardner, Humprey Bogart y Orson Welles.

Pablo Picasso

Capa se volvería a entregar al frente en la guerra de Indochina en 1954, donde murió a causa de la explosión de una mina. Aquella última vez que disparó cargaba con sus dos cámaras, y la última imagen que dejó fue una a color.

Aun con que hace algunos años el ICP (International Center of Photography) de Nueva York dio a conocer parte importante del legado de Robert Capa y su uso del color, todavía se encuentra un tanto olvidado frente a sus imágenes icónicas en blanco y negro, sin embargo hay mucho por explorar y descubrir la manera en la que el mundo se reponía de tiempos oscuros. 

En el fotoperiodismo mexicano no hay garantías de nada: Oswaldo Ramírez

Los profesionales de la fotografía están continuamente en un vaivén de conciliación y lucha con los avances tecnológicos, que en la era digital han derivado en un mundo de incontables imágenes, las cuales han creado cuestionamientos sobre el valor de esta actividad. Sin embargo, el fotoperiodista mexicano, aun en un ambiente de inseguridad (recordemos que México es el país más peligroso de América Latina para los periodistas) siempre halla la razón para tomar la cámara: el regocijo de ver su mirada materializada y la necesidad de documentar lo que marca a un país. Y no sólo eso, el fotoperiodismo continúa vivo porque ha sabido aprovechar esos cambios de las herramientas para potenciar sus imágenes.

Te puede interesar: Una mirada a las fotógrafas en la guerra 

Expertos han vaticinado la muerte de la fotografía, pero hay quienes la defienden, porque la historia de la fotografía está llena de cambios…ahí tenemos la llegada del color, el cambio de análogo a digital, y un largo etcétera. La mirada que se basa sólo en lo técnico, quizás sea la que se verá en apuros, pero aquella que tiene algo que contar tiene más posibilidades de permanecer en una época en la que todo parece desvanecerse en un scroll infinito.

Sobre estos cambios tecnológicos y el panorama actual del fotoperiodismo nacional, platicamos con Oswaldo Ramírez, fotógrafo mexicano con más de diez años de trayectoria, quien cuenta con una mención de honor del Premio Nacional de Periodismo Cultural Fernando Benítez y fue finalista del Premio Gabriel García Márquez de Periodismo. Tiene una amplia labor en el fotoperiodismo y en la fotografía documental, colaborando para diversas agencias y medios nacionales. También cuenta con un muy valioso trabajo con la fotografía de calle, sobre la cual menciona:

La fotografía de calle me encanta, es un gran ejercicio mental y visual y menospreciada por muchos.

A continuación la charla y una muestra del trabajo de Oswaldo, con quien retomamos nuestra sección de #FotógrafoDeLaSemana:

 ¿Cual fotografía o serie han sido para ti el mayor reto?

Hasta el momento es la serie que hice en 2014 sobre los grupos de autodefensa en la zona de Tierra Caliente en Michoacán, fue mi primer cobertura como freelance, con recursos y condiciones de seguridad muy limitados. Me fui sin haber colocado el trabajo con algún cliente, ya sobre el terreno me contactaron algunos medios.

Tengo una anécdota con un agencia internacional: al ser una cobertura de alto riesgo y no disponer de un chaleco blindado, no quisieron comprometerse y decidieron no comprarme fotos. En lo laboral y sobre todo en lo personal, fue un gran aprendizaje.

Te puede interesar: Grandes fotografías del Pulitzer sobre infancias quebrantadas

¿Quienes son tus fotógrafos y fotógrafas favoritos?

Hay demasiados y sería imposible nombrar a todos. Por mencionar a algunos, Christopher Morris, quien ha cubierto conflictos armados y ahora también hace campañas para grandes marcas de moda. Graciela Iturbide, Daido Moriyama, Nadav Kander, Rineke Dijkstra, Nan Goldin, Enrique Metinides, Manuel Álvarez  Bravo, Imogen Cunningham, Allan Schaller, Zackary Canepari, Tania Franco Klein, Pep Bonet…

Enrique Metinides


No solo veo a fotógrafos documentales y/o fotoperiodistas, trato de ver todo tipo de fotografía: conceptual, un poco de moda, retrato, de calle…también enriquece y refresca la mente y el ojo.

