Eugenio Polgovsky: el poeta de la realidad

Por: Karla León (@klls_luu)

La memoria colectiva y una fuerte inclinación por las problemáticas sociales marcaron el estilo poético del cineasta Eugenio Polgovsky, uno de los mejores documentalistas mexicanos de la última década, y cuya narrativa contrapone el acontecer de un México estigmatizado por la corrupción, la desigualdad y la injusticia. 

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Un cuarto oscuro y un armario vieron nacer la carrera autodidacta de Polgovsky, quien se inició en la fotografía al capturar situaciones cotidianas de personajes marginales, mismas que dieron vida a diversas exposiciones que incluían las impresiones de sus viajes por México y Nueva York y, por lo cual, a los 17 años recibió el Premio Mundial de Fotografía ACCU/UNESCO. 

Apegado al cine documental, Eugenio catapultó sus inicios con Trópico de Cáncer (2004), que retrata la constante lucha por sobrevivir de los habitantes del desierto de San Luis Potosí, lo que le valió múltiples galardones, así como su exhibición en el Festival de Cine de Sundance, Festival Internacional de Cine de Morelia, el Festival Cinéma du Réel, el Festival Internacional de Cine de Cannes, el Festival Internacional de Cine de Rotterdam, además del MUAC de Nueva York.

Una crítica social

El estilo cinematográfico de Polgovsky no pasa desapercibido; narrativas conmovedoras y una personalidad con alto grado de sensibilidad resaltan un nuevo lenguaje del cine documental contemporáneo, mismo que, bajo la lupa, ha generado argumentos polarizados que van desde la falta de ética, hasta una reflexión sobre el acontecer de las minorías en México. 

Formado en el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), el cineasta fundó la productora Tecolote Films en 2017 y, con el apoyo del Fondo Hubert Bals, produjo, dirigió, fotografió y editó Los Herederos (2008), largometraje que muestra la infancia mexicana en tres regiones rurales y que se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Venecia. 

Los herederos

Eugenio consolidó una aproximación vivencial a través de las situaciones de vida de sus personajes, lo que resulta un símbolo poético de la realidad y acerca al espectador a experiencias ligadas a la memoria y a los sentidos. La lógica de su narrativa es casi antinatural, al punto de lograr una cronología que, si bien no es metódica, acumula una progresión que se traduce en impulsos de tiempo que se acompañan de un lenguaje cinematográfico maravilloso y una calidad sonora que se aleja del simple sonido directo.

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La mirada hacia la resurrección 

A lo largo de su trayectoria, Polgovsky ganó cuatro premios Ariel y recibió el Premio Nacional de la Juventud de México, galardón que, por primera vez en la historia, fue otorgado a un joven cineasta, así mismo, formó parte del jurado oficial en diversos festivales; entre los que destacan, el FIC Morelia, Ficunam y GIFF. 

De manera independiente, Eugenio logró producir y dirigir Mitote (2012), su tercer largometraje documental que tuvo como escenario el Zócalo de la Ciudad de México, y que fue presentado en el Festival de Cine de Roma, además de salas de cine independiente. Ese mismo año, a petición de Greenpeace, comenzó a rodar Un salto de vida (más tarde Resurrección), que retrata la situación del Río Santiago en Jalisco, una región sumida en la corrupción y en una catástrofe ambiental.

Resurrección (2016), película ganadora del Premio Ambulante en la 14° edición del Festival Internacional de Cine de Morelia, culminó la corta, pero excelsa carrera de Eugenio, cuyo legado ha trascendido en el mundo, por medio de un mensaje humanista y bajo una mirada auténtica que alcanzó más de 30 premios nacionales e internacionales. Este mes, a tan solo un par de años de su partida, homenajeamos al poeta, indiscutiblemente, de la realidad.

