Ve todos los videos musicales que ha dirigido Spike Lee

Por: Rubí Sánchez (@rubynyu)

Spike Lee es uno de los directores norteamericanos que siempre ha tenido presente la importancia de su papel como creador y su interés en las luchas sociales; desde sus inicios como estudiante de cine se acercó a bandas de hip hop, las cuales combinaban lo festivo del baile con las situaciones que como afroamericanos los aquejaban.

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Al trabajar con diferentes géneros como el hip hop, el rock alternativo y el pop, ha logrado llevar su cine a los videos musicales que ha dirigido. Un ejemplo es la idea de la decadencia en la sociedad estadounidense que ha presentado en videos de corte pop como en sus grabaciones con Prince o Michael Jackson. También está el caso de su más reciente colaboración de la mano de The Killers, una entrega casi documental de la situación de los migrantes latinoamericanos y su llegada a Estados Unidos.

Su estilo en los videos musicales es muy variante, puede narrar una historia, combinar técnicas de montaje o simplemente poner a bailar la gente. A continuación de te dejamos cada una de las piezas que ha dirigido. 

White Lines (Don’t Don’t Do It  de Grandmaster Flash and Melle Mel, 1983)

Da Butt para el soundtrack de School Daze (1988)

Fight the Power de Public Enemy (1989)

Sunless Saturday de Fishbone (1991)

Understanding de State of Art (1991)

Laughing at the Years de State of Art (1992)

Money Don’t Matter 2 Night de Prince and the New Power Generation (1992)

Hip Hop Hooray de Naughty by Nature (1993 )

Cose della vita de Eros Ramazzotti (1993)

Breakfast at Denny’s de Buckshot LeFonque (1994)

They Don’t Care About Us de Michael Jackson (1996)

Blak Iz Blak de Mau Maus (2000)

This Is It de Michael Jackson (2009)

Headlights de Eminem (2014)

Land of the Free de The Killers (2019)

El Joker y el Carnaval de Referencias 

Quiero ser claro. No me mal interpreten, no comenzaré con la vieja confiable de los fans del DCU: hay que ser comiquero para entender y disfrutar estas películas. A lo que me refiero es: siendo un personaje tan conocido, querido y profundamente ligado a la cultura popular, todos tenemos, en buena medida, gran conocimiento y aprecio por el Joker. Retrata perfectamente el opuesto a Batman y como polares, se tocan en muchos lugares de su construcción. Por eso es que la adrenalina recorre tu cuerpo a lo largo de toda la película de Todd Phillips. Sabes qué viene, entiendes que lo que se plasmó en la pantalla tiene una larga, muy larga construcción en diversos formatos, sabes a dónde vamos todos en la sala y ya quieres llegar para celebrarlo en el Carnaval de referencias. 

Si bien nos han dado pistas del origen de este personaje, una tras otra lo hacen más inverosímil y eso genera un gran interés en él. Ahora, en los cómics nos hablan de una triada de bromistas que han despistado al mejor detective de la historia. El Joker ha evolucionado con los problemas que son cada día más evidentes en nuestra sociedad, desde el caricaturesco inicio del mismo, hasta sus versiones más brutales y retorcidas. Estamos frente al Señor Villano, el representante del mal en la tierra, el mismo que en este juego de paradojas simbólicas ha puesto una sonrisa en nuestros rostros. 

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No es de extrañarse que se tengan esas reacciones frente al filme, el personaje siempre da para reflejar todo lo que está mal en nuestra cultura, en nuestra idiosincracia, sociedad, relaciones personales, imaginación, en todos lados. ¿Ya olvidamos Killing Joke (Moore, Bolland y Higgins, 1988)? ¿Las bien logradas interpretaciones de Ledger y Nicholson? ¿Los aportes de la serie animada (1992)? Ha caminado con nosotros para demostrar nuestra enfermedad. Por eso tanta controversia hoy, en el tiempo de la corrección política y la tolerancia aplastante de la individualidad, el humor ácido y la ofensa rebuscada. 