¿Que posibilidades creativas y personales te ha dado la fotografía?

Es el lenguaje con el que mejor me logro expresar y vincularme de alguna forma con el mundo. Me ha dado la posibilidad de conocer lugares y gente increíble, de estar en situaciones excepcionales y ver la miseria y bondad humana. En la actualidad, la fotografía no sólo es imagen fija: es sonido, instalación, formatos no convencionales, etc. Ante eso no puedo quedarme relegado, trato trato de aprender y buscar nuevas narrativas para darle soporte a mi trabajo, como parte de ello es que pronto aprenderé y experimentare con el grabado.

 

¿Cuales consideras que son actualmente las retos y posibilidades de la fotografía mexicana?

Sin duda la inseguridad y violencia es un gran reto y no es sólo la generada por los grupos criminales, las mismas autoridades son parte del problema. Se ha vuelto muy complicado poder trabajar así, no hay garantías de nada, ni de los medios y muchos menos de las autoridades.

 

Y a eso le agregamos condiciones laborales muy malas y salarios precarios, que no es algo exclusivo de quienes somos freelance, la gente que trabaja de fijo en algún medio también padece estas condiciones. El que trabajes para un ¨gran medio nacional¨ no es garantía de nada; en los últimos meses hemos visto cómo se prescinde de la plantilla de fotógrafos.

Otro tema es la del fotógrafo multitarea, tienes que hacer video y editar, volar dron, etcétera. Cuando tal vez no todos tenemos la capacidad de hacerlo, porque el que seas muy buen fotógrafo no necesariamente te hace cineasta. La manera de contar historias y cómo las consumimos ha cambiando y ante eso no podemos hacernos a un lado, pero se reduce a una mera cuestión de mercado, de hacer más con menos en detrimento de la calidad del trabajo.

Que te validen ciertos sectores o instituciones de acuerdo a sus lineamientos de lo que para ellos es y tiene que ser la fotografía, eso es muy jodido. Y aun con esto hay gente muy talentosa y haciendo cosas increíbles en colectivo o de forma individual.

Puedes seguir el trabajo de Oswaldo Ramírez en: 

Twitter @waldoras
Instagram @waldor

Tumblr oswaldoramirez.tumblr.com

World Press Photo: entre el arte de la luz y la polémica

Por: Karla León (@klls_luu)

La controversia no sólo se ha desatado dentro del concurso, recientemente el World Press Photo facilitó un debate sobre la ética periodística de los fotógrafos y de la organización, al publicar la serie Dreaming Food (2018) de Alessio Mamo, a quien se le concedió el segundo premio en la categoría Personas, por mostrar a niños y adultos de zonas rurales en la India con la cara cubierta y una mesa de comida falsa frente a ellos. La organización publicó un comunicado con la disculpa del fotoperiodista, así como sus argumentos sobre la importancia de presentar este tipo de trabajos.

Sin duda, la World Press Photo ha fungido como un espacio noble para el arte de la luz, donde historias de vida se impregnan para mostrarle al mundo la nueva realidad y la cotidianidad de nuestros tiempos. No obstante, también es cierto que la polémica nunca se separará de dicho certamen porque, con alteraciones o no, el periodismo nació para incomodar. 

Te puede interesar: Mexicanos galardonados en el World Press Photo 2019

Aquí te presentamos las fotografías más polémicas que han opacado a esta importante organización en los últimos años. 

Gaza Burial (2012)

Galardonada en la categoría Noticia de actualidad, y reconocida como Foto del Año, el sueco Paul Hansen desató polémica en la 56° edición del World Press Photo, luego de que el analista de imágenes, Neal Krawetz, afirmó una supuesta falsificación de la fotografía con superposiciones y retoque en los rostros para dramatizar la escena. 