Ari Aster: sus cortometrajes previos a Hereditary y Midsommar

Por: Brenda Hernández (@lalelilolupita)

El director estadounidense regresa este verano con Midsommar, su segundo largometraje. En él deja de lado las tinieblas para explorar el horror desde una perspectiva diferente. Si bien Ari Aster saltó a la fama con Hereditary (2018), su ópera prima, previamente destaca una serie de cortometrajes en los que explora los temores más profundos del ser humano y el fracaso de las relaciones personales, propio de la sociedad posmoderna.

Familias fragmentadas, transtornos mentales, miedo y falsa normalidad, son algunos de los temas recurrentes del autor. A continuación te comparto los seis títulos:

The Strange Thing About the Johnsons (2011)

En este primer ejercicio, Aster sumerge al espectador en una situación desconcertante: presenta a una familia en la que el hijo adolescente fantasea sexualmente con su padre. Desde el primer momento la relación entre ambos es perturbadora, y con el tiempo se transforma en una dinámica de abuso y control. El padre, entre la espada y la pared, no encuentra otra salida más que confesar a su esposa la culpa que siente.

En casi 30 minutos se retrata un estilo de familia al que el director vuelve constantemente; un hogar que a simple vista parece común, pero al interior esconde secretos oscuros que determinan sus acciones y no los dejan escapar. Quizá una reflexión acerca de las víctimas y perpetradores de abusos sexuales en una sociedad que observa y calla en aras de no quebrar la supuesta normalidad.

Beau (2011)

A punto de emprender un viaje, el protagonista es despojado de la llaves de su apartamento y equipaje. El temor de que alguien entre a su hogar mientras él no está, lo lleva a adquirir conductas paranoicas que poco a poco escalan en un actitud casi esquizofrénica.

Una vez más, el vínculo madre e hijo es desconcertante y explica la actitud de los personajes desde un punto de vista psicoanalítico. La hostilidad del mundo exterior y la angustia de no poder acudir a nadie construyen un relato que salta de la comedia al suspenso.

Munchausen (2013)

El Síndrome de Münchhausen por poder (MSBP por sus siglas en inglés), es un trastorno en el que una persona (generalmente la madre) causa enfermedades a otra sin que exista algún beneficio personal o un factor externo que lo justifique, y es con este nombre que se titula el tercer corto del cineasta.

A través de una técnica superior a la utilizada en sus trabajos anteriores , explora el vínculo madre e hijo en una aparentemente típica familia de los suburbios…hasta que el joven está a punto de marcharse a la universidad. Los delirios de la madre por el temor de perder el control de la vida de su hijo, y la posibilidad de que se separe de ella, la orillan a lastimarlo y sanarlo múltiples veces. Un ciclo de sufrimiento y recompensas perversas que paradójicamente escapa de sus manos. Una reflexión sobre la delgada linea entre el amor y el egoísmo que prescinde de diálogos y demuestra que las acciones son más profundas que cualquier cosa que puedan decir.

Basically (2014)

Muestra la vida de una joven actriz de Los Angeles, quien en un paseo por su mansión, expresa la visión que tiene del mundo y cuenta anécdotas de su vida desde la frivolidad y la falsa empatía que dice tener hacia los menos privilegiados.

El monólogo revela sus creencias espirituales, preocupaciones, dudas y miedos. Con planos estáticos y composiciones perfectas, pinta el crudo retrato de una mujer rodeada de hombres y lujos, pero profundamente vacía. La estética de la casa y los recorridos por la misma son similares a los que más tarde veremos en los trabajos del director, mezclados con momentos de comedia ácida.

The Turtle’s Head (2014)

Bing Shooster, un detective pervertido cuyo principal interés es el sexo y la pornografía, se enfrenta a su más profundo temor cuando al iniciar una investigación para una hermosa clienta, ocurre una tragedia en su vida: su pene comienza a encogerse. La desesperación por detener la disminución lo lleva a obsesionarse con su miembro y a tomar medidas extremas, sin que ninguna tenga éxito.

