Películas mexicanas en MUBI: siete recomendaciones

Por: César Cárdenas

Como es costumbre, realizamos una excavación en la plataforma londinense de “cine seleccionado a mano”, MUBI, con la finalidad de rescatar algunos vestigios de nuestro cine mexicano. Se trata de un desfile de largometrajes que se mueven entre lo legendario, lo fraternal y lo trágico, y cuyos personajes continúan esbozando los rasgos de los personajes del gran mural del cine nacional. 

Recuerda que en alianza con MUBI, en ZoomF7 te invitamos a disfrutar 30 días gratis en la plataforma.

Películas mexicanas en MUBI: siete imperdibles 

La mujer de Benjamín (1991)

La ópera prima de Carlos Carrera, con la colaboración del maestro Ignacio Ortíz en el guion, es un relato vigente acerca de la cosificación de las mujeres y del machismo acérrimo de nuestro país que aún impera en la sociedad del siglo XXI.

Benjamín (Eduardo López Rojas), integrante del clan pusilánime de viejos libidinosos y ociosos del pueblo, cae perdidamente enamorado de la joven Natividad (Arcelia Ramírez); al no recibir respuesta a sus torpes intentos de coqueteo, decide secuestrarla con ayuda y consejo de sus guarros amigos y su hermana para descubrir que el amor, como los zapatos, es a medida.

Hombres que se atropellan y agrupan para ver una revista pornográfica como gorilas pasados de esteroides; el pueblo es un nido de acosadores, pasiones e instintos reprimidos por una religión cada vez más laxa. En ese sentido, la película es un relato sobre la proximidad sugerente de los cuerpos, la pérdida de la inocencia, la corrupción de un amor puro y prohibido —que resulta en una muestra del dominio— y el control y la posesión de las mujeres, reducidas a objetos de consumo.

Heli (2013)

Bota ensangrentada sobre rostro masculino, pies, mordaza, faje adolescente, cadáver, ahorcado en un puente. El comienzo de Heli, dirigida por Amat Escalante, es vibrante, considerando la crudeza de su contenido y su discurso cuasidocumental acerca del narcotráfico y la violencia que de él emana. La historia de la pequeña Estela (Andrea Vergara) y su hermano mayor Heli (Armando Espitia) es la de un doloroso desenlace gracias a la inmadurez de Estela y su novio Beto (Juan Eduardo Palacios), quien roba paquetes de droga a los narcotraficantes locales para escapar juntos.

El vómito, la fosa, los castigos del entrenamiento de los narcos, el teatro dramático y heróico de la quema de drogas de parte de las autoridades, el contacto directo entre la juventud y los estupefacientes, la tortura ígnea y ese fotograma impresionante de un Heli destrozado frente a una camioneta de combate apostada frente a la puerta de su casa ahora silenciosa son algunos de los elementos disruptivos de esta tragedia moderna.

Sin duda, las radiodifusoras con la palabra de Dios son incapaces de ayudar a los pobladores con venganzas infructíferas y el llanto en la garganta después de haber experimentado semejantes traumas.

La mansión de la locura (1973)

El intrépido Le Blanc, periodista y curioso profesional, decide adentrarse en el hogar de extravagantes maníacos a cargo del doctor Maillard, falso científico de avanzada que tiene entre sus manos un proyecto descabellado de “recuperación y reinserción” a la sociedad para los enfermos mentales de este atípico y simbólico manicomio. La mansión de la locura es un trabajo surrealista, adaptación directa del relato El método del Dr. Tarr y el profesor Fether, de Edgar Allan Poe, con la intervención de Leonora Carrigton en el apartado de vestuario y la actuación estrambótica de Claudio Brook.

La película dirigida por Juan López Moctezuma representa todo un espectáculo de zooms, música lúdica y performances fuera de serie, que parecen plantear que lo que sucede dentro de este sitio es la realidad cruda de la naturaleza humana. Es la depravación total de una secta de hiperactividad que “reduce todo al absurdo” y deforma hasta límites irreverentes y peligrosos el concepto del libre albedrío, combinado con la aparición esporádica de algún corderito, patos o gallinas que enmarcan situaciones tan graves, como la aparición de aquel crucificado con las palabras de la entrada al infierno de Dante o la hipersexualización de la figura de Eugenie.

Una película que causa conflictos internos entre “lo imposible y lo irremediable”, con Le Blanc como héroe impoluto frente a una pléyade de alegorías de bestias y coreografías de aves humanoides entre la razón y las sombras de la memoria misma.

