Hasta el viento tiene miedo: clásico del cine de terror mexicano

El viento abre una ventana con estrépito, se refleja la sombra de una mujer ahorcada. Y en la penumbra, se escucha un grito. Destaca un magistral uso de las sombras;  en general, una realización impecable. Se trata de Hasta el viento tiene miedo (1968), la obra más popular de Carlos Enrique Taboada, quien antes de comenzar a filmar, elaboró 11 guiones para cine y televisión, de los cuales destacó El espejo de la bruja (1962), considerado uno de los mejores guiones escritos del género de terror.

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La historia de Hasta el viento tiene miedo, contada de forma fina y elegante, nos adentra en un ambiente gótico y de suspenso, apartado del urbanismo, lleno de oscuridad. La trama se desarrolla en un colegio femenino donde se imparte una dura disciplina por parte de la directora Bernarda (Marga López), quien  desempeña un gran papel de antagonista.

Claudia (Alicia Bonet), Kitty (Norma Lazareno), Lili (Rita Sabre Marroquín) y otras amigas, suben a una torre donde se les tiene prohibido el paso. El objetivo es averiguar el porqué de una pesadilla recurrente de Claudia. Al ser descubiertas por la directora, el castigo es pasar las vacaciones dentro del colegio. Serán 10 noches en los que vivirán hechos que días antes jamás imaginaron. Cabe mencionar que por fuentes de las mismas actrices como Norma Lazareno, durante el rodaje era incómodo permanecer solas durante mucho tiempo en algún lugar de la locación, pues se percibía un ambiente lúgubre y extraño que sobrepasaba la intención cinematográfica.

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En las películas de Taboada siempre hay advertencias que pueden provocar impresiones fatales, como una sencilla frase, o un pequeño dialogo entre los personajes. Sigilosa información que alimenta la imaginación e insinúa.

Uno de los principales aportes del cineasta mexicano son los personajes tragicómicos en un entorno de suspenso, susceptibles al fetiche y a otras creencias. En Hasta el viento tiene miedo, los personajes además contienen una dosis de ingenuidad y comedia; juegan con su propia inconsciencia de la situación. Por otra parte, Taboada siempre incluía una porción de realismo, atacando directamente la mente del espectador con la duda.

La escena del striptease, además de funcionar como pre cargando toda la atención del espectador, refleja la vida tan recluida que tienen las alumnas, e inclusive los deseos reprimidos de toda una época.

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La naturaleza asume una característica de personaje que funciona. Y aunque poco a poco se descubre la identidad de aquel misterioso ente que se escabulle en lo alto de la torre, la construcción perceptiva y metafórica del viento carga con el poder de terror.

Los quejidos generan un estado de hipnosis a través del sueño y el inconsciente impulsa el cuerpo de la joven Claudia fuera de su dormitorio; este tipo de situaciones que juegan con el misterio y que provocan a otros personajes, refuerzan con maestría el suspenso, algo que convierte este clásico en un trabajo pulcro en su género, no sólo hablando de México sino de toda América Latina.

El cine nacional nunca ha sido fuerte en este género, y tampoco ha sido constante. Escasas películas de terror sobresalen. Empero el filme de Carlos Enrique Taboada trasciende por la manipulación subconsciente, el adecuado aprovechamiento de pocas locaciones y de un excelente manejo con bajo presupuesto, tomando en cuenta tanto el orden de las ideas, hasta la ejecución de las mismas.

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La películas de Taboada son como lo fue él, y como lo definían personas que trabajaron con él: educado y amable, pero exigente. Siempre rehuía de una secuencia rara, o una escena explicita o de alguna una acción morbosa. Alejándose por mucho de la funesta burla que suele dar el género. Taboada tomó el viejo cliché de la torre maldita o del fantasma y ejecutó un horror eficaz  que provocó en los que vimos el filme desde niños, un temor genuino a los relámpagos, a las horcas y a las ventanas que azotan, pero más que nada a los silbidos del viento.

Soplaba el viento,  y Claudia seguía el lamento

Aunque parecía exento en el lugar ocurría algún evento

Claudia, Claudia… era el quejido en la tormenta…

Y ella no sabía sólo hasta que estuvo delante del muerto

que le robó a la directora el resuello de su último aliento.

