Tres memorables representaciones de la muerte en el cine

“Y cuando el Cordero abrió el séptimo sello,

se hizo silencio en el cielo como por media hora”.

Apocalipsis 8:1

 

En este mundo sólo hay dos cosas seguras: la muerte y los impuestos. La anterior sentencia, adjudicada popularmente a Benjamin Franklin, no sólo ironiza la tan obligada recaudación tributaria, sino que también redunda lo que todo ser humano sabe: la muerte es inevitable.

La fascinación por la muerte es tal, que desde que somos conscientes de nuestra mortalidad hemos tratado de encontrar respuestas para entenderla; también hemos imaginado distintas posibilidades de seguir viviendo más allá de esta realidad. Muchas religiones y creencias han brindado ese consuelo de que la muerte no es el final de nuestra existencia, sino el inicio de una nueva etapa.

Al ser un animal creativo, el ser humano ha explorado el tema de la muerte en todo tipo de obras de arte, desde la pintura hasta la escritura, y el cine no es la excepción. Géneros dramáticos como la tragedia y la tragicomedia se basan en el constante acecho de la muerte al protagonista, la muerte también puede ser el premio o el castigo para el protagonista o el antagonista, dependiendo la historia. Y claro, hay casos en los que la muerte se vuelve una figura determinante en la trama. Aunque hay muchos ejemplos en los que hace acto de presencia en ¿carne? y hueso, nos enfocaremos en tres películas fundamentales de la historia del cine en las que es un personaje principal que mantiene un conflicto directo con el protagonista.

Representaciones de la muerte en el cine 

El amor

La primera representación importante de la muerte como un ser antropomorfo ocurre en La muerte cansada o Las tres luces (Fritz Lang, 1921), una película silente del cine expresionista alemán basada en una canción de seis estrofas. En camino a un poblado recóndito,  una pareja de enamorados se encuentra con un hombre misterioso, quien resulta ser la muerte. Al detenerse en una posada para descansar, el novio desaparece y la mujer lo busca por todos lados, hasta que se da cuenta que se lo ha llevado la muerte.

Un filme brillante que destaca por tres puntos esenciales. El primero es su estructura narrativa; cuenta una historia lineal que además aprovecha el flashback (y otro tipo de saltos temporales) para presentar más información de los personajes o de sus acciones, sin afectar el ritmo, además, cuenta con subtramas autoconclusivas que pueden funcionar de manera independiente al relato principal. Otro punto es el uso de los efectos especiales, importantísimos para mostrar los elementos sobrenaturales de la historia, los cuales se logran por medio de fundidos y exposiciones múltiples. Finalmente, es de resaltar el trabajo de fotografía, encargada de darle vida a lo lúgubre y macabro.

En cuanto a la muerte, el relato presenta a un ser solitario y cansado de su propio trabajo, que ha ejecutado perfectamente desde siempre. En parte, esto motiva al personaje a escuchar las súplicas de la mujer, pero también le revela que ni siquiera el poder del amor puede hacer frente a la muerte.

La duda

Inspirada en un pasaje del libro del Apocalipsis, El Séptimo sello (Ingmar Bergman, 1957) explora los pensamientos e inquietudes religiosas y filosóficas del director sueco. Ambientada en la Europa de la Edad Media y en un periodo de peste negra, la película aborda el regreso del caballero cruzado Antonius Block (Max Von Sydow) a su tierra natal. Block tiene la intención de retrasar el final de su vida, que ha sido reclamada por la muerte en persona (Bengt Ekerot); para evitarlo, reta a la muerte a una partida de ajedrez: si él le gana, no tendrá que irse con ella.

La importancia y relevancia de El séptimo sello se encuentra en las conversaciones que ambos entablan a raíz del enfrentamiento. Platican sobre la existencia De Dios, sobre el silencio de este con la humanidad, además del sentido de la vida o de la existencia…temas que le preocupan bastante al cansado Antonious Block.

Tanto El Séptimo sello como el personaje de la muerte han sido homenajeados y referenciados en buena cantidad de películas y otros productos culturales, lo que remarca su importancia en la historia del cine y de la cultura pop. Más allá de su aspecto físico y vestimenta, la muerte es una entidad de rostro pálido y actitud determinada que seguirá al caballero Antonious hasta que este ya no pueda alargar más su periodo de vida. Dicho seguimiento no es gratuito: la muerte sabe que nadie puede escapar de su cruel destino. Aun así seguirá observando a Block de cerca para poder dialogar con él.

El hambre

Macario (Roberto Gavaldón, 1960) es la historia de un leñador que vive en la pobreza extrema y cuya mayor ambición en la vida es comerse un pavo entero él solo. Consciente de esto, su esposa logra conseguir un guajolote y se lo prepara. Macario se lleva el manjar al bosque para no compartirlo con nadie y justo allí será visitado por el Diablo, Dios y la Muerte, quienes le pedirán un pedazo del ave.

A diferencia de los conflictos de La muerte cansada y El séptimo sello, motivados por emociones e inquietudes específicas, en Macario una necesidad obliga al protagonista a convidar de su pavo al famélico intruso: el hambre. Al ser su única oportunidad de cumplir con su mayor deseo, Macario le ofrece la mitad de su pavo a la muerte; de esta forma podrá comérselo al mismo tiempo que su invitado, y así ganar minutos extras de vida.

La representación de la muerte retoma algunos elementos de las películas anteriores e incorpora nuevos, más apegados al contexto latinoamericano. La película manifiesta a la muerte como un campesino flaco y hambriento (evocándonos a los pueblos que sufren frecuentemente el acecho de esta), aunque psicológicamente es una entidad menos severa, filosófica y más abierta al sentido del humor. Esta versión de la muerte se complementa mucho con la visión de la película sobre la situación de las clases menos favorecidas, un mundo donde pobres y ricos mueren por igual pero al menos los ricos viven bastante bien.