Y en principio, ese es un error en la narrativa, pero un gran acierto en el cómo se presentan las cosas y sobre todo en la actuación. Hay una necesidad implacable de racionalizar al Joker. De demostrar lo patético y enfermizo que tiene que ser alguien así de desquiciado, porque no hay otra razón para que algo así exista. Se nos olvida el material de origen, las viñetas de un cómic. Uno de los mayores esfuerzos propagandísticos para sacar de la gran depresión a la sociedad, si no se exagera, no se entiende, ni atiende el problema. 

De esto sufre la película casi en todo su metraje. Quiere explicar todo, justificar y convertir en verosímil, algo que de entrada, sabemos no es así. El pretexto para contar la historia es nuestro querido Guasón, el tema: el problema evidente de violencia y el fácil acceso a las armas en un estado de moral distraída con muchos golpes de pecho, de abandono a las personas que necesitan ayuda, el manejo de la información por los medios y la caricatura que hacemos de todo lo que nos rodea, políticos mesiánicos y con buen ojo para la coyuntura, en fin. Un retrato. 

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Desde este retrato vemos un Gotham desde el piso, en las calles, en las peores circunstancias, algo como lo que quiso hacer la serie live action (Heller, 2014) y no pudo lograr. Puede ser cualquier megalópolis del planeta. Pero el grado de locura es característico de las historias de Detective Comics. La ciudad se vuelve un personaje más, un testigo de las atrocidades por las que todos pasan día a día, un experimento sádico de convivencia y desamparo.

Que no se nos olvide, la película tiene objetivos bien marcados. 1. Gustar al gran público y 2. gustarle a la crítica. Por eso no escatima en referencias. Que necesitamos regresar al cine de autor de los setenta, ¡venga! La puesta en cámara es un manantial de referencias, el ritmo, la foto, la iluminación y los encuadres perfectamente cuidados para lograrlo. Que necesitamos una fuente de inspiración, ¡toma una re escritura de Taxi Driver (Scorsese, 1976), bueno no tanto, pero entienden la idea. ¿Que vamos a contar la historia de un personaje roto? ¿Les gustó El Maquinista (Anderson, 2005)? ¡Ahí lo tienen! ¿Qué tal un poquito de Buffalo Bill como en The Silence of the Lambs (Demme, 1991)? Por eso don Robert queda perfecto, nada mejor que una figura de época para satisfacer. Funciona. 

Por eso no le importa centrarse en la gran actuación de Phoenix. Él levanta la película en todo momento, ¿cómo? Con su gran talento y cierto nivel de autoreferencia. El patricidio de Gladiador (Scott, 1999), el devenir, dudar, caer, sufrir y ascenso (o descenso) en The Master (Thomas Anderson, 2013), You Were Never Really Here (Ramsay, 2017), Her (Jonze, 2014) y Señales (Shyamalan, 2002). Sabemos que además tuvo mucho que ver en la toma de decisiones de este filme, sabía lo que quería y lo consiguió.

Hace uso de elementos catárticos conscientes como el baile e inconscientes, la risa. Sabemos que no procesa bien lo que está sucediendo, nos lo dice hasta el cansancio, pero siempre encuentra un punto para ser libre y sobre salir, por eso su coronación en medio del caos funciona tan bien. Y hablando de eso, nada puede salir mal con White Room de fondo, mientras montas un par de tributos y planteas el nuevo estado del orden.

La ambientación sonora está perfectamente diseñada. La música nos pone en un contexto temporal, de actitud y desenfreno. Mientras tanto, el Score nos eleva al grado de locura en que va el personaje. La intención perfectamente marcada en las notas nos lleva a sus pasos de baile y por supuesto a lugares conocidos en las aventuras del murciélago. Sabes que estás en Gótica.

Por otro lado, he visto en tantos formatos y tantas veces la muerte de los Wayne que ya habían perdido el sentido, hasta que las vi en este contexto, el caos, el nacimiento al unísono de las contrapartes, de las concepciones del bien y el mal, de los caballeros de la noche. Además, cerrando con un chiste a lo Killing Joke, hasta el Cap entendió esa referencia. 