Luis Zenil Castro 

Productor audiovisual y dibujante.

 

Justo ahora, mal entonces: El silencio incómodo

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Por: Rodrigo Garay Ysita

Qué cantidad de cosas se guarda el silencio incómodo. Palabras tambaleantes, principalmente; fraseos nerviosos acerca del clima y el tráfico perdidos entre chistes demasiado idiotas para gastar saliva en ellos; eructos y tosidos, anécdotas inútiles, balbuceos sobre las ganas locas de hablarte, sobre el asco y el por favor déjame en paz. Sobre el amor impronunciable.

Observe la seca tensión entre dos personas que no saben qué decirse en esa película coreana cuyo nombre original es demasiado estorboso como para ser escrito aquí (pero que el rigor que dictan las nobles musas de la crítica por internet jamás nos permitiría evadir) y que en español se llama Justo ahora, mal entonces (Ji-geum-eun-mat-go-geu-ddae-neun-teul-li-da, 2015), del autor también coreano Hong Sang-soo, que es un sobrio compendio de silencios protectores de las bellezas y maldades que, brillando por su ausencia, son los secretos que guardan las bocas cerradas por la torpeza.

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El filme, pues, es el relato en dos partes de un encuentro amoroso fallido y de la fantasía que le sigue. O viceversa. Durante la primera hora, el exitoso director de cine Ham Cheon-soo se enamora a primera vista de la pintora novata Yoon Hee-jeong, a quien asedia con proposiciones cafeteras, verborrea y halagos medio hipócritas como buen caballero galante. Durante la segunda, el exitoso director de cine Ham Cheon-soo se enamora a primera vista de la pintora novata Yoon Hee-jeong, con quien quizás tenga que cuidar mejor sus palabras.

Como en La casualidad (Przypadek, 1987), de Krzysztof Kieślowski, en la cual se ilustran tres futuros diferentes de un joven estudiante a punto de tomar un tren, el argumento de Hong Sang-soo juega con las múltiples posibilidades de un mismo hecho inicial. No hay explicación —porque no se necesita— de por qué el director ha dado la vuelta al tiempo y le ha regalado una segunda oportunidad a sus protagonistas, que no están conscientes de que ya se habían conocido en el justo entonces y de que todo les había salido mal.

lkjLas variaciones de la segunda parte de Justo ahora, mal entonces nos servirán a los paranoicos y eternos inconformes como una entretenida purga del costo de oportunidad que hemos tenido que pagar a través de los años. El famoso what if… que enloquece a las mentes nerviosas, que nunca estarán agusto con lo que acaban de decir porque pudo haber sido más certero, chistoso, inteligente o sagaz. ¿Y qué habría pasado si la frase castigada sí hubiera roto el silencio incómodo? Se gana a la chica, se pierde a la chica; se vuelve valiente el cobarde, se dice de más y de menos. De manera tal vez muy simplona, la correcta manipulación del silencio determina si hay decepción o final feliz.

Ahora bien, o Corea del Sur tiene los restaurantes más callados del mundo o la intimidad entre los artistas, sin importar el espacio público que tengan de fondo, es deliberada. Hong Sang-soo dispone de Ham y Hee-jeong como si fueran el último hombre y la última mujer sobre la Tierra, encerrándolos en una burbuja teatral en donde el único sonido es el de sus voces y en donde pocos actores secundarios (y prácticamente ningún extra) pueden interrumpirlos. Vistos a través de largos planos secuencia, los platicadores sólo se esconden y se revelan mediante el diálogo. Hay que agradecer, por cierto, lo espontáneo de las conversaciones en coreano luego de la brutalidad con la que el director destrozó el idioma inglés en su insoportable película anterior, La colina de la libertad (Ja-yu-eui eon-deok, 2014).

ahora-si-antes-no_19A diferencia de Kieślowski, que era mucho más oscuro, Hong Sang-soo navega con ligereza sobre las aguas turbias de la vieja discusión que enfrenta al determinismo y al libre albedrío. Lo único dudoso de su planteamiento (que uno se cuestiona de la manera más improductiva, como suele ser la necedad del preguntón) es la arbitrariedad con la que cambia el destino de sus personajes y, por extensión, con la que define cuándo pintamos de naranja y cuándo de verde, cuándo exageramos de sinceridad y cuándo pasamos desapercibidos por el buen uso de la cómoda diplomacia; es el azar, traído de la mano del guionista caprichoso, el que dicta qué se queda entre dientes y qué se esgrime como sable lingüístico en el duelo de los sexos (pues aquí queda expuesto brillantemente, entre muchas otras cosas, el cambio de poder en una relación bipartita, siempre oscilante y dependiente de palabras mágicas).