Esta vez Ari Aster aborda el temor partir de un híbrido entre novela policiaca y comedia, que va del deseo banal a una condena carnal.

C`est la Vie (2016)

Un cortometraje abrumador, en el que a diferencia de Munchausen, el principal recurso es un monólogo que minuto a minuto se torna más intenso, en el que el protagonista relata los momentos desgarradores que marcaron su vida, mientras hace una feroz crítica a la sociedad.

Fuego, asesinatos, desequilibro emocional y familias desintegradas conforman una narración profunda e inquietante a la que el espectador no puede ser indiferente, pues apela a su propio estilo de vida. Temas que el autor retoma, desde una perspectiva distinta en Hereditary. Con una puesta en cámara sencilla y planos abiertos, Ari Aster entrega un manifiesto contra la cultura del consumo, en la que el horror proviene de la vida cotidiana en un sistema fallido.

Al revisar su filmografía es inevitable notar los temas a los que siempre vuelve, además de la sutileza con la que entrelaza sus historias. Es notable evolución de su estilo que pule película tras película y que dan como resultado una fresca visión del suspenso y horror.

¿Estudiar cine en línea?

El resurgimiento del cine independiente no sólo se debe a las nuevas formas de hacer, sino de aprender cine. Asimismo, las escuelas de cine alrededor del mundo se han visto en la necesidad de incorporar nuevas tecnologías para complementar sus planes de estudio.  Ante este escenario es necesario preguntarnos ¿cuáles son los alcances y límites del aprendizaje a distancia?

En el siguiente video abordamos el tema y platicamos con Brenda Medina, Directora de la plataforma Escribe Cine A.C, dedicada a fomentar el desarrollo y profesionalización de cineastas independientes, así como la producción y difusión de sus obras.

El oficio del director de cine

¿Qué hace al director? ¿De dónde provienen esas figuras que coordinan al equipo técnico para contar una historia? Haciendo un recuento histórico, desde Griffith y Abel Gance hasta el surgimiento del cine digital, en el siguiente video se abordan los principales aspectos que definen la dirección cinematográfica. 

De esta forma llegamos a directores como Ousmane Sembene, Peter Greenaway, Alfred Hitchcock y muchos más. 

La generación que está cambiando al cine mexicano

Por: Omar Sánchez  (@SanchezGarcia_O)

El 2017 se convirtió en uno de los años más importantes en la carrera del cineasta tapatío Guillermo del Toro. Desde el estreno de su nueva película La forma del agua en el Festival Internacional de Cine de Venecia, el director mexicano no ha dejado de recibir elogios y reconocimientos por su trabajo; el más reciente el Oscar a Mejor película. En el mismo caso encontramos a Iñarritu y Cuarón y así, “Los tres amigos”  han protagonizado el origen mexicano en el panorama internacional del cine en los últimos años.

¿La forma del agua es lo mejor de Guillermo Del Toro?

Pero el cine mexicano guarda a muchos más “amigos” y “amigas”, que si bien no tienen el mismo seguimiento mediático y tampoco se igualan en producción, trayectoria o taquilla, sí se trata de cineastas que han sido reconocidos en prestigiosos festivales alrededor del mundo y de quienes es importante seguir su trabajo, ya que se trata de cine 100% mexicano.

El ejemplo más reciente es Alfonso Ruizpalacios, quien en el Festival Internacional de cine de Berlín ganó el Oso de Plata a Mejor guion por Museo (2018), que además está protagonizada por Gael García. Esta narra el robo que se presentó en el Museo Nacional de Antropología en la navidad de 1985. Ruizpalacios regresó a Berlín, donde también llevó a su ópera prima Güeros (2014), una road movie urbana filmada en blanco y negro, en la que se tomó la libertad de romper la pantalla con un claquetazo que fue dejado en el corte final.