El placer es mío (2015)

Elisa Miller dio vida a un drama lacerante sobre las mutaciones que perviven en las relaciones de pareja mexicanas del siglo XXI. Rita (Flor Edwarda Gurrola) y Mateo (Fausto Alzati) son protagonistas de un relato sobre la adaptación y los intentos desesperados de renovar un amor que está rotunda e irremediablemente caduco.

Mateo, cada vez más distante y cortante, se muda con su novia Rita a una casa familiar en el campo para refrescar sus vidas y prescindir de las comodidades citadinas. La pareja ahora necesita del sexo medianamente espontáneo para mantener una convivencia desgastada que parecía idilio, pero que se ha convertido en infierno humillante.

Es así como la película resulta en una crónica de la violencia de pareja y de la pérdida total de la ilusión cotidiana. Las micro reconciliaciones son el pan de todos los días, sin embargo, el ecosistema que crean se ve reducido a cenizas tras empujar el límite de la paciencia.

Una corriente salvaje (2018)

Bajo la dirección de Nuria Ibáñez Castañeda, Una corriente salvaje presenta una historia de compartir cervezas frente al azul infinito del mar, mientras se relatan anécdotas de antaño y se afianza la idea de los seres humanos como animales sociales, gregarios. La directora captura las rutinas y ritos de Omar y Chilo, dos hombres con una particular relación de amistad fuera de toda norma que ronda en torno al oficio de la pesca y los animales que llegan a las costas por las que caminan, completamente alejados de las mareas de gente y la urbanidad sofocante.

En la película, es la inmensidad del paisaje frente a una relación tan privada lo que impacta; la charla bajo el agua, el dolor de las conversaciones, la distensión de los recuerdos clavados en los poros de la piel, que convierten todo en algo tremendamente profundo de dimensiones fraternales.

Además, la directora se permite el reclamo de los amigos y una cámara que se adentra en el día a día de otras masculinidades, en las otras realidades laborales, en las otras preocupaciones, necesidades e intereses que van desde el aspecto de una jaiba hasta las especificidades de un par de géneros musicales.

Japón (2002)

El enfant terrible del cine mexicano, de acuerdo con el cineasta alemán Win Wenders, Carlos Reygadas, debutó con esta película en el que un hombre misterioso tiene la misión personal de terminar con su vida, y para ello necesita de toda la tranquilidad posible que encontrará entre los hospitalarios pobladores de una comunidad remota y precaria.

Los gritos de un cerdo agonizante, la gran mancha de sangre tras su sacrificio y el destino confuso forman un gran rito de preparación para la muerte. Destaca un vínculo místico entre el personaje principal y una mujer interpretada que tiene algunos tintes de la misteriosa señora Consuelo de Aura, la novela de Carlos Fuentes.

Un relato de decadencia y búsqueda de “la serenidad” que reta a los espectadores a sumirse en una reflexión profunda, tal y como lo hace el protagonista.

El lugar sin límites (1978)

Para cerrar la recapitulación de películas mexicanas en MUBI, traigo uno solo de los ejemplos de la presteza de Arturo Ripstein: El lugar sin límites, basada en el texto homónimo de José Donoso y estrenada en 1978. El filme se ha convertido en todo un clásico del cine mexicano que destapa las depravaciones humanas y las enajenaciones de un pequeño pueblo sin luz eléctrica;  lugar es el infierno mismo, el pecado, el veneno, el fango y el hilo rojo con el que se hilvanan las vidas de los protagonistas que se preocupan por su edad y sus arrugas.

“La Manuela” (Roberto Cobo) y su hija “La Japonesita” (Ana Martin) se ven en un aprieto de considerable magnitud al regreso de Pancho, un gamberro de quinta que ha lastimado a “La Manuela” en el pasado y que despierta sentimientos encontrados en todo el cabaret. Destacan imágenes teatrales y la calidad de actrices y actores con los que contó la producción, revestida de un color rojo muy particular que se repite en habitaciones, vestidos y labiales, como advertencia de la sangre que será derramada por la homofobia recalcitrante.

La película dejó fotogramas legendarios como el baile entre baile entre “La Manuela” y Pancho, muestra del estereotipo del conservadurismo macho que remata con Perfume de gardenias y la falsa esperanza de la Japonesita de que su padre regresará en un par de días.

¿Qué otras películas mexicanas en MUBI recomiendas?