Con un optimismo franco que es inusual para la época, Justo ahora, mal entonces muestra una dulce visión de las múltiples versiones del individuo. En uno de esos universos paralelos, Ham Cheon-soo ya no se siente tan solo.

 

Ficha técnica

Dirección: Hong Sang-soo.

Guion: Hong Sang-soo.

Producción: Kim Kyoung-hee.

Reparto: Jeong Jae-yeong, Kim Min-hee, Yoon Yeo-jeong, Gi Ju-bong, Choi Hwa-Jeong, Yoo Joon-sang.

Edición: Hahm Sung-won.

Fotografía: Park Hong-yeol.

Música: Jeong Yong-jin.

País: Corea del Sur.

Año: 2015.

Llega a Youtube el documental de DiCaprio sobre el cambio climático

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Hasta el 6 de noviembre podremos ver en YouTube el documental Before The Flood, en el cual seguimos a Leonardo DiCaprio  en su encomienda como Embajador de la ONU. El actor viaja alrededor del mundo y entrevista a científicos y activistas para mostrarnos las acciones que como sociedad podemos tomar ante el cambio climático y a estas alturas, qué tan grave es el problema ambiental. Pero no sólo eso, también se reúne con personalidades del mundo político como Barack Obama, y del religioso como el Papa Francisco.

Before The Flood es dirigido por Fisher Stevens, a quien recordamos como ganador en 2010 del Óscar al mejor largometraje documental por The Cove. Además de ser narrador, DiCaprio también es co-productor junto a Martin Scorsese.

La película producida por National Geographic, fue presentada en el Festival Internacional de Toronto y se estrenó en cines de Estados Unidos el 21 de octubre. A continuación te compartimos el documental completo en su idioma original.

Where to invade next: la consagración del genio

Es el cambio, el cambio continuo, el cambio inevitable, el factor dominante de la sociedad actual.

 –Isaac Asimov

Hay que enunciarlo pronto, Michael Moore es un genio. El experimentado realizador norteamericano abre una vez más la llaga estadounidense, en esta ocasión Where to invade next (2016) aborda diferentes temas a partir de una premisa básica: las características invasiones del vecino país. El director hace gala de algo que a otros les toma muchísimo y algunos jamás alcanzan, manipula al público a placer. A pesar de su veteranía, Moore está en plenitud de facultades.

where_to_invade_next-727341632-largeCon el paso de los años, el cineasta consolidó un estilo dentro y fuera de la pantalla. Destacan sus debates en programas de televisión y foros de carácter político en donde promueve la igualdad en los derechos del autoproclamado americano. Sin embargo, la mejor exposición de sus ideas se encuentra en los seis documentales que conforman una filmografía crítica, que le ha valido la Palma de oro en Cannes por Farenheit 9/11 y el Óscar por Masacre en Columbine, en donde además ofreció un discurso memorable.

Quienes conozcan la obra de  Michael encontrarán en la película una repetición de la fórmula, pero ahora perfeccionada. La secuencia inicial hace gala del humor de Moore, navega en un buque de guerra bandera en mano con un discurso bélico y noble. Su misión: viajar por Europa y África para robar las mejores ideas en materia de salud, economía, educación etc. Y llevarlas a su nación.

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A través del viaje, el espectador acompaña al protagonista (el mismo director) quien se entrevista con presidentes, policías, presidiarios, directivos y hasta niños. Aquí destaca la elección de los personajes. Si algo sobresale en el cine del documentalista es su capacidad para mostrar los matices de sus entrevistados, todo con el afán de contextualizar al público.  El sentido de la travesía subyace en el cambio, Moore desea modificar la situación actual que se vive en Estados Unidos, ante la controversia electoral, él demuestra que no es ni republicano  ni demócrata,  es un patriota.