Evidentemente, la película cojea por pretender y lograr complacer a todos sus públicos, pero se levanta cada que propone, que intenta y se sale un poco de su lógica para recordarnos que estamos frente al señorón de la villanía. No es perfecta pero es un gran experimento. Esto podría iniciar una reformulación de lo que quieren lograr en Warner. Puede abrir camino a una nueva era en el cine de los encapuchados o ser un punto y aparte siempre.

Guionistas mexicanas que debes conocer

Por: Angélica Mejía (@lilithchance)

Cuando se habla de la realización de una película se suele revisar la dirección, la actuación y hasta la producción ejecutiva, sin embargo, se acostumbra dejar un eslabón: el guion. Es sabido que una cinta podrá tener brillantes escenografías, excelentes actuaciones y un presupuesto monumental, pero si el guion no alcanza esos estándares, probablemente la producción será un fracaso.

A continuación te presentamos a tres guionistas mexicanas, quienes ponen en alto el talento de quienes están detrás de grandes historias del cine mexicano contemporáneo. 

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Itzel Lara 

Alumna de la guionista argentina-mexicana Paula Markovitch (Elisa antes del fin del mundo), Itzel Lara, quien además de ser Licenciada en Comunicación por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), es dramaturga y guionista, obtuvo el apoyo del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) para la realización de su guion Distancias cortas, por el cual recibió una nominación al Premio Ariel a Mejor guion original en 2017. 

En Distancias Cortas, película dirigida por Alejandro Guzmán, conocemos a Fede, un hombre que pesa 200 kilogramos y tiene dificultades para desplazarse dentro de su propia casa. Cuando encuentra un viejo rollo fotográfico, el protagonista decide salir de su encierro para revelarlo. Así es como Fede encuentra en la fotografía algo más que un hobbie.

Itzel Lara hace un homenaje a su madre y hermano mayor que fallecieron a causa de una enfermedad que les dificultaba desplazarse por su casa. Distancias cortas fue una de las mejores entregas del cine nacional del 2018, uno de los retratos más conmovedores. 

Escribo teatro con el alma y escribo cine con el corazón, cuando alguno de los dos se quede vacío, entonces guardaré silencio.

Itzel Lara (Escribe Cine)

Estanislao, su segundo guion de largometraje, también será dirigido por Alejandro Guzmán. La película, presentada en el pasado Festival de Cannes como parte del proyecto Los Cabos goes to Cannes, cuenta la historia de un joven que regresa a casa con motivo del funeral de su madre.

Itzel Lara también cuenta con experiencia en guiones para televisión; recientemente participó en el guion de las series Historia de un crimen: Colosio y Sin miedo a la verdad. 

Claudia Sainte-Luce

Una guionista de trayectoria breve, quien pone todo su corazón en las historias que cuenta; nos regala una parte de su vida personal pero deja que el espectador conecte de acuerdo con su interpretación y experiencia. 

Su ópera prima, tanto como guionista y como directora, Los insólitos peces gato (2013) cuenta la historia de Claudia y Martha, quienes muy a su manera, tienen vidas solitarias, así, cada una con su soledad se hacen compañía. La película fue reconocida con diversos premios en festivales internacionales como el de Toronto, Mar de Plata, San Francisco, Locarno, entre otros. 

La historia surge a partir de la admiración de Claudia por una mujer que aunque llevaba ocho años con VIH , vivía con un gran entusiasmo y una alegría que contagió a la autora, quien encontró en la familia de Martha el lugar de pertenencia que necesitaba.

“La escritura fue difícil, fue triste; el rodaje fue más racional, más práctico”

Claudia Sainte-Luce (Efekto TV)

En 2016 realizó La Caja Vacía, película que escribió, dirigió y actuó. En ella interpreta a Jazmín, la hija de un inmigrante haitiano llamado Toussaint; después de distanciarse, deben permanecer unidos por la demencia vascular que a él le es diagnosticada, misma enfermedad que tiene el padre de Claudia Sainte-Luce. 

Issa López

Una cineasta que funge como guionista en todas su películas desde 2006. Ganó reconocimiento mundial por Vuelven (2017), con la que se convirtió en la primera mujer en ganar el premio de Mejor dirección en la categoría de Horror Feature del Fantastic Fest.