La imagen, que muestra los cuerpos amortajados de dos menores que son trasladados a una mezquita para su funeral, fue sometida a valoración para comprobar las alteraciones. Sin embargo, más allá de comprobar la postproducción al cambiar la densidad de la luz, no se encontraron modificaciones en cuanto al supuesto montaje. 

La WPP se deslindó de las críticas al asegurar el endurecimiento de los protocolos para la selección de las fotografías, además de la asesoría de expertos en el tratamiento de imágenes.

Te puede interesar: Fotografías del Pulitzer sobre infancias quebrantadas

The Dark Heart of Europe (2015) 

Aunque en 2013 se reforzaron las medidas para la selección de las fotografías, la 58° edición del World Press Photo fue cuestionada por la revocación del primer lugar a la serie fotográfica The Dark Heart Of Europe del italiano Giovanni Troilo, de quien afirmaron, tergiversó la ubicación y organizó las acciones dentro de las tomas. 

La controversia estalló cuando se demostró que en una fotografía de la serie que participó en la categoría de asuntos contemporáneos, en la que se muestra un encuentro sexual dentro de un automóvil, se empleó un flash de control remoto para iluminar el asiento trasero, de esta forma, el jurado determinó una violación a las normas básicas del concurso. 

An Assassination in Turkey (2016)

El cuerpo del embajador ruso Andréi Kárlov junto a Mevlüt Mert, su agresor y quien sostenía en arma mientras una mirada iracunda penetraba a través de la lente de los periodistas, fueron los elementos que le dieron a Burhan Ozbilici el reconocimiento a Foto del Año en la 59° edición del World Press Photo. 

La elección de la fotografía dividió al jurado y más tarde a los espectadores, quienes iniciaron un debate en torno a si debían galardonar el evidente odio y violencia que existe en nuestra época. No obstante, el acto del Ozbilici fue reconocido por capturar un momento significativo en la historia de Turquía, además de demostrar la ardua y difícil labor de los fotoperiodistas. 

An Iranian Journey (2017)

Hossein Fatemi obtuvo el segundo premio en la categoría Proyectos a largo plazo por la seria An Iranian Journey, trabajo en el que mostró a la sociedad iraní desde un punto de vista diferente y acentuando las actividades de las mujeres jóvenes, quienes, desde la perspectiva del autor, no parecen sufrir las consecuencias de un estado apegado a la religión. 

Aunque pesar se presentaron varias pruebas para demostrar que las acciones dentro de las tomas fueron planeadas y que, incluso, Fatemi compartió el montaje con la fotógrafa iraní Mojgan Ghanbari, la WPP expuso un comunicado en el que se determinó que tales argumentos no contaban con el fundamnto para determinar el fraude de las imágenes. Tras el escándalo y la nominación, una persona decidió presentar una denuncia en contra de Fatemi por retratarla sin su consentimiento.  

The Lake Chad Crisis (2019)

Este año la controversia no se separa del certamen que ya exhibe el material galardonado en el Museo Franz Mayer de la Ciudad de México. En esta ocasión no se trata de ninguna fotografía seleccionada, sino de la trayectoria del italiano Marco Gualazzini, quien participó con una serie sobre la crisis humanitaria en el lago Chad, lo cual lo llevó a conseguir el primer premio en la categoría Medio Ambiente y una nominación a Foto del Año e Historia del Año. 

En 2017, miembros del gremio cuestionaron su ética como periodista al presentar un reportaje sobre mujeres que habían sido víctimas de abusos sexuales en la India, en el que, aseguran, puso en peligro la vida de las afectadas al exponer sus rostros en las imágenes, además de mostrar a algunas menores, lo cual, representa un delito grave. 