Del ejercicio fílmico busca ofrecer una respuesta; que valdría no sólo para su país, éstas tienen cabida en diferentes naciones. Sin querer queriendo Moore otorga una obra vital ante la decadencia progresiva en la que estamos inmersos.

A nivel técnico, lo plausible es el montaje cuya base es el contraste. La música va en una dirección mientras las imágenes se oponen. Esto genera incomodidad ante ciertos temas y comedia en otros. La sátira sirve para atenuar la transición de algún asunto de la realidad a la ficción, aquí se utiliza magistralmente, aunque en este caso, no hay transición, sólo reflejo.

Para finalizar, Moore se entrevista con la primer presidenta de la historia: en Islandia. Y ofrece un gran discurso a favor de la mujer,  de las líderes que cambian constantemente el devenir de la sociedad global. A través de él, emerge un alegato preciso y bien argumentado sobre lo que podría ser el feminismo, alejado de las radicales y vulgares feminazis (que se han ganado a pulso dicho eufemismo). Where tu invade next, es un documental necesario por su profundidad política. Que puede disfrutar absolutamente cualquier espectador y que además es la muestra de la capacidad narrativa de Michael Moore quien a sus 62 años se ha ganado un lugar en el olimpo cinematográfico.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

Maratón Netflix

Con el paso de los días Netflix se consolida como la plataforma por excelencia de contenidos digitales; el usuario entra y selecciona lo mismo episodios de sus caricaturas favoritas como clásicos de culto de la cinematografía internacional. El catálogo del sitio se consolida y amplifica, es por ello que les traemos nuestras recomendaciones para un maratón este fin de semana. Netflix se destaca de otras propuestas por su contenido original, a los cuales le destina cada vez mayor presupuesto y que además, se consolidan en el gusto de la gente:

Stranger things

La ciencia ficción y un centenar de homenajes al cine de dicho género se conjugan para orquestar una historia que se desarrolla en un pueblito de Indiana, en la década de los ochenta. La música, el argumento y un cast que se lleva el corazón del público es una gran elección para el fin de semana. Además, son únicamente ocho episodios.

House of cards

Para quienes gustan del drama político y las rencillas del poder. La serie protagonizada por el genial Kevin Spacey los mantendrá pegados al asiento. Un contendiente a la presidencia de los Estados Unidos y su asenso en el poder son el origen de la trama. El argumento está sólidamente escrito; la pluma de Beau Willimon es la responsable de la historia que sin duda, se asemeja a la tragedia de Macbeth, obra de William Shakespeare.

Hurgando en las secciones se destaca Documental de la que traemos un par de recomendaciones:

Senna

El documental de Asif Kapadia generó polémica entre los jurados de Cannes, el filme formó parte de la muestra pero no entró a la competencia por las reglas del festival. Este narra el ascenso al éxito del piloto brasileño de la Fórmula 1 Ayrton Senna. El director utiliza horas de material de archivo y por medio del montaje elabora una tragicomedia digna de la mejor ficción. A veces, la realidad otorga mejores argumentos que cualquier guion.

Indie game

Opción dirigida para todo emprendedor. En este documental, seremos testigos de tres casos de éxito en el desarrollo de videojuegos. El acierto está en conjugar a quien apenas comienza, quien está en medio del proceso y quien ya lo logró. Cada personaje es un contrapunto del otro, su manufactura es tal que el espectador padecerá la misma angustia que quienes están a punto de lanzar su producto al mercado. Sin duda una de las mejores adquisiciones de la plataforma.

No todas son opciones para adultos, en el apartado de animación Netflix también cuenta con interesantes propuestas:

Rango

Gore Verbinski  es el responsable de las mejores entregas de la saga Piratas del Caribe, el realizador ha navegado por distintos géneros; destaca su versión de El aro, remake del filme homónimo japonés. Rango es un homenaje a las grandes películas del género estadounidense por excelencia, el Western. La animación es diferente a lo que nos tiene acostumbrados Pixar y Dreamworks, con criaturas hiperrealistas y un guión que disfrutarán por igual niños y adultos. ¡Imperdible!