Vuelven es un cuento de hadas oscuro que cuenta la historia de Estrella, una niña huérfana a causa del narcotráfico. Este guion aborda un dramático problema social: los niños huérfanos como consecuencia de la guerra entre los carteles de la droga, pero con elementos de los géneros de horror y fantasía.

La película fue estrenada mundialmente en agosto; ha recibido críticas positivas por parte de maestros del terror como Stephen King o Guillermo del Toro, este último producirá la próxima película de Issa López en la que, después de haber estrenado la comedia Todo Mal, retomará el terror. 

Cinco grandes películas de Agnès Varda

Por: Brenda Hernández (@lalelilolupita)

Su visión progresista y curiosidad inagotable le permitieron indagar en la vida de personas comunes, así como desarrollar un especial interés en contar historias de trabajadores y mujeres. Es el cine de Agnès Varda, un cine feminista que se valió de las mujeres y sus luchas como detonantes de las tramas. 

“Sugerí a las mujeres que estudiasen cine. Les dije: Salid de las cocinas, de vuestras casas, haceos con las herramientas para hacer películas.”

Agnès Varda

Además de ser un referente del cine hecho por mujeres, su obra se destaca por el carácter social y realista, que la llevó a experimentar por diversos géneros en los que difuminó la distancia entre ficción y documental. No sólo es una de las cineastas más sobresalientes de la historia por ser la única mujer dentro de la Nueva Ola Francesa, si no por ser precursora de ésta.

Semanas antes de su fallecimiento, en marzo pasado a los 90 años de edad, recibió el Premio Honorífico del Festival de Berlín 2019, en reconocimiento a su trayectoria que abarcó seis décadas. También se estrenó Varda by Agnes, un recuento de sus trabajos a partir de una recopilación de charlas que ofreció durante sus últimos años.

A continuación te presentamos algunas de sus películas imperdibles.

La Pointe-Courte (1954)

Un título obligado no sólo en la filmografía de Varda, sino como antecedente de la Nueva Ola, con el que la entonces joven de 26 años de edad hace su debut como directora. Narra la historia de un matrimonio que decide si continuar juntos o no a partir de una introspección en su relación, a la par que desarrolla el retrato realista de un pequeño pueblo de pescadores al sur de Francia. Para ello utiliza la locación real e incorpora actores no profesionales, habitantes de la pequeña villa La Pointe-Courte. 

El autofinanciamiento de este primer proyecto le permitió la libertad de trabajar al margen de la industria y encontrar una propuesta estética y narrativa única, que sirvió de gran influencia para los jóvenes críticos de Cahiers du cinéma, quienes en los años siguientes cambiarían la historia del cine.

Cleo de 5 a 8 (1962)

Sin lugar a dudas se trata de su obra más relevante, un filme icónico del cine francés que presenta la historia de Cleo (Corinne Marchand), una hermosa cantante impaciente por conocer los resultados de sus exámenes médicos para descubrir si tiene cáncer o no.

Durante su espera visita a una adivina para que le lea las cartas, quien le revela una serie de predicciones que se irán cumpliendo a lo largo de la cinta. La angustia la hace recorrer sin aparente rumbo la ciudad de París, mientras se cuestiona constantemente sobre la salud, el amor en pareja y hace hincapié en su propia belleza. En este recorrido conoce a un joven soldado, a punto de partir para hacer el servicio militar en Argelia. 

Su llamada “obra maestra” le valió para competir por la Palma de Oro en el Festival de Cannes. En ella, Varda hace una reflexión acerca de el cuerpo femenino y las exigencias de la modernidad a las mujeres en un mundo dominado por la mirada masculina, además, muestra la transformación de Cleo, quien en un par de horas pasa de ser el objeto observado por todos, a un sujeto que decide que mirar.

 Las playas de Agnès (2008)

Varda protagoniza un documental en el que interpreta “el papel de una ancianita gordita y habladora que cuanta su propia vida”. Así, visita las playas que la marcaron y recrea algunos momentos sobresalientes de su infancia por medio de instalaciones que incluyen elementos como espejos, los cuales le permiten ilustrar sus propios recuerdos.