Las investigaciones comprobaron que la historia construida en torno a esta situación no fue del todo verídica, ya que al menos una de las protagonistas del reportaje no tenía la edad que aseguraba Gualazzini y, sobre todo, no era víctima de ningún tipo de abuso o violencia, incluso, la joven aseguró que él le pidió posar para retratarla. 

Cinco ciudades, cinco artistas de la lente

Por: Rubí Sánchez (@rubynyu)

Habitar una ciudad es algo que hacemos sin prestar demasiada atención. Observar los detalles de ese entorno es todavía es más difícil..sin embargo existen personas que logran desentrañar los secretos de la urbe gracias a su visión, sus conocimientos y su deseo de capturar el mundo través de un cámara.

A continuación una recopilación de artistas que han logrado plasmar cinco diferentes ciudades a través de sus fotografías, ya sea como ciudadanos comunes o viajeros ansiosos. 

Vietnam por Victor Morante

Sin demasiada experiencia en el medio, Víctor Morante, español de 28 años, se ha forjado un estilo al viajar los países asiáticos. Su trabajo ha sido publicado en revistas como EyeShot, Street Photography e Inspired Eye Magazine. La serie Geometrical Saigón, nombre antiguo de la ciudad Ho Chi Minh, en Vietnam, nos muestra su obsesión por la composición y los colores estridentes.

Victor-morante-1

victor-morante

Sus fotografías son minimalistas pero logra enseñar las formas callejeras al relacionar las luces y las sombras con los colores.  Morante captura la paz de una ciudad, conocida por ser la más por motocicletas en el mundo.

PÁGINA WEB

Estambul por Sevil Alkan

Fotógrafa turca, co- fundadora del colectivo H-art y ganadora del primer lugar en concurso LensCulture Street Photography Awards 2019.  Su proyecto Stray Dog es un vistazo a Estambul, una ciudad turística en la que Servil nos adentra por medio de escenas cotidianas que nos dicen mucho sobre los habitantes en relación a la ciudad.

Sevil-Alkan

sevilalkan_19

Con una fotografía más clásica, en blanco y negro, captura movimientos llenos de nostalgia. Conocemos otro foco de la ciudad, alejado del estilo bizantino de las grandes mezquitas, una ciudad honesta atrapada en el tiempo. 

PÁGINA WEB 

INSTAGRAM 

Sao Paulo por Jonas Bendiksen 

Fotógrafo miembro de la agencia Magnum Photos, y que también ha trabajado para la Fundación Rockefeller y la revista National Geographic. Su proyecto Offside Brazil Still Films experimenta con la fotografía en movimiento, sin llegar a ser cine. Captura momentos en movimiento que duran apenas segundos.  La técnica alarga un segundo en 20 segundos de video.

jonas-bendiksen

jonas-bendiksen-1

Bendikens nos muestra la ciudad de Sao Paulo y a sus habitantes en su estado más natural, junto a su pasión por el fútbol. Sus fotografías de exteriores son luminosas, dan una sensación de profundidad y nos invitan a esa ciudad de grandes rascacielos, alejada del cliché colorido. 

PÁGINA WEB 

INSTAGRAM 

Chicago por Clarissa Bonet 

Fotógrafa joven cuyo trabajo ha sido publicado en  The Guardian, The Wall Street Journal y Photo District News. Busca retratar el estado psicológico de los lugares que ocupa. En City Space nos presenta a su ciudad natal, Chicago, desde una atmósfera de ansiedad, en la que la mancha urbana apenas permite atisbos de cielo.

Clarissa-Bonet-1

Clarissa-Bonet 

Nos presenta a personas anónimas que se apropian estos lugares asépticos. Sus colores son fríos con rayos luminosos que enmarcan a la ciudad de los vientos.  