Fantastic Mr. Fox

No todo es animación por computadora. El icónico realizador Wes Anderson elabora esta película a partir de la técnica Stop Motion. La historia narra la lucha por la supervivencia del Sr. Zorro y su familia, que tienen que escapar a tres hombres que destruyen progresivamente su hábitat. A pesar del conflicto en apariencia trágico, se trata de una comedia fársica divertidísima. Que además cuenta con el sello del director estadounidense.

Gerardo Herrera

Guionista, cofundador y editor de Zoom F7

Kubo | Crítica

Cuando retornamos a aquellos lugares en donde fuimos felices con las personas más importantes de nuestra vida, la familia, y ésta ya no se encuentra, la ausencia pega como un mazo directo al estómago, la garganta se entrelaza y la mirada se humedece. Las memorias son lo único que quedan, pocas o muchas nos hacen revivir los momentos que marcaron el camino como mapas que nos han guiado para ser lo que somos.

Al estar en la sala de cine, experimenté una carga sentimental interesante, que sólo logran algunas películas. Kubo (Travis Knight, 201) llega al corazón porque recurre a las experiencias, a lo vivido, a los aprendizajes; destaca el mensaje de la familia y la importancia de la niñez. Y con esto logra estremecer al público. La regresión es inevitable, miles de imágenes, recuerdos y sentimientos se juntan en mi cerebro y me hacen recordar a mis padres, a mis hermanos, mi niñez, la fantasía de aquellas memorias un poco ya desdibujadas por el paso del tiempo.

Laika, el estudio a cargo de la cinta, apostó bien; sus aciertos son desde el guion hasta la realización, casi artesanal. El ensamble de todas las piezas convergen en una gran historia con espectacular atractivo visual.

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La trama tiene lugar en el épico japón, con dioses y mortales. Kubo es producto del amor entre la hija del dios de la luna y un poderoso samurai. La traición sentida por el dios Luna lo lleva a querer deshacerse de la nueva familia, incluso de su propio nieto. Kameyo, madre de Kubo, lucha por salvarlo. Éste se gana la vida en la plaza del pueblo: con los acordes de su banjo cuenta historias para los demás. El guion no deja huecos y justifica cada elemento de manera inteligente. Cuenta con bromas sencillas y entrañables, con excelente timing. La construcción de los personajes es limpia y clara, todos actúan de acuerdo a sus motivaciones y son coherentes con lo que se plantea durante toda la película. Se presentan transparentes, nos vemos  y vemos a otros a través de ellos.

La odisea de Kubo lo pondrá a prueba tanto como a su familia. Los espíritus de la madre y el padre se manifiestan en formas muy singulares. En la lucha por la supervivencia, la familia encuentra la destrucción, pero al mismo tiempo Kubo recibe el mejor ejemplo que unos padres pueden darle.

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El trabajo de animación es otro de los puntos por los cuales Kubo tiene una importante posición en las realizaciones de este año. La técnica es stop motion, y gracias al meticuloso trabajo de los artistas involucrados, en ciertos momentos es difícil definir qué es en 3D y qué se ha hecho cuadro por cuadro; los movimientos son más fluidos y los gestos cada vez más reales. Se puede disfrutar del detrás de cámaras en internet para darnos una idea del nivel de elaboración que conlleva este tipo de tareas. Los estudios ya habían impresionado con Coraline, pero esta vez rompen las barreras. Las expresiones de los personajes van desde las 8 mil diferentes facciones hasta poco más de las 11 mil, sin contar otros movimientos.

Kubo and the two strings recupera la importante función de la familia que parece disolverse cada vez más fácil. Asimismo enaltece la infancia dentro del mundo fantástico de Kubo, un mundo que muchos conocimos cuando éramos pequeños.

Fan Valdés

Pedagoga de formación pero cineasta por convicción, artista plástica en el tiempo libre.

Luke Cage, my nigga

Por: Isaac Avila

 

“(…)Got that crunk, for yo’ trunk, goin gangsta crazy

We some real life hustlers, playin games in the street…”

 -Cypress Hill. Lowrider. 