Esta autobiografía sumerge al espectador en los episodios trascendentales de su vida; desde su infancia en el mar de Bélgica y la casa donde nació, su etapa escolar, la guerra, su adolescencia en París, hasta su matrimonio con Jacques Demy, el nacimiento de sus hijos, y por supuesto, la creación de sus cintas.

Con el apoyo de material de archivo y fragmentos de sus filmes, es posible profundizar en las inquietudes y búsquedas de esta artista, así como conocer mejor sus procesos creativos y su visión acerca de el cine, el cual describe como su hogar. 

Sin techo ni ley (1985) 

La desgarradora historia de una mujer que pone su autonomía por encima de cualquier otro cosa. Al estilo de falso documental, se recrean los últimos momentos antes de que Mona Bergeron (Sandrine Bonnaire), una joven vagabunda, sea encontrada muerta. Se muestra su vida partir de flashbacks y entrevistas a las personas que la conocieron durante sus últimos meses.

La protagonista hace un recorrido hacia la nada, en donde no hace más que sobrevivir. Con ello permite reflexionar acerca de la represión social hacia las mujeres y muestra la insatisfacción generalizada de una sociedad en decadencia. Con esta cinta, Varda obtuvo el León de Oro en el Festival de Venecia y Bonnaire ganó el César a Mejor actriz.

Rostros y lugares (2017)

Un documental que retrata la inusual amistad de Varda y el co-directo J.R., un joven fotógrafo y artista urbano quien considera que la mejor galería de arte es la calle. Si bien la película no es autobiográfica, sí hace referencia a la vida de la autora, quien se encuentra en un momento de introspección y confiesa el miedo que siente por perder la vista a causa de una enfermedad que padece en los ojos.

Su mayor temor es perder la capacidad de conocer personas y observar rostros nuevos, es así que deciden hacer un viaje “antes de que sea demasiado tarde”. Con ello recorremos distintas localidades francesas a bordo de un camión que funciona como cabina fotográfica, el cual les permite imprimir a gran escala dichas imágenes. 

A través de la mirada realizan un tributo a aquellos lugares que sirvieron de inspiración para la directora. Retratan a personas invisibles, a las que Agnès siempre buscó representar en sus obras, especialmente mujeres. Ambos cuestionan la relación contemporánea de la imagen y su relación con el espacio, así como con el espectador. 

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También nos adentra en una reflexión acerca de la muerte, el tiempo y la vida misma; temas recurrentes en su obra, pero que son abordados desde el punto de vista de una mujer que descubre en el envejecimiento nuevas posibilidades creativas. 

La llamada “Abuela de la Nueva Ola” recibió en 2017 un Óscar honorífico por su importante trayectoria y la convirtió en la primera mujer en recibir tal distinción. Construyó un gran legado para la cinematografía mundial que resulta imprescindible para cualquier apasionado del séptimo arte. 

Eugenio Polgovsky: el poeta de la realidad

Por: Karla León (@klls_luu)

La memoria colectiva y una fuerte inclinación por las problemáticas sociales marcaron el estilo poético del cineasta Eugenio Polgovsky, uno de los mejores documentalistas mexicanos de la última década, y cuya narrativa contrapone el acontecer de un México estigmatizado por la corrupción, la desigualdad y la injusticia. 

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Un cuarto oscuro y un armario vieron nacer la carrera autodidacta de Polgovsky, quien se inició en la fotografía al capturar situaciones cotidianas de personajes marginales, mismas que dieron vida a diversas exposiciones que incluían las impresiones de sus viajes por México y Nueva York y, por lo cual, a los 17 años recibió el Premio Mundial de Fotografía ACCU/UNESCO. 

Apegado al cine documental, Eugenio catapultó sus inicios con Trópico de Cáncer (2004), que retrata la constante lucha por sobrevivir de los habitantes del desierto de San Luis Potosí, lo que le valió múltiples galardones, así como su exhibición en el Festival de Cine de Sundance, Festival Internacional de Cine de Morelia, el Festival Cinéma du Réel, el Festival Internacional de Cine de Cannes, el Festival Internacional de Cine de Rotterdam, además del MUAC de Nueva York.