PÁGINA WEB 

INSTAGRAM 

Oslo por Paul Buscató

Originario de Barcelona, después de estudiar arquitectura se dedicó a viajar por el mundo para llegar a Oslo, de donde son la mayoría de sus fotografías. Ha presentado su obra en Rusia, Barcelona o Roma, y participado como jurado en varios festivales internacionales de fotografía callejera.

paul-buscato-1

paul-buscato-2

Con Hopscotch busca capturar los juegos que se viven en las ciudades, llamándolas “Coincidencias poéticas”, donde la imaginación y lo ordinario se combinan. Sus fotografías de Oslo dibujan una ciudad alejada de la frialdad tradicional,  ubicando a sus habitantes en situaciones casi mágicas.  

PÁGINA WEB

INSTAGRAM 

Nydia Lilian: fotografía y ciencia ficción

El blanco y negro como una realidad alternativa. No sólo es como Nydia Lilian concibe a las posibilidades de la escala de grises, sino lo que nos ofrece en cada una de sus fotografías.

Ella conjunta las dos expresiones artísticas con las que se ha identificado y familiarizado desde pequeña: el diseño y la fotografía. Su mirada se caracteriza por una pureza y una sensibilidad ante la naturaleza y sus detalles; sus manos por una inquietud que le permite moldear esos paisajes en lugares distinguidos por una gran carga dramática. Explota el paisaje para crear emociones, aquellas que las simples postales no logran despertar, mostrando en cada imagen partes de un mundo distópico, e incluso apocalíptico.

Sus fotografías dialogan con las mejores obras de ciencia ficción que el cine nos ha heredado.  Un ejemplo es su serie After-Life 2015, en la que presenta a la tierra en un momento de reinicio geológico, posterior a la etapa presente: el antropoceno. A partir de fotografías de paisajes de Islandia, posteriormente intervenidas, Nydia nos presenta un territorio emancipado del signo de lo humano.

Es justamente este trabajo el que Nydia considera uno de sus mayores retos. “La serie After-Life 2015 la estuve editando y seleccionando por casi 2 años.  Fue un poco difícil elegir entre tantas fotografías que me gustaban. Regularmente estoy haciendo experimentos abstractos visuales en mi estudio y a veces simplemente lo veo como meramente estético, pero otra veces conectan con algo más profundo”, comparte la fotógrafa de Monterrey en entrevista con Zoom F7.

Te puede interesar: Una mirada a las cinefotógrafas mexicanas 

Sus fotógrafos favoritos son sin duda también sus influencias. Los personajes en la fotografía de Hiroshi Sugimoto,  japonés radicado en Nueva York, podrían ser los habitantes de los escenarios de que Nydia ha creado. Seres con una particularidad enigmática en paisajes abrumadores de otro tiempo, pasado o futuro.

Entre sus figuras predilectas también se encuentra Manray, Flor Garduño y Graciela Iturbide. Actualmente los trabajos de Reuben Wu, Cody Cobb y Øystein Sture Aspelund entran en sus favoritos. Ella ve a la fotografía como medio de escape de la vida cotidiana, haciendo que el espectador se adentre en paisajes futuristas; universos envolventes e intangibles a la vez.

“Al final es jugar con la luz y la forma.

Actualmente no me limito a usar solamente fotografía como medio creativo y estoy explorando con pintura. También intervengo fotografías impresas, o a veces todo junto”

Nydia, quien radica en Monterrey, también habla de sus inquietudes respecto a la fotografía mexicana, entre las que destaca la importancia del acceso a las tendencias visuales o conceptuales, a la vez que existe una falta de visión en la difusión de la fotografía:

“He notado que actualmente hay muchos eventos o proyectos dedicados a la fotografía en México, creo hay mucho talento en todos los medios visuales, pero veo que se realizan en espacios cerrados.

El mayor reto es salirnos de las redes sociales, de los museos y galerías, y llevarlo a espacios públicos. Crear eventos o instalaciones con una producción ambiciosa de primer nivel, donde todos lo puedan apreciar”

Para conocer más del trabajo de Nydia síguela en su Instagram.

 

Leticia Arredondo

Cofundadora y editora de ZOOM F7. Escribo sobre cine y fotografía.