Hay un unión estrecha entre la cultura de los afroamericanos y el resto de los latinoamericanos. No se puede negar esa sabrosura, el guaguancó y por su puesto el orgullo que representa serlo. Además de la constante persecución en E.E.U.U, basada en prejuicios, que seguimos alimentando ambas partes.

Cuando nos enfrentamos a Luke Cage, podemos oler el barrio entre sus capítulos. La serie trabajó muy bien la construcción del Harlem como personaje. Como bien dicen en muchas partes, “las calles se ocuparán” de regresar el balance de las cosas. Me parece que el Nueva York en las tres series ha sido bastante bien elaborado. Te sientes parte y de alguna forma lo eres. Por lo menos la realidad en las ciudades de México no es muy distinta.

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Por todos lados leemos comentarios de fanboys diciendo “la fórmula de Marvel ya se agotó”, “siempre lo mismo, con sus chistes”, “hacen películas para niños”. Pareciera que en las series todo es distinto, pero no. Si bien el festival de guiños es algo sorprendente (y se agradece), las series tienen la misma estructura. Y si por la sangre y semidesnudos, “es para adultos”, creo que estamos confundiendo prioridades.

Pixar ha demostrado que haciendo personajes con características llamativas para los niños, puede contar historias complejas y cautivar a espectadores de edades avanzadas y variadas. La madurez de un producto y un público puede medirse en el nivel de complejidad que tienen los personajes, las historias y cuánto trasciende en la vida de sus espectadores. Por otro lado, el hype, el idealismo, el fanatismo y poco buen gusto pueden hacer de grandes bodrios un filme de culto. Pero tales características podemos analizarlas en otro texto, ¿a dónde voy con esto?

Luke Cage (y las series con que comparte universo), si bien tienen un gran trabajo de desarrollo de personajes, caen en los clichés y lugares comunes. Odiseo, Jesucristo  y Heracles siempre presentes, como diría el maestro Borges. Esto no está mal, sólo que no explora o innova. También se dice que las contrapartes ayudan a construir al personaje, Cottonmouth tiene un excelente desarrollo en la primera mitad de la serie. Es un villano construido por las circunstancias, de gran inteligencia y temperamento explosivo. Al final, la inclusión de más villanos no ofrece un giro de tuerca, sino el corte de un personaje que pudo ser tan memorable como Fisk.

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Una vez más, dándose cuenta del gran impacto que tiene la música en las historias, Marvel hizo una magnífica selección de temas. En serio se disfruta el desarrollo de los personajes en los momentos cumbre de su trama gracias a las tremendas piezas sonoras. La música de esos barrios tiene historia, razón de ser y pelea por la vida que se anhela pero que sabemos lejana. Hace un excelente match con la entrada que me recuerda American Gangster y películas de los 70 de las que notoriamente tiene mucha influencia.

Visualmente, han marcado un standard lúgubre y oscuro de las calles neoyorquinas. Buenas secuencias y planos. Lamentablemente, las peleas lucen torpes, ¿cómo un superhéroe con gran fuerza y resistencia, que además tiene entrenamiento en boxeo, puede pelear así? Si bien tiene su explicación en su desarrollo, no se justifica la torpeza de las batallas, parece que nadie ensayó bien sus escenas de acción y entregan un material aburrido, comparado con Dare Devil y Jessica Jones.

Argumentalmente aporta poco, so pretexto de estar presentando los orígenes del Hero for Hire. Pretexto que ha usado Marvel los últimos años para entregar productos aburridos y sin estructura porque viene una gran conclusión con las guerras contra Thanos. Cada producto debería funcionar en sí mismo y construir el universo que pretenden presentar.14462850_1135741933186289_4177815943915823203_n

Si bien es entretenida, cae en la monotonía y pierdes la atención en varios capítulos. El desenlace es previsible y muy, muy meloso. El contexto histórico exige esperanza y buen juicio. El proceso electoral parece guionado por un escritor de cómics, en el que el menor de los males siempre traerá consecuencias para las minorías.

Con la inclusión de Iron Fist y Doctor Strange al MCU tendremos a una parte de los Defenders lista para enfrentar la guerra del infinito, ¿será que con esos personajes por fin unan los universos y se justifique la inclusión de tantos personajes en los capítulos finales de esta saga? Sólo esperemos que las entregas sean respetables.