Una crítica social

El estilo cinematográfico de Polgovsky no pasa desapercibido; narrativas conmovedoras y una personalidad con alto grado de sensibilidad resaltan un nuevo lenguaje del cine documental contemporáneo, mismo que, bajo la lupa, ha generado argumentos polarizados que van desde la falta de ética, hasta una reflexión sobre el acontecer de las minorías en México. 

Formado en el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), el cineasta fundó la productora Tecolote Films en 2017 y, con el apoyo del Fondo Hubert Bals, produjo, dirigió, fotografió y editó Los Herederos (2008), largometraje que muestra la infancia mexicana en tres regiones rurales y que se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Venecia. 

Los herederos

Eugenio consolidó una aproximación vivencial a través de las situaciones de vida de sus personajes, lo que resulta un símbolo poético de la realidad y acerca al espectador a experiencias ligadas a la memoria y a los sentidos. La lógica de su narrativa es casi antinatural, al punto de lograr una cronología que, si bien no es metódica, acumula una progresión que se traduce en impulsos de tiempo que se acompañan de un lenguaje cinematográfico maravilloso y una calidad sonora que se aleja del simple sonido directo.

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La mirada hacia la resurrección 

A lo largo de su trayectoria, Polgovsky ganó cuatro premios Ariel y recibió el Premio Nacional de la Juventud de México, galardón que, por primera vez en la historia, fue otorgado a un joven cineasta, así mismo, formó parte del jurado oficial en diversos festivales; entre los que destacan, el FIC Morelia, Ficunam y GIFF. 

De manera independiente, Eugenio logró producir y dirigir Mitote (2012), su tercer largometraje documental que tuvo como escenario el Zócalo de la Ciudad de México, y que fue presentado en el Festival de Cine de Roma, además de salas de cine independiente. Ese mismo año, a petición de Greenpeace, comenzó a rodar Un salto de vida (más tarde Resurrección), que retrata la situación del Río Santiago en Jalisco, una región sumida en la corrupción y en una catástrofe ambiental.

Resurrección (2016), película ganadora del Premio Ambulante en la 14° edición del Festival Internacional de Cine de Morelia, culminó la corta, pero excelsa carrera de Eugenio, cuyo legado ha trascendido en el mundo, por medio de un mensaje humanista y bajo una mirada auténtica que alcanzó más de 30 premios nacionales e internacionales. Este mes, a tan solo un par de años de su partida, homenajeamos al poeta, indiscutiblemente, de la realidad.

Ari Aster: sus cortometrajes previos a Hereditary y Midsommar

Por: Brenda Hernández (@lalelilolupita)

El director estadounidense regresa este verano con Midsommar, su segundo largometraje. En él deja de lado las tinieblas para explorar el horror desde una perspectiva diferente. Si bien Ari Aster saltó a la fama con Hereditary (2018), su ópera prima, previamente destaca una serie de cortometrajes en los que explora los temores más profundos del ser humano y el fracaso de las relaciones personales, propio de la sociedad posmoderna.

Familias fragmentadas, transtornos mentales, miedo y falsa normalidad, son algunos de los temas recurrentes del autor. A continuación te comparto los seis títulos:

The Strange Thing About the Johnsons (2011)

En este primer ejercicio, Aster sumerge al espectador en una situación desconcertante: presenta a una familia en la que el hijo adolescente fantasea sexualmente con su padre. Desde el primer momento la relación entre ambos es perturbadora, y con el tiempo se transforma en una dinámica de abuso y control. El padre, entre la espada y la pared, no encuentra otra salida más que confesar a su esposa la culpa que siente.

En casi 30 minutos se retrata un estilo de familia al que el director vuelve constantemente; un hogar que a simple vista parece común, pero al interior esconde secretos oscuros que determinan sus acciones y no los dejan escapar. Quizá una reflexión acerca de las víctimas y perpetradores de abusos sexuales en una sociedad que observa y calla en aras de no quebrar la supuesta normalidad.

Beau (2011)

A punto de emprender un viaje, el protagonista es despojado de la llaves de su apartamento y equipaje. El temor de que alguien entre a su hogar mientras él no está, lo lleva a adquirir conductas paranoicas que poco a poco escalan en un actitud casi esquizofrénica.