Ahora vamos al Festival de Cine de Sundance 2018, donde dos proyectos mexicanos fueron premiados. Se trata de Tiempo compartido (2018) la segunda película de Sebastián Hofmann que se llevó el premio por Mejor guion, escrito por Julio Chavezmontes y por el propio director. En esta ocasión el cineasta de 38 años presenta la historia de dos familias que por error se encuentran compartiendo una habitación en un centro vacacional. Protagonizada por Luis Gerardo Méndez, Tiempo compartido parece consolidar el despegue de la carrera que Hofmann inició con Halley, en 2013.

El otro premio fue para Nigth of fire (2018) de Tatiana Huezo, cuya cinta Tempestad fue la elegida meses atrás para representar a México tanto en los premios Oscar como en los Goya, situación nada común para un documental. Con una formación como fotógrafa, que se plasma en sus filmes, Tatiana ha tomado el rumbo del documental y tras su largometraje debut El lugar más pequeño (2011), la directora regresó el año anterior con Tempestad, que con gran rigor periodístico y con una belleza narrativa y cinematográfica retrata la violencia y la desaparición forzada en nuestro país. Un trabajo trascendental que seguramente se convertirá en referencia del quehacer documental en México.

No podemos olvidar a Michel Franco, quien en 2017 regresó al festival más importante de cine del mundo: Cannes, que parece sentarle muy bien. La película Las hijas de abril  (2017) compitió en la sección Una Cierta Mirada, en la que ganó en 2012 por Después de Lucía. Definitivamente se trata del director cuyas películas han sido las más vistas de esta lista, pues ha contado con una distribución bastante importante. Un director que siempre ha expresado que el cine se puede hacer pensando en el público, sin que esto signifique que el autor pierda poder o credibilidad en su obra. Tras cinco largometrajes en los que ha puesto a sus personajes en situaciones extremas que buscan cuestionar la moral, Michel Franco, se ha convertido en el mexicano más galardonado en Cannes.

Amat Escalante es otro de los directores mexicanos que han tenido mayor reconocimiento internacional. Con su más reciente películaLa región salvaje (2016), que logró su estreno en pantallas mexicanas hasta inicios de este año, obtuvo el premio a Mejor director en el Festival de Venecia. Desde sus dos primeras cintas, Sangre y Los bastardos, Escalante dejó claro ser un director al que había que seguirle el camino. Pero fue con Heli (2013) cuando entendimos que se trataba de un cineasta cuyas películas cuentan con una valiosa personalidad. Con su más reciente producción, lo reafirmó; sin dejar de lado su estilo hiperrealista hizo una película de género fantástico que retrata como ninguna otra la violencia en nuestro país.

Finalmente está David Pablos, quien presentó su segunda película, Las elegidas (2015)en la edición 2015 de Cannes. Un filme que plasma de manera íntima, dolorosa y veraz la trata de personas en México. Las elegidas también fue la ganadora del Ariel en 2016.

Natalia Beristáin, Carlos Carrera, Ernesto Contreras y Everardo González son solo algunos nombres de cineastas que igualmente han sido reconocidos internacionalmente durante su carrera y que estrenarán película durante el 2018.

Sin bien los “Tres amigos” viven momentos cumbre en sus carreras, no podemos olvidar ni a los grandes que les abrieron un espacio y que han continuado haciendo cine, como Arturo Ripstein, Felipe Cazals o Jorge Fons; pero tampoco a los nuevos cineastas, quienes están demostrando que cuando se hace bien, el cine de este país está a la altura del mejor del mundo. Conocer, reconocer y valorar el cine hecho en nuestro país es crucial para nuestra industria y cultura.

Omar Sánchez estudió Comunicación y Medios Digitales en el ITESM CEM. Es articulista en ZoomF7 y tiene un videoblog sobre cine mexicano en Sector Cine.