Una vez más, el vínculo madre e hijo es desconcertante y explica la actitud de los personajes desde un punto de vista psicoanalítico. La hostilidad del mundo exterior y la angustia de no poder acudir a nadie construyen un relato que salta de la comedia al suspenso.

Munchausen (2013)

El Síndrome de Münchhausen por poder (MSBP por sus siglas en inglés), es un trastorno en el que una persona (generalmente la madre) causa enfermedades a otra sin que exista algún beneficio personal o un factor externo que lo justifique, y es con este nombre que se titula el tercer corto del cineasta.

A través de una técnica superior a la utilizada en sus trabajos anteriores , explora el vínculo madre e hijo en una aparentemente típica familia de los suburbios…hasta que el joven está a punto de marcharse a la universidad. Los delirios de la madre por el temor de perder el control de la vida de su hijo, y la posibilidad de que se separe de ella, la orillan a lastimarlo y sanarlo múltiples veces. Un ciclo de sufrimiento y recompensas perversas que paradójicamente escapa de sus manos. Una reflexión sobre la delgada linea entre el amor y el egoísmo que prescinde de diálogos y demuestra que las acciones son más profundas que cualquier cosa que puedan decir.

Basically (2014)

Muestra la vida de una joven actriz de Los Angeles, quien en un paseo por su mansión, expresa la visión que tiene del mundo y cuenta anécdotas de su vida desde la frivolidad y la falsa empatía que dice tener hacia los menos privilegiados.

El monólogo revela sus creencias espirituales, preocupaciones, dudas y miedos. Con planos estáticos y composiciones perfectas, pinta el crudo retrato de una mujer rodeada de hombres y lujos, pero profundamente vacía. La estética de la casa y los recorridos por la misma son similares a los que más tarde veremos en los trabajos del director, mezclados con momentos de comedia ácida.

The Turtle’s Head (2014)

Bing Shooster, un detective pervertido cuyo principal interés es el sexo y la pornografía, se enfrenta a su más profundo temor cuando al iniciar una investigación para una hermosa clienta, ocurre una tragedia en su vida: su pene comienza a encogerse. La desesperación por detener la disminución lo lleva a obsesionarse con su miembro y a tomar medidas extremas, sin que ninguna tenga éxito.

Esta vez Ari Aster aborda el temor partir de un híbrido entre novela policiaca y comedia, que va del deseo banal a una condena carnal.

C`est la Vie (2016)

Un cortometraje abrumador, en el que a diferencia de Munchausen, el principal recurso es un monólogo que minuto a minuto se torna más intenso, en el que el protagonista relata los momentos desgarradores que marcaron su vida, mientras hace una feroz crítica a la sociedad.

Fuego, asesinatos, desequilibro emocional y familias desintegradas conforman una narración profunda e inquietante a la que el espectador no puede ser indiferente, pues apela a su propio estilo de vida. Temas que el autor retoma, desde una perspectiva distinta en Hereditary. Con una puesta en cámara sencilla y planos abiertos, Ari Aster entrega un manifiesto contra la cultura del consumo, en la que el horror proviene de la vida cotidiana en un sistema fallido.

Al revisar su filmografía es inevitable notar los temas a los que siempre vuelve, además de la sutileza con la que entrelaza sus historias. Es notable evolución de su estilo que pule película tras película y que dan como resultado una fresca visión del suspenso y horror.

¿Estudiar cine en línea?

El resurgimiento del cine independiente no sólo se debe a las nuevas formas de hacer, sino de aprender cine. Asimismo, las escuelas de cine alrededor del mundo se han visto en la necesidad de incorporar nuevas tecnologías para complementar sus planes de estudio.  Ante este escenario es necesario preguntarnos ¿cuáles son los alcances y límites del aprendizaje a distancia?

En el siguiente video abordamos el tema y platicamos con Brenda Medina, Directora de la plataforma Escribe Cine A.C, dedicada a fomentar el desarrollo y profesionalización de cineastas independientes, así como la producción y difusión de sus obras.