Nicolas Winding Refn: Las claves para entender su estilo

Nicolas Winding Refn, director de Drive y El demonio neón, es uno de los directores contemporáneos más aclamados por las nuevas generaciones. Su gusto por la puesta en cámara de Lars Von Trier y el misticismo detrás de la obra de Alejandro Jodorowsky impregnan su trabajo. A continuación te compartimos las claves para entender su estilo. 

Pedro Almodóvar: Las claves para entender su estilo

Múltiples son los factores que contribuyeron a consolidar el sello de Pedro Almodóvar. Para comprenderlo, es necesario hacer un viaje a su infancia, en la cual demostró un marcado interés por el cine, que veía poco debido a la situación nacional y en particular a la de su provincia.

Aquella experiencia de ir al cine quedaría retratada en una escena de La mala educación que también refiere a la educación eclesiástica que recibió el autor en sus primeros años.

Oso Polar: La primera película mexicana filmada con iPhone

Marcelo Tobar director de Oso Polar (2017) y anteriormente de Asteroide (2014) y Dos mil metros sobre el nivel del mar (2008), emprendió un nuevo proyecto que decidió grabar con un iPhone, ¿cuáles fueron las razones? A continuación el también ganador del Premio del Ojo en Festival Internacional de Cine de Morelia nos lo cuenta.

 

El estilo de Sam Raimi

Sam Raimi accedió a una cámara súper 8 mm con la que dirigió varios cortometrajes en compañía de sus amigos de la preparatoria. Quizá no imaginaría que en algunos años iba a ir de producciones de bajo presupuesto a grandes blockbusters. Su filmografía es única debido a su notable manejo del género fársico, que utiliza para desarrollar un terror con tinte cómico. 

Melville, el maestro del thriller negro

Con información de la Cineteca Nacional 

Su carrera dio inicio después de haber participado en la Operación Dragoon como parte de la Resistencia Francesa en contra de los nazis. Imposibilitado por las restricciones de la industria cinematográfica de su país, Jean-Pierre Melville (1917-1973) comenzó, por su cuenta y utilizando sus propios medios económicos, una producción legendaria que duraría un poco más de 25 años.

Para conmemorar los 100 años del nacimiento de uno de los directores más influyentes del cine francés, la Cineteca Nacional presenta Todo Melville, una retrospectiva que abarca desde la franqueza de su primer corto hasta la culminación estilística de Un policía (Un flic, 1972) que, gracias al apoyo del Instituto Francés y la Fundación Jean-Pierre Melville, estará presente hasta el 5 de noviembre.

Melville es usualmente asociado con el thriller, el cine negro y su adaptación de las convenciones estadounidenses alrededor de historias de criminales y antihéroes. Sus películas más célebres resaltan las personalidades trágicas de gángsters decadentes como Bob el jugador (Bob le flambeur, 1956); delincuentes necios, como en El círculo rojo (Le cercle rouge, 1970); expresidiarios traicionados, como en Morir matando (Le doulos, 1963), y de un meticuloso mercenario en su magnum opus, El samurái (Le samouraï, 1967).

Todo Melville

*Programación sujeta a cambios de última hora

Morir matando

Domingo 29 de octubre, 18:15 horas

Sábado 4 de noviembre, 21:00 horas

El círculo rojo

Viernes 27 de octubre, 18:00 horas

Martes 31 de octubre, 20:00 horas

Un policía

Miércoles 1 de noviembre, 20:00 horas

Bob el jugador

Jueves 2 de noviembre, 20:00 horas

Hasta el último aliento 

Viernes 27 de octubre, 21:00 horas

Domingo 5 de noviembre, 17:00 horas

El samurái

Sábado 28 de octubre, 21:00 horas

Domingo 5 de noviembre, 20:00 horas

Dos hombres en Manhattan

Sábado 4 de noviembre, 19:00 horas

Léon Morin, sacerdote 

Martes 31 de octubre, 17:30 horas

Viernes 3 de noviembre, 18:30 horas

Un joven honorable

Miércoles 1 de noviembre, 17:45 horas